Brivido (Maximum overdrive)

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Brivido è stata la pietra tombale del cinema di Stephen King, l’idea balzana ma affascinante che il Re potesse essere tutto, uno e trino come Dio, scrittore, sceneggiatore e regista. Tanto quindi dev’essere sembrata la pillola più amara quando lo spettatore e il fan si sono trovati davanti allo spettacolo popcorn e un po’ scemo di Maximum overdrive, un film nato sfortunato,  che probabilmente non avrebbe avuto critiche così feroci se non fosse stato diretto da Stephen King.

Per fare le cose bene devi farle da solo

Facciamo però un passo indietro prima di parlare del film, definito da molti la “peggior pellicola dell’universo”, e concentriamoci sul trailer americano.

Buio. Una figura si avvicina alla camera, possiamo vedere Stephen King con barba e sguardo allucinato che esordisce con frasi come “Io sono Stephen King, molti registi hanno provato a fare dei film dai miei libri, ma non erano me. Per fare le cose bene devi farle da solo“. Musica di Halloween 3 in sottofondo, una produzione sempre De Laurentiis, e, sullo sfondo, gargantuelico e minaccioso, un camion dalla faccia del Goblin, nemico de L’uomo ragno, con occhi rossi e luciferini.

Stephen King e l’uomo ragno

Per fare le cose bene devi farle da solo. Ecco la frase incriminata, il seme di Caino che genera sconforto e miseria tra gli uomini. Con una frase così devi essere davvero un fottuto John Holmes in un mondo di minidotati perché, se così non fosse, tutti, prima o poi, scopriranno il tuo segreto e a nessuno piace essere preso in giro. A nessuno.

Stephen King è un uomo che si è fatto da solo, sulla scia del sogno americano classico. Faccia da tonto, occhiali spessi, nessuno avrebbe davvero dato un soldo di cacio a questo ragazzone del Maine, eppure Stephen King, senza amicizie importanti, è diventato lo scrittore horror più venduto nel mondo, a partire da quel Carrie che aveva buttato nel cestino e che, grazie a Dio, è stato recuperato dalla moglie Tabitha.

Leggo Stephen King da quando ero ragazzino e posso dire con una certa sicurezza che non esistono libri brutti del Re, alcuni sono capolavori assoluti e penso a Salem’s lot o alla raccolta A volte ritornano, altri magari peccano nel manierismo come Insomnia, ma tutti sono libri che meritano di essere letti, densi di idee interessanti e con quella sua capacità unica di saperti parlare come se ti conoscesse nell’intimo, sia tu povero, ricco, istruito o meno.

Il suo rapporto col cinema è sempre stato un po’ conflittuale, con il desiderio, a volte impossibile, di non essere stuprato o interpretato da altri. King dev’essere solo di King, questo è sottinteso, e questo lo ha portato al desiderio, all’hubrìs, di produrre mostri dalla fattezza di lunghissime e noiose miniserie. Tutto molto Stephen King è vero, senza tagli o alzate di capo, ma tutto anche così poco King perché questi pseudo telefilm da It a La tempesta del secolo sono soprattutto impersonali bigini dei libri che abbiamo amato.

C’è la leggenda che Stephen King non capisca un cazzo di cinema e questa asserzione deriva dalle frasi sprezzanti dello scrittore su Shining di Kubrick. Apriti cielo! Questa però è una metà della storia perché non si riporta mai che, prima, il regista di Lolita e altri grandi film dichiarò che il libro di King era schifezza e salvava solo il soggetto. Ora io credo che, anche per spirito di amore proprio, se qualcuno definisse una cagata il nostro lavoro, qualsiasi esso sia, noi lo difenderemmo a spada tratta, così fece King con Shining, rispose guerra alla guerra, magari impuntando i piedi come un bambino capriccioso, disprezzando a priori l’opera di Kubrick, ma, per come la vedo io, a ragione. Poi non dimentichiamo che senza King Shining non si sarebbe mai fatto, quindi se vogliamo asserire che King non capisce un cazzo di cinema, dobbiamo aggiungere che forse Kubrick non capiva un cazzo di letteratura, anche perché Shining libro è ancora oggi un capolavoro. Senza nulla togliere a Shining il film.

Negli anni 80 un film con il nome di King sulla locandina ti portava in sala, sia fosse stato il Creepshow di Romero che la Christine di Carpenter, questo lo capì il produttore De Laurentiis che mise sotto contratto lo scrittore per scrivere e supervisionare le opere tratte dai suoi libri. Nacquero esperimenti interessanti come L’occhio del gatto o Fenomeni paranormali incontrollabili, divertissement come Unico indizio la luna piena e  appunto Brivido.

Sembra che fu proprio il produttore a stuzzicare l’ego di King chiedendogli “Perché non giri tu un film?” e King che di tecnica cinematografica non sapeva nulla, non si mise a ridere, ma rispose spavaldo “Ok” spiazzando un po’ tutti. Da qui non si poteva tornare indietro.

King aveva in mente fin dall’inizio chi avrebbe voluto come protagonista, il cantante Bruce Springsteen, ma De Laurentiis non accettò perché non trovava molto commerciale la mossa. “Chi diavolo è questo Bruce Springsteen? C’è un attore bravo che si chiama Emilio Estevez ed è il figlio di Martin Sheen, lui è la scelta giusta“. Non sappiamo se questa sia stata la mossa migliore, certo è che Brivido con Bruce Springsteen avrebbe acquistato un altra dimensione, uno stato di culto ancora maggiore. Lui il Boss che aveva cantato Born in USA contro la guerra in Vietnam,che ci aveva commosso con The river, ora davanti ad un camion gigante, armato di bazooka come un cazzo di Chuck Norris, che urlava “Lo vuoi la supposta, man?”.

Al mio posto ci doveva essere il Boss che esclamava sexy “Te la rasi tutti i giorni” a Laura Harrington. Capisci, Goblin?

Concludere le riprese di Maximum overdrive non fu facile perchè King aveva sì entusiasmo da vendere ma dovette fare i conti con la realtà dei fatti: girare un film non è come scrivere, non puoi improvvisarti. Quindi veniva sfottuto dalla troupe perché non conosceva i termini tecnici, e, anche soltanto posizionare la telecamera, era un dilemma, così la produzione rallentava sempre più. Ad aiutarlo però ci fu il direttore della fotografia Armando Nannuzzi che durate una ripresa arrivò a perdere un occhio e ad interrompere ulteriormente le riprese di un film già nato sbilenco.

 

Sembra che l’incidente successe per colpa di King che insistette a girare una sequenza particolamente pericolosa malgrado l’avessero avvertito. La scena era quella dove un tagliaerbe impazzito insegue un ragazzino in un prato. La protezione di legno esplose e diverse schegge colpirono l’occhio del povero Nannuzzi.

L’idea di Brivido nasce dal racconto Camion, presente nell’antologia A volte ritornano, una scelta un po’ inaspettata perché non proprio il tema che ci saremmo aspettati dall’esordio alla regia di King. Oltretutto A volte ritornano è un libro oltretutto pieno di spunti più fantastici e terrorizzanti come uomini nero, topi giganti, alieni che contaminano il DNA delle persone e vecchi compagni di scuola non proprio pacifici.  King delude nuovamente sparandone una più di Bertoldo perché, nel famoso trailer, specifica pure “Vi prometto che vi terrorizzerò” e Brivido, a discapito del titolo italiano, non fa paura. Mai.

Brivido non è comunque il brutto film che si racconta e che lo stesso King ama raccontare. E’ un film sbagliato, sbilanciato, troppo lungo, ma non un brutto film, anche con i suoi evidenti difetti. E’ un fantahorror coloratissimo, scatenato nelle battute da fumettaccio, un po’ sulla falsariga del Creepshow di Romero, e assolutamente immaginifico. Succedono, nella sua ora e mezza di film, talmente tante cose, a volte anche assolutamente assurde pure nel cotè d’irrealismo fantastico, che, tu spettatore, strabuzzi gli occhi e dici “Ma che cazzo…”. Brivido è il giocattolo costoso dato nelle mani di King bambino da un De Laurentis papà, e, come tutti i bambini, King lo distrugge, lo consuma, ci crea sopra una storia fatta di eroi senza macchia, cattivi alla Boss Hogg di Hazzard, fanciulle in pericolo e battute ad effetto. Brivido è il perfetto B movie da drive in anni 50 però con la confezione di un film da 10 milioni di budget, il cinema secondo Stephen King che non assomiglia al mondo letterario di King.

In un mondo perfetto Brivido sarebbe stato un successone e non il disastro che incassò in America appena 7 milioni, neanche i soldi del budget, e non perché si parla di un film perfetto ma perché il grado di divertimento era altissimo. L’insuccesso di Brivido viaggia al pari passo con le promesse non mantenute del Re, sulla scelta sbagliata di girare un film troppo distante dall’universo pauroso al quale il suo pubblico era abituato, dal suo essere poco umile in quel trailer sciagurato.

Brivido è la risposta kinghiana, l’omaggio a La notte dei morti viventi e a Zombi di George A. Romero, amico e ispirazione dello scrittore. I camion del film sono come gli zombi di Dawn of the dead, sono aggressivi, fuori controllo e uccidono, ma qual è il posto dove tornano a seminare terrore? Le aree di servizio perché, come il supermercato del film di Romero, è il luogo più importante della loro non vita, dove sanno che la benzina è il loro sangue, la loro linfa vitale. Come in La notte dei morti viventi i sopravvissuti sono barricati in un luogo chiuso in attesa che l’apocalisse prima o poi li travolga. Ecco che Maximum overdrive diventa un Romero 2.0 dove la tecnologia che ci ha permesso di evolverci ora ci si rivolta contro. “Noi siamo come loro e loro sono come noi” diceva una disperata Barbara nel remake de La notte di Tom Savini. Le macchine le abbiamo costruite noi e ora ci ammazzano.

 

Silvia Giulietti, l’operatore alla macchina più sexy del mondo

 

Brivido è un film sui camion assassini, ma soltanto perché King ad un certo punto perde di vista il soggetto. L’idea più potente è nei primi minuti di pellicola, la prima mezz’ora, dove in scena viene messa un’apocalisse di grande impatto visivo. Ad impazzire sono tutte le macchine, dai bancomat sboccati con cammeo dello stesso King (“Cara questa macchina mi sta dando dello stronzo”), alle macchine automatiche di bibite, ai videogames fino ai banali coltelli elettrici. Ci si concentra sui camion ma vediamo sullo sfondo aerei assassini e giocattoli sanguinari in bocca a cani. Ecco il difetto principe di Brivido, il non aver saputo giostrare una sceneggiatura interessante nell’insieme arrivando a concentrarsi sul dettaglio più banale. D’altronde però il racconto si chiama Camion. 

Gli echi romeriani in Maximum overdrive si possono trovare anche nella gestione di contrappasso moralistico di alcune morti. Il nero senza nome (interpretato dal mitico Giancarlo Esposito di Breaking Bad), appassionato di macchinette, viene ucciso solo quando ruba, lo stesso succede, nel finale, ad un sopravvissuto quando sfila l’orologio da un cadavere. Non dimentichiamoci che in Zombi, Peter comincia a morire quando comincia a sancire i limiti della proprietà privata. “Questo posto è nostro e ci appartiene“.

Alcune sequenze sono girate molto bene, altre più distratte con il punto più basso nella concitata scena del ponte che si apre. Qui King sembra più impacciato che mai e i rallenti con l’urlo del motociclista che precipita rovinosamente nel fiume, sono più da comica che horror. Non si respira mai l’aria di apocalisse, di morte imminente e i modellini delle vetture sembrano appunto modellini senza vita. Una scena che poteva creare grande disagio e angoscia diventa purtroppo una baracconata solo caotica. Sarà la North Carolina che non è magica come il Maine.

Non tutte le macchine impazziscono, non si sa il motivo, anche perché i due novelli sposi vengono inseguiti da un camion infuriato mentre sono alla guida appunto di un’auto.

Altro punto dolente del film è la recitazione, tra l’atroce e il catalettico. Estevez, la star voluta da De Laurentiis, non recita, si limita a fare facce, a passare dal tranquillo all’arrabbiato senza molta differenza, con una performance diversa sia dai film che l’hanno reso famoso come Breakfast club che dalle dolci stronzate della nostra infanzia tipo Il giallo del bidone giallo. Non di meglio fa Laura Harrington perennemente imbronciata, in un ruolo che non sa mai cosa farle fare, un po’ eroina, un po’ po’ puttana, un po’ nulla se non bella statuina. Oltretutto la Harrington parte con un look da maschiaccio per poi presentarsi in versione più sexy solo per volere di De Laurentiis (“King vuole che mi vesta così” “Vestiti come dico io“). Il punto più basso toccato dalla recitazione è però la performance di Ellen McElduff nei panni di una cameriera, una cosa incredibile a vedersi quando esce dal drugstore urlando alle macchine con la mimica facciale di un spastico. Terribile. Per non parlare dell’atroce Yeardley Smith (la voce ufficiale di Lisa Simpson) nel ruolo di Connie, una gallina starnazzante. Dov’è il tasto mute sul telecomando?

A non tutti piace la colonna sonora degli AC/DC, io la trovo gagliardissima, una delle musiche hardrock più esaltanti in un horror. Certo non è forse d’atmosfera, ma Brivido non è un film d’atmosfera, non è il prosciutto Pata negra che costa un occhio della testa, è il corrispettivo del Big mac unto e ciccioso che ti scopa la bocca caldo e al quale non puoi dire di no anche se hai speso milioni dal nutrionista. Un oggetto che doveva essere per tutti ma che è diventato di nicchia perchè non capito dagli stessi amanti del Re che avrebbero dovuto seguirlo anche nel suo essere disastro artistico alla King Vidor della serie B.

Nannuzzi e King

King definisce Brivido come il seguito non ufficiale di Plan 9 from the outer space, lo dice scherzando, ma i suoi ricordi sul set non sono mai felici. Ad alcuni giornalisti che gli chiesero perché non girava più lui rispose “Guardate Brivido e capirete il motivo“. King afferma di essere stato perennemente ubriaco sul set e di non ricordarsi un granché soltanto che molti parlavano italiano e lui non conosceva la lingua. Per assurdo comunque come in Plan 9 from the outer space le macchine, si scoprirà nel finale grazie ad una didascalia, sono forse impazzite per via di un U.F.O.. In Ed Wood i morti, in Stephen King i camion.

La versione integrale non è mai uscita e lo scrittore la conserva a casa sua con nessuna intenzione di divulgarla. Si racconta, attraverso foto di scena, che dovesse essere più sanguinosa con grafici geyser di sangue che uscivano dalle ferite, con corpi martoriati e sequenze alternative più feroci. Non solo: alcune scene sembrano spezzate, senza molto senso logico, e questo fa pensare che la durata del film sia stata accorciata anche non solo nel reparto gore. Ad un certo punto, per esempio, il gestore del drugstore esce da una stanza abbottonandosi i pantaloni seguito dalla cameriera, ma niente, né prima né dopo, analizza il loro rapporto. Quando la censura tagliò il film, King si disse rammaricato perché la sua versione era più potente. Come non credergli?

La cosa che comunque ci si ricorda di Brivido è soprattutto il Camion del Goblin, un vero villain del film, che ad essere sincero non fa né più né meno degli altri cingolati ma ha questi occhi che si illuminano e una colonna sonora tutta sua mutuata su quella di Psycho. D’altronde, nessuno l’ha mai detto, ma Maximum overdrive potrebbe essere una strana declinazione di Hitchcock, quasi una risposta tamarrissima al suo Gli uccelli.

Brivido è stato con gli anni così vituperato, così disprezzato che è difficile non volergli bene. Noi di Malastrana vhs lo abbiamo adorato fin dal primo passaggio in tv quando la vita forse era più semplice. Belli gli anni in cui il cinema era solo intrattenimento. In questo Brivido è il cinema nella sua forma più pura.

Andrea K. Lanza 

Brivido

Titolo originale: Maximum overdrive

Anno: 1985

Regia: Stephen King

Interpreti: Emilio Estevez, Pat Hingle, Laura Harrington, Yeardley Smith, John Short

Durata: 90 min.

 

L’isola dei morti viventi

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Mi accorgo stasera che, malgrado la mia innata Sindrome di Peter Pan, sto invecchiando.

E’ una verità scomoda, forse anche più difficile dell’accettare di essere gay se lo fossi, perché la vecchiaia, purtroppo, è una sentenza di morte vicina.

Eh sì, amici miei, non serve parlare con lo slang giovane, fare selfie a manetta o raccontare che ti stai trombando la modella 22enne, perché, come dice il grande Max Pezzali, “il tempo passa per tutti lo sai nessuno indietro lo riporterà neppure noi”, qualunque cosa questo significhi.

Saggio Max

Vi dico questo perché ho capito di avere perso il senso sacrosanto del wow, del critico che ama i brutti film, quello che Pascoli chiamava “l’innocenza del fanciullino”.

Posso asserire questo con certezza perché stasera sto per affrontare il penultimo film di Bruno Mattei, “L’isola dei morti viventi”, uscito con dieci anni di ritardo in dvd nel nostro Bel Paese.

Un film che (forse) solo pochi anni fa avrei adorato, ma che ora invece mi appare troppo pieno di insuperabili difetti.

Amo e ho amato i ripoff truffaldini di Bruno Mattei del passato, anche i più spudorati, come Virus, Robowar o Terminator 2, ma, plagi o mano, quelle pellicole erano cinema in odore di atomica,  con la passione da tutti i pori.

Cosa che L’isola dei morti viventi non può sfoggiare.

Galeotto dev’essere stato l’incontro tra il produttore Giovanni Paolucci e Bruno Mattei, nel 1993 con Attrazione pericolosa, e proseguita, fino alla morte del regista, nel 2006, con Zombies the beginning.  Più di dieci anni di filmacci di tutti i generi, dall’erotico, al poliziesco mafioso fino a resuscitare filoni ormai morti e sepolti come il cannibal movie deodatiano o l’horror zombesco. Prodotti nati disgraziati, girati in digitale, paurosi e appassionanti come baracconi da luna park, purtroppo.

Mattei in questo periodo neanche ci provava più a girare decentemente, si limitava ad assemblare film su film di inenarrabile sciattezza. La poesia cinematografica da guappo era inesorabilmente sfumata.

Certo L’isola dei morti viventi se lo raccontate ad un amico è una cosa incredibile: vampiri, zombi e fantasmi su un’isola, poi arti che ricrescono e, cazzo, uno zombi che suona il liuto! Vi prego però di credermi: L’isola dei morti viventi è una palla di proporzioni colossali, qualcosa di così moscio, noioso e fastidioso da essere quasi masochismo.

In questa pellicola il grado di wow viene presto superato dal senso incredibile di presa per il culo: i nostri protagonisti vedranno più volte gli zombi cannibali, ma ogni volta, entrati in una stanza, come una sorta di puntatona di Scooby Doo, si dimenticheranno di essi, per spaventarsi, come la prima volta, ogni volta!

Scooby Doo

Poi quest’Isola dei morti viventi è davvero trafficata perché Mattei e il suo sceneggiatore Tentori, saggista di ben altra caratura, sono indecisi su che mostri mettere in scena e in un solo film, a random, vediamo zombi, vampiri e fantasmi, ma anche una cosa stranissima, dei zombavampiri ovvero dei morti viventi coi canini da Dracula!

In più sempre l’isola che fa da scenario, da copione, dovrebbe essere deserta, ma qua e là, se stiamo bene attenti, vediamo in ordine, sullo sfondo, una città, dei motoscafi che fanno ciao ciao e qualche barca. Il film poi non si cura di essere credibile neppure nella scelta delle comparse usando per la maggiore attori filippini, così abbiamo pirati e zombi dai tratti incredibilmente orientali. La pellicola, ambientata nei Caraibi, fu girata appunto nelle Filippine, un’ambientazione nota ai nostri film di genere degli anni 80, il Vietnam più appetibile in circolazione dai tempi di Apocalipse Now di Coppola. Non si capisce la scelta però di non ambientarlo direttamente in quelle località come per esempio l’affascinante Zombi 3. Certo i Caraibi sono mozzafiato, ma è come cercare di girare a New York quando dietro di te hai il bazar di Gigi lo scorreggione a due passi da Cologno Monzese.

Lei è la comparsa più usata in almeno 800 parti

I protagonisti sono una squadra di cacciatori di tesori che, capitati per caso su quest’isola degli orrori, si comporteranno né più né meno come in una parodia del genere horror con l’aggravante che non si tratta di una parodia. Si capisce che che il loro destino è scritto sulla faccia: “Carne da macello”.

Il film è una lunga e ininterrotta sequela di citazioni di altre più nobili opere, da Fog di John Carpenter (con la stessa idea di nave maledetta e di nebbia perenne) a House of the dead di Uwe Boll, con tanto di Capitano Kirk e morti viventi conquistadores chiacchieroni. Naturalmente nel percorso non manca né George Romero con la famosa frase “I morti ti prenderanno!” da La notte dei morti viventi né l’intuizione di usare il karatè per battere questi zombi cenciosi da After death di Claudio Fragasso, dal quale scippa pure la sequenza della lettura del libro maledetto ritrovato (e quindi di riflesso anche l’Evil dead raimiano). La parte del leone però nei furti/citazione la fa Lucio Fulci dove il suo Zombi 2 viene ripreso sia nell’incipit con i cadaveri chiusi nei sacchi ai quali viene fatta saltare la testa, ma soprattutto nella scena famosa della scheggia di legno infilza occhio.

Sono sposata col produttore e torno nel seguito

Mattei poi si cita e si ricita da solo riproponendo intere sequenze girate ex novo dal suo classico Virus con tanto di prete zombi o la battuta “Vuoi la coscia o il petto?” rivolta ad un gruppo di zombi affamati. In più è proprio da Virus una delle scene più sceme di tutta L’isola dei morti viventi quando, davanti ad un cadavere putrefatto e pieno di sangue, una delle protagoniste chiederà “Signore sta male? Signore parla la nostra lingua?”. In più in questo film scopriamo che le barche, udite udite siori e siore, sono fornite di un pulsante di autodistruzione!!!!

Zombavampiri!

Quello che lascia interdetto però non è il livello di coglioneria, che ci stava pure dentro il bellissimo Rats notte di terrore, ma la fattura sciatta che neanche si ricorda le regole più basilari del montaggio, una cosa imperdonabile per Mattei che era appunto anche un ottimo tecnico. Le scene, sempre con quell’aria insopportabile da fiction terzomondista, non si amalgamo mai, sono scollegate, dilettantesche nella loro consecutio e donano al film, già disgraziato per conto suo, una lentezza che solo un montaggio frenetico forse avrebbe salvato dal fallimento completo.

Gli attori poi, a parte Gaetano Russo nella parte del Capitano Kirk, sono incredibilmente cani, qualcosa che sublima anche l’idea di attori cani che uno si fa nell’approcciarsi ad un film di Bruno Mattei. Nel cast è bene citare poi la presenza di Lilia Cuntapay, caratterista storica del cinema filippino, vista anche in produzioni americane come Bagkok senza ritorno di Jonathan Kaplan, e qui nelle vesti di un fantasma zombi poco incline al cannibalismo. La Cuntapay tra l’altro ci ha lasciato quest’Estate a 81 anni. La palma però di peggiore recitazione va senza dubbio a Ydalia Suarez, attrice già nota per la sua pessima performance in  Nella terra dei cannibali sempre del nostro Bruno, e che scopriamo essere cantante (ancora più terribile) di un certo culto, anche in Italia, con l’album “Sei mio uomo, w le donne”.

Di lei possiamo leggere su internet questa raccapricciante biografia:

“Ydalia Suarez ritorna alla musica, suo originale amore sin da quando era bambina. Nella sua vita, infatti ha sperimentato diversi tipi di arte tra cui la danza e il cinema.

Candela 2k16 è il brano da cui parte il nuovo progetto discografico di Ydalia;  è in uscita su tutte le piattaforme digitali a partire dal 22 luglio. E’ solo l’inizio: il progetto proseguirà con la realizzazione di un album di brani inediti che prevede la collaborazione di grandi firme autorali.

Era il 1999 quando la portoricana Noelia lanciò Candela.

Il singolo, utilizzato come stacchetto nella trasmissione Striscia la notizia, ha conosciuto una straordinaria popolarità in Italia nel 2001 arrivando fino alla quarta posizione della classifica dei singoli più venduti e diventando un vero e proprio tormentone estivo entrando nella Top 5 dei singoli più venduti.

E’ il 2016: la cubana Ydalia affida a Nick Peloso la rivisitazione del singolo. Una re-edit con suoni attuali dopo i 18 anni dalla sua uscita originale. E’ un brano dalle sonorità avvolgenti, fresco, attuale e ballabile, Candela 2k16 si propone di diventare un successo e un tormentone dell’estate in versione completamente diversa grazie a Nick Peloso, che regala al singolo nuova vita, alla voce di Ydalia, e al ritmo che fa battere il cuore di chi lo ascolta anche ricordando la versione originale riportando quindi oltre ai “ricordi” anche forti emozioni.

Il buon lavoro svolto la premia, ed alcuni brani sono richiesti per fare parte della colonna sonora di “Stars Gate” un film di produzione italiana ma destinato solo al mercato internazionale. Uno di questi brani “Stars in love” diventa tema del film.

Nel 2015 è stata protagonista femminile del nuovo film di Claudio Fragasso “La grande rabbia”, film che è stato presentato al David Di Donatello“. Film che aggiungiamo è prodotto sempre da Paolucci.

Difficile davvero salvare in questo Isola dei morti viventi qualcosa e le uniche cose che ci possono venire in mente sono la sequenza, già citata, dove un morto vivente suona un liuto per un fantasma che danza o un delirante momento dove ad un morto vivente cresce spontaneamente un arto, ma sono poche cose e anche sviluppate e rese male in un contesto davvero cretino dove i fucili hanno colpi infiniti o, per risparmiare, si fa interpretare due statue a due attori!

Signore, parla la nostra lingua?

A firmare la fotografia il Luigi Ciccarese di Aenigma e Demonia di Fulci, non al suo massimo. Gli effetti speciali e di make up invece sono buoni grazie anche alla bravura della veterana Cecille Baun, nota per i suoi lavori in Platoon e Hamburger Hill. Nel film di Mattei tra l’altro non si eccede mai in sequenze sanguinose o di sventramento, a discapito del titolo, e quindi il grosso del lavoro si è concentrato sul rendere decenti questi zombi, a volte benissimo a volte no, ma in generale dando dignità ad un prodotto miserabile.

Dispiace davvero perché credo fortemente che negli anni 80 con un altro spirito, un’altra resa tecnica, questo L’isola dei morti viventi sarebbe stato ottimo per una visione tra amici, invece davvero si capisce perché non è mai stato distribuito nel nostro paese per così tanto tempo.

Bruno Mattei qui si firma come ai tempi d’oro con il nom de plume di Vincent Dawn, e, prima di congedarsi dalla vita e dal cinema, ci regalerà un seguito di questo film, Zombi la creazione, scippando, come ai tempi di Terminator 2, il plot di Aliens scontro finale.

Ci piacerebbe parlare bene almeno di quest’ultima opera, ma la verità è che il cinema di Mattei è un morto vivente, ha ciondolato per anni dopo la fine dei generi credendo di essere ancora vivo, non capendo invece di essere solo una carogna maleodorante.

Peccato perché noi, malgrado quello che stiamo scrivendo, amiamo Mattei e siamo cresciuti coi suoi classici, a volte amandoli più dei veri classici. RIP in pace Bruno.

Andrea Lanza

L’isola dei morti viventi

Titolo originale: Island of the living dead

Regia: Bruno Mattei (Vincent Dawn)

Interpreti: Yvette Yzon, Alvin Anson, Ronald Russo, Ydalia Suarez, Miguel Franco, Jim Gaines, Thomas Wallwort

Durata: 90 min.

 

 

 

 

 

 

 

Come passare male Santo Stefano guardando film

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Natale è ormai finito, oggi si assestano gli ultimi colpi bassi allo stomaco, i pranzi e le cene luculliane sono ancora all’ordine, ma ormai si parla di cibi riscaldati, avanzi di giorni fa, forse domani si lavora, che palle, ho fatto tombola zio Chiattone.

Per questo, per farvi compagnia mentre come lottatori di sumo vi ingozzate per sopravvivere meglio alla fase finale del Natale, il boss, Santo Stefano, quel giorno che per molti è il Natale bis e che ha lasciato sulla sua infamante via molti prodi giovani panciuti come figli dell’America partiti per il Vietnam, noi vi abbiamo stilato la lista dei peggiori film per passare questo Lunedì.

Io ce l’ho fatta, ma non altri giovani panciuti.

Quindi siamo esenti da Babbi Natale perché a Santo Stefano si fa sul serio, si accettano colpi sotto la cintola e strozzamenti di tette, basta Poltrone per due, La vita è meravigliosa, i film che devono essere visti oggi sono schifezze forse non nate brutte, ma con il Dna del brutto, come il nostro riflesso davanti allo specchio oggi.

Domani si riapriranno le palestre, inizierà il tram tram della vita quotidiana, ma per oggi Malastrana è lo specchio del nostro ego post eccessi perché a tutti piacciono i complimenti, ma la verità la dice anche il saggio Paulie di Rocky, la vita fa più schifo della merda. Amen, fratello, amen.

1- Hobgoblins – una stirpe da estirpare

Joe Dante nel 1984 ci fa emozionare, spaventare e ridere con quel gioiellino chiamato Gremlins, ma genera, come i suoi mostriciattoli, una stirpe bastarda di cloni malconci e pulciosi. I registi che pensano che basti un Furby mosso coi fili per creare un simil gremlins sono molti, a qualcuno è andato bene, vedi i Critters, a qualcuno benino, vedi i Ghoulies, qualcun altro ha rasentato la follia, i troll fragassiani, ma nessuno ha mai raggiunto vette di sublime letame come gli Hobgoblins di Rick Sloan. I mostri di questo film neanche li provano a muovere, sono stoccafissi doppiati alla meno peggio con vocine alla ciuffetto bianco, con mani nascoste che simulano il movimento, raccapricciante nei momenti concitati di terrore. Hobgoblins è davvero una stirpe da estirpare, come dice il titolo, ci prova a buttarla sul ridere, forse parodizzando la scifi anni 50, ma è solo micidiale, come la scoreggia che ti parte quando stai per scopare finalmente e capisci che la vie e rose è sfumata, adieu l’amour e le madeleine, cazzo. Rick Sloan proverà a girare un seguito nel 2009, ma con l’idea di fare apposta una cazzata, solo che i grandi film miserabili non si creano a tavolino, e Hobgoblins 2 sarà solo brutto, non “brutto cazzo che cosa ho visto ora vi racconto”. In Italia Hobgoblins esordì in vhs e poi se ne persero le tracce, etichetta Avo film con questi Hobgoblins nel tratto di Sciotti o di un suo emulo, fighissimi, che volavano su un’astronave, cosa che mai si vide nel film. Se volete che i vostri figli vi odino a morte, fategli vedere questa cosa al posto di Gremlins.

2- Il principe delle donne

Cioè lo sappiamo tutti: Natale è anche Eddie Murphy con quel capolavoro che è Una poltrona per due, e, negli anni 80 e 90, il nostro Eddie è stato un grande con commedie su commedie da spanciarsi a crepapelle. Certo ci sono stati film moscissimi, come Un poliziotto a Beverly Hills 3, ma Eddie pre professore matto era uno spasso sempre e comunque. Beh quasi sempre visto che Il principe delle donne, in America Boomerang, è uno di quei film che non fa mai ridere, ti genera un vuoto esistenziale alla Brett Easton Ellis, guardi la tv e non ci credi, gang su gang una più moscia dell’altra, razzistissimo, maschilista, qualunquista, cazzo che merda. Il titolo italico nasce per accalappiare gonzi, quasi spacciandolo per un seguito del Principe cerca moglie di Landis, ma naturalmente non ci riesce. In America però nel 1992 Boomerang si piazzò bene, a noi piace solo Halle Berry che qualsiasi film faccia noi la amiamo.

Ridiamo solo noi

3- Le avventure di Rocky e Bullwinkle

Eccolo il grande De Niro vestito come uno scemo nazista in questo film dove un alce e un castoro gli rubano la scena. Fa quasi tenerezza il buon Bob, perché lui si vede qui, più che in altri film, che è stanco, lo fa solo perché deve mangiare tra uno Scorsese e l’altro, ma capisce anche lui che, dopo i froci stereotipati di Schumacher e questa cosa indecorosa, il fondo è stato bello che toccato e riemergere è impossibile. Inutile dire che Le avventure di Rocky e Bullwinkle non fa mai ridere come magari uno Space Jam, è una cosa che i bambini schifano perché fuori dal loro mondo e gli adulti non capiscono, un prodotto nato per scontentare tutti, folle nel pensiero di cavalcare l’onda di un cartone animato non trasmesso da secoli, un po’ come tentare di sbancare il botteghino con la versione live de Le avventure del Signor Bonaventura.

4 – Mamma ho allagato la casa

Avevamo lasciato la saga del piccolo Kevin McCallister con quei due gioiellini che sono Mamma ho perso l’aereo (Home alone) e il 2 a New York, ma forse tanti non sanno che le avventure del piccolo biondo pestifero figlio di genitori con l’alzhaimer è continuata, purtroppo, sul piccolo schermo. Kevin stavolta ha allagato la casa, in un film che fa pesare l’assenza di Macaulay Culkin (troppo grande nel 2002), Joe Pesci e tutto il cast originale. Ad interpretare il bambino è il poco noto Michael Andrew Weinberg, faccette buffe al servizio di una storia che non appassiona mai. Non che Mamma ho allagato la casa (Home alone 4) sia peggio di Mamma ho preso il morbillo (Home alone 3) o Mamma ho visto un fantasma (Home alone 5), ma almeno negli altri film si è cercato di non riportare in vita il piccolo Kevin che sarà sempre e comunque Macaulay Culkin, un po’ come cercare di dare un altro volto a Rambo o Rocky.

5- Casper e Wendy

Vi ricordate che caruccio che era il Casper con Christina Ricci? Tenero, a tratti pure romantico, quasi burtoniano nelle intenzioni, ma anche lui vittima dei famigerati direct to video che hanno infettato anche marchi decorosi come La famiglia Addams e Hazzard,  generando seguiti e pseudo seguiti deliranti, mal scritti e girati e soprattutto agghiaccianti nella loro pochezza. Questo seguito è pure delirante perché mette in scena uno scontro tra fantasmi e streghe con la divetta della tv Hillary Duff al suo primo ruolo importante, si fa per dire. In Italia non lo voleva nessuno questo film, tanto che sbarcò anni dopo sulle reti satellitari. Questo è il secondo seguito, il primo era Casper un fantasmagorico inizio, brutto uguale, ma con  Steve Guttenberg che almeno è simpatico.

Casper, cazzo, non toccarmi il culo

6- In the name of the king

Avete voglia di fantasy, di streghe, draghi, duelli in mortal tenzone, di appassionanti storie di armi e amori beh girate i tacchi e comprate il cofanetto de Il trono di spade. Uwe Boll al suo apice massimo di masochismo riesce ad avere la licenza di un videogame coi controcazzi e butta alle ortiche il budget miliardario che qualche folle gli ha dato in mano, per fare una cosa miserabile, brutta, mai appassionante, girata davvero col culo, lui che almeno a mestiere fino ad allora c’era. Nel pasticcio ci cadono Jason Statham, Claire Forlani, Ray Liotta più altri trecento volti noti del grande schermo. Sembra davvero uno scherzo di cattivo gusto e non importa che dopo Boll girerà almeno due capolavori, Rampage e Stoic, qui si è sputtanato per sempre. La cosa assurda è che lo stesso regista girerà da questa cosa altri due seguiti, brutti come la morte comunque, ma per lo meno poveri e senza pretese. In the name of the king è pure scarso in quanto a wow, figa seminuda (eppure c’era Kristanna Locken) ed effetti speciali, insomma senza giri di parole è una merda

Gruppo di attori smarriti nella selva

7- Jackpot

Noi ad Adriano Celentano vogliamo bene e, dopo il flop di Joan Lui, desideravamo comunque un altro delirio musical su nostro signore Gesù o almeno cazzo una commedia divertente tipo quelle dirette per lui da Castellano e Pipolo. Si era capito comunque che tirava una brutta aria nella sua carriera quando uscì Il burbero, un film che si presentava stanco e moscio in maniera inverosimile. Forse solo un film davvero bello avrebbe salvato la carriera del nostro dalla morte, ma questo film bello non arrivò mai, e Joan Lui fu l’onda che spazzò tutto. A ridosso del suo album Il re degli ignoranti, Celentano accettò di partecipare a Jackpot, diretto dallo stracazzutissimo regista di Mamba, Mario Orfini. Il disagio nel vedere una storia così banale, così intrisa del celentan pensiero peggiore, doppiata di merda, mai divertente e disarmante dopo i primi 10 minuti, per non parlare della stupidità di fondo, è cosa davvero senza paragone. Adriano nostro così si congeda dal cinema, indecorosamente invecchiato e petulante.

Christopher Lee la foto non l’ha voluta fare

8- Nick lo scatenato

Stallone è un mito, su questo non ci piove, anche quando ha interpreto cosine che sono diventate comunque immense grazie a lui. Eppure c’è una mosca bianca nella sua filmografia, qualcosa che non è neanche noioso come FIST o fuori dai suoi schemi come Lo specialista, no qui siamo in campo brutto forte. Stiamo parlando naturalmente di Nick lo scatenato, una commedia che non fa mai ridere come tante riportate qui, un musicarello con canzoni atroci, costumi kitsch e una patner, Dolly Pattorn alla fine della sua carriera di cavalcate, sfatta e invecchiata con solo due bocce notevoli. Sly è perso e fa male leggere il nome del mitico Bob Clark alla regia di questa cosa.

Sei Rocky e Rambo, passerà Sly anche questa

9- Un poliziotto sull’isola

Uscì in vhs nel 1993 con il faccione di Schwarzenegger in primo piano, fotoshoppato da The Last action hero, ma, appena il film iniziava, partivano le madonne fino al cielo. La comparsata di Schwarzy era di qualche secondo, con immagini che sembravano rubate di nascosto, il protagonista era il terribile Franco Columbu, allenatore di body building e amico di Arnold nostro. Il film terribile, mal girato, uno spottone da Rete 55 o Telecapri su un’isola della Sardegna, con la presenza imbarazzante di Jo Champa che all’epoca mi aveva pure ispirato due o tre pipponi, è oltre il brutto. Fortunatamente il film circolò poco, ma era una truffa vera e proprio. Me lo ricordo rieditato tempo dopo con il faccione di Columbu più grande di quello di Schwarzy in copertina. Quando uno parla di egocentrismo.

Giura, Franco, che non mi stai riprendendo

10- Gesù un regno senza confini

Che Santo Stefano sarebbe senza un buon cartone animato e soprattutto senza un’opera che ci racconti della storia di Gesù Cristo? Io ogni Natale mi vedo volentieri Ben Hur versione figa ovvero quello del 1959 o Il re dei re perché a me il Tecnicolor gasa, poi la grandiosità delle produzioni hollywoodiane di quegli anni non si batte. Anche Il Gesù di Zeffirelli è un classico, ma una cosa come Gesù un regno senza confini non l’avevo mai vista. Immaginate di pensare ad un cartone animato su Cristo e vi chiamate Jung Soo Yong e magari neanche siete cattolici. Gesù un regno senza confini è una produzione coreana di una palla abissale, con tipo trecento puntate animate malissimo e piena di tutta quella retorica che solo uno sceneggiatore che si è dovuto leggere il bigino del Vangelo può avere. Lo importa da noi la Mondo di Corradi Orlando, famoso per Samurai cop e tanti cartoni brutti copie di famosi brand tipo Il libro della giungla. Questo è materiale per forgiare le giovani menti di maniaci religiosi futuri con il gatto a nove code pronto a frustarvi il cazzo se passa una bella donna. Gesù in questo serial coreano fa più cose di bertoldo e ha più poteri di Superman. Dicono che chi ha visto per intera tutta la stagione ha cominciato a sanguinare sangue dagli occhi come in Paura nella città dei morti viventi di Sir Lucio Fulci.

Gesù col taglio giusto per una persona perbene

E con questo, buone feste da Malastrana! Ora io vado a bermi un caffè con lo scrittore più in del pianeta Terra, Luigi Pellini, ingannando l’attesa per il pranzo. Alla prossima, se non esplodo!

Andrea Lanza

Dominator

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andrea lanza, dominator, exterminator 2, mario van peebles, recensione, recensioni, robert ginty, vhs

Exterminator era un film sfilacciato ma interessante, dove uno psicopatico Robert Ginty trucidava, nei modi più violenti, i criminali di turno, in una sorta di Il giustiziere della notte con il pedale accellerato sull’iperbole. Non era un grande film, meglio si sarebbe fatto, sulla falsariga di Bronson/Winner, per esempio con il notevole Vigilante di William Lusting, ma sia dato atto al regista James Glickenhaus di essere riuscito a girare un solido B movie dalla resa spettacolare di un film hollywoodiano. In più Exterminator è uno di quei noir action che vengono più miticizzati dai fan del genere, vuoi perchè è difficile trovare un’altra pellicola con un eroe, John Eastland, che si comporta peggio dei vari aguzzini uccidendo cani e triturando mafiosi come quarti di bue, vuoi perchè James Glickenhaus è uno che gira distrattamente, ma quando si tratta di mettere in scena una sequenza d’azione, come il lungo incipit nel Vietnam, diventa il Francis Ford Coppola del cinema popolare.

Di Dominator, il suo seguito, invece se ne parla poco, e, quando lo si fa, i termini non sono poi così lusinghieri.

Eppure è una di quelle pellicole che esaltano il sottoscritto.

Quattro anni dopo Exterminator, in un 1984 utopico dove la violenza è all’ordine del giorno, un misterioso vigilante, bardato da una tuta ignifuga e armato di un lanciafiamme, purifica le strade della peggiore teppaglia. Qui facciamo la conoscenza di un altro John Eastland, sempre interpretato da Robert Ginty, ma totalmente agli antipodi del personaggio visto nel film precedente. Se l’Eastand di Exterminator era un personaggio poco simpatico e taciturno, questo, pur mantenendo lo stesso nome e cognome, è una sagoma, spigliato e ciarliero. In più ha una ragazza, ballerina di lap dance, che sogna di sfondare nei musical di Broadway.

La sua vita sembra perfetta finchè non incontra Bee Gee (Frankie Faison), un ex commilitone del Vietnam, che di lavoro guida il camion della nettezza urbana. Quello che il buon Ginty non sa è che poche ore prima l’amico ha salvato un poveraccio torturato da un gruppo di teppisti e questi gli hanno giurato la morte.

Contando che i novelli guerrieri della notte conoscono del loro nemico solo il camion che guida, quando vedono Ginty tornare a casa con la fidanzata, proprio a bordo del mezzo tanto odiato, pensano di avere trovato l’autista ricercato, iniziando la rappresaglia ai due innamorati.

Ora, se conoscete il genere, sapete che, se sei la ragazza di un personaggio di un Sotto Giustiziere della notte, devi stare zitta e non dire la frase “Da grande voglio fare la ballerina” perchè la cosa più buona che può capitarti è romperti la caviglia. Si sa che in questo genere di film, però, la cosa che capita non è mai la migliore.

La ragazza di Ginty verrà pestata a sangue, ridotta in fin di vita con la spina dorsale spezzata, all’inizio, poi in seguito, stuprata e ammazzata. Non serve altro per scatenare la vendetta. “Non posso salvarla, ma sterminare questi stronzi si”.

E così sia.

Le scene d’azione sono vivaci, con una metropoli che sembra l’inferno, una sorta di Gotham city più violenta e senza l’appoggio di nessun Batman. Per questo, quando il misterioso vendicatore irrompe sulla scena, sputando fuoco come fosse un soldato in Vietnam, il tono è quello di uno strano cinecomix iperviolento.

Siamo in anticipo sulla città de Il giustiziere della notte 3, popolata da ladri, assassini e stupratori. La New York di Dominator è un vespaio della peggior specie di deliquenti, gente che vediamo uccidere per due spiccioli e poi, sempre per quei due spiccioli, accoltellarsi tra di loro.

Il film non si tira indietro davanti alle scene più crude come quella che vede una coppia di vecchietti uccisa a colpi di pistola, barbaramente, con i proiettili che dilaniano la carne con squarci rossi e dolorosi, tra le risate dei criminali.

Più che esseri umani, questi teppisti, sono ratti, vivono nelle fogne e quando attaccano qualcuno hanno dell’inumano, quasi famelico, che li rende mostri da horror movie, quasi moderni cannibali metropolitani. In generale poi la città sembra davvero uscita da incubo romeriano o da un post atomico alla Castellari. Merito anche della fotografa che predilige i colori più accesi e innaturali anche nelle tante scene notturne.

Stupisce poi per il basso budget, la resa potentissima di alcune sequenze, impensabili in un film Cannon che a prima vista sembra girato al risparmio, con studi di dottori improvvisati in stanzini. Qui viene persino fatto esplodere un elicottero in una scena di grande impatto, una cosa che a livello concettuale è assurda, anche perchè viene usato un razzo segnalatore, ma è comunque wow, un momento di grande cinema popolare, stupidello ma gagliardo.

Gli attori invece sono una roba che non ci credi. Robert Ginty se la cava, è più simpatico che nel film precedente, ma uno stoccafisso come pochi, con la sua faccia alla Nicolas Cage ultimo periodo che ha due uniche espressioni impareggiabili da tontolone. E’ comunque il migliore del cast che vanta una Deborah Geffner che dovrebbe essere la figa del film ed è una racchietta, e Frankie Faison che recita forse la peggiore performance della carriera, non riuscendo mai a dare spessore al suo personaggio, un ex reduce del Vietnam incattivito e psicolabile. Qui lo vediamo per il 70 per cento delle volte ridere e fare battutacce, il restante 30 impugnare un mitra senza motivo e morire come uno stronzo.

Il peggiore però è senza dubbio Mario Van Peebles, figlio del grande Melvin, e qui ad inizio carriera, prima del suo Posse o del gagliardo Gunmen, in una parte importante, quella di X il villain della vicenda. Già dal look, con i capeli cotonatissimi, e dalla sua preferenza per gli abiti di pelle neri aderenti, neanche fossimo in Cruising, con quella X sul petto che dovrebbe fare paura e invece fa ridere, capisci che qualcosa non va. Van Peebles recita male, ma così male che ti commuove persino, gesticola, fa le facce, salta come un ballerino, sembra un pessimo attore in over acting sotto cocaina pesante. Il suo X ricorda per ferocia il Zed di Scuola di Polizia 2, ed è tutto dire.

A girare stavolta non è più James Glickenhaus, ma il produttore del film precedente, Mark Buntzman, alla sua unica regia visto il disastro combinatogli dalla Cannon per questo film, che tra poco paleseremo.

Mark Buntzman gira con nerbo, abusa di rallenti come nel caso della scena di aggressione a Deborah Geffner, ma in generale è bravo, tanto che, a differenza di Glickenhaus, non rende interessanti solo le scene spettacolari, ma si sofferma sui personaggi, sul loro background, riuscendo a rendere vivaci anche quelle sequenze romantiche ti fanno spingere il fastfoward.

E’ questo il problema che ha spinto la Cannon a distruggere l’opera di Buntzman, dilaniandola e riempendola di sequenze nuove girate senza Ginty, ma soprattutto senza l’approvazione del regista. Il cut originale sembra purtroppo perduto, ma il film, stando alle parole del suo autore, era più intimista e meno fracassone.

Sia chiaro Dominator, anche in questa versione, è gagliardo, soprattutto quando il finale sembra impazzire: la scena di stupro è di pochi secondi, quasi subliminale, in antitesi con le regole del genere, come un cancro impazzito sulla pelle, una chiusa schizzata perchè riflette la disperazione del suo personaggio. Ti lascia davvero una strana sensazione di follia, di incompiutezza, di frenesia e rabbia, ecco che, arrivato alla resa dei conti, diventi tu, spettatore, John Eastland.

Questi pregi però sono il frutto di un montaggio arbitrario, voluto dalla Cannon, che definì disastrosa la visione della pellicola ultimata. Nel film originale infatti non esisteva nessun giustiziere che bruciava i criminali, tutte le sequenze con il lanciafiamme, compreso il finale, sono interpretate da una controfigura, quando il regista aveva già mandato tutti a fanculo.

Così anche i buchi di sceneggiatura, come i teppisti che scoprono casualmente dove abita Ginty e la sua donna, sono il risultato di scene eliminate o di sequenze spostate da un minutaggio all’altro. La famosa sequenze dell’elicottero per esempio era più lunga, con il pilota che urla tra le fiamme, e Van Peebles che incontra faccia a fiaccia Ginty puntandogli il dito contro e lanciandogli una sentenza di morte. Infatti i due si erano già visti prima, quando Bee Gee travolge con il suo camion i teppisti, non da solo come il nuovo cut, ma aiutato appunto da Ginty che affronta i vari criminali (in una foto di scena si vede l’attore tirare un copertone di un’auto a qualcuno). In seguito poi sempre il protagonista e la fidanzata, al ritorno a casa, dovranno fronteggiare la gang di Van Peebles in una scena eliminata dal nuovo montaggio. Visto così la narrazione sembra meno stupida, anche perchè nel film vulgato fa quasi ridere che questi teppisti si vendichino così a random con qualcuno principalmente mai visto e solo riconosciuto da uno dei tanti camion della nettezza urbana di New York.

Ruolo importante poi aveva anche il night club dove lavorava la Geffner che, per via dell’esplosione dell’elicottero, veniva distrutto con i suoi bei morti e feriti. Sempre grazie alle foto di scena possiamo ricostruire la sequenza con l’attrice intenta a curare i feriti.
Il finale originale poi era molto più lungo e articolato con Ginty che sbaragliava la gang di X, aiutato anche dalla polizia (in una foto di scena un poliziotto punta un fucile contro Van Peebles inginocchiato). La resa dei conti stavolta vedeva in scena anche la sua ragazza sulla sedia a rotelle (in originale non moriva) armata di pistola. La fine del cattivone era in puro stile truce Cannon con il camion della nettezza che triturava l’infame. Non male no?

C’è da dire però che la sequenza di breakdance, terribile e lunghissima, voluta probabilmente dalla Cannon che in quel periodo avrebbe fatto uscire Breakin’ 2: Electric Boogaloo di Sam Fisterberg, è sicuramente girata da Buntzman, visto che in scena ha sia Ginty che la Geffner.

A girare le nuove sequenze è lo sceneggiatore William Sachs che in diverse interviste parla abbastanza male del regista originale dicendo che era un vero incompetente. A suo dire, quando i tecnici chiedevano a Buntzman dove posizionare la telecamera, lui rispondeva “Dove volete voi”. L’idea della maschera da saldatore è venuta a Sachs quando, nel cercare di salvare l’opera, si accorto che Ginty nel modificare il camion dell’immondizia, indossava una maschera da saldatore. Visto che Ginty se n’era andato col regista, quale migliore escamotage che girare le scene nuove, non avendo la star del film, con un nuovo attore mascherato?

Oltretutto, a conti fatti, non è mai chiaro, chi fosse il vigilante brucia stronzi, prima del finale, se Eastland o Bee Gee.

In qualsiasi caso, Dominator, chissà poi il perchè del titolo sadomaso affibbiatogli in Italia, è un film gagliardo che, qualsiasi cut vi troviate, risulta sempre una visione piacevole. Da noi è circolato solo in vhs, edizioni Multivision, con un bel doppiaggio, cosa strana ma buona.

Da recuperare.

Andrea Lanza

NOTA: Il trailer presenta scene alternative al cut vulgato che vengono dalla prima versione de regista:

Dominator
Titolo originale: Exterminator 2
Anno: 1984
Regia: Mark Buntzman (e William Sachs)
Cast: Robert Ginty, Mario Van Peebles, Deborah Geffner, Frankie Faison, Irwin Keyes
Durata: 90 min.
VHS: MULTIVISION

Il mio scopo è la vendetta

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alex king, andrea lanza, don stroud, il mio scopo è la vendetta, jong soo park, recensione, recensioni, search and destroy, taekwondo, tisa farrow, vhs, wiliam fruet

Senza ombra di dubbio questo film, sulla carta, è una bomba atomica. Mischiare Kung fu con Vietnam è già una botta di genio, roba da mascelle sganasciate alla mode Yorick di Amleto, poi se in più tu regista decidi di scegliere come protagonista la Tisa Farrow di Zombi 2 e L’ultimo cacciatore, beh hai il mio voto nel caso mai ti candidassi come presidente, stai certo.

Tisa Farrow nella sua carriera ha interpretato pochi film, ma quei pochi, almeno quelli fatti in Italia, sono film non solo importanti, ma seminali per la storia del nostro cinema di genere. I film girati con Fulci, De Martino, Massaccesi e Margheriti sono pezzi del nostro cuore, cult movie che hanno reso grandissimo il nostro (almeno il mio) amore per il cinema in senso totale. Quindi quando vedo Tisa Farrow, tassisara e attrice per caso, sorella della più famosa Mia, io penso al cinema e non posso fare altro che volerle bene.

Il mio scopo è la vendetta di William Fruet arriva lo stesso anno di Zombi 2, ma sembra anticipatire, per messa in scena e senso di grande spettacolo al risparmio, la stagione dei nostri Vietnam movie che proprio l’anno dopo, con Margheriti e appunto L’ultimo cacciatore, inizieranno ad essere prodotti.

La regia di Fruet è rozza ma efficace, e questo è probabilmente, a livello spettacolare, il suo miglior film, contando che viene dall’orribile Un violento Week end di terrore ed è proiettato verso un altrettanto nauseabondo Killer party.
Tra i suoi film più decenti, anche se non riuscitissimi, è bene però citare il divertente biscia movie Spasms dal cast stellare e il violento Trapped con un gruppo di fighetti da college pronti a combattere contro uno zoticone arrabbiato e assassino, sorta di risposta teen ad Un tranquillo week end di paura.

Fruet non è un grande regista, ma qui è comunque in stato di grazia e le scene d’azioni sono nervosamente efficaci con almeno una scena di inseguimento memorabile, quela tra Don Stroud e Jong Soo Park, iniziata a colpi da arma da fuoco e finita a calci alla Bruce Lee.

La cosa comunque assurda è che Don Stroud sembra molto più abile a combattere rispetto a Jong Soo Park, che nella vita non girerà più un film da co-protagonista, ma che era un vero maestro di arti marziali anzi uno 12 Maestri Fondatori del Taekwondo. Probabilmente però non era nato per fare l’attore e la sua recitazione granitica, accompagnata da un certo imbarazzo nel recitare, hanno inficiato anche le sue performances marziali. Peccato perchè il suo personaggio, un killer vietcong mosso da vendetta verso lo squadrone americano che l’aveva abbandonato e con il quale collaborava, è pieno, almeno sulla sceneggiatura, di sfumature che mal si abbinano al faccione senza espressioni dell’attore coreano.

Di certo Il mio scopo è la vendetta non è uno di quei film che guardi per la recitazione dei suoi interpreti perchè di brutte e svogliate interpretazioni ne è pieno, a cominciare dalla lodata Tisa Farrow in coma da Valium fino al protagonista Perry King ancora lontano dal successo tv di Riptide.
La parte del leone la fa sicuramente il grandissimo George Kennedy, uno che potrebbe fare un cammeo di dieci secondi e salvare un film orribile, qui nel ruolo minore di un commissario.

Il mio scopo è la vendetta è comunque divertentissimo con sparatorie selvagge tra la folla che sembra davvero spaventata (e forse lo era), coltellate a poliziotti come uno slasher, assati negli ospedali e l’inedita cornice delle cascate del Niagara a fare da sfondo ad un action sicuramente anomalo.

La città che ospita le famose cascate poi è una specie di pacchiana Las Vegas più piccola, con i marchi visibili di un castello del conte Dracula, di una casa di Frankestein e di un museo delle cere, e dona quel tocco di bizzarria, come scenario, alla pellicola.

Fa sorridere invece la ricostruzione della guerra in Vietnam con quattro piante riprese a notte e un laghetto, la stessa ambientazione, questa volta di giorno, che scopriamo essere un boschetto vicino alle cascate.

Eppure Il mio scopo è la vendetta non è un film privo di animo e in alcuni punti, incredibilmente, arriva a commuovere. La scena straziante dove Perry King va a trovare l’amico ferito Don Stroud è di quelle che lasciano il segno: immobilizzato, con la schiena a pezzi per via del combattimento con Jong Soo Park, Stroud chiede di essere ucciso. “Che cosa posso fare qui ora? Guardare il soffitto per sempre”.

C’è anche una palese presa di posizione contro la guerra quando il protagonista ricorda alla sua fidanzata il perchè hanno deciso di abbandonare Jong Soo Park in mezzo alla giungla, in un dialogo che ricorda e anticipa quello finale di Rambo.
“Non ci hanno inseganto a fermarci, a spegnere l’interruttore. Forse avremmo dovuto salvarlo e non lasciarlo lì, ma non era uno di noi, era un vietnamita. Le cose laggiù andavano così, e nessuno pensava a cosa era giusto o sbagliato, eravamo tutti così confusi. E poi perchè avremmo dovuto salvarlo? Ci sbattevano giù, in mezzo alla giugla, e ci facevano fare quello che volevamo. Ed è sempre quello che abbiamo fatto e nessuno ci ha mai detto niente, nessuno ci ha fatto mai domande. La nostra filosofia era una: scova e distruggi. E sai una cosa: mi piaceva, mi entusiasmava, quella era la mia vita ideale e mi dispiace che sia finita”.

Il mio scopo è la vendetta uscì da noi in vhs Ricordi con una buona resa video, in America è facile trovarlo in dvd abbinato ad un altro action thriller con John Saxon, Il guanto, perla da noi abbastanza introvabile.

Se vi capita, visto che circola in uno smagliante mux, non perdetelo.

Andrea Lanza

Il mio scopo è la vendetta
Titolo originale: Search and Destroy
Regia: William Fruet
Interpreti: George Kennedy, Don Stroud, Perry King, Jong Soo Park
Durata 94 min. – Canada 1981 – VHS: RICORDI HOME VIDEO

The Shallows

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blake lively, cinema, Jaume Collet-Serra, manuel ash leale, recensione, recensioni, the shallows

Ci risiamo.

Arriva l’Estate, per antonomasia e ovvie ragioni la stagione delle vacanze, del mare, del divertimento in spiaggia e dei teneri amori adolescenziali. Ma, soprattutto, la stagione dei film con protagonisti terribili mostri marini assetati di sangue e famelici di carne umana. In tanti anni di cinema ne abbiamo viste di cotte e di crude, ogni tipologia di creatura, reale o fantastica, ha attraversato la nostra strada di spettatori emozionandoci o, purtroppo il più delle volte, annoiandoci con avventurose e orrorifiche soluzioni. Guardandoci alle spalle possiamo annoverare piovre giganti, coccodrilli, piranha, barracuda, altri pesci di diverso tipo, mutazioni, incroci e, infine, il preferito di tutti, il re dei monster movie da quattro soldi, l’imperatore del trash ittiologico: lo squalo.

Non provo nemmeno a enumerare i film con lui come protagonista, perché, specie negli ultimissimi anni, c’è stato un boom incredibile di shark movie più o meno beceri, roba da far accapponare la pelle nemmeno lo squalo ce lo trovassimo davvero di fronte in acqua. A due o tre teste, con i tentacoli, gigantesco, robotico, nella sabbia, persino fantasma. Ma come ti viene in mente un film con uno squalo fantasma?! È così folle da rasentare il genio. Insomma, l’amore per i selachimorpha pare inesauribile, come testimonia il successo degli ultimi cult di casa Asylum, i quattro Sharknado che tanta meschina felicità donano alle serate ignoranti degli inossidabili cultori di b-movie. Così, al centesimo titolo che prelude la lotta uomo vs uno dei predatori più perfetti del pianeta, scappa un sussulto, un passo indietro con sorriso imbarazzato. Un altro? Davvero?

The Shallows arriva in questo clima di perplessità marina e scatena subito la risatina sarcastica del cinefilo navigato, così come lo sbuffo annoiato del fan di shark movies. L’unica cosa che pare interessante è Blake Lively e il suo corpo mozzafiato, stretto in un bikini per tutta la durata del film. Ecco, so cosa state pensando, perché tutto appare ora come un gigantesco cliché: bella ragazza svestita, squalo che attacca famelico come non ci fosse un domani, vittime ignare, le solite cose. Di nuovo.

Lo ammetto, è stato il mio identico pensiero e non ci fosse stata la Lively in costume per ottantasette minuti avrei snobbato tutto quanto, rimandando la visione a un altro momento. Lo farebbe chiunque leggendo una trama come questa: una surfista scova la spiaggia segreta dove la madre, recentemente scomparsa, praticava surf e resta intrappolata su di un piccolo scoglio assediata da un grande squalo bianco, che le impedisce di raggiungere la riva. Punto. Vi giuro, è tutto qua. Niente di più, niente di meno.

E che il Dio Cinema mi fulmini, funziona maledettamente bene. Lasciamo da parte Jaws, così come Shark attack o simili, non siamo di fronte a un capolavoro, e nemmeno a un film di serie z, bensì a un lavoro onesto, senza troppe pretese se non quella di intrattenere. Cosa che The Shallows sa fare, grazie alla regia di Jaume Collet-Serra, attenta, sapiente, capace di trasportare lo spettare nel crescendo della vicenda, e grazie anche alla scrittura di Anthony Jaswinski, dal ritmo serrato, pragmatica, senza fronzoli. La narrazione di Paradise Beach – Dentro L’incubo, fantasioso titolo italiano con il quale il film approderà nella penisola in Agosto, è molto tesa, una corsa sulle montagne russe capace di funzionali picchi tensivi e adrenalinici, senza momenti vuoti o inutili, ma intelligentemente costruita per rendere appieno la situazione altalenante che vive la protagonista. A questo proposito, Blake Lively non delude, sebbene talvolta appaia forse un tantino esagerata nell’esternazione delle emozioni, risulta comunque credibile, perfettamente in grado di sostenere il peso dell’intera storia sulle spalle senza problemi. La sua battaglia contro un natura che sembra spietata non è dettata dalla vendetta o da qualche soluzione poco attendibile, ma dalla più realistica delle motivazioni: la fame da una parte e la sopravvivenza dall’altra. Un binomio mai slegato che permette una lettura diversa di tutta l’operazione. The shallows non ingigantisce nulla, non mette in scena bestie che bramano il sapore del sangue umano e neppure genitori il cui figlio è finito nello stomaco di uno squalo. La sua naturalezza è semplicità e questo è da considerarsi, in questo caso, un punto di forza.

La preoccupazione di ritrovare nel film di Collet-Serra tutto ciò che ha reso stantii molti degli altri shark movies viene annullata dalla scorrevolezza e dall’onestà intellettuale del film. Indubbiamente deve qualcosa a Jaws, non è una sorpresa, ma dallo squalo splendidamente ricreato, e intelligentemente poco mostrato, fino al lavoro di tutto il cast, sia tecnico che artistico, The shallows dimostra una sua personalità. Nonché i dignitosi meriti di un film che non aspira alla leggenda, ma solo a divenire un piccolo piacere per spettatori disillusi.

Manuel “Ash” Leale

The Shallows
Anno: 2016
Durata: 87 min
Regia: Jaume Collet-Serra
Sceneggiatura: Anthony Jaswinski
Fotografia: Flavio Martínez Labiano
Montaggio: Joel Negron
Musiche: Marco Beltrami
Scenografia: Hugh Bateup
Interpreti: Blake Lively, Óscar Jaenada, Brett Cullen

I ragni culoni e vomita lava di Mike Mendez

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Mike Mendez non si può certo dire un regista conosciuto al grande pubblico, ma è un regista con le palle, questo sì. La sua carriera conta almeno un film wow, uno di quelli che ti fa scorticare le mani dall’entusiamo, quel The convent che iniziava con l’ingresso in chiesa di  una ragazza (Oakley Stevenson, la ex del regista) fucile a pompa in mano, occhiali scuri e musica anni 50 di sottofondo, e che continuava con suore demoniache sbavanti slimer verde in un’orgia di splatter e umorismo nero. Una cosa che, magari, se non sei cresciuto a pane e Kevin S. Tenney, cullato dal suo immenso La notte dei demoni, non puoi capire, ma, anche non capendolo, è l’adrenalina che sale, è la figaggine dell’insieme che tocca il vertice Armata delle tenebre, quindi il massimo del top cool consentito. Anche il suo Gravedancers non è male ed è quasi un mezzo miracolo perchè di solito vale l’assioma “Dominic Purcell nel cast, merda di sicuro”, ma stavolta, pur essendoci Dominic Purcell, il gigante pelato di Prison break, il Drake di Blade Trinity, il disastro non avviene, pur essendo il film non un capolavoro ma un’onesta pellicola spaventella di fantasmi (con sempre Oakley Stevenson fighissima a fare capolino).

Capolavoro

E’ in questo periodo che il buon Mike dev’essere caduto in depressione e, vuoi i problemi di coppia con Oakley, vuoi che i suoi film non sono propriamente dei campioni di incassi, viene fagocitato dalla tv e dal cinema più basso, quello che gioca a fare Hollywood con i soldi del Monopoli. Questi vampiri moderni che già avevano azzannato e prosciugato il bravissimo Sheldon Wilson,uno che da un capolavoro come Shallow ground ha girato solo merde televisive come Mega Cyclone, Snowmageddon, Shark killer e Scarecrow, ora ci provano con Mike nostro. Eccolo allora al soldo della Epic Pictures, già artefice del peggior lavoro di Darren Lynn Bousman 11-11-11, con Big Ass Spider, e poi del canale Syfi, quello che vive di asylumate come Sharknado, con Lavalantula, che non è un film sulla bella lavanderina ma su dei ragni che vomitano lava.

Mike Mendez se la cava meglio del previsto e riesce a portare a casa, almeno con Big Ass spider, un film spassoso.

Merito dei dialoghi brillanti e della simpatia di Greg Grunberg, amico di J. J. Abrams e uno degli Heroes più carismatici dell’altalenante serie tv, l’agente Parkman, capace di leggere il pensiero altrui.

Big ass spider ha una marcia in più rispetto a tutti i film sui ragnoni giganti che infestano le serate di Sky Max: in primis ha ritmo da vendere, una regia potente e tanto divertimento. Nella prima parte si respira aria sincera da drive in, un po’ alla Bert I. Gordon, con le tarantole giganti a fare danni in città. Non dimentichiamo che Mendez qua e là ci infila qualche elemento scorretto come un fotografo dilaniato dalle zampone dell’insetto gigante o un barbone con il viso liquefatto dalla bava all’acido della creatura. Purtroppo gli effetti speciali sono quello che sono e nella seconda parte si percepisce un’aria di miserabilità indecente con riprese velocissime e forzatamente dillettantesche per mascherare il budget bassissimo. Però che meraviglia l’intro con Greg Grunberg che si sveglia sulle note dolcissime di Where Is my Mind mentre la città è impazzita e il ragno gigante sta scalando, tipo King Kong, un palazzo. Non dimentichiamo poi il genio suicida di chiamare un film Ragno culone e pretendere di essere preso sul serio. Per la cronaca quel culone lo faranno esplodere a colpi di bazooka.

Il film mantiene con grazia quella dimensione di umorismo che non scade mai nella parodia demenziale anche davanti a situazioni assurde, e la malassortita coppia Greg Grunberg/Ruben Pla, il disinfestatore e la guardia di sorveglianza ispanica, sono pronti, almeno sulla carta, a tornare in Scarrafone culone sulle note di La cucaracha. Film che ovviamente non si farà mai.

Il resto del cast, da Ray Wise, ex papà di Laura Palmer, alle bonissime Alexis Kendra e Clare Kramer, non lasciano il segno, con performance stanche e di maniera, e personaggi presentati e poi abbandonati senza molta logica.

Sia ben chiaro siamo davanti ad un film che risica un 6 sulla pagella, ma per lo meno è ben confezionato e non annoia.

Peggio però Mendez farà con Lavalantula, prodotto dalla Syfi sulla falsariga del successo Sharknado. Se nel film dell’Asylum il genio era di unire due elementi eterogenei come squali con tornadi, qui si fa lo stesso con tarantole e vulcani. Lo scenario d’altronde è sempre la Los Angeles di Big Ass Spider, questa volta in piena eruzione di un vulcano, dal quale fuoriescono ragnoni incazzati che vomitano lava. Per ampliare l’effetto puttanata quale ideona butta fuori la Syfi? Resuscitare il cast di scuola di polizia per combattere la minaccia aracnoide. Giuro. Il cast di Scuola di polizia o almeno gli attori rimasti in vita o con bollette troppo care da pagare.

Tremate ragnoni!

Ecco allora in pista, Steve Guttemberg, l’ex Carey Mahoney, Marion Ramsey e la sua fastidiosa vocina, la tettutissima Leslie Easterbrook, e naturalmente Michael Winslow con l’immancabile scena d’imitazione di un’arma da fuoco. In mezzo a questo aggiungiamoci una regia mai così distratta di Mendez, effetti speciali più brutti di Big Ass spider che già erano oltre il brutto, battute autoreferenziali su Scuola di polizia che non fanno mai ridere, scene di inseguimento da comiche anni 30 e, dulcis in fundo di questa merda, l’apparizione senza senso di Ian Ziering da Sharknado che afferma “Sono già impegnato con gli squali, scusate”. Sono già impegnato con gli squali? Ma vaffanculo, Ian.

Momento epico

Sembra che Steve Guttenberg abbia accettato con gioia l’idea di fare questo Lavalantula, rilasciando dichiarazioni come “Il mio film del rilancio” che ben fanno intendere la sua fragile situazione mentale. Tempo fa i paparazzi l’avevano ripreso che faceva jogging a Central Park senza le mutande e i pantaloncini, in grave stato confusionale. Leggenda racconta che l’Asylum avesse proposto proprio a lui il ruolo di protagonista in Sharknado e che lui l’avesse rifiutato. Non gli deve essere sembrato vero accettare Lavalantula! L’occasione di una vita!

Lavalantula purtroppo è un film fastidioso, noioso e, Dio sia ringraziato, ce lo siamo, per ora risparmiati in Italia. Siamo sicuri però che tra uno Sharknado 4 e un Mega squalo contro Atlantic Rim, apparirà, prima o poi, nei peggiori palinsesti di Sky tv.

Questo però non toglie che Mendez sia un regista di alto valore e speriamo che il prossimo Don’t Kill It con Dolph Lundgren che prende a fucilate i demoni dell’inferno lo risveglino dal torpore dei ragni culoni e delle tarantole che assediano la Scuola di polizia.

Oakley spezzacuori

Poi Mike davvero ci sono altre donne oltre a Oakley, la vita continua, basta farsi male.

Andrea Lanza

Che faccio, Mike? L’imitazione di un fucile?

Shark week

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asylum, attori rimbambiti, christopher ray, fred olen ray, patrick bergin, squali alpitour, squali incazzati, yancy butler

L’Asylum, quella meravigliosa gabbia di matti che sarà ricordata negli annali non per la qualità delle loro opere, ma per la loro miserabilità, dopo il successone interplanetario di Sharknado, tornadi con dentro squali, ha aperto le porte a una serie di shark movie bizzarri, a volte prodotti da loro, a volte imitati da altri, come l’incredibile Sharktopus vs Pteracuda, “una storia d’amore” come recita il delirante sottotitolo.

Una storia d’amore ispirata ad eventi veri…

L’Asylum dal conto suo non ha prodotto “storie d’amore” ma se l’è cavata benissimo con squali a tre teste, mega squali contro Robot titanici che neppure il Titan di Zagor si immaginava, Mecha squali e chi più ne ha più ne metta, tanto che si vocifera uno spin off tra Ice T vestito da squalo e Don Salvatore di Gomorra, sullo sfondo di una Scampia pericolosamente somigliante alla Ibiza postatomica di Atlantic Rim.

Over faij, Lanza?

Con Shark week diciamo che l’Asylum aggiusta il tiro, apparentemente: niente stronzate esagerate, niente parossismi assurdi e telefonati, siamo in campo horror torture porn, roba mica da ridere, una cosa che suona come Lo squalo incontra The saw. Quindi il plot vede un gruppo eterogeneo di sfortunati protagonisti svegliarsi su un’isola deserta, in balia del sadismo di un boss della droga, El tiburon, fissato, visto il suo nome, con gli squali. Il film appunto è una sequela di prove che i poveri sfortunati dovranno superare per sopravvivere e che sono sempre, con la variante della specie affrontata, una battaglia con un pescione, di volta in volta, più cattivo e feroce.

Il regista Christopher Ray, figlio del mitico Fred Olen Ray di tante zozzonerie anni 80 che amiamo, ha una regia abbastanza elegante e all’inizio sembra quasi crederci alla storia, riuscendo, pur nell’incapacità di girare una scena di lotta decente e non ridicola, a dare un minimo di suspense al film. Poi naturalmente tutto diventa un asylunata.

Sono Christopher Olen Ray e vi giuro che sono bravo! Ho pure il martello di Thor!

Quindi, via di terreni che crollano a comando, di squali uccisi a mani nude con i cazzotti o con legnettini che non farebbero il solletico neppure al mio pisello che per antonomasia è sensibile, di terreni minati pericolosissimi che bisogna stare attenti a dove metti i piedi, ma che poi basta correre e ti salvi, le stesse mine che non esplodono mai, neanche se le scuoti, ma che quando lo squalo ti attacca, boom, esplodi con lui.

Peccato perchè proprio Cristopher Ray aveva girato una versione femminile non male di Expendable, Le mercenarie, con il guizzo di metterci come villain proprio l’ex moglie di Stallone, Brigitte Nielsen. Sono sicuro che il ragazzo, lontano dall’Asylum, se mai lo farà, potrà fare qualcosa di buono, ma dovrebbe rivedere alcune sacrosante regole del B movie. Ovvero, se non hai budget, se il tuo film è cretino, se i tuoi attori fanno schifo al cazzo, mettici delle tette. Le tette non salvano il disastro, ma rendono tutto meno disgustoso, come un pompino dopo un pugno, come il cacio su dei terribili maccheroni, come un po’ di budello quando non sei zio Alfred. Per Christopher, anima pura, purtroppo le tette non esistono, esistono solo brutti squali in pessima computer grafica e la gigioneria di Patrick Bergin nel ruolo del Tiburon.

Patrick Bergin che fa il cattivo sornione

Ora io Patrick Bergin non lo vedo da un po’, ma lo ricordavo bravo, con i suoi baffoni da serial killer anni 90, preso ad infastidire una Julia Roberts ancora scopabile in A letto col nemico o a fregare la gente nella versione discount di Robin Hood senza Kevin Costner, un attore dignitoso, con carisma, ma è brutto constatare che, dopo 20 anni di oblio, sia diventato il peggior cagnaccio sulla terra.

Patrick Bergin in Shark week è col pilota automatico di gigioneria fuori controllo, strabuzza gli occhi, fa le facce, urla, poi all’improviso si quieta per bere sangue di squalo e urlare ancora più forte. Una cosa che neppure nei peggiori filmacci girati da Bruno Mattei, quando l’attore protagonista americano era in evidente botta di droga o di vinazza, potevi vedere e che, sapendo che hai davanti Patrick Bergin in mood Al Pacino di Bangladesh, ti crea un disagio infinito. Ecco che Shark week ti rende come una mamma davanti al figlio scemo che senti di dover uccidere ma non puoi.

Il resto del cast è agghiacciante e l’Oscar della dilettante d’oro è meritato da Yancy Butler, ex ragazza strafiga di Van Damme in Senza tregua di John Woo, ex Sara Pezzini di Witchblade la sfigatissima serie tv, e ora sfattissima 46enne sul viale di un tramonto che non ha mai visto l’alba. Quando viene fatta esplodere, in una delle tante scene sceme ideate dai due sceneggiatori Liz Adams e H. Perry Horton, non può non scattare l’applauso dello spettatore sfiancato dai tanti piagnistei dell’attrice.

Peccato perchè sulla carta il film poteva non essere male in questa bizzarra commistione shark movie/torture porn, ma, come detto, nella mani della produzione Asylum tutto viene buttato in un film incolore e anonimo, senza sangue o sesso, senza nessun elemento, e stavolta neanche l’assurdità di fondo di uno Sharknado, a salvare capra e cavoli. Non mi sento di dare la colpa al buon Christopher Ray che, alla fin fine, deve arrangiarsi con il budget che ha, lo script indecente e gli attori ululanti. Un paio di scene, sia dato atto, come il riuscito prologo, riesce a metterle a segno con stile.

Iniutile dire che fossi in voi sceglierei un altro weekend, non questo a base di squali. Questo è come una vacanza fai da te senza Alpitour. Aiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiaiai!

Andrea Lanza

 

Shark week

Regia: Christopher (Olen) Ray

Cast: Yancy Butler, Patrick Bergin, Joshua Michael Allen, Bart Baggett, Erin Coker, Frankie Cullen, Valerie K. Garcia, Billy Ray, Meredith Thomas

Durata: 90 min.

Anno: 2012

 

Il diavolo abita nel Texas

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andrea lanza, gates of hell part 2, il diavolo abita in texas, lucio fulci, seguiti non seguiti, Through the Fire

Marilyn Curtis (Tracy Baldwin) si ritrova sola di notte a dover cambiare la gomma della propria auto in una strada solitaria, e viene aggredita. Cinque settimane dopo, sua sorella Sandra (Tamara Hext), rimasta sconvolta dalla scomparsa di Marilyn e datasi al bere, viene aiutata da un poliziotto amichevole, Nick Berkley (Tom Campitelli). Rinfrancata, Sandra gli chiede di indagare sulla scomparsa della sorella e lui accetta, prendendosi una settimana di ferie per farlo. Dapprima i due cercano indizi a casa di Marilyn, dove un fattorino consegna loro un pacchetto contenente un amuleto. Scopriranno che ha poteri notevoli e scopriranno anche qualcosa di importante sul passato di Marilyn.

Lucio Fulci ha fatto tante belle cose nella sua carriera, certo anche tante brutture, ma ogni suo lavoro, capolavoro o mano, aveva sempre il lepre, quel guizzo che lo rendeva appunto “fulciano”.

Lo dico con tutto l’affetto del mondo perché Lucio Fulci è stata la mia nave scuola, il mio grande amore cinefilo, il primo e quindi il più meraviglioso.
Credo che senza Fulci non avrei mai scoperto i vari Jess Franco, Jean Rollin, non mi sarei mai addentrato nell’universo transgender di David Decoteau o amato alla follia le sparatorie sgarruppate di Albert Pyun, non avrei forse mai pianto per una sposa turca o maledetto Tom Cruise e Nicole Kidman come fossi dentro le Chungking Express.
Tutto iniziò appunto con Paura nella città dei morti viventi e quel ritmo assente, ma ipnotico, quelle musiche potentissime, quello splatter estremo e quel senso di terrore unico in un prodotto tutto sommato derivato.
Vidi Paura su una vecchia VHS Avo e da lì, indeciso se stessi assistendo ad una cazzata o no, prosegui con il più facile ma altrettanto splendido Quella villa al cimitero, il mio amore infimo Zombi 3 e via di film comprati, noleggiati, smerciati dagli spacciatori di registrazioni tv di tutta Italia, in quella formula un film 20000 lire, due 35000 sulla stessa videocassetta. Con la qualità già bassa a metà anni 90.

Perché vi parlo di Fulci in una recensione di un film americano di metà anni 80 diretto da un oriundo regista alla sua prima e unica prova dietro la macchina da presa?
Beh facilissimo perché Il diavolo abita in Texas è dedicato alla memoria di Lucio.
Memoria???? Si chiederà qualcuno più attento, aggiungendo, caro K. Lanza, ti sei rimbecillito, hai appena detto che è un film di metà anni 80, come fa ad essere dedicato alla memoria di un regista ben lontano dall’essere anche solo moribondo in quegli anni???
Io di risposta tiro fuori la mia frusta, rubata sul set di I cacciatori del Cobra d’oro, perché a Malastrana vhs fa più figo avere un oggetto di scena di un film di Anthony M. Dawson che di Steven Spielberg, e colpisco sulle chiappette tutti voi saputelli gne gne di stocazzo.

Il diavolo abita in Texas è stato sì filmato nel 1987 col titolo Through the Fire, ma è stato distribuito a fine anni 90 negli USA col più incisivo Gates of hell 2: the Awakening, diretto diretto in vhs.
E visto che noi in Italia non facevano uscire bellezze come Pumpinkhead o Basket Case, ma cosacce come Neon maniacs o Il ritorno degli zombi, ecco che Il diavolo abita in Texas, tanto per agganciarsi al Texas di Non aprite quella porta, ha fatto capolino tra i nostri scaffali da videoteca.
Ad editarlo, senza molti sforzi, la nostra storica Image video, un’etichetta famosa per i suoi titoli horror scarsi, la sua qualità video indegna e i doppiaggi da emorroidi letali.
Anche qui il livello qualitativo è basso, sia della resa su sopporto magnetico sia proprio del film proposto.

Gates of hell 2, inutile dirlo, non ha nulla da spartire con Lucio Fulci e il suo Paura nella città dei morti viventi, famoso in America appunto come Gates of hell.
La trama cerca di coniugare il tema del satanismo con il filone thriller poliziesco sfarfallando di tanto in tanto nell’irrazionale lovecraftiano, fallendo comunque miseramente ogni strada imboccata.
Colpa è dell’incapacità del suo regista, della pochezza della trama e di un ritmo che, se in Fulci era trasognato, qui è solo noia allo stato puro.
Il regista Marcum cerca di omaggiate Paura con delle luci molto violente, un po’ alla Suspiria o Inferno dei poveri, e nell’inserire a forza uno zombastro assassino nella trama.
Anche gli omicidi che potrebbero calcare nel sangue e nelle frattaglie, in onore del padre del gore italico, risultano castrati e mancanti della minima tensione, senza neppure l’elemento bizzarro che potevano avere gli assassinii all’interno di Paura nella città dei morti viventi.

Il finale è sicuramente la parte migliore, anche perché possiamo finalmente goderci un po’ di sano irrazionale, con musiche potenti alla Fabio Frizzi e un assedio di zombi putrefatti e cattivi, ma la goduria finisce presto davanti a un make up malfatto dei mostri e una virata action alla Stallone delle Filippine che lascia basiti.
Per non parlare poi dell’umorismo becero, dei non attori coinvolti e dei costumi da comparsa di Gardaland dei cattivi, i Satanisti meno carismatici della storia del cinema mondiale.
Trovare un punto di divertimento malastrano è arduo, forse impossibile.
Per i puristi c’è da sottolineare che la pellicola nella vhs italiana è più lunga rispetto alla copia USA e ha alcuni nudi non presenti, soprattutto all’inizio quando Tamara Hex chiama Tom Campitelli in dolce compagnia.
Poca roba, s’intende.

C’è poi da segnalare che col titolo Through the Fire fu distribuito in Inghilterra.
A noi non resta che sconsigliare la visione e consigliarvi una volta di più quella di Paura nella città dei morti viventi o al massimo di un altro Gates of hell, Le porte dell’inferno, di Umberto Lenzi, film brutto da morire, con templari assassini, ma divertente davvero se amate le peggio cose.
Qui da amare c’è ben poco nel lavoro di Gary Marcum o G.D. Marcum, come si è firmato qui.

Andrea K. Lanza

Il diavolo abita nel Texas

Titolo originale: Through the Fire

Anno: 1988

Regia: G.D. Marcum (Gary Marcum)

Interpreti: Tamara Hext, Tom Campitelli, Randy Strickland, Billie Carroll, Dan Shackleford, John S. Davies, Wendy Wade, Terry Wegner, Martin Smith, Lourdes Regala, Dan Robbins

Durata: 90 min.

Vhs: Image Home Video

 

Tekken 2 – Kazuya’s Revenge

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Siamo onesti, quanto impegno bisogna metterci per sbagliare completamente un film tratto da un videogioco? Ve lo dico io: un enorme, mastodontico impegno. Perché, obiettivamente, è già tutto lì, in quella cartuccia o in quel disco, ogni cosa serva alla buona riuscita di un’opera ispirata al videoludico è già stata scritta. E questo vale non solo per i giochi più complessi e sfaccettati, come le vecchie avventure grafiche o i moderni Assassin’s Creed, bensì anche per quel genere che, apparentemente, di trama ne ha ben poca: i picchiaduro. Ebbene sì, i beat’em up offrono numerose possibilità di utilizzo, ma al contempo ti impongono un certo tipo di percorso, una strada fiancheggiata da guard rail. L’immediata riconoscibilità di ogni personaggio e il background non sempre innovativo o particolareggiato, permette a un autore intelligente di sfogare la propria creatività in narrazioni fantasiose, purché si ricordi di cos’ha per le mani: storie di lotta e combattenti. In fondo è tutto qui, a un fan di Mortal Kombat o di Fatal Fury non interessano pellicole allo stato dell’arte, ma solo vedere sangue, ossa rotte e soprattutto rispetto. Quel rispetto che unicamente chi ha speso vagonate di gettoni ai cabinati, quand’era ragazzo, può avere, e solo chi ha assaporato lo sconcerto furioso di un genitore all’ennesima paghetta spesa a spuma e Street Fighter può comprendere. E adesso, a causa di questo discorso, mi sento vecchio e molto meno avvezzo a smussare le lame d’acciaio che andrebbero scagliate con un lanciarazzi su Steven Paul e Wych “Kaos” Kaosayananda.

Adattare su schermo un picchiaduro non è diverso dal girare un porno. Ve lo immaginate un film con Faye Reagan che invece di mostrare le sue grazie ci intrattiene due ore filosofeggiando? Al sesto minuto stareste usando il dvd come paletta per scrostare il grasso dalla cucina e avreste ragione a farlo. Similmente, in che modo vedreste un film intitolato Tekken 2 dove i combattimenti sono girati male, durano poco e tutto quanto è scritto come se nessuno sapesse cos’è Tekken? Intendiamoci, gli scontri ci sono, ma è il modo scialbo e annoiato con cui sono diretti e presentati che ci fa pentire del momento in cui abbiamo iniziato a vedere il film. E questo non è un buon biglietto da visita per l’adattamento di uno dei beat’em up più famosi di tutti i tempi. Per chi non lo sapesse, infatti, la saga videoludica di Tekken nasce in Giappone nel 1994 e l’anno successivo sbarca in tutto il mondo, riscuotendo un enorme successo e divenendo uno dei giochi che più contribuirono al successo della console targata Sony. Immancabile, quindi, l’incontro con la settima arte nel 2009, a opera di Dwight H. Little, regista di Programmato per Uccidere e Drago d’Acciaio. Senza infamia né lode, il film di Little poteva vantare una certa attinenza, perlomeno estetica, rispetto al materiale originale e senza ombra di dubbio consegnava un prodotto onesto e visibile per quello che era: un umile tentativo. Tekken 2, con il fantasioso sottotitolo di Kazuya’s Revenge, premonitore di una vendetta che assolutamente non vedrete mai, è invece l’insulsa manovra commerciale per dissanguare malamente un brand che non si conosce. Steven Paul, produttore e scrittore di film come Un genio in pannolino e rispettivi seguiti, ha chiaramente voluto sfruttare i diritti acquistati in precedenza, producendo un action che avrebbe rovinato vite anche negli anni ’90, e appioppandoci poi nomi e riferimenti legati a Tekken. Come facilmente intuibile, quest’operazione è un colpo basso all’anima non solo dei fan, ma anche di chiunque ami un certo tipo di cinema. E lo so, sembra incredibile e lascia esterrefatti pensare che un simile risultato sia opera dell’uomo che ha immaginato e scritto una bellezza epifanica quale Karate Dog. Come sarà mai potuto accadere?!

L’approssimazione selvaggia della sceneggiatura è già di per sé un reato punibile con la gogna, se poi si aggiungono momenti di totale inutilità, quando non imbarazzo, il disagio è completo. Ecco quindi che Paul ci catapulta in un distopico futuro, dove il mondo è dominato da super corporazioni che fanno il bello e il cattivo tempo, relegando la gente comune in quartieri poveri e malridotti, un mix tra una comunità hippie e la favela più tranquilla del mondo. E tutto questo si evince da un’introduzione al fulmicotone, dove il cinema ridiventa pure immagini in movimento, in un ritorno alle origini che ha il sapore commovente di una ritrovata e magica visionarietà.
No, dai, sto scherzando, l’utopistico tentativo di capirci qualcosa può riuscire solo grazie alla visione del primo film o, forse, al sermone annoiato di un Rade Serbedzija che solo il cielo sa come ci è finito qui dentro. Mancanza di decenza a parte, è in questo contesto che si risveglia il nostro innominato protagonista, totalmente ignaro di chi sia e del perché improvvisamente tutti ambiscano a vederlo morto. K, questo il nome che gli daranno, è costretto a collaborare con il misterioso Ministro, capo di una setta di assassini il cui compito è quello di minare e far crollare il sistema corrotto che governa il Paese. O almeno credo, visto che tutto è costruito in modo così svogliato e stereotipato da spedirti il cervello in un altro piano dell’esistenza. Dove sicuramente stanno trasmettendo un film migliore di questo.
Persino Cary-Hiroyuki Tagawa è schifato da quello che sta facendo, aggirandosi sulla scena, fortunatamente per pochissimi minuti, con la professionalità data dalla disperazione e dal desiderio di essere da un’altra parte più velocemente possibile.

Tutto è spento, senza fascino, vivacità, forza narrativa, senza uno straccio di coerenza, anche minima, con la saga ispiratrice. Una saga che risulta stuprata selvaggiamente e senza ritegno persino nella scelta del protagonista, un Kane Kosugi certamente formidabile a livello marziale, ma totalmente inadeguato in ogni altra cosa. Sembra che Steven Paul abbia ricercato con il lanternino la dovizia di scempiaggini inserite e aver affidato la direzione al regista del mostruoso Ballistic affossa definitivamente il lavoro. Kaosayananda è la prova che non hanno realmente tentato di fare alcunché di buono, limitandosi a produrre qualunque cosa venisse in mente prima di perdere i diritti. La sua regia non è elementare, ma dilettantesca, fastidiosa nell’incapacità di valorizzare tanto un combattimento quanto una scena di sesso. Definirla imbarazzante è usare eufemismo.

Inutile e disastroso, Tekken 2 – Kazuya’s Revenge si piazza tra l’insulto all’intelligenza e la voglia di morire, novanta minuti di povertà e tristezza condensati in una sceneggiatura criminale. Più che Tekken questa è la sagra del becero e a meno che non siate alla ricerca di un modo doloroso per porre fine alla vostra infanzia, dimenticatevene e andate avanti. La vita vi ringrazierà.

Manuel “Ash” Leale

Tekken 2 – Kazuya’s Revenge

Anno: 2014

Regia: Wych “Kaos” Kaosayananda

Interpreti: Kane Kosugi, Rade Serbedzija, Kelly Wenham, Gary Daniels, Cary-Hiroyuki Tagawa

Durata: 90 minuti