Shark in Venice

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attori alcolizzati in bulgaria, shark in venice, sorella cessa di scarlett johansson, stephen baldwin

Attenzione: possibili spoiler. Se qualcuno mai avrà il coraggio di vederlo.

David Franks e la sua fidanzata Laura intraprendono un viaggio in Italia per indagare sulla morte del padre di David, un noto sommozzatore che pare aver perso la vita in un tragico incidente durante un’immersione a Venezia. David capisce che il padre stava lavorando per conto della mafia veneziana, interessata ad una sensazionale scoperta dell’uomo: nascosto nei tunnel subacquei, fra i canali veneziani, infatti vi è il tesoro segreto dei Medici. A questo aggiungiamo che a nasconderlo sono stati i Templari e che la ricerca parte dalle mappe di Marco Polo (?!?) A complicare le cose, se è possibile, troviamo un enorme squalo (ma probabilmente anche più di uno, la cosa non è molto chiara) che nuota indisturbato nella laguna.

Se state cercando un senso a quanto appena letto potete rinunciarci. La vicenda è il delirio più assoluto, ma non quel genere di nonsense consapevole, forzato, esasperato di film come Sharknado o Ghost Shark. Ancora in maniera più esilarante, sembra che il film si prenda quasi sul serio come se lo sceneggiatore avesse davvero creduto che il mix Venezia/templari/squali fosse quanto meno accettabile. Il regista Danny Lerner torna alla carica con un altro imperdibile (no) film di squali dopo i suoi precedenti Shark Zone e Shark Invasion, che vede fra gli scialbi protagonisti Stephen Baldwin e Vanessa Johansson, la sorella cessa e sfigata di Scarlett Johansson.

La vicenda si rifà a film come Il codice Da Vinci ed Indiana Jones (mi sento in imbarazzo solo a citarli in questo contesto). David è un professore e studioso di antichità (talmente esperto che per lui Medici si pronuncia “Médici”) alle prese con un’indagine storica credibile ad accurata (sarcasmo). Le sue ricerche lo conducono all’ingresso sottomarino della grotta del tesoro, piena di trappole mortali che lui riesce facilmente ad evitare. La sequenza più figa del film, e probabilmente quella che ha assorbito il 90% budget, è quella che ci viene mostrata durante la lettura della carte di Marco Polo, dove vediamo l’assedio da parte dei templari a cavallo che distruggono e depredano il villaggio massacrandone gli abitanti. In che modo la scena ci è utile ai fini della trama? Nessuno, ovviamente.

Inseguimenti, scazzottate e sparatorie: ma in tutto ciò, dove sono gli squali e cosa diavolo c’entrano? Si scopre ben presto che il boss mafioso Vito Clemenza (tipico nome veneziano), per evitare che qualcuno ficcasse il naso nei suoi affari, ha liberato dei piccoli di squalo fra i canali per usarli come cani da guardia una volta cresciuti. Una trovata geniale, considerando che gli squali rendono impossibile la ricerca a cui sta lavorando divorando gli scienziati da lui assoldanti ed un numero imprecisato dei suoi scagnozzi.

I nostri beneamati pescioloni in realtà non si vedono poi così tanto, e quando lo fanno sono per lo più scene di repertorio rubate a documentari oceanografici, dove si capisce chiaramente che la creatura sto nuotando in mare aperto, fra le onde ed i pesci tropicali. Gli attacchi ai danni degli umani sono resi con una poraccitudine imbarazzante: la telecamera che si muove avanti ed indietro fra le bolle sott’acqua seguito dal frenetico montaggio di scene di stock con squali che mordono cose di vario tipo -non ha molto importanza di cosa si tratti.

Fantastica la sequenza di un attacco quando, durante il consueto flash di scene di repertorio, si vede anche uno squalo mordere il fondo di una barca (già usato anche in Shark Zone), totalmente a caso visto che nella scena non c’era nulla del genere. In pratica non si vede niente di niente, se non appunto roba riciclate da documentari o altri film. E fino a qui, ok, film brutto ma non osceno. Solo al minuto 40 parte il trash vero e proprio: l’enorme squalo bianco balza fuori dall’acqua in tutta la sua gloriosa CGI del cazzo, come da tradizione, e azzanna una coppietta ubriaca.

In realtà le scene in computer grafica sono giusto un paio e il trashometro rimane purtroppo basso, anche se l’attacco alla gondola vale da solo il film. Parliamo ora di una delle componenti chiave: l’Italia e gli italiani. Partiamo subito col dire la cosa più importante: il film non è stato girato a Venezia. Sì, c’è qualche ripresa di repertorio della città, più alcune scene filmate da una barca dal fortunato cameraman mandato in Italia per l’occasione, ma nessuno del cast ci ha veramente messo piede. Gli esterni sono stati ricostruiti (male) in uno studio in Bulgaria, il film si sarebbe dovuto intitolare “Shark in Bulgaria” ma è stato poi cambiato in “Shark in Venice” perché faceva più figo.

Se vi sembra di notare qualcosa di innaturale è perché ogni tanto, fra un edificio e l’altro, troviamo aggiunta l’acqua in una computer grafica come sempre posticcia. Gli italiani vengono chiaramente rappresentati nella maniera più stereotipata possibile, come il tizio che mentre ringrazia manda con entusiasmo baci allo schermo del computer, perché come è noto gli italiani gesticolano e baciano tutti. Non poteva mancare l’italianissima mafia. Il boss, interpretato dal nostro connazionale Giacomo Gonnella, recita in inglese aggiungendo qua e là parole in italiano -come a voler sottolineare che sì, siamo proprio in Italia! – con la conseguenza di strappare risate involontarie. Come rimanere seri difronte a frasi come “Rossi, answer me! Vaffanculo!” o ancora meglio “I put the bambino sharks into the canal”.

La cosa pazzesca è che nonostante Gonnella sia proprio italiano pare quasi che si sforzi per dare una pronuncia “italo americana” alle parole, come se già il suo personaggio non fosse abbastanza ridicolo. Apriamo una parentesi per parlare della scelta dei nomi dei personaggi italiani, alcuni presi direttamente dal panorama calcistico: troviamo il luogotenente Totti e il covo dei cattivi posto nella “laguna Del Piero”. No, non sto scherzando. Nel gran finale David ed il boss si azzuffano e finiscono sott’acqua, mentre alla base dei mafiosi fanno irruzione le forze dell’ordine iniziando una sparatoria che sembra non finire mai, mentre i protagonisti vengono completamente ignorati. Dopo 10 minuti finalmente finiscono di spararsi, David e Vito sono ancora sott’acqua che tanto l’ossigeno è un optional, e finalmente arriva lo squalo che si pappa il cattivo.

Concludiamo in bellezza con la fidanzata di David che si lancia in una battuta di chiusura a dir poco esilarante “Promettimi che non verremo in luna di miele a Venezia” e a quel punto col sorriso sulle labbra lo spettatore può procedere ad impiccarsi all’armadio. Per concludere: Shark in Venice è film con pochi squali e pochissimo sangue ma che riesce comunque a non annoiare grazie ad una trama totalmente delirante. Cose che si fanno ricordare: -La location senz’altro atipica (anche se fasulla) per un film di squali -La scena del gondoliere divorato Consigliato solo ai patiti di low budget squaleschi per passarsi un’ora e mezza in idiozia. Tutti gli altri: per il vostro bene, statene alla larga.

Silvia Kinney Riccò

Shark in Venice

Regia: David Lerner

Interpreti: Stephen Baldwin, Vanessa Johansson, Bashar Rahal, Giacomo Gonnella

Durata: 88 min.

Se volete leggere anche un altro punto di vista sul film (ma credetemi non cambia di tanto) qui il link dell’amico Zinefilo

 

 

The Shallows

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blake lively, cinema, Jaume Collet-Serra, manuel ash leale, recensione, recensioni, the shallows

Ci risiamo.

Arriva l’Estate, per antonomasia e ovvie ragioni la stagione delle vacanze, del mare, del divertimento in spiaggia e dei teneri amori adolescenziali. Ma, soprattutto, la stagione dei film con protagonisti terribili mostri marini assetati di sangue e famelici di carne umana. In tanti anni di cinema ne abbiamo viste di cotte e di crude, ogni tipologia di creatura, reale o fantastica, ha attraversato la nostra strada di spettatori emozionandoci o, purtroppo il più delle volte, annoiandoci con avventurose e orrorifiche soluzioni. Guardandoci alle spalle possiamo annoverare piovre giganti, coccodrilli, piranha, barracuda, altri pesci di diverso tipo, mutazioni, incroci e, infine, il preferito di tutti, il re dei monster movie da quattro soldi, l’imperatore del trash ittiologico: lo squalo.

Non provo nemmeno a enumerare i film con lui come protagonista, perché, specie negli ultimissimi anni, c’è stato un boom incredibile di shark movie più o meno beceri, roba da far accapponare la pelle nemmeno lo squalo ce lo trovassimo davvero di fronte in acqua. A due o tre teste, con i tentacoli, gigantesco, robotico, nella sabbia, persino fantasma. Ma come ti viene in mente un film con uno squalo fantasma?! È così folle da rasentare il genio. Insomma, l’amore per i selachimorpha pare inesauribile, come testimonia il successo degli ultimi cult di casa Asylum, i quattro Sharknado che tanta meschina felicità donano alle serate ignoranti degli inossidabili cultori di b-movie. Così, al centesimo titolo che prelude la lotta uomo vs uno dei predatori più perfetti del pianeta, scappa un sussulto, un passo indietro con sorriso imbarazzato. Un altro? Davvero?

The Shallows arriva in questo clima di perplessità marina e scatena subito la risatina sarcastica del cinefilo navigato, così come lo sbuffo annoiato del fan di shark movies. L’unica cosa che pare interessante è Blake Lively e il suo corpo mozzafiato, stretto in un bikini per tutta la durata del film. Ecco, so cosa state pensando, perché tutto appare ora come un gigantesco cliché: bella ragazza svestita, squalo che attacca famelico come non ci fosse un domani, vittime ignare, le solite cose. Di nuovo.

Lo ammetto, è stato il mio identico pensiero e non ci fosse stata la Lively in costume per ottantasette minuti avrei snobbato tutto quanto, rimandando la visione a un altro momento. Lo farebbe chiunque leggendo una trama come questa: una surfista scova la spiaggia segreta dove la madre, recentemente scomparsa, praticava surf e resta intrappolata su di un piccolo scoglio assediata da un grande squalo bianco, che le impedisce di raggiungere la riva. Punto. Vi giuro, è tutto qua. Niente di più, niente di meno.

E che il Dio Cinema mi fulmini, funziona maledettamente bene. Lasciamo da parte Jaws, così come Shark attack o simili, non siamo di fronte a un capolavoro, e nemmeno a un film di serie z, bensì a un lavoro onesto, senza troppe pretese se non quella di intrattenere. Cosa che The Shallows sa fare, grazie alla regia di Jaume Collet-Serra, attenta, sapiente, capace di trasportare lo spettare nel crescendo della vicenda, e grazie anche alla scrittura di Anthony Jaswinski, dal ritmo serrato, pragmatica, senza fronzoli. La narrazione di Paradise Beach – Dentro L’incubo, fantasioso titolo italiano con il quale il film approderà nella penisola in Agosto, è molto tesa, una corsa sulle montagne russe capace di funzionali picchi tensivi e adrenalinici, senza momenti vuoti o inutili, ma intelligentemente costruita per rendere appieno la situazione altalenante che vive la protagonista. A questo proposito, Blake Lively non delude, sebbene talvolta appaia forse un tantino esagerata nell’esternazione delle emozioni, risulta comunque credibile, perfettamente in grado di sostenere il peso dell’intera storia sulle spalle senza problemi. La sua battaglia contro un natura che sembra spietata non è dettata dalla vendetta o da qualche soluzione poco attendibile, ma dalla più realistica delle motivazioni: la fame da una parte e la sopravvivenza dall’altra. Un binomio mai slegato che permette una lettura diversa di tutta l’operazione. The shallows non ingigantisce nulla, non mette in scena bestie che bramano il sapore del sangue umano e neppure genitori il cui figlio è finito nello stomaco di uno squalo. La sua naturalezza è semplicità e questo è da considerarsi, in questo caso, un punto di forza.

La preoccupazione di ritrovare nel film di Collet-Serra tutto ciò che ha reso stantii molti degli altri shark movies viene annullata dalla scorrevolezza e dall’onestà intellettuale del film. Indubbiamente deve qualcosa a Jaws, non è una sorpresa, ma dallo squalo splendidamente ricreato, e intelligentemente poco mostrato, fino al lavoro di tutto il cast, sia tecnico che artistico, The shallows dimostra una sua personalità. Nonché i dignitosi meriti di un film che non aspira alla leggenda, ma solo a divenire un piccolo piacere per spettatori disillusi.

Manuel “Ash” Leale

The Shallows
Anno: 2016
Durata: 87 min
Regia: Jaume Collet-Serra
Sceneggiatura: Anthony Jaswinski
Fotografia: Flavio Martínez Labiano
Montaggio: Joel Negron
Musiche: Marco Beltrami
Scenografia: Hugh Bateup
Interpreti: Blake Lively, Óscar Jaenada, Brett Cullen

I ragni culoni e vomita lava di Mike Mendez

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andrea lanza, attori ricoglioni che fanno jogging nudi, big ass spider, dominic purcell, film brutti di sky, gravedancers, lavalantula, mike mendez, oakley stevenson, ragni giganti, recensione, recensioni, registi innamorati non corrisposti, steve guttenberg, the convent

Mike Mendez non si può certo dire un regista conosciuto al grande pubblico, ma è un regista con le palle, questo sì. La sua carriera conta almeno un film wow, uno di quelli che ti fa scorticare le mani dall’entusiamo, quel The convent che iniziava con l’ingresso in chiesa di  una ragazza (Oakley Stevenson, la ex del regista) fucile a pompa in mano, occhiali scuri e musica anni 50 di sottofondo, e che continuava con suore demoniache sbavanti slimer verde in un’orgia di splatter e umorismo nero. Una cosa che, magari, se non sei cresciuto a pane e Kevin S. Tenney, cullato dal suo immenso La notte dei demoni, non puoi capire, ma, anche non capendolo, è l’adrenalina che sale, è la figaggine dell’insieme che tocca il vertice Armata delle tenebre, quindi il massimo del top cool consentito. Anche il suo Gravedancers non è male ed è quasi un mezzo miracolo perchè di solito vale l’assioma “Dominic Purcell nel cast, merda di sicuro”, ma stavolta, pur essendoci Dominic Purcell, il gigante pelato di Prison break, il Drake di Blade Trinity, il disastro non avviene, pur essendo il film non un capolavoro ma un’onesta pellicola spaventella di fantasmi (con sempre Oakley Stevenson fighissima a fare capolino).

Capolavoro

E’ in questo periodo che il buon Mike dev’essere caduto in depressione e, vuoi i problemi di coppia con Oakley, vuoi che i suoi film non sono propriamente dei campioni di incassi, viene fagocitato dalla tv e dal cinema più basso, quello che gioca a fare Hollywood con i soldi del Monopoli. Questi vampiri moderni che già avevano azzannato e prosciugato il bravissimo Sheldon Wilson,uno che da un capolavoro come Shallow ground ha girato solo merde televisive come Mega Cyclone, Snowmageddon, Shark killer e Scarecrow, ora ci provano con Mike nostro. Eccolo allora al soldo della Epic Pictures, già artefice del peggior lavoro di Darren Lynn Bousman 11-11-11, con Big Ass Spider, e poi del canale Syfi, quello che vive di asylumate come Sharknado, con Lavalantula, che non è un film sulla bella lavanderina ma su dei ragni che vomitano lava.

Mike Mendez se la cava meglio del previsto e riesce a portare a casa, almeno con Big Ass spider, un film spassoso.

Merito dei dialoghi brillanti e della simpatia di Greg Grunberg, amico di J. J. Abrams e uno degli Heroes più carismatici dell’altalenante serie tv, l’agente Parkman, capace di leggere il pensiero altrui.

Big ass spider ha una marcia in più rispetto a tutti i film sui ragnoni giganti che infestano le serate di Sky Max: in primis ha ritmo da vendere, una regia potente e tanto divertimento. Nella prima parte si respira aria sincera da drive in, un po’ alla Bert I. Gordon, con le tarantole giganti a fare danni in città. Non dimentichiamo che Mendez qua e là ci infila qualche elemento scorretto come un fotografo dilaniato dalle zampone dell’insetto gigante o un barbone con il viso liquefatto dalla bava all’acido della creatura. Purtroppo gli effetti speciali sono quello che sono e nella seconda parte si percepisce un’aria di miserabilità indecente con riprese velocissime e forzatamente dillettantesche per mascherare il budget bassissimo. Però che meraviglia l’intro con Greg Grunberg che si sveglia sulle note dolcissime di Where Is my Mind mentre la città è impazzita e il ragno gigante sta scalando, tipo King Kong, un palazzo. Non dimentichiamo poi il genio suicida di chiamare un film Ragno culone e pretendere di essere preso sul serio. Per la cronaca quel culone lo faranno esplodere a colpi di bazooka.

Il film mantiene con grazia quella dimensione di umorismo che non scade mai nella parodia demenziale anche davanti a situazioni assurde, e la malassortita coppia Greg Grunberg/Ruben Pla, il disinfestatore e la guardia di sorveglianza ispanica, sono pronti, almeno sulla carta, a tornare in Scarrafone culone sulle note di La cucaracha. Film che ovviamente non si farà mai.

Il resto del cast, da Ray Wise, ex papà di Laura Palmer, alle bonissime Alexis Kendra e Clare Kramer, non lasciano il segno, con performance stanche e di maniera, e personaggi presentati e poi abbandonati senza molta logica.

Sia ben chiaro siamo davanti ad un film che risica un 6 sulla pagella, ma per lo meno è ben confezionato e non annoia.

Peggio però Mendez farà con Lavalantula, prodotto dalla Syfi sulla falsariga del successo Sharknado. Se nel film dell’Asylum il genio era di unire due elementi eterogenei come squali con tornadi, qui si fa lo stesso con tarantole e vulcani. Lo scenario d’altronde è sempre la Los Angeles di Big Ass Spider, questa volta in piena eruzione di un vulcano, dal quale fuoriescono ragnoni incazzati che vomitano lava. Per ampliare l’effetto puttanata quale ideona butta fuori la Syfi? Resuscitare il cast di scuola di polizia per combattere la minaccia aracnoide. Giuro. Il cast di Scuola di polizia o almeno gli attori rimasti in vita o con bollette troppo care da pagare.

Tremate ragnoni!

Ecco allora in pista, Steve Guttemberg, l’ex Carey Mahoney, Marion Ramsey e la sua fastidiosa vocina, la tettutissima Leslie Easterbrook, e naturalmente Michael Winslow con l’immancabile scena d’imitazione di un’arma da fuoco. In mezzo a questo aggiungiamoci una regia mai così distratta di Mendez, effetti speciali più brutti di Big Ass spider che già erano oltre il brutto, battute autoreferenziali su Scuola di polizia che non fanno mai ridere, scene di inseguimento da comiche anni 30 e, dulcis in fundo di questa merda, l’apparizione senza senso di Ian Ziering da Sharknado che afferma “Sono già impegnato con gli squali, scusate”. Sono già impegnato con gli squali? Ma vaffanculo, Ian.

Momento epico

Sembra che Steve Guttenberg abbia accettato con gioia l’idea di fare questo Lavalantula, rilasciando dichiarazioni come “Il mio film del rilancio” che ben fanno intendere la sua fragile situazione mentale. Tempo fa i paparazzi l’avevano ripreso che faceva jogging a Central Park senza le mutande e i pantaloncini, in grave stato confusionale. Leggenda racconta che l’Asylum avesse proposto proprio a lui il ruolo di protagonista in Sharknado e che lui l’avesse rifiutato. Non gli deve essere sembrato vero accettare Lavalantula! L’occasione di una vita!

Lavalantula purtroppo è un film fastidioso, noioso e, Dio sia ringraziato, ce lo siamo, per ora risparmiati in Italia. Siamo sicuri però che tra uno Sharknado 4 e un Mega squalo contro Atlantic Rim, apparirà, prima o poi, nei peggiori palinsesti di Sky tv.

Questo però non toglie che Mendez sia un regista di alto valore e speriamo che il prossimo Don’t Kill It con Dolph Lundgren che prende a fucilate i demoni dell’inferno lo risveglino dal torpore dei ragni culoni e delle tarantole che assediano la Scuola di polizia.

Oakley spezzacuori

Poi Mike davvero ci sono altre donne oltre a Oakley, la vita continua, basta farsi male.

Andrea Lanza

Che faccio, Mike? L’imitazione di un fucile?

Shark week

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asylum, attori rimbambiti, christopher ray, fred olen ray, patrick bergin, squali alpitour, squali incazzati, yancy butler

L’Asylum, quella meravigliosa gabbia di matti che sarà ricordata negli annali non per la qualità delle loro opere, ma per la loro miserabilità, dopo il successone interplanetario di Sharknado, tornadi con dentro squali, ha aperto le porte a una serie di shark movie bizzarri, a volte prodotti da loro, a volte imitati da altri, come l’incredibile Sharktopus vs Pteracuda, “una storia d’amore” come recita il delirante sottotitolo.

Una storia d’amore ispirata ad eventi veri…

L’Asylum dal conto suo non ha prodotto “storie d’amore” ma se l’è cavata benissimo con squali a tre teste, mega squali contro Robot titanici che neppure il Titan di Zagor si immaginava, Mecha squali e chi più ne ha più ne metta, tanto che si vocifera uno spin off tra Ice T vestito da squalo e Don Salvatore di Gomorra, sullo sfondo di una Scampia pericolosamente somigliante alla Ibiza postatomica di Atlantic Rim.

Over faij, Lanza?

Con Shark week diciamo che l’Asylum aggiusta il tiro, apparentemente: niente stronzate esagerate, niente parossismi assurdi e telefonati, siamo in campo horror torture porn, roba mica da ridere, una cosa che suona come Lo squalo incontra The saw. Quindi il plot vede un gruppo eterogeneo di sfortunati protagonisti svegliarsi su un’isola deserta, in balia del sadismo di un boss della droga, El tiburon, fissato, visto il suo nome, con gli squali. Il film appunto è una sequela di prove che i poveri sfortunati dovranno superare per sopravvivere e che sono sempre, con la variante della specie affrontata, una battaglia con un pescione, di volta in volta, più cattivo e feroce.

Il regista Christopher Ray, figlio del mitico Fred Olen Ray di tante zozzonerie anni 80 che amiamo, ha una regia abbastanza elegante e all’inizio sembra quasi crederci alla storia, riuscendo, pur nell’incapacità di girare una scena di lotta decente e non ridicola, a dare un minimo di suspense al film. Poi naturalmente tutto diventa un asylunata.

Sono Christopher Olen Ray e vi giuro che sono bravo! Ho pure il martello di Thor!

Quindi, via di terreni che crollano a comando, di squali uccisi a mani nude con i cazzotti o con legnettini che non farebbero il solletico neppure al mio pisello che per antonomasia è sensibile, di terreni minati pericolosissimi che bisogna stare attenti a dove metti i piedi, ma che poi basta correre e ti salvi, le stesse mine che non esplodono mai, neanche se le scuoti, ma che quando lo squalo ti attacca, boom, esplodi con lui.

Peccato perchè proprio Cristopher Ray aveva girato una versione femminile non male di Expendable, Le mercenarie, con il guizzo di metterci come villain proprio l’ex moglie di Stallone, Brigitte Nielsen. Sono sicuro che il ragazzo, lontano dall’Asylum, se mai lo farà, potrà fare qualcosa di buono, ma dovrebbe rivedere alcune sacrosante regole del B movie. Ovvero, se non hai budget, se il tuo film è cretino, se i tuoi attori fanno schifo al cazzo, mettici delle tette. Le tette non salvano il disastro, ma rendono tutto meno disgustoso, come un pompino dopo un pugno, come il cacio su dei terribili maccheroni, come un po’ di budello quando non sei zio Alfred. Per Christopher, anima pura, purtroppo le tette non esistono, esistono solo brutti squali in pessima computer grafica e la gigioneria di Patrick Bergin nel ruolo del Tiburon.

Patrick Bergin che fa il cattivo sornione

Ora io Patrick Bergin non lo vedo da un po’, ma lo ricordavo bravo, con i suoi baffoni da serial killer anni 90, preso ad infastidire una Julia Roberts ancora scopabile in A letto col nemico o a fregare la gente nella versione discount di Robin Hood senza Kevin Costner, un attore dignitoso, con carisma, ma è brutto constatare che, dopo 20 anni di oblio, sia diventato il peggior cagnaccio sulla terra.

Patrick Bergin in Shark week è col pilota automatico di gigioneria fuori controllo, strabuzza gli occhi, fa le facce, urla, poi all’improviso si quieta per bere sangue di squalo e urlare ancora più forte. Una cosa che neppure nei peggiori filmacci girati da Bruno Mattei, quando l’attore protagonista americano era in evidente botta di droga o di vinazza, potevi vedere e che, sapendo che hai davanti Patrick Bergin in mood Al Pacino di Bangladesh, ti crea un disagio infinito. Ecco che Shark week ti rende come una mamma davanti al figlio scemo che senti di dover uccidere ma non puoi.

Il resto del cast è agghiacciante e l’Oscar della dilettante d’oro è meritato da Yancy Butler, ex ragazza strafiga di Van Damme in Senza tregua di John Woo, ex Sara Pezzini di Witchblade la sfigatissima serie tv, e ora sfattissima 46enne sul viale di un tramonto che non ha mai visto l’alba. Quando viene fatta esplodere, in una delle tante scene sceme ideate dai due sceneggiatori Liz Adams e H. Perry Horton, non può non scattare l’applauso dello spettatore sfiancato dai tanti piagnistei dell’attrice.

Peccato perchè sulla carta il film poteva non essere male in questa bizzarra commistione shark movie/torture porn, ma, come detto, nella mani della produzione Asylum tutto viene buttato in un film incolore e anonimo, senza sangue o sesso, senza nessun elemento, e stavolta neanche l’assurdità di fondo di uno Sharknado, a salvare capra e cavoli. Non mi sento di dare la colpa al buon Christopher Ray che, alla fin fine, deve arrangiarsi con il budget che ha, lo script indecente e gli attori ululanti. Un paio di scene, sia dato atto, come il riuscito prologo, riesce a metterle a segno con stile.

Iniutile dire che fossi in voi sceglierei un altro weekend, non questo a base di squali. Questo è come una vacanza fai da te senza Alpitour. Aiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiai!

Andrea Lanza

 

Shark week

Regia: Christopher (Olen) Ray

Cast: Yancy Butler, Patrick Bergin, Joshua Michael Allen, Bart Baggett, Erin Coker, Frankie Cullen, Valerie K. Garcia, Billy Ray, Meredith Thomas

Durata: 90 min.

Anno: 2012

 

La Piramide (The Pyramid)

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Alexandre Aja, antico Egitto, anubi, Gregory levasseur, maledizione della piramide, piramide

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Ci sono aspetti della vita che non vanno sottovalutati, emozioni da cullare e riscoprire per far scudo alle bruttezze di quest’epoca. Sto parlando della tenerezza o, se preferite, di quella pietas, ricordata anche dal maestro Kim Ki- duk nel suo recente capolavoro, che in un senso etico più che moralistico dovrebbe distinguerci dai bruti, dai tagliagole, dai Camiti, dai Barbari, da Geronimo, Godzilla, Il Grinch, Hitler e Boss Hog.

Ed è proprio umana pietà che si prova dopo aver visto un film come questo, senza sarcasmo, senza ironia o doppi sensi. Una pietà compassionevole che nasce dall’overdose recente di portatori di luce in salsa kolossal con cathechesi  pseudo divulgativa annessa dell’Antico Testamento, come il lisergico e avveduto Noah di Aranofsky o il Mosè ruffiano e macho-epic di Ridley Scott. Sarà questo o sarà che il Milan fa cagare e col Diavolo con la febbre intestinale  meglio guardare ad altri lidi più salubri, fatto sta che vedendo Pyramid con tanto di pasta in bianco del campione e portacenere pret- a- porter, ho svuotato l’anima dallo stress per concedermi un’ora e mezza di umana empatia verso questa boiata degna, in altri momenti, di violenta stroncatura. Premessa. Pyramid è un esordio. Si tratta infatti dell’opera prima di Gregory Levasseur, feticcio di Alexandre Aja, suo fido collaboratore in fase di scrittura in Maniac, Alta Tensione, Le Colline Hanno Gli Occhi, Piranha 3D e -2 Livello Del Terrore.

Qui Aja produce e il buon Gregorio tenta la strada irta e scoscesa della regia sotto l’occhio vigile di mamma Fox, stavolta indulgente come  Babbo Natale innanzi a un paziente ipoglicemico. E’ un esordio, dicevamo e come tutte le prime qualche passaggio a vuoto ci può stare. Qualche. Qui il francese sente una sorta di complesso d’ inferiorità paragonabile a quello di un cinese nella sauna con Rocco e nel mostrare le sue grazie alla Statua della Libertà soffre il contesto extraeuropeo come pochi. Mi spiego: se è pur vero che il pubblico americano vuole un horror più pop corn e meno vin rouge trovo delittuoso adattarsi al contesto produttivo snaturando l’essenza cattiva e zero patinata tipica del cinema horror francese contemporaneo. Qui si lavora più per confusione che per sottrazione mischiando clichè rubati da Goonies, vari Indiana Jones, The Blair Witch Project, Alien, Lo Squalo, Riddick e altri classici dell’animal horror. Se c’è una cosa che non manca quasi mai ai francesi  è il buon gusto nel riproporre il già visto. Evidentemente, come già visto, fuori casa si gioca per lo zero a zero e alla fine si prende l’imbarcata. Peccato.

E l’Egitto? Beh.. la premessa è buona ma non approfondita, ovvero le manifestazioni antimilitariste di piazza Tahrir al Cairo due anni dopo la caduta di Mubarak (e dell’elevazione alle cronache della presunta nipote olgettina)… Poi cliché su cliché a iniziare con il collega e trombamico della protagonista, americano di origine egiziana che ovviamente muore per primo perché entra per primo nella piramide (che poi piramide non è ma è un tetraedro, altra mossa inspiegabile.. perché se non c’entrano gli alieni che motivo c’era di discostarsi dalla storia reale dell’architettura egizia? Mah..). Inciso. Chissà perché nei film di Hollywood a salvarsi sono quasi sempre o le fighe svampite fino a metà film, poi illuminate dall’istinto di sopravvivenza, o i ragazzi un pelo meno pompati dello strafigo- tamarro- arrogante che muore per primo o per secondo al più tardi. Per neri, asiatici, obesi, occhialuti, maghrebini e cessi in genere non c’è speranza per voi ch’entrate. E così è anche stavolta.

Il nerd maghrebino perde il robottino prestatogli (!) dalla NASA e decide di entrare a recuperarlo nonostante il bordello al Cairo, l’ordine di evacuazione conseguente e “pericolosissimi” gas solfurei da affrontare rigorosamente con maschera anti gas salvo poi toglierla dopo cinque minuti di film. Ovvio che la figa svampita, il padre archeologo e la classica troupe documentaristica non perdano l’occasione di seguire il furbone e di rimanere intrappolati. E li si parte con la fiera del già visto, soffitti che crollano, caduta massi con frattura, trabocchetti, geroglifici portatori di oscuri presagi e la classica presenza minacciosa. Pausa. Ora, a me sta bene che i mostri siano antichi gatti cannibali e ferocissimi, ma se i fuffi in questione dilaniano e lacerano la carne di Sunni, la ricciola milfona della troupe, magari sarebbe parsa buona creanza sviluppare meglio la scena e sempre magari evitare di riprendere giusto la sequenza dopo il corpo della vittima con poco più di un graffio che a confronto il bambino della Pic Indolor sembra un soldato della Lutwaffe internato in un Gulag siberiano. Vogliamo parlare dei dialoghi da sit com bulgara?O della caratterizzazione dei personaggi rasoterra?

O ancora dell’incongruenza fra l’emozione ansiogena della situazione contingente e la recitazione rilassata e paciosa?Meglio di no. Ma la pietas direte voi? Che fine ha fatto la pietas? Sull’onda del ricordo della visione stavo tornando fumantino e solfureo senza accorgermene. Chiedo venia. E allora salviamo qualcosa in questo Pyramid, come il villain originale e simpatico, quell’Anubi che a pronunciare il suo nome in italiano si rischia la scomunica, specie di licantropo ruttante dalle movenze ingessate e innaturali, tipiche della smania da green screen imperante (quanto mi manca Rambaldi) che ha almeno il merito di mettere sul piatto (quello della bilancia per pesare le anime dei morti nello specifico) un po’ di carnazza gore e di brutalità infantile che non guasta mai. Peccato che al posto di mettere terrore con i suoi urli bestiali ricordi più un pastore sudtirolese nell’atto della digestione dello strudel ma pazienza, ricordiamoci la pietas. Pietas anche per la costruzione degli ambienti magari non fedelissima, ma comunque claustrofobica e pietas per i tempi scenici abbastanza giudiziosi. Pietas anche per il finale cattivello, che oramai non è più una novità assoluta ma che fa sempre piacere. Anche i movimenti di macchina non sono terribili soprattutto nella sequenza della fuga a gattoni dai gatti (scusate il gioco di parole). Peccato per la scelta di mescolare presa diretta (e conseguente allusione al mockumentary..ecchepalle..) con un girato classico nell’ennesimo cocktail annacquato fra finto vero e vero finto sperando che vada presto fuori moda e fuori tempo massimo. Pietas esaurita. Buona visione.

Stefano Paiuzza

La piramide

Regia: Gregory Levasseur

Interpreti: James Buckley, Denis O’Hare, Ashley Hinshaw, Christa Nicola, Amir K.

Durata 89 min.

Uscita dichiarata: 18 febbraio 2015

The Bite – Il morso

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Una giovane coppia gira per l’America in auto, quando il ragazzo viene morso da un serpente. Uno zelante agente di commercio (che s’intende di ofidi) gli propina un antidoto sbagliato, col risultato che il ragazzo subisce lentamente un’orrenda trasformazione…

Sono anni che volevo vedere questo film, fin da quando, da ragazzino, lessi che sarebbe stato proiettato a Milano, al Dylan Dog Horror fest. Feci il broncio, incrociai le braccia, minacciai lo sciopero della fame, ma i miei genitori non cedettero: nessuno mi portò a vedere The bite. Un peccato perchè avevo visto la locandina e, nella mia giovane testolina, mi ero immaginato il capolavoro più estremo dei miei 13 anni. D’altronde i ragazzi appassionati di horror sono gente semplice: gli piace l’effetto schifoso e, se va bene, un paio di belle tette, eros e thanatos ma in chiave smargiassa raimiana. Oddio non che adesso disdegni la ventrazza schizzata e le bocce sode, ma mi manca quella disincantata fanciullezza nell’approcciarmi ai vari film, roba che un tempo pensavo davvero che I ragazzi del cimitero fosse un bell’horror, a tratti struggente. Sette anni fa però ho scaricato  una copia del film in inglese. Perfetto? No perchè ho avuto paura, l’idea che stessi per accingermi ad una ciofeca cinematografica non mi abbandonava: esistono meraviglie horror che cerchi da una vita e nessun distributore ha mai graziato di un’edizione nostrana, ma è solo quando le vedi che poi capisci perchè sono rimaste inedite. Era una sensazione di disagio forte, tanto da fermarmi la mano ad un passo dal play. In più c’era l’aggravante dell’assenza dei sottotitoli, neanche uno stronzo sottotitolo per noi ritardati anglofoni che mi potesse aiutare a superare una probabile ora e trenta di noia ammazzacazzo.

Avevo ragione a metà: The bite è brutto, ma non noioso, velocissimo e divertente quasi come un film di Will Ferrell. Dio ringrazi  la Storm video che mi ha permesso di gustarmelo in italiano, con magari un doppiaggio da terzo mondo, ma che accresce ancor di più la visione drive-in della pellicola. Il Prosperi regista di The bite è Federico non Franco, non stiamo parlando quindi del magnifico autore di Mondo Cane e di Wild beasts, ma di suo nipote (ma alcune fonti lo segnalano come fratello), all’unica prova dietro la macchina da presa. Un peccato perchè la regia di questo film è molto buona, certo deve fare a pugni un po’ con la povertà quasi palpabile della produzione, ma, senza sapere che si tratta di un film italiano, potesti confondere The bite per un B movie americano. Niente a che vedere quindi con i De Martino o i Lenzi girati negli States, dove anche un cieco si accorgerebbe che di estero ci sono solo gli intenti. A produrre poi c’è una leggenda del cinema bis italiano, quell’Ovidio Assonitis che ha prodotto (e girato) alcuni tra i i più spettacolari B movie del nostro paese, roba come Tentacoli con John Houston, mica il primo Polselli con Mickey Hargitay. Assonitis poi è famoso per essere un produttore ammazza registi, nel senso che ha il licenziamento facile e la tentazione di girarselo da sè il film quando qualcosa non va. Leggendario d’altronde il calcio in culo dato ad un regista, allora alle prime armi, come James Cameron sul set di Piranha Paura.

Bisogna dire però che Assonitis ha un tocco magico e una bravura non comune nel confezionare le sue non regie, alla fine attribuite al povero sventurato assoldato. Non ho idea se Federico Prosperi sia stato fanculato dal set di The Bite, a qualcuno come Luigi Cozzi è andata pure bene e ha girato tutto il suo film, ma certo è sorprendente come, essendo una prima regia, il livello registico sia davvero molto alto. Ci sono i rallenti giusti, mai una ripresa sbagliata, una consapevolezza di confezionare sì un film d’imitazione ma con un gusto americano che trovi solo in qualche De Angelis, tipo Thunder, benedetto dal padre eterno. In più The bite ha dei meravigliosi effetti speciali schifosissimi, opera del grandissimo Screaming Mad George, un nome che negli anni successivi sarebbe diventato leggenda grazie alla collaborazione con Brian Yuzna, e che allora poteva vantare nel curriculum collaborazioni in produzioni importanti come Predator e Nightmare 4. Il tocco unico di questo artista è di lavorare la carne come nessuno mai, reinventare l’anatomia umana come pongo, basti pensare al suo incredibile lavoro all’interno di The society, nella scena dell’orgia, con i corpi che si squagliano e si confondono in un’armonia diabolica alla Bosch.

Qui si sbizzarrisce a violare il dna del protagonista con quello di un serpente, scatenandosi in un incredibile finale dove si vedono occhi schizzati, lingue vomitate e serpenti che fuoriescono da ogni pertugio del poveraccio. Certo bisogna dire che la fotografia, almeno sul dvd Storm, è scurissima e questo fa perdere tantissimo al lavoro di Screaming Mad George, però da una parte camuffa l’imbarazzo di alcuni effetti speciali di make up, come la mano rettile, che sembrano più raffazzonati di altri. All’estero il film è uscito come The curse 2 cercandosi di allacciare ad un’altra produzione Assonitis, La fattoria maledetta (appunto The curse) girata da David Keith (l’amico di Richard Gere in Ufficiale gentiluomo) e tratto dal racconto di Lovecraft Il colore venuto dallo spazio. Bisogna dire che è vero che The bite non ha punti di collegamento con la precedente pellicola, però sarebbe ingiusto non riconoscergli degli umori lovecraftiani, soprattutto nella sequenza dell’incontro con un cane/serpente in una cantina buia. Anche l’idea di un male che non ha effettive spiegazioni (esperimenti nucleari?) riporta al racconto Il colore venuto dallo spazio dove la caduta di un meteorite muta il terreno e gli abitanti di una piccola fattoria in qualcosa di terribilmente non umano. Il problema di The bite quindi non sta nell’esecuzione o nell’impianto effettistico, ma piuttosto nella cattiva gestione dei personaggi e in una storia mal scritta, lacunosa e a tratti demenziale. Non c’è un momento solo dove tu spettatore possa affezionarti ai protagonisti, una coppia di fidanzatini in viaggio per l’America, vuoi perchè lei è una stronza pazzesca, che quando vede il suo compagno stare male insiste per andare a ballare, vuoi perchè lui fa cose davvero stupidissime, che magari in sceneggiatura sembravano geniali ma che sono rimaste così solo in sceneggiatura.

Sfido chiunque ad essere morsicato da un serpente e fare questa difficile scelta: correre subito in ospedale o affidarsi alle cure di un commesso viaggiatore con la borsa piena di antidoti. Se scegliete la seconda opzione beh vi siete meritati la vostra atroce fine, mi dispiace. Si percepisce un’idea di clonare La mosca di David Cronenberg in una versione on the road con un uomo serpente, ma il paragone è davvero ingeneroso per il film di Prosperi, divertente è vero ma non di certo un capolavoro come il modello. A questo punto sul piano dei ripoff di The fly meglio gli altrettanto imparagonabili Dna formula letale di Montefiori e Off Balance di Ruggero Deodato, capaci per lo meno di presentare una storia avvincente e non così raffazzonata. In The bite gli eventi succedono o perchè qualcuno va  a pisciare (il ragazzo alla stazione di benzina quando incontra il cane mostro, la ragazza nel deserto quando sta per essere morsicata da un serpente e il poliziotto razzista quando arresta il protagonista), o perchè devono succedere, senza tanto scervellarsi sulla logica di essi. E’ un susseguirsi di persone che trovano altre senza che ci venga spiegato il come, di famiglie che accolgono sconosciuti e poi si lamentano che verranno trucidati, di gente che dice un secondo prima “Ti amo” e poi “Ci conosciamo appena”, ovvio che subentra la confusione e un po’ il disagio. Gli attori non sono bravi ma se la cavano, soprattutto lo Bo Svenson di tanti film finti americani di Fabrizio De Angelis, qui nel suo clichè di poliziotto bastardo che arresta un moribondo perchè “un tossico e due giorni di cella non possono che fargli bene”. Bellissima la scream queen dell’epoca, Jill Schoelen, già vista in Il patrigno 2, Popcorn e Il fantasma dell’opera, un tocco aggiuntivo di piacere al film, almeno voyeuristico. Federico Prosperi si firma Fred Goodwin nella nostra tradizione di camuffare i nostri nomi con pseudonimi americani e acchiappare i gonzi che all’idea di un film italiano non entrerebbero mai in una sala cinematografica. Diciamo poi che The bite di italiano ha davvero poco, e questa è un po’ la sua forza, ma resta l’amarezza delle cose che i nostri talenti potevano fare al cinema e non faranno più. Noi il film lo consigliamo, ma siete stati avvertiti anche dei suoi limiti, un horror che disgusta, diverte e che ogni tanto ti fa pensare “Che cazzata”, ma di quelle cazzate che fanno bene alla vita.

Andrea Lanza

The bite

Titolo originale: Curse II: The Bite

Anno: 1989

Regia: Federico Prosperi

Interpreti: Jill Schoelen, J. Eddie Peck, Bo Svenson, Jamie Farr, Savina Gersak, Marianne Muellerleile, Al Fann, Sydney Lassick, Terrence Evans, Sandra Sexton, Bruce Marchiano

Durata: 90 min.

I carnivori venuti dalla savana (Squirm)

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“Una valanga di vermi assassini … contorcendosi su tutta la terra in una marea di terrore!”
 
“Questa è stata la notte del TERRORE CHE STRISCIA!”

“La notte è piena di Killers”

Frasi di lancio originali del film

Durante un violento temporale nell’America rurale del 1975, un pilone elettrico da milioni di volt cade nel fango bagnato Migliaia di particolarmente raccapriccianti vermi zannati e millepiedi si contorcono  con il desiderio di divorare carne umana, tant’è che usciranno tutti allo scoperto di lì a poche notti per attaccare gli abitanti della piccola cittadina di Fly Creek in Georgia. Non sorprendentemente, la tempesta elettrica coincide con l’arrivo di Mick (Don Scardino), che è venuto da New York a corteggiare la bella locale Geri Sanders (Patricia Pearcy che abbiamo visto in diversi episodi di serie tv settantesche e qui nel ruolo che doveva essere di una giovanissima Kim Basinger, topa rossa al posto di bionda seppur non proprio dello stesso livello). Mick incarna tutti i turisti del posto provenienti da New York o luoghi metropolitani simili, connessi con l’inquinamento e la roba brutta che lasciano nelle acque, a far quasi sì che abbia una sorpresa davvero disgustosa quando chiederà una delirante “egg’s cream” nel caffè locale.

I due amanti che però non tromberanno mai per tutto il film, sono al centro del racconto di Jeff Lieberman, e verranno attaccati dagli invertebrati assassini più volte rovinandosi decisamente quella che doveva essere una vacanza romantica, Quando la gente inizia a morire nella città di Geri e adesso di Mark, i due si batteranno unici per scoprire il perché, ma soprattutto facendoci assistere agli arguti e disincantati modi di città da parte di Mark, trovandosi di fronte a diverse situazioni e sequenze davvero raccapriccianti, con i vermi indiscutibili protagonisti.
“Sauirm” in Italia distribuito nel 1977 da Edmondo Amati e la FIDA Film con il sagace “I Carnivori venuti dalla Savana” (1976) fu il film d’esordio di un regista indipendente del new horror americano, Jeff Lieberman, che si sarebbe con questo e una manciata di titoli successivi, guadagnato una certa nicchia di estimatori all’interno del genere.

“Squirm”è certo un’ opera ben consapevole della sua premessa ridicola, anche se come ”parabola ecologica”all’interno del filone fortunato e fiorituro dell’”eco vengeance” settantesco, il film può avere ancora oggi una sua ben autonoma risonanza per il pubblico; anche alla luce di una nuova ondata di cambiamenti climatici che potrebbero provocare orrori ben maggiori. L’uscita del film coincise certamente con un cambio di marcia verso l’autenticità nel cinema di genere settantesco. Sto pensando anche a recenti film dei quali ho pure parlato e che omaggiano, dimostrano una venerazione per titoli come questo e per la loro datazione, gli effetti speciali fisici e del tutto analogici (in “Squirm” opera di un giovane Rick Baker poi destinato a grandissime cose) , per esempio di questi fra i migliori,  “Beyond the Black Rainbow” (2010) di Panis Cosmatos e “Berberian Sound Studio”(2012) di Peter Strickland. La vendetta della natura e degli animali, o almeno quella graficamente più fisica e violenta, è adesso di nuovo in scena in molti recenti titoli, nei modi di produzione e dei materiali utilizzati contemporaneamente, come il massiccio utilizzo della mai amata CGI, per realizzare film.

De “I Carnivori venuti dalla Savana” mi è venuto in mente di riparlarvi più che altro perchè ho avuto modo di rivederlo pochi giorni fa  dopo ca. 25  anni grazie al recente Blu-ray della  Arrow, che include un’interessante Q & A con Lieberman e Scardino (il quale vedemmo in un ruolo abbastanza importante anche in “Cruising” di Billy Friedkin) agli Anthology Archives di New York, l’anno scorso. Le loro storie sulla produzione di “Squirm” e soprattutto dei suoi effetti speciali low-cost ma ancora oggi così efficaci nell’ingenerare genuino terrore e ribrezzo, in un’epoca così pre- CGI oramai incomprensibile ai ragazzini di oggi, sono tanto una parte del film che nella loro di rivisitazione è quasi come guardarlo di nuovo e con un occhio ancora diverso. Importante è anche come il citato grande artista del make-up  Rick Baker realizzò per le riprese alcune protesi innovative, così come come il cast “all-star” di 250.000 guizzanti vermi da pesca i quali furono fatti muovere a comando e in cattività, ovviamente – gli “amanti” degli animali si allontanino a questo punto per evitare il sovraccarico di autenticità.  Lieberman ci rivela anche come set e stampa inversa siano stati massicciamente utilizzati in alcune scene per creare un particolare effetto inquietante. “Squirm” è difatti messo insieme quasi interamente con grande eccentricità visiva, e parte di questo è la creazione di alcune inquadrature citate anche qui sotto nei trivia, particolarmente inquietanti, bizzarre, per non dire scioccanti.

Il mio preferito aneddoto sentito negli extra del BR è però  la storia del rifacimento di un effetto sonoro che era già originariamente presente  in “Carrie”, di Brian De Palma, fatto anch’esso nel 1976. Quando Lieberman che era in quel momento alla ricerca di un suono per l’orrendo stridio dei vermi, incontrò il tecnico del suono di “Squirm”  Dan Sable,  il quale aveva appena lavorato proprio su “Carrie”, che li fece sentire una registrazione agghiacciante del grido di un maiale il quale veniva macellato (basti qui solo ricordare la famosissima sequenza del capolavoro depalmiano, citando il sangue di maiale e il finale alla festa da ballo). Lieberman pensò subito che questo era il suono ideale per il suo sciame rabbioso, e in ultima analisi, esso ha pesantemente dotato il film di un qualcosa in più proprio a livello effettistico del suo sonoro. E ‘interessante sentire che alcuni effetti del suono oramai iconici per lo spettatore rimangano ai più sconosciuti nella loro genesi, e che almeno alcuni abbiano potuto godere  di questo tipo di segreta  resurrezione. Una certa riemersione del reale è d’altronde ciò che ha sempre donato a questo particolarissimo, repellente, veramente  inquietante film di Lieberman, il suo cotè di unicità. Ed è più piacevole che mai poterlo ora vederlo ricomparire sotto le insegne dell’HD  e non per come era quasi sempre stato fruito, nel suo cotè estetico graffiato, da pellicola di celluloide in formato Grindhouse.
“I Carnivori venuti dalla savana” è da non molto stato pubblicato anche in italiano in dvd, un ripper di quello MgM U.K.. e R1 del 2004 con audio commentary di Lieberman, Scardino, e come extra unicamente il trailer originale. Ma nel nostro paese era ancjhe sopravvissuto per un buon venticinquennio unicamente nella vecchia mitica vhs da nolo della Video Ciak, un’etichetta creata nel 1987 e distribuita dalla Domovideo quasi esclusivamente per titoli di genere, già con i box di plastica più piccoli, e della quale proprio il film di Lieberman ha rappresentato uno dei suoi titoli ormai più rari e agognati, che io fortunatamente ancora posseggo.

Una volta negli anni ottanta, la WPIX-TV di New York ha mostrato accidentalmente il film in bianco e nero. Invece di lamentarsi, Jeff Lieberman ha chiamato la stazione tv e ha fatto presenta quanto avesse amato l’atmosfera che così guadagnava In realtà, Lieberman preferisce che il pubblico guardi il film in bianco e nero, anche se una versione in bianco e nero non è disponibile. Invece, si dovrebbe semplicemente togliere il colore, come dal televisore

Kim Basinger sostenne un provino per la parte della protagonista femminile.

Sylvester Stallone fu ardentemente inseguito da gli agenti del casting per la parte di Roger, e Martin Sheen venne  brevemente aggregato al progetto nel ruolo di Mick

Secondo Lieberman , il motivo per cui l’attrice Jean Sullivan parlava  con un accento del sud così esagerato era perché era un fan di Tennesse Willimas e stava tentando di fargli un omaggio.

Nel corso della produzione ci fu un disguido con il laboratorio di lavorazione del film. I filmati di un matrimonio furono accidentalmente inviai  a Lieberman mentre il B-Roll di vermi per il film era stato inviato agli sposi!

I suoni stridenti e ultraterreni utilizzati per i vermi sono in realtà i suoni elaborati elettronicamente di urla di maiali nei macelli.

Secondo Lieberman , non è stato usato alcun trucco nella scena in cui l’albero cade e si abbatte sulla sala da pranzo di casa  Sanders . Lieberman ha detto che venne fatto tutto  in una sola ripresa con un albero effettivamente tagliato per poi essere lasciato cadere da una gru sopra il costruito set, completato con gli stessi attori presenti! Diverse macchine da presa sono state collocate all’interno del set per catturare gli attori letteralmente in fuga per salvarsi quando il grande albero si è abbattuto a pochi metri da loro.

A parte il cast principale il resto delle persone presenti nel film erano abitanti di Port Wentworth, Georgia – la piccola città in cui il film è stato girato in esterni.

L’ispirazione per il film è venuto da un esperimento compiuto nell’infanzia da Lieberman e suo fratello. Una sera i due avevano collegato il trasformatore di un  trenino nel terreno bagnato e scaricandone l’elettricità per far fuoriuscire centinai di vermi  dalla terra. Il giovane Lieberman notò  che i vermi avevano cercato di allontanarsi dal bagliore della torcia che i ragazzi stavano usando per vederli poiché sensibili alla luce. Ciò è diventato la base scientifica dietro questo film e la storia di questo esperimento è ri- raccontata all’interno della trama dal personaggio di Roger Grimes.

R. A. Dow, che ha interpretato Roger, era un attore di metodo che andò a vivere a Port Wentworth, Georgia,  un paio di settimane prima delle riprese per ambientarsi in modo tale da poter sviluppare una sensibilità per il carattere dei locali.

La quantità di vermi marini utilizzati nel film era innumerevole, così come la produzione avrebbe ordinato spedizioni di 250.000 vermi Glicera alla volta. La produzione finì per annientare la fornitura al New England di vermi da pesca Glicera per  quell’anno.

L’inquadratura dei vermi che cadono dal soffitto del salotto era in realtà rovesciata. La  macchina da presa venne capovolta filmando vermi vivi che erano lasciati cadere su un pavimento che era una replica del soffitto. Quando il filmato è stato invertito, è sembrato come se i vermi scendessero dal buco nel soffitto.

Lieberman aveva scelto Brian Smedeley- Aston per montare  il film perché Smedley-Aston fu l’editor di “Sadismo”, uno dei film preferiti di Lieberman.

Il film venne girato in 24 giorni.

Lieberman ha citato l’ Hitchcock de “Gli Uccelli” come la più grande influenza per il film.

Nel commento sul DVD R1 del film, Lieberman dice che l’antico casale usato durante le riprese come la casa del signor Beardsley è conosciuto come una delle più famigerate case infestate in Georgia.

Spoiler
Le seguenti voci di curiosità/trivia potrebbero rivelare importanti aspetti della trama
Per la sequenza in cui Willie Grimes viene trovato morto, Carl Dagenhart doveva essere letteralmente  sepolto nella terra con soltanto la testa fuori. Un corpo falso brulicante di vermi è stato poi unito alla sua testa che sporgeva per dare l’apparenza che il suo corpo fosse quello divorato e appena steso a terra.

“Squirm”  fu pesantemente modificato per la messa in onda su Mystery Science Theater 3000 nel 1999. Tra le molte scene tagliate dal film vi è quella di Mick arrancante attraverso la palude, la conversazione tra Mick e Alma, l’attacco grafico dei vermi sulla faccia di Roger, il destino raccapricciante della signora Sanders, e il climax in cui Roger striscia su Mick e i suoi tentativi di morderlo.
Il film venne inizialmente valutato R dalla MPAA e fatto uscire nelle sale degli Stati Uniti con tale classificazione. Poco dopo questa uscita iniziale uscita cinematografica, il distributore americano la American International Pictures, ha compiuto alcuni piccoli tagli in alcune sequenze e così ri- presentato il film al CARA. Questo nuovo montaggio della pellicola  ha ricevuto una valutazione PG e, successivamente, è stato sempre così distribuito nelle sale dalla AIP senza le modifiche supplementari che sono state successivamente ancora appositamente realizzate per la diffusione in video negli Stati Uniti. La versione R-rated ha un po’ più scene del lungo girato sotto la doccia, all’inizio del film, ed è un po’ più lunga nella sequenza in cui i vermi entrano  nel volto di Roger.
L’attuale riedizione in VHS della MGM è valutata PG e il DVD è valutato R. La versione R-rated è un minuto più lunga rispetto alla versione PG-rated.

Napoleone Wilson

I carnivori venuti dalla savana

Titolo originale: Squirm

Anno: 1976

Regia: Jeff Lieberman

Interpreti: Walter Dimmick, R. A. Down, Kim Iocovozzi, Julia Klopp, Peter Maclean, William Newman, Frank Niggins, Patricia Pearcy, Barbara Quinn, John Scardino, Jean Sullivan

Durata: 90 min.

VHS: VIDEOCIAK

Gli uccelli

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Gli uccelli sono chiaramente animali radical chic e da salotti buoni, quella loro brutta abitudine di guardarci dall’alto in basso ne evidenza il carattere borghese e snobb. Mica come le figlie del popolo: le pantegane, ad esempio.

Normale, quindi, che non abbiano simpatie per noi bipedi. Così decidono di attaccarci. Per un motivo legato alla meteologia e all’atmosfera nel racconto originale di  Daphne Du Maurier, scrittrice che vi consiglio di riscoprire, per motivi ignoti nel capolavoro del sommo Maestro Hitchcock.

Il tema della natura impazzita e relative bestie impazzite  non era una novità . Sullo schermo erano già arrivati tarantole, mantidi Religiose, formiche, ma tutte giganti per colpa di radiazioni o un uso sbagliato ed aberrante della scienza. Con questa pellicola tratta da un soggetto della stessa scrittrice e sceneggiata da un grande scrittore di gialli e rudi polizieschi, (Ed MacBain / Evan Hunter,da recuperare anche esso), andiamo oltre: è un attacco senza spiegazioni.

La natura ha deciso di fare pulizia di questa piccola e insignificante umanità. Oggi ti farebbero come minimo 50 minuti di spiegone, così sai le cause e gli effetti, contento spettatore disciplinato e omologato?

Invece è proprio questa scelta a far crescere la tensione, a intimorire, a sentire l’angoscia farsi strada piano piano nelle vene e nei pensieri.

La storia la conosciamo tutti: si comincia in un negozio di uccelli, qui si incontrano Melanie Daniels e Mitch Branner. La prima è una ricca ereditiera , il secondo un avvocato che vive in un piccolo paesino di mare.

Se ci dovessimo basare sull’incipt potremmo confondere la pellicola come una classica storia d’amore o quanto meno una commedia brillante tipica del periodo.

Questa atmosfera va avanti sorniona per una buona mezzora di film, nel frattempo conosciamo i personaggi, che sono certamente stereotipi del genere, ma che – come avveniva ai bei tempi- sono rappresentanze di vere tipologie umane. Sarà anche per la faccia degli attori, sopratutto i secondari, che paiono proprio presi dalla vita reale. Ti immedesimi, dunque: sei in quel paese e conosci , superficialmente come nella vita di tutti i giorni, i suoi abitanti. Qualcuno o qualcuna ti sta anche particolarmente simpatico e simpatica.

L’apocalisse arriva di botto,con un gabbiano che si scontra contro la finestra di casa dei  Brenner, poi lo strano comportamento delle galline che non vogliono mangiare,e infine come una botta le prime morti: l’agricoltore martoriato in casa sua, con gli occhi strappati, l’attacco contro Melanie in soffitta,l’invasione dei passerotti di casa Brenner via caminetto, l’epocale e leggendaria scena d’assalto alla cittadina . Si noti a livello di scrittura e regia come è costruita benissimo. Chiacchiere tra gente in una tavola calda, domande, piccole paure, una tensione palpabile celata sotto una traballante normalità e poi l’attacco. Feroce, potentissimo e devastante. Un modo di fare cinema fisico che disturba ancora oggi. Si avverte l’arrivo , i colpi, la disperazione. La scena della cabina telefonica, per me è un’icona esattamente come quella della doccia di Psycho.

Non puoi farci niente, sono qui per noi. Sono venuti a sterminarci, si sono stancati di noi minoranza in qual certo senso vanesia e prepotente e ora uniti ce la faranno pagare.

Non possiamo nemmeno proteggere i nostri piccoli durante uno dei momenti migliori della loro giovane vita: una festa.

Assistiamo impotenti alla morte della povera maestra Annie e pensiamo: sono uccelli veri ,sai? Addestrati, ma sono veri. Pensa che lavoro, altro che computer grafica. Sono stati utilizzati animali meccanici solo per la scena dei bambini.

E rimani affascinato per l’inquietante fuga in macchina, con migliaia di uccelli silenziosi, calmi, fermi…è finita? Cosa faranno ora? Ecco come tormentare uno spettatore nel profondo,senza bisogno di frattaglie e violenza esagerata.

Per questo ancora oggi ha un suo fascino, una sua urticante e destabilizzante potenza e forza. Trattasi di cinema al suo meglio,come l’innovativa colonna sonora che non prevede brani melodiosi, ma uso di elettronica che simula i versi degli uccelli. Per dar il tutto un’atmosfera ancora più opprimente, di assedio, non ascolterai altro che essi. Il mondo è ormai loro.

Film amatissimo da grandissimi registi come Fellini, ad esempio. Proprio perchè all’epoca il maestro britannico e la sua troupe usarono tutti i mezzi a disposizione per creare questo grandioso e possente incubo.

Alcuni lo criticarono per la mancanza di un finale , cosa per me invece geniale… è puro terrore, o perchè scelsero una modella e un attore poco noto come protagonisti, ma anche questa è una grande mossa: ti fermi sul mezzo cinematografico e la sua indipendenza

Il cinema è come gli uccelli: ti colpisce  a tradimento quando vuole  e non ti lascia scampo.

Davide Viganò

Gli uccelli

Titolo originale:    The birds

Anno: 1963

Regia: Alfred Hitchcock

Interpreti: Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy, Suzanne Pleshette, Veronica Cartwright

Durata: 90 min.