La fine del gioco

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“La Lamborghini è spazzatura italiana, io rubo solo Porsche”

(Charlie Sheen/Ted Varrick)

“Benvenuti nel triplo gioco”

(Dal trailer)

La fine del gioco è un poliziesco molto ben fatto di fine anni 80, uno di quei piccoli grandi film del quale non parla nessuno ma che a loro modo hanno influenzato il cinema più celebre a venire.

Il titolo originale No Man’s Land, Terra di nessuno, è di certo più suggestivo di quello italiano, uscito e morto in una vhs Columbia dopo un esordio non memorabile nelle sale.

Non che in patria fece questi grandi incassi: fu un flop abbastanza consistente, 2 milioni d’incasso su 8 di budget, anche se divenne un piccolo cult dell’home video.

La fine del gioco ha un bel cast di attori: Charlie Sheen come ragazzo cattivo che ruba le auto, il D.B. Sweeney di Bagliori bel buio nella parte di uno sbirro sotto copertura affascinato dal crimine, Randy Quaid come tenente di polizia paterno ma sempre arrabbiato, e, in un ruolo marginale, il Bill Duke di Predator e Commando. Non c’è male, no?

Il regista Peter Werner dichiarerà, negli extra del blu ray americano, che la Orion Pictures congelò il film per qualche anno facendolo uscire solo dopo il successo di Platoon di Oliver Stone. All’epoca delle riprese, che dovrebbero essere tra il 1985 e il 1986, Charlie Sheen era un signor nessuno, conosciuto per ottime pellicole giovanili come il fantascientifico Il replicante (sempre con Randy Quaid), il drammatico I ragazzi della porta accanto e naturalmente Alba rossa di Milius. Werner è sicuro che l’attore, dopo Platoon, non avrebbe mai accettato di partecipare ad un film a budget così basso.

In La fine del gioco ci sono tutti i semi del Fast and furious che nel 2001 farà impazzire il pubblico di tutto il mondo: l’amicizia tra uno sbirro e un criminale entrambi fissati con le auto (qui solo Porsche), le corse spericolate, persino la Corona come birra consumata e, dulcis in fundo, la sorella del delinquente che si innamora del poliziotto. Certo il film di Rob Cohen non è La fine del gioco, ma diciamo che nell’aspetto gli somiglia moltissimo.

Il titolo originale si riferisce a quella Terra di nessuno, senza regole, che risucchia il protagonista, uno stile di vita spericolato, vissuto ai limiti, fatto di auto rubate, di soldi e donne. E’ il confine tra quello che si desidera e quello che si ha, a rendere molto interessante il personaggio di D.B. Sweeney, sempre lì lì sul punto di perdersi in quella parte che dovrebbe solo recitare. Il Ted Varrick di Charlie Sheen, più manipolatore, è sicuramente meno interessante, ma ha nel finale, da noir anni 40, il suo riscatto tragico e sanguinoso dal sapore di melodramma disperato.

Come un anomalo teen movie, La fine del gioco è un racconto di formazione che ci presenta un ragazzo e il suo percorso di dure scelte per diventare uomo. Quello che Randy Quaid chiama “novellino”, che i colleghi sfottono per l’eccesso di zelo in servizio, pensa, agisce, si muove come uno di quei criminali che deve arrestare, e alla fine sceglie, dopo aver amato il buio, la luce.

Nel ruolo della sorella di Sheen si fa notare la bellissima Lara Harris, un’attrice molto valida, ma anche poco sfruttata al cinema, che ritroveremo nel bizzarro La leggenda del re pescatore di Terry Gilliam. Tra le cose curiose della sua carriera però citiamo la partecipazione al seguito di Johnny Mnemonic, The Interactive Action Movie, un interessante videogame del 2001 con attori campionati.

Peter Werner si dedicherà soprattutto alla televisione e questo La fine del gioco si può considerare, con la serie brucewilliana Moonlighting, il suo lavoro migliore. Sicuramente nella sceneggiatura di Dick Wolf, creatore di Law & Order: Unità Speciale, c’era il modello Miami vice, del quale scrisse 12 episodi, e il suo mondo di auto lussuose, vestiti firmati e criminali poliziotti.

Senza dubbio un poliziesco da recuperare, invecchiato davvero benissimo.

Andrea Lanza

NOTA: Brad Pitt fa una comparsa di qualche secondo come cameriere ad un party. Dovrebbe essere il suo primo ruolo.

 

La fine del gioco

Titolo originale: No Man’s Land

Anno: 1987

Regia: 

Interpreti: Charlie Sheen, D.B. Sweeney, Lara Harris, Randy Quaid, Bill Duke, R.D. Call, Arlen Dean Snyder, M. Emmet Walsh, Al Shannon, Lori Butler, Kenny Endoso, James F. Kelly, Linda Carol, Clare Wren, Claude Earl Jones, George Dzundza, Peggy McCay, Danitza Kingsley, Linda Shayne, Guy Boyd, Henry G. Sanders, Michael Riley

Durata: 105 min.

 

Nightforce

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Bruce Fisher, Cameron Mitchell, Casey King, Chad McQueen, Claudia Udy, Dean R. Miller, i vendicatori della notte, James Marcel, James Van Patten, Jeanne Baird, Lawrence David Foldes, linda blair, Mitchell Edmonds, Richard Lynch, tuono rosso

Abbiamo già avuto il disagio di parlare di un film diretto da Lawrence David Foldes, il mediocre I vendicatori della notte, il film sui vigilanti meno entusiasmante e peggio girato di sempre.

Con Nightforce non andiamo molto meglio e sembra che i 4 anni intercorsi dalla pellicola precedente non abbiano insegnato al regista come si giri qualcosa di almeno decente.

Eppure Foldes aveva già alle spalle, nel 1980, Tuono rosso (The Great Skycopter Rescue), un war movie non buono ma digeribile, quindi le premesse per un buon film di guerra potevano starci, ma così non è stato.

Nightforce è I vendicatori della notte declinato in salsa guerriglia, la stessa trama più o meno, e il medesimo, stupido sviluppo: qualcosa spinge dei ragazzi di buona famiglia a rivestire un ruolo pericoloso e mortale. Se, nel film precedente, era il desiderio di vendetta a creare i giustizieri più improbabili di sempre, qui invece è una ragazza, rapita da un gruppo di terroristi, a farli entrare in modalità Rambo senza che nessuno di loro abbia mai avuto un addestramento militare, ovviamente.

Nightforce è il peggio del peggio che ci si può aspettare da una pellicola d’azione che non sa cosa sia l’azione. E’ una brutta copia dei lavori della Cannon, più povera e meno divertente.

La storia, di appena 79 minuti, è debole, il ritmo lento con interminabili sequenze dove i nostri Chuck Norris bivaccano davanti ad un falò senza proferire parola. In più Foldes gira di un male che è quasi commovente: sequenze d’inseguimento poco entusiasmanti, rallenti inutili, e nessuna coreografia per le tante, interminabili sparatorie.

Siamo in piena dimensione Ciro H. Santiago, ma senza la follia delle sue trame, le esagerazioni dei caratteristi filippini, solo la medesima confezione tra il miserabile e l’attonito.

La faciloneria della sceneggiatura, scritta da tre persone (!!!), è qualcosa di scandaloso. Ad un certo tratto potresti persino essere motivato a pensare che si tratti di una parodia, ma, quando i protagonisti pronunciano con convinzione, troppa convinzione, frasi cretine, capisci che è solo cretineria involontaria che ambisce al serio.

D’altronde come si può prendere sul serio una missione di salvataggio che nasce così alla carlona, dove una ragazza viene rapita da un commando di terroristi e portata in un paese del terzo mondo, e i suoi amici, semplicemente caricando una jeep di armi, vanno a liberarla senza sapere dove precisamente è, senza parlare una sola parola della lingua locale e soprattutto senza aver mai sparato a qualcosa di diverso da una lattina di birra su un masso.  E poi come diavolo hanno fatto a passare le frontiere armati fino ai denti?

Non che vada meglio, sul versante coglioneria, ai terroristi: una manica di depravati comandati da un sosia grasso di Fidel Castro, sigaro compreso, uno che per farsi rispettare o mena schiaffi peggio di Bud Spencer o spara ai suoi uomini. In più il generale Estoban (questo è il suo nome) è un tipetto mica apposto di caveza visto che declama frasi come “Non uccido i preti” o “Qui non si stupra nessuno“, poi lo becchi coi calzoni giù mentre cerca di farsi una poveretta.

D’altronde questi geni del male, oltre a non sapere sparare e mancare 9 volte su dieci i nostri giovani eroi, decidono di nascondere la loro prigioniera in una solidissima cella di bambù, sorvegliata dal nano meno fedele alla causa che si conosca. “Se ti libero mi fai uscire dal paese?” e lo vediamo scostare il cancello, neanche chiuso, e suggerire alla ragazza di fuggire a cavallo, la cosa meno sensata del pianeta. Roba che, se scappava a piedi nella foresta, poteva anche farcela e invece il nitrito dell’animale fa accorrere tutti segnando per sempre la dipartita del nostro nano buono ma scemo.

buono ma scemo

Il personaggio più simpatico, anche se scritto malissimo, è quello di Richard Lynch, un attore che, dopo Invasion USA, tu, spettatore, sei sempre sul guardingo perché sai che sta fingendo, è cattivo, per forza. Invece Nightforce stavolta ci stupisce: il suo Bishop è bravo, un ex berretto verde che, senza ragione, aiuta i giovanotti a compiere l’impossibile missione. Lo vediamo arrivare in scena in una sorta di parodia dello spaghetti western mentre intima un gruppo di balordi a prendersela con lui e non con i suicidi americani. “Non fate più gli spiritosi, eh?” “Parli troppo, gringo” “Picchio ancora meglio” e puff, sberl, scatafasc ne atterra tre in un solo movimento, roba che Van Damme era ancora fermo.

Poi, tra un discorso con la scimmietta che si porta sulle spalle (“Hai ragione sono dilettanti“) e un incredibile momento dove usa un flauto prima del Bill di Tarantino (“Spiazza sempre vedermi suonare, eh? Ma la musica e la guerra hanno lo stesso ritmo“), arma i cretinetti con fucili e bazooka moderni (“Vi portate con voi un arsenale da seconda guerra mondiale, ma siamo negli anni 80!“). Anche questo senza una ragione: succede perché succede, stop.

Bello comunque vedere i nostri eroi (5 contro 100) sparare senza ripararsi mai, seminando morte con quell’urlo che inficia la tattica stealth che due secondi prima era stata tentata. Fanno davvero tenerezza soprattutto quando una loro bomba uccide tipo 30 uomini, mentre i cattivi sparano, fanno esplodere cose, usano il lanciamissile ma il terzomondo è spietato, non ha fornito loro occhiali perciò sono, come un samurai di Wong Kar Wai, ciechi e rivolti dalla parte sbagliata.

Certo anche i nostri muoiono, ma solo dopo frasi buffe, come nel caso del ragazzo che, ogni tre per due, esclama “Sento che qui si metterà male” e poi, ad un certo punto, sorridendo dice “Sento che per la prima volta si metterà bene!” e bam, sbababam, crivellato dai colpi. Te la sei cercata, man.

La regia di Foldes, inetta e incapace nelle scene d’azione, calca la mano invece sul versante tette e nudi regalando qualche momento interessante. Si concentra soprattutto a mostrare senza veli la  bionda Claudia Udy, la ragazza rapita, persino in una lunga scena sotto la doccia mentre si massaggia/palpeggia i grossi seni e, quando è il momento di rivestirla, le fa indossare una tuta da guerra così striminzita da sembrare la fantasia di un qualche porno militare.

La nostra Linda Blair invece è devastata esteticamente da una capigliatura vaporosa anni 80 e non ci regala mai neppure uno scorcio delle sue ormai leggendarie bocce. Cosa imperdonabile in uno Z movie. La poverina arriva in scena, tutta figa, mentre i nostri eroi sono eccitati davanti ad una bambola gonfiabile, esordendo con la frase “Non preferite una bambola vera?“. Le sue battute sono le migliori del film senza dubbio e il suo personaggio è quello più interessante e meno stereotipato. Peccato che poi la trama la releghi a mera comparsa, quasi dimenticandola nel finale. La Blair però si impegna, come se Nightforce fosse un vero film e non lo scherzone di casa Foldes, e si suicida alla pubblica gogna cantando persino la colonna sonora, “I Still Remember”, male ma divinamente.

Per il resto gli attori si adattano all’andamento della pellicola in recitazioni tra il mediocre e il pessimo, sempre con la stessa faccia truce sia che mangino salsicce al fuoco o che sparino ad un terrorista senza Dio. Tra i protagonisti riconosciamo Chad McQueen, figlio degenere dello Steve Dio del cinema, e, sullo sfondo, ingloriosamente, il Cameron Mitchel di Mario Bava, Sergio Corbucci e tanto western americano del periodo d’oro.

La vhs Domovideo di Nightforce, per esasperare la mediocrità della pellicola, ci regala un pessimo doppiaggio con il rumore di fondo quasi azzerato. Forse la giusta visione di merda per apprezzare la merda.

Andrea Lanza

Nightforce

Anno: 1987

Regia: 

Interpreti: Linda Blair, James Van Patten, Richard Lynch, Chad McQueen, Dean R. Miller, James Marcel, Claudia Udy, Bruce Fisher, Cameron Mitchell, Jeanne Baird, Casey King, Mitchell Edmonds

Durata: 79 min.

Su cinemazoo il film completo: http://www.cinemazoo.it/2018/03/23/nightforce/

 

Artigli di tigre il ritorno

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Esistono film che bisogna recensire senza l’apporto di imdb, dizionari o cazzi mazzi, tanto quello che devi sapere è nel tuo passato da ragazzino divora stronzate o nella tua fantasia. Ma facciamo un passo indietro…

Artigli di tigre il ritorno altri non è che il seguito, sempre diretto da una scimmia che si crede Corey Yuen, grandissimo regista di So close e The transporter, del capolavoro dell’infimo ma sublime Kickboxers vendetta personale, recensito qualche anno fa. Per ricordarvi bene è il film che ha consacrato tanto Van Damme, nei panni di un russo sbruffone, quanto Buana, un negretto con tendenze gayose ai danni di uno psicotico schizofrenico con il pallino di Bruce Lee.

Purtroppo No retreat, no surrender 2: Raging thunder (il titolo originale) non ha né Buana né Van Damme né tantomeno lo spirito di un cinese che si traveste da Bruce Lee solo per dare scappellotti ad un americano cretino. E vi aggiungo, so che sarete in lacrime, mancano pure Dino ”Spaccaossa” Ramsey e il mitico cicciobello mangiahumburger. Se non sapete chi sono vi invito con un sonoro calcio rotante a ripassare il primo film, uno dei fondamentali caposaldi del kung fu scoreggione.

Jean Claude grande assente

Questo film è la risposta ebete al classico capolavoro norrisiano Missing in action così come il primo lo era di Karate kid. Come avrete immaginato nella pellicola non c’è traccia di nessun Artigli di tigre né tantomeno è spiegato questo fantomatico personaggio da dove sarebbe ritornato. Forse, e dico forse, la produzione italiana ha cercato stavolta di attaccarsi non a Kickboxers ma a Copgirl – artigli di tigre del 1991 con il quale condivide la stessa attrice, solo che No retreat, no surrender 2: Raging thunder è del 1988! Macchine del tempo? Alieni burloni? Buana che urla strizzando il culetto? Misteri del bis miserabile delle arti marziali.

Prima di proseguire però è bene conoscere alcune dritte per sopravvivere in Thailandia e in Cambogia, almeno seguendo i dotti consigli del film:

• Se andate in un ristorante potreste mangiare prelibatezze come occhi di scimmia, feci di camaleonte, iguane alla tartarre e così via, tanto per dire “Spielberg, a noi Indiana Jones e il tempio maledetto ci fa un baffo”.
• Se siete un politico morirete in un modo assurdo, ma tutto sommato buffo: un vietcong spunterà dal tombino per crivellarvi di colpi per poi tornare a ridere tutto contento nascosto tra la cacca e la pipì.
• I cambogiani sono dei figli di puttana incredibili, non tanto per quello che fanno, ma perchè sono amici dei russi e i russi si sa sono come Satana. Si racconta che si sciacquino le palle con la vodka per stupire gli amici con gettate di fuoco.
• I russi sono strane creature, almeno per la scimmia che si crede Corey Yuen mentre questo è a puttane a Bangkok, e sono capitanati da un tipo alto tre metri che ha il vizio di ridere per ogni cosa che lui reputa malvagia perché è da Chobin il principe delle stelle che ogni cattivo che si rispetti deve avere la risata in random.
• I cambogiani, a loro volta, sono capitanati da un cretino che fa urletti da checca isterica e pensa di essere Bruce Lee e viene pure menato da una donna scippata da Footloose.
• I coccodrilli, si capisce, sono come i lupi per i vampiri, servi fedeli. In più occasioni il Generale Buttiglione dei russi trascina i nemici nella fossa dei rettili e ridendo li guarda morire con battute senza senso del tipo “Sei libero: te l’avevo promesso”.
• Sia i russi che i cambogiani nelle battaglie sanno solo avanzare, come in un brutto videogame, pur sapendo che avanti ci sono fili con delle bombe tipo nucleare collegate.

Sapendo ora queste nozioni possiamo tornare all’appassionante film. Leggenda vuole che, appena finito il primo No retreat, no surrender, Corey Yuen, tornato dal suo puttan tour, avesse chiesto quando si sarebbe cominciato a girare. Con un’abile mossa uno dei produttori, temendo nel talento dell’autore, lo portò al ristorante con la scusa di parlare dei vari storyboard, permettendo all’abile scimmia di riuscire a girare questo secondo capitolo nella pausa pranzo. Sembra anche che fu spedito il copione a Van Damme per riprendere i panni del cattivo e al ragazzo psicotico per quelli dell’eroe, ma la risposta serafica di entrambi fu:
AHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAH
Che poi fa riflettere perchè Gianniclaudio era pur sempre Gianni Claudio, ma Sticchio Michia non che avesse molti ingaggi dopo il primo Kickboxers. Ma tantè…

Non fate incazzare Cynthia

Qui comunque abbiamo un protagonista nuovo tale Loren Avedon, nei panni di Scott, un rachitico figuro che ha pessimi gusti in fatto di donne tanto da fidanzarsi con la thailandese più cessa degli anni ’80, una cosa inguardabile, un quadro astratto quasi fantozziano, e ve lo dice chi si farebbe a seduta stante l’83 per cento delle orientali a cominciare da quel bocconcino di Shu Qi. E se non sapete chi è Shu Qi diamine ragazzi, vi devo mandare contro lo spirito di Amedeo Nazzari e del suo “Che peste vi colga”.

Neanche Shu qi è presente ma è sempre un bel vedere

Comunque la thai-cesso si chiama, nella finzione, Sullin Nguyer e, se vi chiedete perchè diavolo ha un cognome in un film di personaggi senza spessore, sappiate che il padre è un noto mafioso locale, il Signor Nguyer temuto da tutti, ma che la figlia reputa un bonaccione filantropo. Scott e Sullin sono legati da amore decennale, ma, misteri del film, lei non l’ha mai presentato ai genitori e lui per amore il fine settimana si fa in aereo Los Angeles – Bangkok solo per vederla.
Tutto procede bene finché il ragazzo non decide di portare la morosa nell’albergo dove soggiorna per darle due sacrosanti colpi di spatola.

Spendiamo qualche parola sull’hotel: una stella, gestito da Aldo (di Aldo, Giovanni e Giacomo) vestito da cinese che, all’inizio del film, proverà la gang di portare al ragazzo delle puttane bruttissime proprio mentre questi è al telefono con la sua “bella” generando una gustosa commedia degli equivoci, tanto apprezzata in Oriente quanto non capita in Occidente. Quindi o sei un cretino o un ritardato se vuoi portarci la tua fidanzata, ma Scott non è che sia un mostro di intelligenza e voilà ecco che piovono dal cielo mafiosi thai a mò di polpette e rapiscono Sullin. Il governo locale è corrotto e vogliono accusare del misfatto proprio il nostro eroe che, potenza del caso, incontrerà mentre fugge un altro americano, un avventuriero di nome Mac Jarvik (il cognome stavolta e superfluo), che lo accompagnerà in Cambogia per farsi vendetta. Al loro fianco una tappetta peperina che non la smette di fare battute, ex di Mac, con un gusto terribile nel vestirsi (è lei la ragazza in stile Footloose). Ad interpretare l’iron girl la futura star anni 90 dei film mena-tutti di Italia uno, la celebre Cynthia Rothrock, un nome che è già un programma della serie “Sono una donna e se ti avvicini ti prendo a calci nelle palle”. I tre si aggirano in Cambogia armati di tutto punto e, pur ribadendo più volte che pullula di nemici, non ne incroceranno neanche uno. Ma ecco che, per chiedere informazioni su dove si trova il campo di concentramento gestito dai russi (che sappiamo nascondono Sullin), i nostri eroi avranno la brillante idea di fermarsi da un gruppo di monaci shaolin assolutamente pacifici. Ma ‘sti figli del sol levante non sono altro che cambogiani travestiti da monaci e, trappola dopo trappola, catturano i tre con coreografie appunto da scimmia che si crede Corey Yuen. Ma essendo cambogiani, e quindi di riflesso stupidi perché amici dei russi, verranno facilmente eliminati dai tre a colpi di karate, kung fu o di asciugamani sulle chiappe.

Uccide più la tetta che la spada

Ecco che però, visto che siamo in un film macho, le donne sono contorno, voilà che con una scusa del tipo “Sono inciampata” la prode Cynthia viene fatta prigioniera dai cattivi. Da notare che il russo la pesta con facilità estrema per poi commentare “Sei molto forte complimenti” toccando toni di non sense quasi hellzapoppiniano. Intanto i nostri eroi camminano nella Cambogia pullante nemici senza incrociarne nessuno e, complicandosi la vita in azioni inutili di amicizia virile come scalare una montagna quando di fianco c’è una funivia e condividere in cima una birra, arriveranno all’accampamento nemico. Intanto il russo, cattivo come Maga Magò, decide che sia Sullin che Cynthia devono morire, ma solo appena verrà costruita una forca perché si sa che i malvagi devono complicarsi la vita.

La morte delle ragazze è una cosa complessa: le due vengono legate e messe a penzolare sulla fossa dei coccodrilli mentre dei pesi che si svuotano sempre più le conducono a morte certa. “Sei un misto tra un culo di scimmia e un serpente” apostrofa Cynthia il russo mentre la fine è sempre più vicina. Ma, tatà, Scott si è messo una benda rossa in testa e pensa di essere in Rambo 2 la vendetta: spara frecce infuocate, trapassa nemici con il machete, prepara complesse trappole dove mitra radiocomandati sparano ai soldati cattivi, lancia bombe a km di distanza, e tutto per permettere a Mac di salvare le due.

Ma, attenzione, un figlio di un limone avariato non è morto e falcia a colpi di mitra la povera Cynthia che prima di cadere secca l’infame con schizzi di sangue splatter ovunque. A lei e a Mac va il dialogo finale più bello e commovente:

Mac: Sei sempre la solita, non stai mai ferma (e piange)
Cinthia (ferita e agonizzante): Se me l’avessi chiesto tu mi sarei fermata (colpi di tosse carichi di sangue)
Mac: E cosa ti ha fatto pensare che non te l’avrei chiesto? (e piange)
Cinthia: E cosa ti ha fatto pensare che io l’avrei fatto? (e spira)
Mac (piangendo) Sei sempre la solita, vuoi avere l’ultima parola (lacrime e forse scena necrofila tagliata dalla versione italiana)

Ma il russo non è morto e credendosi Van Damme si strappa la maglietta, ma non è Van Damme e lo si capisce da come si muove con la velocità di un toro zoppo. Ingaggia una lotta incredibile con Scott in versione Rambo dei poveri che lo colpisce con ogni cosa mentre quello sbadiglia e ogni tanto ride malvagio. Ma ecco che Scott da buon americano usa un quadro di Lenin per ferirlo e lo avvolge nella bandiera russa instupidendolo, poi lo lega alla jeep e lo lancia nella fossa dei coccodrilli. Per Confucio, però, il generale bolscevico pur con le gambe dilaniate dai morsi degli animali cerca di trascinare il veicolo del ragazzo verso morte certa ottenendo solo di trovarsi schiacciato dal mezzo. Allora Scott spara alla jeep mandando al creatore russi, coccodrilli e pure la scimmia di Corey Yuen che sarà sostituita da un macaco per No retreat, no surrender 3 (American Shaolin). Al disperato Mac che piange la morte di Cynthia, Scott, limonando Sullin, dirà: “Sii felice, era una brava ragazza in gamba”.

E sticazzi no?

Andrea Lanza

Artigli di tigre – Il ritorno

Titolo originale: No Retreat, No Surrender 2: Raging Thunder Dati: Anno: 1987Genere: arti marziali (colore)

Regia: Corey Yuen

Interpreti: Loren Avedon, Max Thayer, Cynthia Rothrock, Patra Wanthivanond, Matthias Hues, Nirut Sirichanya, Jang Lee Hwang, Perm Hongsakul, Chesda Smithsuth, Grisapong Hanviriyakitichai, Roy Horan, Bunchai Im-arunrak, Opisok Praechaya, Sanchai Martves, Suang Sosretananant

Durata: 105 min.

Aka “La vendetta dei maestri di kickboxing”, “Raging Thunder”, “American Champion No 2”, “No Retreat, No Surrender 2”, “Karate Tiger 2”. 

Professione giustiziere

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charles bronson, Jack Lee Thompson, John Glover, José Ferrer, Joseph Maher, professione giustiziere, René Enriquez, The Evil That Men Do, Theresa Saldana

“I criminali devono rispondere alla legge, il più crudele carnefice al mondo dovrà rispondere a Bronson”

Questa volta con Professione giustiziere parleremo di uno dei titoli meno conosciuti del periodo senile di Charles Bronson, un film che viene di solito confuso con i 255 Death wish interpretati dall’attore con o senza la regia di Michael Winner. Pellicola abbastanza mediocre a dire il vero, ma non esente da spunti interessanti.

Per l’occasione ci si inventa che in America Latina viva un certo Dottore, boia e torturatore al soldo del governo, che commette il terribile sbaglio di uccidere un amico giornalista di Bronson, killer in pensione esiliatosi volontariamente su un’isola in mezzo all’oceano. E’ chiaro che l’orrore dei vari crimini perpetrati dal Dottore riporti alla mente altri orrori, soprattutto quelli nazisti, e la sua figura non possa non ricordare quella del celebre Mengele che compì un vero genocidio di ebrei con la scusa della ricerca medica.

J. Lee Thompson, nell’ultima fase della sua carriera, mostrava una certa propensione per la violenza e le scene forti, basti pensare al poco celebre Soggetti proibiti, sempre col fidato Bronson, dove si metteva in scena una storia di pedofilia e omicidi a sfondo poliziesco. Un amico critico tempo fa parlandomi di Michael Winner mi diceva che “era regista più di mannaja che di fioretto”, ma, ancor di più, si può far calzare il paragone proprio a Thompson che era passato da un sofisticato Il promontorio della paura negli anni 60 allo slasher di Compleanno di sangue con spiedini mortali e tette in bella vista, ma soprattutto ad una serie di film giustizialisti che non andavano molto per il sottile in nefandezze o scene forti. Un esempio su tutti: lo stupratore nudo di 10 minuti a mezzanotte.

Purtroppo il problema è che Professione giustiziere non appassiona mai, troppo stereotipato in cliché poco interessanti a partire dal suo personaggio principale, e senza avere il coraggio di colorare la vicenda di tragedia come succedeva nei gloriosi Winner anni 70. A turbare sono soprattutto le scene di tortura, anche solo raccontate attraverso un televisore dalle vittime del Dottore, con un tale assortimento di nefandezze (una testa cucita nello stomaco di una donna, vetri fatti mangiare, stupri con bottiglie) da fare invidia ad un qualsiasi De Sade.

Thompson calca molto la mano sulle brutalità fin dai primi minuti quando assistiamo alla morte del giornalista amico del protagonista, ucciso a scariche di corrente elettrica con vistose perdite di sangue. E’ la lezione che il Mengele di turno, faccia da bonaccione con i baffi a nascondere la sua natura ferina, impartisce ad alcuni soldati: “Oggi vi insegnerò a torturare”. Ad accompagnarlo è la sorella, lesbica e sadica, che commenta l’ultima opera del fratello con “Dovevi farlo soffrire di più quel maiale”. In questo mondo dominato dai mostri l’unica soluzione è per forza scatenare un altro mostro, il killer Bronson, il migliore nel suo lavoro. Ecco quindi che, abbandonati i panni del pensionato in eterna villeggiatura (“Leggo finché c’è il sole poi vado a dormire e la mattina mi lavo con l’acqua della cascata”), l’assassino, cambiato nel fisico e la mente, si rimette per l’ultima volta in azione.

Non convince la storia d’amore che viene ritagliata tra il protagonista e la moglie del suo amico, dapprima diffidente (“Gli manca l’anima.”) per poi esserne affascinata fino ad un forzatissimo happy end naturalistico.

Il problema risiede in Charles Bronson che, negli anni 80, si avvicina ai 60 e risulta fuori parte quando afferra, per esempio, i testicoli di un energumeno e lo malmena. E’, per farvi capire, come se il vostro pacioso nonnettino sfidasse a duello un Van Damme qualsiasi per vincere: la cosa fa anche un po’ di tenerezza. Però, pensionato o meno Bronson, uccide i suoi bersagli con una certa varietà, a colpi di coltello o con fucilate in faccia, sempre con il solito sorriso sornione nel volto.

Thompson gira, come già detto, in modo più che egregio e regala al pubblico un buon inseguimento in auto che ricorda per certi versi quello finale del Cobra di Cosmatos.

Nei credits possiamo trovare, non però come attrice, l’amore della vita di Bronson, quella bella e fragile Jill Ireland che morendo per un cancro si porterà via la luce negli occhi di Charlie.

Il titolo inglese The evil that men do è migliore e sembra derivi dalla frase del Giulio Cesare di Shakespeare “The evil that men do lives after them; The good is often interred with their bones”. Peccato che questo Professione giustiziere non riesca davvero a convincere, pecchi di facilonerie narrative e sprechi anche la, potenzialmente, bella sequenza finale, con le vittime ridotte a freak che fanno a pezzi il Dottore, in uno sviluppo troppo sciatto e frettoloso, come se Bronson e Thompson volessero tornarsene a casa.

Come ho detto una visione la merita, ma nulla di più.

Andrea Lanza

Professione giustiziere

Titolo originale: The Evil That Men Do

Anno: 1984

Regia: Jack Lee Thompson

Interpreti: Charles Bronson, Theresa Saldana, Joseph Maher, José Ferrer, René Enriquez, John Glover

Durata: 90 min.

Il Sapore della paura

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il sapore della paura, la traque, mimsy farmer, serge leroy

Il dimenticato film francese del buon professionista Serge Leroy, è stato un po’ uno dei principali precursori di tutti i film di “rape & revenge” con protagonisti giovani donne coinvolte in “tranquilli week-end di paura”, o “winneriani” “dirty weekend”, ma con un’aura di cinismo e una costante tensione realistica, mai declinata e alla fine “svaccata” in “lotta tra macchine indistruttibili e vendicatrici” quali spesso sono diventate le eroine femminili del cinema contemporaneo di propaganda femminista, il quale spesso crea dei mondi irriconoscibili e che non esistono, nelle quali le protagonista di 60 kg. hanno quasi sempre la meglio e sbaragliandoli nei corpo a corpo, di masnade di uomini ovviamente bruti, di più di 100 kg., e facendoli sempre molto male nei modi più fantasiosi e tirati per le lunghe.

Qui no, siamo ancora nel 1975 e quindi in una visione del mondo certo amaramente cinica ma anche “verista”, e in cui la docente inglese Helen si adatta a trascorrere un periodo in un capanno da caccia nella foresta della provincia francese, dove può trascorrere le sue vacanze e guadagnarsi una breve lontananza a debita distanza da tutto. Allo stesso tempo, un gruppo di borghesi illustri, e rispettati cittadini del vicino paese, sta conducendo nella foresta una battuta di caccia al cinghiale. Tra loro, due commercianti di ferro già piuttosto ubriachi che incontrano casualmente Helen a visitare alcune rovine, e la violentano. Ma il più timido fra gli idioti del villaggio dimentica lì il suo fucile, che la donna in seguito userà per sparare ad uno dei suoi violentatori nello stomaco. Inizialmente, il più moderato del gruppo (che rappresenta uomini di un po’ tutti gli strati della società, e a nessuno di loro, verrà comunque ila decisione di andare dalla polizia) vuole portare la situazione a una conclusione pacifica, ma poiché fra di loro vi è anche il candidato a sindaco e pio filantropo, e affinché questo loro sporco segreti non divenga noto a nessuno al di fuori della battuta di caccia, fa si che un’altra caccia venga aperta e spinta alle estreme conseguenze, quella ad Helen.

Film indubbiamente legato agli attacchi apportati da Chabrol alle gerarchie piccolo-borghesi e provinciali, il film affascina per le sue magnifiche interpretazioni (in particolare Mimsy Farmer, che ha sempre considerato questo, e non ad esempio Quattro mosche di velluto grigio, o Il Profumo della signora in nero, o ancora Macchie solari, come in assoluto il film migliore a cui abbia mai preso parte), i luoghi autunnali e la tensione implacabile. E riuscendo addirittura a finire persino in maniera inaspettata, che quasi sovrasta tutta la procedura già nota e consona agli spettatori delle altre varianti di The Most Dangerous Game, tale che preferirei non descriverla in alcun modo dichiarato, così da non rovinarla in alcun modo, ma non è possibile. Già, perché se la stessa caccia è ancora condotta con mezzi comuni d’azione, il finale è puramente un momento di “non-azione”: dal momento che nessuno vuole dargli il “colpo di grazia” e quindi rendersi più colpevole degli altri del gruppo, tutti restano a guardare, mentre la ferita Helen che grida disperatamente aiuto, annega lentamente in un fiume. Poi un colpo di spugna su tutto quello che è successo, come sempre.

Penso che Il Sapore della paura abbia avuto forte influenza dal quasi contemporaneo Cane di paglia (Straw Dogs) (1972) di Peckinpah, e abbia poi avuto un impatto molto più grande su tanti film francesi e non dello stesso filone, in particolare su Calvaire ancora di più che rispetto ad un vero caposaldo del filone “survivalista” come Deliverance (Un Tranquillo week-end di paura), non solo per le simili ambientazioni. La Farmer è eccellente, centrale nel film anche se non la unica protagonista, di un cast interamente molto buono, e sicuramente l’intera pellicola è per lei un ottimo veicolo. Ma parimenti eccellenti sono tutti gli uomini Michel Constantin, Michel Lonsdale, Philippe Léotard, Paul Crauchet, Michel Robin, Georges Géret, Michel Fortin, e Jean-Pierre Marielle (di nuovo assieme alla Farmer dunque, come in Quattro mosche di velluto grigio). Al risultato finale concorrono la quasi totale assenza di musica di fondo, e la magnifica fotografia dei selvaggi luoghi della Normandia in cui il film venne girato, ad opera di Claude Renoir (Barbarella), che proprio quello stesso anno avrebbe firmato anche la fotografia de Il Braccio violento della legge II (French Connection II), di John Frankenheimer. Un thriller survivalistico dal ritmo narrativo e dell’azione in cui si può riconoscere un mondo ancora realistico, ben fatto e ancora molto moderno. Dimenticato e mai uscito in home video italiano, oltre che da tantissimo tempo mai più trasmesso in tv, nonostante nel 1975 fosse uscito nelle nostre sale con buon riscontro critico e di pubblico, oltre ad essere una delle tantissime italiche co-produzioni con la Francia, che si realizzavano a quel periodo.

Napoleone Wilson

Il sapore della paura

Titolo originale: La traque

Anno: 1975

Regia: Serge Leroy

Interpreti: Mimsy Farmer, Jean-Luc Bideau, Michael Lonsdale, Michel Constantin, Jean-Pierre Marielle, Philippe Léotard, Paul Crauchet, Michel Robin, Gérard Darrieu, Françoise Brion, Georges Géret, Michel Fortin

Durata: 90 min.

Revenge

Tag

anni 80, cinema trasgender, Coralie Fargeat, femminista, gregg araki, harmoni korinne, i spit on your grave, Koch media, Matilda Anna Ingrid Lutz, matriarcato, non violentate jennifer, pop, pop gay, Ravenhawk, revenge, Robrecht Heyvaert, spring breakers

Lo dico all’inizio, salvo equivoci: Revenge non è solo un bel film, è una delle cose migliori, più esaltanti e, perché no, divertenti viste in questo placido 2018. Talmente wow che ho abbandonato momentaneamente la recensione del validissimo The Strangers: Prey At Night per parlarvi di questo.

Ho detto divertente, solo a patto che non siate suore di clausura uscite fresche fresche dal convento, non lo siete vero?, perché Revenge parla di stupri e di vendetta e fa così tanto male ai suoi personaggi che la stessa regista ha dichiarato che gli effettisti si sono trovati a secco di sangue artificiale.

Non si parla di un gore o di uno splatter, ma di una pellicola che inizia come un film di Harmoni Korinne, soprattutto il suo Spring breakers, in una magnifica orgia di colori violentissimi e innaturali, gli occhiali a specchio che riflettono il paesaggio, gli orecchini rosa flou, le pareti blu metallico, per poi sporcare il pop gay trasgender alla Gregg Araki di viscere e schizzi di geyser rosso. Tutto stilosissimo senza essere però maniera, tutto così selvaggio senza aver bisogno molte volte del dettaglio anatomico da horroraccio remore del porno, ma che quando deve colpire, come nell’insostenibile sequenza dove uno degli stupratori deve schiacciare il pedale dell’auto con una ferita aperta sul piede, fa male, Dio se fa male.

Non sappiamo nulla dei vari personaggi, se non accenni o deduzioni, tre uomini di successo, francesi forse, che decidono, per esigenza, di dare la caccia alla ragazza di uno di loro, sposatissimo, come nel classico Pericolosa partita (The Most Dangerous Game) o, per noi ragazzacci, Hard target con Van Damme al servizio di sua maestà John Woo. Solo che le cose precipitano e lei non muore: viene buttata da un dirupo, si infilza con un albero e non muore, Il sangue che cola, il dettaglio delle formiche, la ferita che sanguina, ma lei, che fino ad allora era solo la ragazza dal bel culo, diventa l’angelo della vendetta. E sono cazzi per tutti.

Lei muore e rinasce, si fa di peyote e usa, per saturare la sua orribile ferita, una birra messicana in lattina, bollente. Eccola la magnifica revenant che risorge come Cristo dalla grotta con un tatuaggio a forma di fenice nera, inciso nella carne, e la scritta “mexican beer”, armata di fucile, pistole e rabbia in un contesto di serie A che altrove sarebbe stato Ravenhawk di Albert Pyun con la massiccia Rachel McLish.

Si potrebbe assimilare questo bignè, almeno stilisticamente, al recente The Bad Batch, con la variante che il pretenzioso film di Ana Lily Amirpour, sempre coloratissimo come un video anni 80, non era sincero e presto pagava con la noia il suo plot postnucleare di cannibali e vendetta. Si perché è l’effetto Jan Kounen: non puoi affrontare un genere non credendoci, non amandolo e soprattutto cercando di parlare soltanto di altro. Blueberry ne è l’esempio più eclatante e per certi versi Revenge, con il suo viaggio psichedelico tra stupratori iguane, può ricordarcelo, in meglio.

La potenza del film di Coralie Fargeat è di essere sincero, non rinunciare alle ambizioni, riuscendo però a sporcarsi con la materia da film di cassetta, godendone come un bellissimo orgasmo proletario tra servi e padroni. La rivalsa di Jennifer, non a caso lo stesso dell’opera simbolo del genere I spit on your grave, è quello di una donna contro un sistema di uomini predatori, tanto che alla fine il suo ex amore/amante le urlerà contro “Le donne devono sempre affrontare una fottuta lotta“.

D’altronde lo stupro ai suoi danni si è consumato nel più totale disinteresse: uno dei compagni ha alzato la tv, l’altro, quello che doveva essere il suo fidanzato, le offre soldi per stare zitta perché, è sottinteso, che le donne devono subire da sempre e quella non è stata che una bravata. Quello che non sanno i tre è che Jennifer si è rotta, la bambolina Malibu Stacy è ora un delirio di fuoco e cenere di uno scultore punk, una stacazzutissima femmina che perde un lobo di un orecchio ma dilania la carne dei suoi aggressori con coltelli, fa saltare a colpi di fucile spalle dei nemici e ha la sua vendetta in una casa alla quale manca solo il colore rosso che viene schizzato con forza sulle pareti.

I maschi non ci fanno davvero una bella figura in questa pellicola: abietti, animaleschi soprattutto quando abbandonano le vestigia da yuppies di un lavoro imprenditoriale per trasformarsi in uomini delle caverne ai quali manca solo la clava per accentuare l’ovvietà. Così la nostra Jennifer, in mutandine attillate e maglietta inguinale, regredisce allo stato primordiale di un matriarcato stuprato da un mondo di uomini e lo prende a calci, pugni in una rivoluzione non solo narrativa ma storica.

Revenge è baciato da una regia perfetta e da attori in stato di grazia, soprattutto la magnifica Matilda Anna Ingrid Lutz, italianissima, già vista nel mucciniano L’estate addosso e nel terribile Ring 3. Merito grandissimo però della sua riuscita è dato dalla fotografia mozzafiato di Robrecht Heyvaert, una vera gioia per gli occhi.

Da noi uscirà a fine anno per Koch media e il mio consiglio, se potete, è di aspettare di vederlo su grande schermo perché è quella il formato giusto per un film come questo, la dimensione delle grandi opere, quelle che su schermi tecnicolor facevano impazzire i nostri padri mentre James Stewart cavalcava in valli dimenticate dagli uomini.

Andrea Lanza

Revenge

Paese/Anno: Francia 2017

Regia: Coralie Fargeat

Sceneggiatura: Coralie Fargeat

Fotografia: Robrecht Heyvaert

Montaggio: Bruno Safar, Coralie Fargeat, Jerome Eltabet

Interpreti: Guillaume Bouchède, Kevin Janssens, Matilda Lutz, Vincent Colombe Produzione: Charades, Logical Pictures, M.E.S. Productions, Monkey Pack Films, Umedia Durata: 108 min.

 

 

Ruckus

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Ben Bates, Ben Johnson, Clifford A. Pellow, Dirk Benedict, finti rambo, Jon Van Ness, linda blair, Matt Clark, Max Kleven, Richard Farnsworth, ruckus, Taylor Lacher

Kyle Hanson, ex reduce del Vietnam, non voleva altro che mangiare un boccone, prendere un po’ di fiato e ripartire per la sua strada. Mal gliene accorre però perché il suo aspetto da barbone trasandato attira le attenzioni dei bulli di un paesino. Così il povero Kyle viene deriso e picchiato finché non scatta in lui una scintilla e comincia a fare la guerra a tutta la cittadina perché “quello che gli altri chiamano inferno, lui lo chiama casa”.

Se siete sicuri di avere sentito già questa storia non siete pazzi, è la stessa di Rambo di Ted Kotcheff che due anni dopo arriverà su tutti gli schermi mondiali. Naturalmente lo script di Michael Kozoll, William Sackheim e Sylvester Stallone non ha copiato questo film, ma è ispirato al romanzo First blood di David Morrell, questo del 1972. E’ più probabile che un progetto di un film su Rambo fosse già nell’aria prima dell’interessamento di Sly e che proprio una prima stesura di questa sia capitata tra le mani dello stunt/attore/regista Max Kleven. Non si può comunque neanche parlare di plagio del libro di Morrell visto che Ruckus, letteralmente putiferio, prende strade diverse e più leggere dalla storia che tutti conosciamo.

Non un bel film di sicuro: uno strano ibrido tra action e commedia, denso di ossessive musiche country, inseguimenti eterni e un’atmosfera più vicina al telefilm The Dukes of Hazzard che ad un action di guerra.

Ad interpretare Kyle Hanson troviamo la star tv di Battlestar Galactica Dirk Benedict, non ancora arruolato nell‘A-team come Sberla, che non spicca moltissimo, almeno qui, per capacità attoriali, granitico e monocorde come il peggior Chuck Norris.

Non ci saranno colonelli Trautman come in Rambo a movimentare la vicenda ma solo il sorriso di una Linda Blair in crisi artistica dopo lo scandalo droga che l’ha coinvolta nel 1977. Un anno dopo si lancerà con ottimi risultati nell’exploitation interpretando, in ordine, capolavori come Hell night, Savage streets e Chained heat per poi perdersi di nuovo in troppi brutti film. Qui la vediamo sfoggiare uno smagliante sorriso e poco più: è una bellissima statuina che, ad un certo punto, viene dimenticata dal copione.

Il regista Max Kleven è bravo a fare gli stunt e appunto qui fa solo quello strafregandosene dei vari personaggi, degli intrecci e anche del ritmo con la rottura di coglioni di un film che procede grazie ai bellissimi ma ripetitivi inseguimenti di auto, moto e pure barche.

Prendi me, Linda! Prendi me!

Ruckus è un action dimenticabile, una commedia stupida e fracassona piena zeppa di idioti che fanno cose sceme mentre il commento musicale all american cowboys alza il volume al massimo, ma purtroppo nessuna ragazza da far volteggiare, solo un cretino che gioca a fare la guerra.

Sono venuto dal futuro, grande Giove!

Non ci viene risparmiato neppure il micidiale happy end con il perdono del nostro eroe del Vietnam non proprio registrato che avrà stavolta, in questo mondo parallelo dove Stallone è ancora solo Rocky, la mano della bella Linda e pure un terreno dove mettere radici. Peccato che, solo qualche minuto prima, il ragazzone aveva cercato di uccidere delle persone con delle bombe molotov e, ancora prima, aveva quasi decapitato con un’auto rubata due suoi assalitori. E a Rambo invece lacrime e manette? C’è qualcosa che non va!

Questo film tra l’altro dev’essere piaciuto talmente ai tedeschi che hanno preso l’orribile film di ninja filippino del 1987 Ultimax Force e l’hanno intitolato Ruckus 2 – Unternehmen Condor. Contenti loro!

Il non seguito brutto di un brutto film

Andrea Lanza

Ruckus

Regia: Max Kleven

Interpreti: Dirk Benedict, Linda Blair, Ben Johnson, Richard Farnsworth, Matt Clark, Jon Van Ness, Taylor Lacher, Clifford A. Pellow, Ben Bates 

Durata: 93 min. INEDITO IN ITALIA

 

 

I vendicatori della notte

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Anne Lockhart, April Dawn, Britt Helfer, Dick Shawn, Don Hepner, Ed De Stefane, ernest borgnine, James Van Patten, John Alden, Lawrence David Foldes, linnea quigley, Lynda Day George, Mike Norris, Nels Van Patten, Richard Roundtree, The Graduates of Malibu High, Tom Reilly, vendicatori della notte, young warriors

Kevin, Scott, Stan, Fred sono quattro amici, che hanno fatto insieme il liceo e, sempre insieme, vivono la vita goliardica, spensierata e lontana da ogni problema che non sia di divertimento. Finché un giorno la sorella minore di Kevin, Tiffany, resta vittima insieme con il suo accompagnatore di una banda di teppisti; il giovane muore, Tiffany viene brutalmente seviziata e violentata, per morire anche lei dopo un breve quanto inutile ricovero in ospedale, Kevin sembra impazzire, tanto più perché non riesce a giustificare l’atteggiamento di suo padre, poliziotto, che sembra starsene con le mani in mano. Con i suoi tre amici, ai quali si aggiunge George, comincia una serie di indagini private, durante le quali riesce a sapere quale sia la “banda” responsabile del massacro. Di fronte a quella che lui giudica inerzia da parte della polizia, Kevin convince gli amici che è necessario fare giustizia da soli: così i cinque ragazzi cominciano a battere di notte le strade della cittadina, alla ricerca dei teppisti.

Lawrence David Foldes è stato un carneade del cinema di genere americano. I suoi lavori passano con disinvoltura dall’horror (La collina dei morti viventi) all’action (Tuono rosso e Nightforce) fino a toccare la commedia sentimentale e il dramma (Non dite a mamma che lo sposo e Finding Home), quasi sempre con risultati tra il mediocre e il pessimo. Dal 2003 fortunatamente si ritira dalle scene: un sospiro di sollievo per tutti gli amanti del cinema.

I vendicatori della notte è sicuramente la sua opera migliore, non esente però da tutta quella superficialità registica e dalla  pochezza narrativa che i lavori di Foldes posseggono come firma d’autore.

Si parte bene, non benissimo, ma i toni cupi ci sono: una ragazza viene brutalmente violentata da un branco di assassini stupratori (il suo ragazzo, o quasi, è stato bruciato vivo dagli stessi) mentre il capobranco ordina serioso “Riempitela di carne”. Trucidissimo e abbastanza efficace con dei cattivi che sono figure archetipiche, avanzi di galera senza sfumature, che fanno male solo perché sono malvagi. Peccato però: se I vendicatori della notte fosse stato diretto da un Winner o da un Lusting sarebbe scattato l’applauso a scena aperta, ma la regia di Foldes è terribilmente distratta. In più lo stupro della ragazza, anche per colpa della pessima performance dell’attrice, è senza quei picchi drammatici che ci aspetteremmo.

L’eroe

Ma vi ricordate la violenza ai danni di Linnea Quigley nel magnifico Savage streets? O ancora quando la figlia autistica di Charlie Bronson viene abusata nell’immenso Death wish II? Lì ti faceva incazzare, magari distoglievi lo sguardo e quindi, quando avveniva la giusta vendetta, eri dalla parte del protagonista o della Linda Blair dagli occhi di brace.

In più I violentatori della notte, in originale Young warriors o The Graduates of Malibu High, è una tra le più sconosciute produzioni Canon, la casa che noi, amanti del B movie action, amiamo come il Vangelo per un chierichetto. D’altronde come si può voler male a chi ha infiammato i nostri animi adolescenziali con strafigate uniche al pari di Rombo di tuono, I cacciatori della notte, Cobra o American ninja?

chi si mette degli occhiali da sole
per avere più carisma e sintomatico mistero

Qui si tenta il matrimonio impossibile tra la commedia goliardica maliziosa alla Porky’s con il filone de Il giustiziere della notte: una follia suicida sulla carta. Appunto.

Quello che non convince assolutamente nella sceneggiatura di Lawrence David Foldes e Russell W. Colgin è il concentrarsi solo sul protagonista, i suoi drammi interiori e la rabbia repressa, rendendo tutto il resto, dagli amici, alla ragazza, ai professori, agli stessi villain, solo meri comprimari a fare da corollario alla vicenda, carne da macellare, da sacrificare o da dimenticare. Il problema è che la psicologia del nostro Kevin Carrigan, interpretato dal terribile James Van Patten, è trattata con troppa superficialità: sbraita, si incazza, picchia i piedi per terra manco fosse un bambino di tre anni al quale hanno negato le caramelle. I professori lo chiamano “psicopatico”, i compagni di università lo trattano come un picchiatello quando presenta i suoi atroci lavori di velleità artistica, cartoni animati psichedelici, la sua ragazza, fighissima, vorrebbe farselo ma lui no, lui si fa le prostitute chiamandole però come la fidanzata: i segnali che non sia giusto “di capa” ci sono tutti, quindi che ci sorprendiamo a fare quando prende in mano un uzi e, con la scusa della giustizia, massacra due ragazzine che stavano svaligiando, con pistole giocattolo, un drugstore?

I vendicatori della notte inizia anche bene, la parte da college movie è spigliata, quella di vendetta carina, ma poi, ad un certo punto, Foldes, mannaggia a lui, si mette a fare la morale, come un vecchio rompicoglioni, perché non ci sta a girare il solito action fascista e quindi giù di frasi come “La violenza genera altra violenza” quasi fossimo in Roma violenta di Martinelli. Ecco che Lawrence nostro deve farci vedere che le azioni di questi giovani giustizieri non sono fighe, ragazzi non emulatele, perché questi bamboccioni uccidono innoncenti, le vittime non li ringraziano nemmeno, vestono come un coglione un povero cane per poi farlo trucidare, altro che mascotte, e alla fine o finiscono uccisi male rimpiangendo i giorni del liceo o si fanno saltare in aria. Foldes non è un festaiolo, lui è il rompicazzo che, quando tutti fanno baldoria e forse si scopa, dice “Intanto i bambini del Biafra muoiono di fame“, checcazzo, Lawrence, mi sa che torno a casa.

I bambini del Biafra perdioooooooooooooooooo

I vendicatori della notte è un film detestabile, pedante, poco divertente e con il peggior cast di attori che un B movie d’azione potrebbe avere: interpreti poco carismatici, cagneschi, che quasi quasi parteggi quando muoiono sputando sangue. Oltretutto la maggior parte di loro sono parenti, figli, fratelli di qualcuno di più famoso: da Mike Norris a James Van Patten, una ciurma di perdigiorno infilati a forza con raccomandazioni in un film.

Lo faremo quel viaggio, amico?

Per fortuna però fanno capolino l’immenso Ernest Borgnine che, sarà anche a fine carriera, ma fa la figura del leone, e il sempre mitico Richard Roundtree, lo Shaft del nostro cuore, l’unico tra l’altro che continua a ripetere che il picchiatello giustiziere sarebbe un buon poliziotto mentre tutta la gente lo guarda atterrita “Ma che cazzo dici?”.

Sul piano voyeristico poco o nulla, ma almeno abbiamo una bellissima Anne Lockhart che si che spoglia mostrando un sedere da urlo e due tette da Osanna nell’alto dei cieli. Fa capolino anche una sobrissima Linnea Quigley  in un ruolo di poco conto e per di più senza mostrarsi né nuda né urlante, quindi uno spreco, la cifra stilistica di questo action.

Che dire di un film d’azione che conta oltretutto un inseguimento insulso e alcune tra le peggiori sparatorie del cinema di serie B americano? Nulla se non ringraziare che in dvd non sia mai uscito e presto le vhs ammuffiranno.

Buuuuucio de culo!

In America, ricorda il New York Times, sembra essere comunque piaciuto alla sua uscita, nel Novembre del 1983:

“Il pubblico al teatro Rivoli ha salutato questa pellicola con grandi applausi“.

Stendiamo un velo sulla pretestuosa dedica iniziale a King Vidor.

Andrea Lanza

I vendicatori della notte

Titolo originale: Young Warriors

Anno: 1983

Regia: Lawrence David Foldes

Interpreti: Ernest Borgnine, Richard Roundtree, Lynda Day George, James Van Patten, Anne Lockhart, Tom Reilly, Ed De Stefane, Mike Norris, Dick Shawn, Linnea Quigley, John Alden, Britt Helfer, Don Hepner, April Dawn, Nels Van Patten 

Conosciuto anche come The Graduates of Malibu High

VHS: MULTIVISION

 

 

 

Bersaglio sull’autostrada

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bersaglio sull'autostrada, cinema, film, linda blair, marius mattei, moving target, recensione, recensioni

Grazie all’aiuto del sempre prezioso Andrea di cinema zoo, il vero tempio dello streaming per tutti gli amanti del cinema popolare più estremo, sono riuscito a mettere le mani su questo strano oggetto italiano girato a Miami (anzi MAIAMI come recitano gli attori).

Fortunato, direte voi. Insomma, rispondo io.

Linda ti amiamo sempre anche in versione Pazuzu

Bersaglio sull’autostrada, è diretto dal Mattei che fino ad oggi non conoscevamo, Marius, sceneggiatore per l’incredibile Casa d’appuntamento di Ferdinando Merighi nel 1972 e regista di due film che mai ho sentito nominare, Facciamolo in 3 del 1983 e soprattutto Febbre a 40! del 1980 con un cast di tutto rispetto che annovera la bellissima Marisa Mell, John Richardson e Carole André.

Chissà cosa spinse star del calibro di Linda Blair e dell’Ernest Borgnine di Marty – Vita di un timido o de Il mucchio selvaggio ad accettare di essere coinvolti questo pasticciaccio pseudo thriller, datato 1988, uscito da noi soltanto in  vhs Domovideo? Soldi, sicuramente, una fama ormai spenta da anni, altra cosa probabile, una combinazione di eventi sfortunati che costrinse i due, a fine carriera, ad accettare le peggio cose.

Bersaglio sull’autostrada è il male nella forma di film: girato malissimo, scritto coi piedi ed interpretato distrattamente da un cast cagnesco. Buona parte del disastro è da attribuire a Marius Mattei che, non contento della sua mediocrità come regista e sceneggiatore, si ritaglia pure un ruolo nella pellicola, l’operatore dell’impresentabile giornalista tv Billie Cody, interpretata con rara sciatteria dalla nostra Gabriella Giorgelli, pseudo attrice con gli anni visibilmente sfioriti dal tempo.

Non si capisce nulla della trama così piena di colpi di scena cretini e repentini. Basti sapere che, all’inizio, un famoso giocatore di tennis ritrova (forse) la figlia scomparsa e, nell’indecisione se sia o meno lei, la tromba. Un dramma dell’incesto così accurato a livello psicologico lo si era visto solo nel siparietto di Vacanze di Natale 90 dove un sicuramente più convincente Andrea Roncato si trovava a vivere l’atroce dubbio se ciularsi o meno due modelle, forse frutto del peccato di una scappatella giovanile. Il problema è che il film di Oldoini era comico, Bersaglio sull’autostrada purtroppo no.

Tette al rallenti che sballonzolano

A spiccare nel film è soprattutto Janine Lindemulder, non ancora pornostar, non ancora ragazza immagine per i Blink 182, all’epoca modella di Penthouse, che non lesina a mostrare il suo corpo nudo per almeno l’80 per cento della pellicola. Abbiamo le sue tette mentre fa il bagno, mentre corre al rallenti sulla spiaggia, mentre si fa scopare dal papino presunto che le sussurra “Ti amo“, poi ovviamente il  culo marmoreo e l’evidente allergia ai vestiti che alzerebbero l’interesse per il film se non fosse mortalmente noioso.

Siamo in un prodotto che ha la piattezza di un telefilm americano anni 80, ma con l’orrore di ambire al cinema, un insulto al nostro glorioso cinema di genere, mai sceso, anche nella sua dimensione da pulciaro film d’imitazione USA, ad un livello tanto infimo.

Janine in versione porno

In  mezzo ad un ritmo da calma piatta e ad un killer vestito da motociclista come in un film anni 70 di Dallamano, c’è lei, la nostra Linda Blair, nome a lettere maiuscole sulla locandina, e presente in dieci minuti di girato, una trappola per tutti i suoi fan, con l’aggravante di una recitazione mai così dilettantesca.

C’è da dire che l’ex bambina de L’Esorcista, amata per film grindhouse come l’incredibile Savage streets, a fine anni 80 appariva già sciupata e con addosso più anni di quelli che effettivamente aveva. Il periodo della femme fatale sexy purtroppo era finito per Reagan che, anno dopo anno, sempre di più, prendeva l’aspetto ingrato di un Pazuzu emaciato, privo delle sue sorprendenti tette da bad girl del cinema degenere americano.

Il Mattei che amiamo

Nel cast presenti ma assenti ci sono anche Stuart Whitman, ben lontano dai fasti de I comanceros con John Wayne, e Charles Pitt, triste interprete 4 anni prima del delirante Monaco forever con un giovane Jean Claude Van Damme in versione karateka frocissimo.

Qui chiudiamo perchè siamo arrivati quasi a 700 parole di un film che ne meritava due sole: una merda.

Andrea Lanza

Bersaglio sull’autostrada

Regia: Marius Mattei

Interpreti: Ernest Borgnine, Linda Blair, Stuart Whitman, Gabriella Giorgelli, Charles Pitt, Janine Linde, Emy Valentino, Kurt Woodruff, Alexis Arguello

Musiche: Mike Francis

Anno: 1988

Durata: 90 min./ VHS DOMOVIDEO

 

Zombi 3

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lucio fulci, zombi 3

Un gruppo di militari in licenza si troverà a fronteggiare una nuova minaccia in un Paese del Terzo mondo: un virus ha trasformato le persone in morti viventi con l’impulso di uccidere. Dovranno combattere contro questi mostri, ma anche contro un esercito che intende sotterrare con il sangue i propri errori.

Esiste un certo disprezzo da parte dei fan nei confronti di Zombi 3 girato su carta da Lucio Fulci e in realtà prodotto frankenstein a tre mani con la complicità del duo Fragasso/Mattei. Parlarne male in effetti può essere semplice in virtù del fatto che l’opera, sia a livello tecnico che narrativo, non è assolutamente ai livelli del periodo d’oro fulciano, quello dei vari Paura nella città dei morti viventi, L’aldilà o Quella villa accanto al cimitero. Eppure Zombi 3 non è prodotto disprezzabile, ma un’opera a suo modo inventiva e anticipatrice di deliri filmici a venire.

Non si sta di certo parlando dell’opera magna della carriera di un grandissimo regista come Fulci, ma di certo Zombi 3 non è il mostro maleodorante ritratto dai più. Di sicuro non era un film amato dal suo stesso autore che, per vari motivi, abbandonò a se stesso l’opera carico di amarezza verso un’operazione, a sua detta, bassissima anche, e soprattutto, per via dello script di Fragasso (epica la frase fulciana “Faceva un gran fracasso, ma non capiva un cazzo”). Poi gli aneddoti sono davvero molteplici e cambiano a seconda di chi li racconta, ma di certo resta che il girato di Lucio Fulci era immontabile, troppo lento e sfilacciato.

Fonti sicure lo vogliono, non più lungo di 50 minuti. La situazione era precipitata, giorno dopo giorno, con un Fulci provato da una malattia che gli aveva ingrossato la pancia e con le piccole ripicche nei confronti del suo sceneggiatore (pagine di copione strappate se il regista non aveva i mezzi per girarle). Il film fu salvato dal disastro proprio dalla coppia d’oro del cinema pauperistico estremo Fragasso e Mattei, già artefici di cult del cinema bis come Virus o Rats, che si rimboccarono le maniche e ampliarono il girato originale con scene nuove per arrivare alla sudata ora e mezzo canonica. Del film, per complicare il tutto, esiste anche una versione estesa per i mercati esteri con un prologo dove uno zombi si scioglie sotto gli occhi atterriti di due scienziati. A chi scrive Zombi 3 è piaciuto sempre, anche alla sua uscita, e lo trova un lavoro scatenato e pieno di guizzi inventivi.

Gli attori sono a volte cani (ma Beatrice Ring e Deborah Bergamini almeno sono bellissime), ma è comunque un film che vive più di pancia che di cahiers du cinema. E’ anche vero però che se ci si abitua a una certa aria di non sense il film riesce ad appassionare. Prima di tutto straordinari sono i colori violentissimi usati, che riportano al lavoro fumettistico del Creepshow di Romero, poi l’uso affascinante dei fog che donano a  Zombi 3 le atmosfere surreali del sogno. Le scene memorabili poi sono davvero tantissime: l’attacco di uno zombi iper veloce in un benzinaio, una testa che vola addosso a un ragazzo per divorarlo o il finale ancora più plumbeo di quello romeriano di Dawn of the dead. Non male per un film definito unanimemente “spazzatura”, che possiede un’atmosfera lovecraftiana invidiabile e che pone per la prima volta la battaglia tra morti viventi e umani in un contesto da guerriglia urbana. Di grandissimo impatto l’idea di un parto zombi (ripreso da Zack Snyder nel remake di Zombi) o l’assalto dei militari in un hotel diventato lazzaretto per moribondi.

Materiale non di certo di seconda mano che fa persino dimenticare effetti speciali molte volte abborracciati o personaggi dimenticati strada facendo (gli scienziati su tutti). La sceneggiatura tanto odiata di Fragasso (e moglie non accreditata) poi neanche è così malvagia: è vero ricicla idee di altri più illustri colleghi (Dan O’ Bannon e il suo Ritorno dei morti viventi), ma lo fa con uno spirito pionieristico da Tarantino de’ noatri, masticando i diversi umori in un humus completamente diverso da come è raccontato. Lo stesso Fragasso amplificherà le intuizioni di Zombi 3 con il suo seguito non seguito, After death, da lui girato, e ancora più folle, scatenato e a suo modo geniale. Poi liberissimi di detestare Zombi 3, anche alla luce di un più compatto Zombi 2, ma credo che anche in questo caso il divertimento scatenato non mancherà. Siamo davanti a un cult che cresce ogni anno di più e che contamina, come un morbo, i più disparati film recenti. Ma è da qui che parte tutto: da una costola impazzita dei capolavori di George A. Romero.

Andrea Lanza

Zombi 3

 

Regia: Lucio Fulci (non accreditati Claudio Fragasso e Bruno Mattei)

Interpreti: Deran Sarafian, Beatrice Ring, Ottaviano Dell’Acqua, Marina Loi, Deborah Bergamini

Durata: 88 minuti