Artigli di tigre il ritorno

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Esistono film che bisogna recensire senza l’apporto di imdb, dizionari o cazzi mazzi, tanto quello che devi sapere è nel tuo passato da ragazzino divora stronzate o nella tua fantasia. Ma facciamo un passo indietro…

Artigli di tigre il ritorno altri non è che il seguito, sempre diretto da una scimmia che si crede Corey Yuen, grandissimo regista di So close e The transporter, del capolavoro dell’infimo ma sublime Kickboxers vendetta personale, recensito qualche anno fa. Per ricordarvi bene è il film che ha consacrato tanto Van Damme, nei panni di un russo sbruffone, quanto Buana, un negretto con tendenze gayose ai danni di uno psicotico schizofrenico con il pallino di Bruce Lee.

Purtroppo No retreat, no surrender 2: Raging thunder (il titolo originale) non ha né Buana né Van Damme né tantomeno lo spirito di un cinese che si traveste da Bruce Lee solo per dare scappellotti ad un americano cretino. E vi aggiungo, so che sarete in lacrime, mancano pure Dino ”Spaccaossa” Ramsey e il mitico cicciobello mangiahumburger. Se non sapete chi sono vi invito con un sonoro calcio rotante a ripassare il primo film, uno dei fondamentali caposaldi del kung fu scoreggione.

Jean Claude grande assente

Questo film è la risposta ebete al classico capolavoro norrisiano Missing in action così come il primo lo era di Karate kid. Come avrete immaginato nella pellicola non c’è traccia di nessun Artigli di tigre né tantomeno è spiegato questo fantomatico personaggio da dove sarebbe ritornato. Forse, e dico forse, la produzione italiana ha cercato stavolta di attaccarsi non a Kickboxers ma a Copgirl – artigli di tigre del 1991 con il quale condivide la stessa attrice, solo che No retreat, no surrender 2: Raging thunder è del 1988! Macchine del tempo? Alieni burloni? Buana che urla strizzando il culetto? Misteri del bis miserabile delle arti marziali.

Prima di proseguire però è bene conoscere alcune dritte per sopravvivere in Thailandia e in Cambogia, almeno seguendo i dotti consigli del film:

• Se andate in un ristorante potreste mangiare prelibatezze come occhi di scimmia, feci di camaleonte, iguane alla tartarre e così via, tanto per dire “Spielberg, a noi Indiana Jones e il tempio maledetto ci fa un baffo”.
• Se siete un politico morirete in un modo assurdo, ma tutto sommato buffo: un vietcong spunterà dal tombino per crivellarvi di colpi per poi tornare a ridere tutto contento nascosto tra la cacca e la pipì.
• I cambogiani sono dei figli di puttana incredibili, non tanto per quello che fanno, ma perchè sono amici dei russi e i russi si sa sono come Satana. Si racconta che si sciacquino le palle con la vodka per stupire gli amici con gettate di fuoco.
• I russi sono strane creature, almeno per la scimmia che si crede Corey Yuen mentre questo è a puttane a Bangkok, e sono capitanati da un tipo alto tre metri che ha il vizio di ridere per ogni cosa che lui reputa malvagia perché è da Chobin il principe delle stelle che ogni cattivo che si rispetti deve avere la risata in random.
• I cambogiani, a loro volta, sono capitanati da un cretino che fa urletti da checca isterica e pensa di essere Bruce Lee e viene pure menato da una donna scippata da Footloose.
• I coccodrilli, si capisce, sono come i lupi per i vampiri, servi fedeli. In più occasioni il Generale Buttiglione dei russi trascina i nemici nella fossa dei rettili e ridendo li guarda morire con battute senza senso del tipo “Sei libero: te l’avevo promesso”.
• Sia i russi che i cambogiani nelle battaglie sanno solo avanzare, come in un brutto videogame, pur sapendo che avanti ci sono fili con delle bombe tipo nucleare collegate.

Sapendo ora queste nozioni possiamo tornare all’appassionante film. Leggenda vuole che, appena finito il primo No retreat, no surrender, Corey Yuen, tornato dal suo puttan tour, avesse chiesto quando si sarebbe cominciato a girare. Con un’abile mossa uno dei produttori, temendo nel talento dell’autore, lo portò al ristorante con la scusa di parlare dei vari storyboard, permettendo all’abile scimmia di riuscire a girare questo secondo capitolo nella pausa pranzo. Sembra anche che fu spedito il copione a Van Damme per riprendere i panni del cattivo e al ragazzo psicotico per quelli dell’eroe, ma la risposta serafica di entrambi fu:
AHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAH
Che poi fa riflettere perchè Gianniclaudio era pur sempre Gianni Claudio, ma Sticchio Michia non che avesse molti ingaggi dopo il primo Kickboxers. Ma tantè…

Non fate incazzare Cynthia

Qui comunque abbiamo un protagonista nuovo tale Loren Avedon, nei panni di Scott, un rachitico figuro che ha pessimi gusti in fatto di donne tanto da fidanzarsi con la thailandese più cessa degli anni ’80, una cosa inguardabile, un quadro astratto quasi fantozziano, e ve lo dice chi si farebbe a seduta stante l’83 per cento delle orientali a cominciare da quel bocconcino di Shu Qi. E se non sapete chi è Shu Qi diamine ragazzi, vi devo mandare contro lo spirito di Amedeo Nazzari e del suo “Che peste vi colga”.

Neanche Shu qi è presente ma è sempre un bel vedere

Comunque la thai-cesso si chiama, nella finzione, Sullin Nguyer e, se vi chiedete perchè diavolo ha un cognome in un film di personaggi senza spessore, sappiate che il padre è un noto mafioso locale, il Signor Nguyer temuto da tutti, ma che la figlia reputa un bonaccione filantropo. Scott e Sullin sono legati da amore decennale, ma, misteri del film, lei non l’ha mai presentato ai genitori e lui per amore il fine settimana si fa in aereo Los Angeles – Bangkok solo per vederla.
Tutto procede bene finché il ragazzo non decide di portare la morosa nell’albergo dove soggiorna per darle due sacrosanti colpi di spatola.

Spendiamo qualche parola sull’hotel: una stella, gestito da Aldo (di Aldo, Giovanni e Giacomo) vestito da cinese che, all’inizio del film, proverà la gang di portare al ragazzo delle puttane bruttissime proprio mentre questi è al telefono con la sua “bella” generando una gustosa commedia degli equivoci, tanto apprezzata in Oriente quanto non capita in Occidente. Quindi o sei un cretino o un ritardato se vuoi portarci la tua fidanzata, ma Scott non è che sia un mostro di intelligenza e voilà ecco che piovono dal cielo mafiosi thai a mò di polpette e rapiscono Sullin. Il governo locale è corrotto e vogliono accusare del misfatto proprio il nostro eroe che, potenza del caso, incontrerà mentre fugge un altro americano, un avventuriero di nome Mac Jarvik (il cognome stavolta e superfluo), che lo accompagnerà in Cambogia per farsi vendetta. Al loro fianco una tappetta peperina che non la smette di fare battute, ex di Mac, con un gusto terribile nel vestirsi (è lei la ragazza in stile Footloose). Ad interpretare l’iron girl la futura star anni 90 dei film mena-tutti di Italia uno, la celebre Cynthia Rothrock, un nome che è già un programma della serie “Sono una donna e se ti avvicini ti prendo a calci nelle palle”. I tre si aggirano in Cambogia armati di tutto punto e, pur ribadendo più volte che pullula di nemici, non ne incroceranno neanche uno. Ma ecco che, per chiedere informazioni su dove si trova il campo di concentramento gestito dai russi (che sappiamo nascondono Sullin), i nostri eroi avranno la brillante idea di fermarsi da un gruppo di monaci shaolin assolutamente pacifici. Ma ‘sti figli del sol levante non sono altro che cambogiani travestiti da monaci e, trappola dopo trappola, catturano i tre con coreografie appunto da scimmia che si crede Corey Yuen. Ma essendo cambogiani, e quindi di riflesso stupidi perché amici dei russi, verranno facilmente eliminati dai tre a colpi di karate, kung fu o di asciugamani sulle chiappe.

Uccide più la tetta che la spada

Ecco che però, visto che siamo in un film macho, le donne sono contorno, voilà che con una scusa del tipo “Sono inciampata” la prode Cynthia viene fatta prigioniera dai cattivi. Da notare che il russo la pesta con facilità estrema per poi commentare “Sei molto forte complimenti” toccando toni di non sense quasi hellzapoppiniano. Intanto i nostri eroi camminano nella Cambogia pullante nemici senza incrociarne nessuno e, complicandosi la vita in azioni inutili di amicizia virile come scalare una montagna quando di fianco c’è una funivia e condividere in cima una birra, arriveranno all’accampamento nemico. Intanto il russo, cattivo come Maga Magò, decide che sia Sullin che Cynthia devono morire, ma solo appena verrà costruita una forca perché si sa che i malvagi devono complicarsi la vita.

La morte delle ragazze è una cosa complessa: le due vengono legate e messe a penzolare sulla fossa dei coccodrilli mentre dei pesi che si svuotano sempre più le conducono a morte certa. “Sei un misto tra un culo di scimmia e un serpente” apostrofa Cynthia il russo mentre la fine è sempre più vicina. Ma, tatà, Scott si è messo una benda rossa in testa e pensa di essere in Rambo 2 la vendetta: spara frecce infuocate, trapassa nemici con il machete, prepara complesse trappole dove mitra radiocomandati sparano ai soldati cattivi, lancia bombe a km di distanza, e tutto per permettere a Mac di salvare le due.

Ma, attenzione, un figlio di un limone avariato non è morto e falcia a colpi di mitra la povera Cynthia che prima di cadere secca l’infame con schizzi di sangue splatter ovunque. A lei e a Mac va il dialogo finale più bello e commovente:

Mac: Sei sempre la solita, non stai mai ferma (e piange)
Cinthia (ferita e agonizzante): Se me l’avessi chiesto tu mi sarei fermata (colpi di tosse carichi di sangue)
Mac: E cosa ti ha fatto pensare che non te l’avrei chiesto? (e piange)
Cinthia: E cosa ti ha fatto pensare che io l’avrei fatto? (e spira)
Mac (piangendo) Sei sempre la solita, vuoi avere l’ultima parola (lacrime e forse scena necrofila tagliata dalla versione italiana)

Ma il russo non è morto e credendosi Van Damme si strappa la maglietta, ma non è Van Damme e lo si capisce da come si muove con la velocità di un toro zoppo. Ingaggia una lotta incredibile con Scott in versione Rambo dei poveri che lo colpisce con ogni cosa mentre quello sbadiglia e ogni tanto ride malvagio. Ma ecco che Scott da buon americano usa un quadro di Lenin per ferirlo e lo avvolge nella bandiera russa instupidendolo, poi lo lega alla jeep e lo lancia nella fossa dei coccodrilli. Per Confucio, però, il generale bolscevico pur con le gambe dilaniate dai morsi degli animali cerca di trascinare il veicolo del ragazzo verso morte certa ottenendo solo di trovarsi schiacciato dal mezzo. Allora Scott spara alla jeep mandando al creatore russi, coccodrilli e pure la scimmia di Corey Yuen che sarà sostituita da un macaco per No retreat, no surrender 3 (American Shaolin). Al disperato Mac che piange la morte di Cynthia, Scott, limonando Sullin, dirà: “Sii felice, era una brava ragazza in gamba”.

E sticazzi no?

Andrea Lanza

Artigli di tigre – Il ritorno

Titolo originale: No Retreat, No Surrender 2: Raging Thunder Dati: Anno: 1987Genere: arti marziali (colore)

Regia: Corey Yuen

Interpreti: Loren Avedon, Max Thayer, Cynthia Rothrock, Patra Wanthivanond, Matthias Hues, Nirut Sirichanya, Jang Lee Hwang, Perm Hongsakul, Chesda Smithsuth, Grisapong Hanviriyakitichai, Roy Horan, Bunchai Im-arunrak, Opisok Praechaya, Sanchai Martves, Suang Sosretananant

Durata: 105 min.

Aka “La vendetta dei maestri di kickboxing”, “Raging Thunder”, “American Champion No 2”, “No Retreat, No Surrender 2”, “Karate Tiger 2”. 

The Strangers: Prey at night (The strangers 2)

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Bailee Madison, bertino, Christina Hendricks, Emma Bellomy, Johannes Roberts, Lewis Pullman, liv tyler, Martin Henderson, scott speedman, scream, seguiti, strangers 2, venerdì 13, wes craven

Non sono mai stato un grande fan di The strangers, opera prima di Bryan Bertino, un regista che confermò la sua mediocrità in seguito sia con il bizzarro Mockingbird – In diretta dall’inferno che con il terribile The monster del 2016.

Certo i gusti cambiano, a volte ho amato film in precedenza odiati, e forse dovrei dare una seconda visione all’home invasion con Liv Tyler e Scott Speedman ma all’epoca, nel 2008, scrissi:

“Non si può dire che “The strangers” sia un film riuscito. E’ sì un film ottimamente confezionato, che sa raccontare con stile nervoso una tesa storia di assedio, ma è materia pesantemente deja vu, che arranca asfittico verso il crudele finale, che non riesce a dire nulla di nuovo e forse neanche ci tenta. La storia frulla in maniera spudorata “Ils” di David Moreau e Xavier Palud con “Vacancy” di Nimród Antal aggiungendoci persino una spruzzata di “Funny games” di Haneke. Di spunti non originali alla base di film originali ne è piena la storia del cinema, anzi le filmografie di Lucio Fulci o Brian De Palma (per prendere due esempi eclatanti) sono pieni di opere che saccheggiano a piena mano il lavoro di altri registi (Hitchcock, Romero, Argento) per creare vera fantasia al potere, qualcosa di simile al modello e nel contempo estremamente diverso. Ma qui siamo ad una filosofia un po’ alla Nintendo Ds: non puoi pretendere di diventare un ottimo cuoco copiando perfettamente le ricette di cucina, ogni cosa ha bisogno di fantasia che è l’anima che rende una torta buona ed una ottima. “The strangers” sembra un film zombi, costruito a tavolino per piacere: tutto perfetto, dalla regia ispirata agli attori in pare, ai tocchi surreali nel rappresentare questi villain come creature soprannaturali fino al finale che più gelido e cattivo di così non si può. Quindi ottimo? Non proprio perché manca una cosa importante: l’anima, la scintilla primordiale che rende il film un’opera e non solo un diligente compitino di uno studente svogliato“.

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Quando l’home invasion ha raggiunto il punto più basso

Con gli anni il genere home invasion non si è mai davvero affermato, probabilmente la punta di diamante è stato quel gioiellino di You’re next di Adam Wingard, ma poi abbiamo avuto a memoria soprattutto cose abbastanza imbelli come Jackals di Kevin Greutert, Wolves at the Door di uno dei peggior registi di sempre, J. R. Leonetti,  o Mercy, micidiale produzione Netflix. Certo sarebbe ingiusto dimenticare il tesissimo Secuestrados, il concitato Mother’s day di quella promessa mancata di Darren Lynn Bousman, il primo La notte del giudizio e il recente Better Watch Out di Chris Peckover, ma diciamo che noi umani tendiamo a ricordare, come durante le storie d’amore finite, solo i momenti brutti, e gli indigesti home invasion, anche con le derive incredibilmente action di un film bulgaro con Dolph Lundgren o Scott Adkins, sono davvero una legione.

Come dicevo comunque non mi aspettavo moltissimo da questo The strangers: Prey at night o comunque non mi aspettavo un film di così ampio respiro, sul modello del gagliardo Kristy di Oliver Blackburn, dove la claustrofobia si disintegra in una nuova location simile agli slasher classici alla Jason.

D’altronde la produzione è stata travagliata e il successo del primo capitolo avrebbe dovuto generare subito un seguito (sempre scritto dallo stesso regista) e con ancora Liv Tyler tra i protagonisti, ma qualcosa è andato storto, la produzione non è mai partita e l’ex reginetta degli Aerosmith ha preferito, ai massacri da home invasion, qualche produzione magniloquente di Sarajevo. Così per quasi dieci anni, fino a questo capitolo 2 senza il 2, senza Bertino e senza Miss Tyler ovviamente.

Se i personaggi di Strangers: Prey at night sono assolutamente insapori e basta a caratterizzare una ragazzina ribelle con una maglietta dei Ramones e la sigaretta, motherfucker yeah, in bocca, lo stesso non si può dire della trama che, a metà film, ha un ribaltone notevole trasformando i tre assassini immortali e micidiali del film precedente in tre deficienti con scritto “Uccidetemi”, al pari e più delle loro vittime.

Il lavoro di tensione che svolge Johannes Roberts, uno che nella sua carriera ha girato cose tra l’orribile e l’ancora più orribile, è notevole, non proprio roba che trovi in un prodotto da discount. Il regista non si limita a girare un facile remake del primo film, ma rielabora il plot ampliando, come ogni buon seguito vuole, gli esponenti, dal numero delle vittime, alla quantità di sangue fino alle scene di spavento. Siamo, a differenza dell’opera originale, in un film da spettacolo popolare, un horror slasher vecchio stampo dove il campeggio per ragazzini alla Venerdì 13 si trasforma in un campo caravan e il killer mascherato, come nel classico Soli nel buio di Jack Sholder, si moltiplica in più assassini mascherati.

A fare la parte del leone però è la travolgente colonna sonora del film che musica le scene più concitate con hits anni 80 come Total Eclipse of the Heart di Bonnie Tyler o I Think We’re Alone Now di Tiffany. Il bello dell’opera di Roberts è di non cadere nel facile giochino vintage alla Stranger Things del cinema horror, ma di essere un genuino horror anni 80 girato semplicemente nel nuovo millennio. Molte opere, impresentabili ora come 40 anni fa, si fanno forza di un passato solo ascoltato attraverso playlist di vecchi DJ rincoglioniti, assolutamente imbelli nella loro dimensione carta carbone e dimenticabili, come nel caso della serie Ash vs Evil dead, dopo le grandi risate da riunione di classe, che palle, guarda che botte la figa della classe.

Qui invece quando Tiffany canta a squarciagola in piscina e il sangue colora il cloro in una splendida sequenza di morte, potremmo essere nel Wes Craven più ispirato di Scream, quello a metà tra passato e presente, tra nostalgia e voglia di novità.

E’ vero che i tre villain fanno meno paura della pellicola precedente, ma questa è un’opera proprio in antitesi all’idea intimista di cinema che aveva Bryan Bertino. Il terreno dell’opera di Roberts è quello della multisala, dell’applauso a scena aperta, della ragazzina che abbraccia il compagno di classe tappandosi gli occhi, lo stesso terreno commerciale che baciava l’opera slasher di Sean S. Cunninghan, Venerdì 13. Se si capisce in quale campo di gioco si sta giocando stavolta, il divertimento è sicuramente assicurato.

Come d’altronde potere parlare male ci un horror che finisce citando a piene mani il Texas Chainsaw massacre di Tobe Hooper?

Noi che l’abbiamo visto siamo sazi come dopo una mangiata della pizza di Chicago che qualcuno, magari un campano verace, potrà obiettare che non è la vera pizza, che a Napoli la si mangia meglio, e al quale noi rispondiamo panciuti e soddisfatti, vai a Napoli e non romperci i coglioni.

D’altronde la madre dei criticoni è sempre incinta, no?

Andrea Lanza

The strangers 2

Titolo originale: The strangers: Prey at night

Regia: Johannes Roberts

Interpreti: Christina Hendricks, Martin Henderson, Bailee Madison, Lewis Pullman, Emma Bellomy

Durata 85 minuti.

 

 

 

Terrifier

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art il clown, art the clown, damien leone, halloween, mimo clown, morire male, morire malissimo, non aprite quella porta, pagliacci cattivi, ragazze segate in due, terrifier, texas chainsaw massacre

Terrifier è il filmaccio che spegni dopo cinque minuti scegliendo produzioni più importanti, gli squali in CGI brutti di Deep sea blue 2, lo spaventone bubusettete della Blumhouse, l’ennesima patacca uscita al cinema d’estate, e poi, grazie alle notti insonni, lo riprendi e capisci, come il principe di Bel Air, che tanto male non è.

Di Damien Leone, regista indie dall’infama celebrità, uscì un po’ di tempo fa un horror brutto come la morte impestata a Pisa, All Hallow’s Eve: tre episodi poveri, girati col culo, noiosi dove primeggiava soltanto lo spaventoso clown Art. Per noi, fan del cinema bello ma sgarruppato, la carriera del regista poteva soltanto concludersi con una prigionia in Siberia, sotto zero, a cercare per i nazisti la lancia di Longino, in eterno, sotto le frustate di Ilsa la belva umana.

Damien Leone e Art il Clown

E sbagliavamo perché Terrifier è sì un film con i limiti di una produzione girata con i soldi dati dalla mamma per il Buondimotta della ricreazione, ma anche uno dei parti più spaventosi e genuini degli ultimi anni.

Damien Leone capisce che il punto forza del suo precedente lavoro è solo lui, Art il clown, e gli dedica un intero, cattivissimo, sanguinoso film.

Art non è Pennywise, non ha battute, non è simpatico, non ha nessun background triste da empatizzare, è la morte pura e semplice che un giorno di Halloween, come Michael Myers, esce per le strade e richiede il suo pagano tributo di sangue.

Per certi versi Terrifier ricorda, con i dovuti limiti, Inferno di Dario Argento: la sua scatenata danza di morte su scenari che vengono bombardati da luci violente, gli omicidi fantasiosi e quel senso di favola per bambini ormai adulti che è perenne, dappertutto. Certo Inferno è quel capolavoro che Terrifier non sarà mai, ma questo non leva all’opera di Leone di essere altrettanto riuscito nelle atmosfere, una cosa, ricordiamolo, non da tutti con il budget ridotto che si è trovato tra le mani il regista.

Ovviamente Terrifier ha le sue lacune, grandissime, come il ritmo e soprattutto la sceneggiatura che, per forza di cosa, pena il finale dopo dieci minuti, fa fare cose cretine ai suoi personaggi che neppure in Scooby Doo. Vi faccio l’esempio più grande: se siete imprigionati in balia di serial killer che vi sta per uccidere e, per grazia di Dio, riuscite non solo a liberarvi, ma anche a dargli una mazzata bella forte, che fate? Scappate o infierite finché lo stronzo non è a terra in una poltiglia di cervello spappolato? La seconda ovviamente, beh non tanto ovvio perché le vittime di Terrifier scelgono sempre  la via più impervia, danno uno sbuffetto sul coppino del pagliaccio come monellacci e poi corrono verso la futura morte certa perché sai che Art il clown presto o tardi si rialzerà e farà loro molto male.

Gli omicidi nel film di Leone sono davvero tantissimi e tutti fantasiosi: pizzaioli bruciati come la zucca di Jack-o’-lantern, ragazze segate a metà dal pube alla testa con le viscere che cadono, teste riempite di piombo, visi mangiati, donne spellate e indossate come in un capitolo apocrifo di Non aprite quella porta; è una sagra dello splatter più ignorante e genuino. Il bello, quello che fa la differenza però, rispetto a produzioni altrettanto povere e gore come Hazard Jack, è la confezione perché Damien nostro crede al suo film e lo cura con effettacci vecchia scuola ben fatti, quelli che un tempo avresti visto in un film di Joseph Zito con la complicità di Tom Savini.

Non siamo fortunatamente però in un gioco vintage che piange sugli anni 80 come Hatchet, no qui si fa sul serio, si usano i cellulari per chiamare e fare selfie e non c’è spazio, tra una morte e l’altra, per una frase maschia perché quando si muore, qui, si muore malissimo.

Notevole il cast femminile soprattutto la splendida Jenna Kanell, alla quale spetta un ruolo da pseudo protagonista, omaggio questo sì alla struttura di Psycho.

Terrifier, come detto, riesce nel difficile compito di turbare, spaventare e disgustarti, una cosa che in un cinema così laccato e pulito come quello horror americano moderno sembra davvero una specie di miracolo. Per questo benediciamo Damien Leone e vi consigliamo il film, a patto, ovvio, che siate disposti a sporcarvi di sangue e budella calde perché Terrifier è imperfetto ma delizioso, povero ma ricco di idee, non un blockbuster ma forse l’esempio più genuino di bloodbuster nuovo millennio.

Andrea Lanza

Terrifier

Anno: 2017

Regia: Damien Leone

Interpreti: Jenna Kanell, Catherine Corcoran, David Howard Thornton, Margaret Reed, Katie Maguire, Samantha Scaffidi, Pooya Mohseni, Sylvia Ward, Gino Cafarelli, Kamal Ahmed, Michael Leavy, Julie Asriyan, Xiomi Frans-Cuber, Erick Zamora

Durata: 90 min.

 

 

Cold Prey 3 (Fritt vilt 3)

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Arthur Berning, cold prey, Endre Hellestveit, fritt vilt, Geir Olav Brat, Ida Marie Bakkerud, Ingrid Bolsø Berdal, Jannicke, jason vorhees, Julie Rusti, Kim S. Falck-Jørgensen, Michael Myer, Mikkel Brænne Sandemose, Pål Stokka, Sturla Rui

Siamo una nicchia di poche persone forse, ma sicuramente intenditrici, una piccola schiera che adora il cinema del terrore norvegese e gioisce ogni volta può godere di un altro frutto sanguinoso. Dire Fritt vilt significa parlare della saga horror più interessante uscita fuori da questo minuscolo Paese: nulla di così innovativo da far strappare i capelli, ma, come nel nostro bel cinema di genere ormai morto, c’è una tecnica, un senso del ritmo e della suspense da far dimenticare che in fondo in fondo si parla di un ennesimo slasher alla Venerdì 13.

Al terzo capitolo l’esordiente Mikkel Brænne Sandemose (ma ogni film di questa serie porta una firma diversa alla regia) e i due sceneggiatori Lars Gudmestad e Peder Fuglerud cercano una strada nuova per raccontare le gesta di questo misterioso killer, Geir Olav Brat, tornando indietro di quasi trent’anni rispetto ai fatti avvenuti nei primi due capitoli. Fritt vilt 3 è infatti un prequel, usa questo escamotage per districarsi dall’assoluto finale del film precedente così da potere rimettere in piazza il nostro serial killer preferito senza bisogno di resurrezioni occulte alla Michael Myer o Jason Vorhees.

Diciamo subito che questo è sicuramente il capitolo più debole, anche perché manca il personaggio cardine di tutta la serie, quello di Jannicke interpretato dalla straordinaria Ingrid Bolsø Berdal che sta a Fritt Vilt come Sigourney Weaver sta ad Alien. Qui purtroppo non abbiamo un personaggio altrettanto forte ed empatico né sul versante maschile né su quello femminile: alla fin fine i giovani protagonisti fungono da anonima carne da macello senza scossoni neppure nel twist finale.

Però non pensiate che Fritt Vilt 3 sia brutto, no è solo un onesto slasher che non raggiunge mai i livelli aurei dei capitoli precedenti, roba però che Marcus Nispel e compagnia brutta dovrebbero invidiare a vita. La nostalgia abbonda come ogni buon prequel richiede: i walkman che mangiano le cassette, i primi prototipi di telefoni senza filo grandi come cocomeri, poi la musica, norvegese o meno, dal taglio anni 80. Siamo in un viaggio nel tempo che riporta lo slasher alle sue radici quando Sean S. Cunnighan girò quel Venerdì 13 che fu da base (più del riuscito Halloween) per tutte le mattanze future cinematografiche: là come qui i boschi, il senso di pericolo imminente, gli omicidi coreografici e sanguinosi. Nulla di nuovo, ma riproposto con una certa freschezza della messa in scena che è difficile trovare in altri prodotti nostalgia, anche ora che il vintage con Netflix e il suo Stranger Things la fa da padrone.Quello però che rende diverso il film di Mikkel Brænne Sandemose è il suo essere retrò portando in scena un serial killer moderno ed è qui che Fritt Vilt 3 diventa potente: l’assassino non cammina con passo zombesco, ma corre, usa armi da fuoco come fucili, non ha bisogno di maschere, e alla fine non c’è neanche bisogno di un finale consolatorio perché, arrivati al terzo capitolo, sappiamo che la serie deve ancora iniziare e che presto nevicherà .

Avremmo certo sperato in un’umanizzazione maggiore dell’assassino protagonista che non fosse solo un pretesto per rimetterlo in pista, ma probabilmente un capitolo introspettivo sarebbe stato poco apprezzato dai fan. In Fritt vilt 3 ci sono cose notevolissime come gli omicidi dal sapore onirico sotto la luna e altre un po’ tirate via come i soliti echi a Non aprite quella porta con i cadaveri appesi come quarti di manzo, ma c’è soprattutto la voglia di raccontare una storia del terrore, convenzionale che sia, con uno stile, un vigore, un’onestà di essere un prodotto d’intrattenimento che non può non far ricordare i Fulci o i Bava dei tempi passati.

E questo a noi tanto basta per essere sazi e felici.

Andrea Lanza

Cold prey 3

Titolo originale: Fritt vilt III

Anno: 2010 – Norvegia

Regia: Mikkel Brænne Sandemose

Interpreti: Ida Marie Bakkerud, Kim S. Falck-Jørgensen, Pål Stokka, Julie Rusti, Arthur Berning, Sturla Rui, Endre Hellestveit, Terje Ranes

Durata: 90 min.

Jason va all’inferno

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adam marcus, cinema, horror, jason vorhees, sean s. cunningham, venerdì 13

“L’ultimo Venerdì” per modo di dire.

Nei primi anni novanta Sean S. Cunningham tentò di instillare nuova linfa in una serie che non se la passava bene dopo l’insuccesso dell’ottava capitolo di Rob Hedden.

Si può dire di tutto sul parto di Marcus, che sia brutto, inutile, cialtrone, assurdo, ma non si può negare che abbia tentato di percorrere strade alternative. Certo, non si tratta di una rivoluzione sistematica, tipo levare di mezzo Jason come si levò di mezzo Michael Myers in Halloween III-The Season of The Witch, tuttavia il buon Adam Marcus, qualche piccolo cambiamento l’ha pure accennato.

E’ un film molto, molto fumettistico Jason va all’inferno, non a caso conobbe una vita extra-cinematografica con le graphic novels Friday the 13th: Hate-Kill-Repeat e Friday The13: Church of The Divine Psychopath edite dalla Topps Comic e scritte da Andy Angels, che comincia in modo classico, propinandoci uno strip-tease da manuale, con fanciulla sola in quel di Crystal Lake (e dove sennò?) che improvvisamente ma non troppo viene insidiata da Mr. Voorhees con machete alla mano; già tutto visto e rivisto, si, se non per l’irruzione subitanea di una Task Force dell’FBI decisa a fare definitivamente il culo all’assassino mascherato. Un fuoco incrociato proveniente da millanta mitragliatori distrugge il serial killer/morto vivente, anzi, lo riduce quasi in poltiglia. Rimangono pochi pezzi di quella che fu una straordinaria macchina omicida. Ma, attenzione, il Male alberga nel cuore nero e pulsante di Jason. E il Male trova sempre un nuovo corpo/involucro con il quale seminare il Verbo.

Detto così, potrebbe non significare niente. Espedienti di questo tipo sono già stati usati in tempi non sospetti, per rimanere in ambito eighties, basti pensare a L’Alieno di Jack Sholder o a Sotto Shock di Wes Craven, tuttavia, in un franchise fortemente legato alla figura iconica di Jason, il tentativo di “mascherare” il personaggio principale, non di cancellarlo dallo schermo si badi bene, risulta se non altro un tentativo apprezzabile di reinventare una serie costruita su sceneggiature sempre uguali. Uguali perché il successo della serie si costruisce su uno schema collaudatissimo che prevede giovani in fregola uccisi senza pietà da un feroce “censore” di comportamenti osceni. I ragazzi da massacrare diventano, quindi, in Jason Goes To Hell-The Final Friday un contorno e non la prima portata del banchetto, visto che il plot è incentrato sulla ricerca di altri corpi da abitare e , in particolare, di un corpo, quello del legittimo nipote, in cui rinascere.

Un film ibrido, slegato, che frulla slasher e action e ritrova la suo dimensione prettamente horror nel finale, con Jason (il solito, grandissimo Kane Hodder) che rinasce dalla ceneri e si trasforma in personaggio/demonio da fumetto con fuoco infernale a fare da scenografia. La dimensione è quella fumettara, che spiana definitivamente la strada al cross-over con Freddy Krueger non disdegnando riferimenti diretti alla saga Evil Dead con il Necronomicon in bella vista. C’è chi lo odia, chi lo ignora, chi lo apprezza, questione di gusti, tuttavia Jason Va all’Inferno possiede il fascino di quelle produzioni scalcinate fuori tempo massimo che trasudano di passione per la saga. Non tutto funzione nella regia di Marcus, ma un giro su questo tunnel dell’orrore jasoniano è sempre consigliato. O no? E poi un film in cui Steven Williams fa il cacciatore di killer seriali come si fa a non amare. Recuperate la versione uncut, che dura tre minuti in più rispetto a quella uscita nelle sale.

Domenico Burzi

Jason va all’inferno

Titolo originale: Jason goes to hell – The final Friday Anno: 1993

Regia: Adam Marcus

Interpreti: John D. LeMay, Kari Keegan, Allison Smith, Steven Culp, Billy Green Bush, Kane Hodder, Steven Williams, Rusty Schwimmer, Richard Gant, Leslie Jordan, Kipp Marcus, Andrew Bloch, Adam Cranner, Julie Michaels

Durata: 87 min.

 

I Paraculissimi (Porki’s n.2)

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animal house, avo film, charles pitt, cicciobello, confraternite, dan chandler, film completi, i paraculissimi, incastro pene vagina, john di santi, john landis, ken wiederhorn, peti, porcelloni, porki's, porky's, pronto soccorso, scorregge, tette

Animal house di John Landis fu un successo grandioso, 141.600.000 dollari di incasso su 3 milioni di budget, generando un culto assoluto sia per il film, folle ma non stupido, sia per il suo attore protagonista, il geniale John Belushi nei panni di John “Bluto” Blutarsky. Anche il tema delle confraternite risuonò a livello mondiale e generò una serie di figli degeneri che del capolavoro comico di Landis presero solo la parte più superficiale, gli scherzi goliardici e le varie flatulenze.

Giuro che non mi ricordavo di avere fatto questo film

Il clone più smaccato però di Animal House arrivò dal Canada, un anno dopo il film originale con Belushi, e si chiamava King Frat, da noi I paraculissimi.

A girarlo un autore che, solo due anni prima, si era fatto conoscere per uno zombi movie con Peter Cushing abbastanza anomalo, L’occhio nel triangolo, ovvero morti viventi in versione nazista. Come riuscirono i produttori Jack McGowan e Reuben Trane ad imbarcare nell’operazione Ken Wiederhorn non è dato saperlo, ma il regista, nella sua breve carriera (l’ultimo film è del 1993), aveva una predilezione smaccata per la commedia un po’ demenziale: suoi infatti sia il discontinuo Il ritorno dei morti viventi 2 sia il demenziale Meatballs 2: porcelloni in vacanza.

A me piace l’horror ma anche le scorregge!

L’idea di fondo di questo I paraculissimi era tra le più sincere e semplici del cinema di bassa imitazione: clonare Animal house senza avere neanche una vera sceneggiatura, tanto che l’autore dello script, Ron Kurtz, mente creativa dietro i Venerdì 13 più riusciti, si firmerà con lo pseudonimo di Mark Jackson (così come nel successivo thriller di Wiedhorn, Gli occhi dello sconosciuto).

Stocazzo!

Non si può dire che King Frat sia un brutto film come non si può dire che sia bello: è oltre, una pellicola aliena ipnotica, qualcosa di indecifrabile che forse possiede, dietro l’ostentazione di tette e scorregge, la prova dell’esistenza di Dio.

In un’ora e venti scarsa la trama si dipana in altre cento sottotrame (un ragazzo che scopre che la sua pudica ragazza si prostituisce, il furto di una statuetta dal pene abnorme, l’introduzione di una fidanzata per il John Belushi di turno, la salma di un preside morto e così via) e nessuna di queste tracce viene portata avanti, le scene muoiono il tempo di una barzelletta tra spaghetti stracotti buttati contro i muri, vomito indotto per bere più birra e fischietti infilati nel culo.

Essere John Belushi

Eppure King Frat incarna quell’anima goliardica che il genere confraternite richiede: è il mal di testa post sbornia, è la paura di un domani che si esorcizza nell’ennesima scopata o nella risata post canna. Per questo il film di Wiedhorn va preso per quello che è: un hellzapopping non sense che si deve guardare non con gli occhi dell’adulto ma del ragazzo che si affaccia alla vita, un mondo ancora semplice e a suo modo pulito pur nella trivialità di un universo di dita tirate per scorrare e giù di ghignate.

Nel suo essere una copia carbone di John Landis, I paraculissimi propone il suo John “Bluto” Blutarsky ovvero J.J. ‘Gross-Out’ Gumbroski, in Italia “Cicciobello“, interpretato da un John DiSanti truccato, abbigliato e clonato per essere un John Belushi della serie B. Oltretutto l’attore, bravo nel ruolo, all’epoca delle riprese aveva ben 41 anni e doveva far finta di averne 18, un’impresa comunque riuscita perché non fai tanta attenzione al suo volto ma soprattutto alle sue natiche flaccide che emettono l’ennesimo peto. E’ la mossa Kansas city predicata da Bruce Willis all’inizio di Slevin – patto criminale: “E’ quando loro guardano a destra e tu vai a sinistra“, un trucco paraculissimo, come appunto il film.

Non so se sia mai stato stilato un guiness dei primati delle scorregge nel cinema, ma credo che questa pellicola possa vincere senza problemi: solo nel primo tempo ne ho contate 79.

Difficile dire chi sia il migliore del cast perché, a parte John Di Santi che è perennemente in scena, il resto degli attori ha ben poco spazio e molti appaiono e scompaiono senza molto senso narrativo. Forse il capo indiano interpretato da Dan Chadler ha più di un punto d’interesse e il personaggio, quando è in action, risulta molto divertente.

Lo spirito del film è ben rappresentato dai primi 5 minuti dove le nostre matricole dei Deltas percorrono il campus mostrando le natiche a qualunque essere umano incontrino, causando la morte per infarto del preside mentre fa jogging. Crudele? Si come tutte le barzellette e come tutte le barzellette non ha bisogno di avere una chiave di lettura diversa dal “Ah ah ah che coglione che sei!” detto all’amico burlone.

Sul piano delle tette si segnala soprattutto le due incredibili bocce dell’attrice Teri Kelso impegnata in una scena che non ci credi possa esistere: sesso con un uomo vestito da gorilla (momento che anticipa una sequenza di Una poltrona per due di Landis) su un’ambulanza con la conseguenza dolorosa di restare incastrata nell’amplesso. Si quelle cose che leggi in Cronaca vera e che speri di non accadano mai a te!

La stessa Teri Kelso poco prima, vestita da Wonder Woman, era apparsa con un pene finto in mano davanti ad un prestigiatore: “Cos’è che ha due palle?” “Stocazzo!“. A suo modo una martire del film scorreggione di cui King Frat ne è il massimo esponente.

C’è da dire che questo film, almeno in una sequenza, le fiamme create dalle flatulenze, anticipa l’altrettanto folle e scorretto Scemo & più scemo (Dumb and Dumber)di Peter Farrelly con Jim Carrey.

I paraculissimi arrivò in Italia nel 1982, fu spacciato per un seguito finto di Porky’s – Questi pazzi pazzi porcelloni con il titolo Porki’s numero 2 su distribuzione DRAI e uscì in videocassetta per la Avo film col divieto ai 14. Il doppiaggio lo denaturalizza un po’ inventando intere battute in derive regionali che non esistevano (il presentatore della gara delle scoregge. la scena clou del film, che parla con accento campano).

Su  imdb si racconta un aneddoto divertente: un utente aveva fatto un’apparizione nel film come membro della band che suonava alla festa della confraternita. Lui e i suoi compagni  andarono a vedere I paraculissimi quando uscì nella loro zona, e la reazione del pubblico fu incredibile: popcorn gettato, soda rovesciata, pomodori contro lo schermo. Un usciere  riconobbe i ragazzi e, temendo per la loro incolumità, li scortò fuori  dal cinema con delle borse in faccia per paura fossero aggrediti.

Difficile dare un giudizio a questo film, ma, come scritto prima, non saranno certo gli 80 minuti peggiori della vostra vita, forse i più incredibili come cinefili più di un Kubrick o un Tarkovskij scassa palle. Viva la figa e chi la ama tiri una riga!

Andrea Lanza

Qui, grazie al sempre benedetto sito di streeaming cinemazoo, il film completo:

http://www.cinemazoo.it/2018/04/05/i-paraculissimi/

I paraculissimi

Titolo originale: King Frat

Anno: 1979

Regia: Ken Wiederhorn (in alcuni Paesi come Reginal Rheigold)

Interpreti: John DiSanti, Charles Pitt, Roy Sekoff, Robert Small, Dan Chandler, Mike Grabow, Ray Mann, Suzina Volpina, Dan Fitzgerald, Tom Tully, Glenn Scherer, Lee Krug, Taryn Hagey, Teri Kelso, Karen Gold, Sally Ricca, Rahnee Reiland, Lee Sandman, Jean Jarvis, Bette Shoor, Bruce McLaughlin, Wolfie Udikoff, Ted Richert, Michael Sandler, Joel Kolker, Joanne Marsic, Bobby Gale, Herb Goldstein, Sonia Zomina, Lee Willis, Tommie Grimstad, Reuben Trane, Ken Wiederhorn, Starr Dey, Tom Chatlos, Joseph Reed, Vincent Agostino, Pat Fendley, Bill Hendrickson, Neil Fleischer, Floyd Schneider, Kent Levack, Vinny Quaranta, Bob Norris

Durata: 80 min.

VHS: AVO FILM

 

 

 

The Zero boys

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action, film di culto, nico mastorakis, slasher, the zero boys

Gli zero boys sono tre amici appassionati di guerra simulata. Insieme a due amiche più una ragazza “vinta” per scommessa, decideranno di festeggiare la vittoria di una partita in un cottage sperduto nel bosco. Scelta sbagliata perché quello è il rifugio di alcuni maniaci assassini.

Esistono film di pancia che arrivano a colpirti ed appassionarti senza una ragione davvero logica, senza che la trama sia scritta da uno sceneggiatore abile, eppure, sarà per la regia gagliarda o l’atmosfera, ma i difetti si annullano davanti alla potenza delle immagini.

The Zero boys ne è l’esempio più eclatante: battute che sembrano gridare pietà al Dio dei dialoghisti, una storia che prende almeno due strade senza svilupparne davvero nessuna, ma, in compenso, anche un’opera che possiede una tale freschezza nel mettere in scena gli eventi, un uso virtuosistico della telecamera e suspense, tanta e buonissima, non male per un B movie dal titolo (e le premesse) di un film di guerra alla Bruno Mattei o Ciro H. Santiago.

Strano come The Zero boys non abbia avuto davvero la sua meritata fama di cult: in Italia per esempio è uscito prima in una vhs Domovideo poi in un dvd a bassa definizione, meglio all’estero dove brilla l’edizione Arrow che riporta in vita gli splendidi colori della fotografia di Steven Shaw.

Il sito americano Wicked horror intitola così un suo articolo “Perché The Zero Boys è quasi perfetto” e la giornalista, Michele Eggen, spiega “Sono sinceramente scioccata che non avessi mai sentito parlare di questo film. Non ne ho mai visto nemmeno una casuale menzione in nessuna di quelle top ten di film horror o film slasher meno noti, anche se dietro c’è un culto. Ci sono molti film sconosciuti, soprattutto anni 80, ma questo dovrebbe davvero essere portato all’attenzione di tutti. The Zero Boys vanta alcune grandi interpretazioni da parte dell’intero cast, rielabora con invenzione il sottogenere slasher, ed  è un precursore di molti altri film che verranno dopo“.

Zero boys è un film slasher più bizzarro di altri, più noti e anche meno validi, come il terribile Terror train di Roger Spottiswoode. Forse per la sua natura camaleontica e pulp, capace di passare ad un genere ad un altro con grande scioltezza, è un oggetto non proprio etichettabile in un filone, non troppo d’azione, non troppo di guerra, non troppo sanguinoso per un horror alla Venerdì 13. Eppure la bravura di Nico Mastorakis, che diamolo pure è un ottimo regista ma dalle scelte artistiche dubbie, è di riuscire ad essere superiore in ogni sua azzardata sterzata a qualsiasi altro concorrente del genere, forse non il migliore ma uno dei migliori e più esaltanti B movie del terrore degli anni 80.

Quello che alla fine non convince è la sceneggiatura, firmata a tre mani dal regista, dal suo collaboratore di fiducia Fred Perry e da Robert Gilliam: troppo col fiato corto per  un film che sarebbe dovuto durare tre ore per le tante idee presenti. Così Zero boys è un action horror dalla trama superficiale che si scontra contro la regia ottima, male ma non malissimo, per fortuna.

Le intuizioni presenti anticipano un certo torture porn a base di snuff che furoreggerà ad inizio nuovo millennio con gli Hostel ma soprattutto il Vacancy di Nimrod Antal. Se si esclude l’ottimo e misconosciuto Special Effects di Larry Cohen del 1984, il tema dei filmati di morte e sadismo non era proprio notissimo al pubblico, e The Zero boys lo mette in scena con una certa efficacia.

In generale questo è un film studiato meglio di tanti teen movie del terrore, dalle interpretazioni del convincente cast alle reazioni dei personaggi davanti ad eventi orribili e spaventosi. Per fare un esempio ad un certo punto Kelli Moroney, interprete tra l’altro degli ottimi La notte della cometa e Supermaket horror, apre un baule e dentro ci trova un cadavere. Non la vediamo liquidare la cosa bruscamente ma i suoi occhi e la sua espressione sono di credibile terrore così come la risposta della sua amica che corre a vomitare nel lavabo. Magari sono piccolezze, ma sono i dettagli a rendere grande l’opera del diavolo.

In più Mastorakis riesce a rendere adrenalinico un film che ha come body count una sola persona, cosa non da poco di sicuro. La parte slasher, quella più convincente, finisce a neanche mezz’ora dalla fine per lasciare spazio ad un survival di guerra sulla falsariga di Un tranquillo weekend di paura dove stavolta però lo scontro è tra soldati di guerra simulata con assassini veri.

The Zero boys è un film stilosissimo, dalla fotografia elegante, dalle invenzioni potenti, emozionante e veloce come solo uno spettacolo popolare da vhs potrebbe essere.

Tra gli attori salta all’occhio la presenza di Joe Estevez, soprattutto perché, appena arriva, balzi dalla poltrona esclamando “WTF, com’è possibile che sia come cattivo ci sia Martin Sheen?”. No, bro, non è lui ma il somigliantissimo fratello.

In Svezia il film ebbe problemi con la censura che tagliò l’intero finale rendendo incomprensibile la vicenda.

Nico Mastorakis con The Zero boys firma una delle sue regie più riuscite, un autore da riscoprire sia nei suoi alti come Destination – Il leggero fruscio della follia che nei suoi bassi di fine carriera tipo l’incredibile Top model per uccidere. Non gira più dal 2002, anno del pregevolissimo serialkiller.com con una sciupata ma bellissima Nastassja Kinski, peccato perché questo regista greco col pallino per i film d’azione e del terrore era uno degli autori più sottostimati ma validi della storia dei B movie, quelli che non sono serie A solo per il budget, ma che urlano “Fantasia al potere!”.

Immaginate che, in Zero Boys, Mastorakis crea, durante i primi minuti, un inaspettato e lungo piano sequenza, una roba che ti aspetti, che so da Brian De Palma, non da un autore di un teen horror!

Voi, se avete voglia recuperatelo questo film, e, mi raccomando, fateci sapere se vi è piaciuto.

Oltretutto ci dispiace che non sia mai stato fatto un capitolo 2 alla luce di un finale aperto, ma forse meglio così: la cosa accresce di più l’unicità del prodotto.

Andrea Lanza

 The zero boys

Anno: 1986

Regia: Nico Mastorakis Interpreti: Daniel Hirsch, Kelli Maroney, Nicole Rio, Tom Shell, Jared Moses, Crystal Carson, Joe Estevez

Durata: 90 min.

 

Bad blood

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bad blood, chuck vincent, georgina spelvin, linda blair

Il giovane Ted Barnes si accorge della sua straordinaria somiglianza con un quadro dell’artista Arlene Bellings ritraente un uomo. A poco a poco scoprirà che la pittrice è la madre mai conosciuta e desiderosa di riallacciare i rapporti con lui. Perfetto? Quasi perché la donna non lo vede come il figlio ma come la reincarnazione del marito e ha il pessimo vizio di uccidere ogni ostacolo alla sua felicità, a cominciare dalla moglie di Ted.

Chuck Vincent è stato uno dei pochi registi hardcore che ha saputo farsi notare anche per prodotti non pornografici.

Autore di più di 50 film, a fine anni 70, Vincent gira una serie di commedie scollacciate per poi buttarsi su un pugnetto di thriller horror, poverissimi ma baciati da una regia inventiva.

Bad blood è uno di questi,  il suo miglior lavoro fuori dall’hardcore con  Follia! del 1987.

Diciamo subito che la recitazione del cast non è il punto forte di quest’opera: se si esclude una gigantesca Georgina Spelvin, il resto degli interpreti è da manette ai polsi, Linda Blair compresa. Bad blood è un film costruito proprio per lei, la Spelvin, l’ex Miss Jones con il diavolo tra le cosce di Gerard Damiano, 53 anni, è la Gloria Swanson di Viale del tramonto, la diva pazza di un tempo (e di un cinema) lontano.

Pessimi attori

La sceneggiatura di Craig Horrall, scrittore di fiducia e compagno del regista, spinge il pedale dell’estremo con violenze insostenibili (le dita dei piedi del protagonista spezzate lentamente dalla Spelvin mentre canticchia la filastrocca “I cinque porcellini“) e soprattutto scene di sesso morbose (l’incesto madre e figlio). Si può dire che il plot mischi, non senza abilità,  il Billy Wilder di Sunset Boulevard con il cinema di Alfred Hitchcock, ma non solo perché, ad un certo punto, fa capolino pure Stephen King e il suo Misery non ancora trasposto su grande schermo.

Cinque porcellini andavano al mercato….

Bad blood è un film pazzo, sicuramente miserabile per location spoglie e decadenti, ma anche un thriller mirabilmente girato, inventivo nelle scelte stilistiche e dal grandissimo ritmo. Chuck Vincent gira un omicidio al rallenti di quasi 3 minuti dove il mondo sembra impazzito all’interno di un acquario, dove le coltellate vengono sferzate con una lentezza insostenibile mentre il coltello si colora di rosso sangue. Sembra quasi di essere davanti ad un proto Zack Snyder uscito pazzo per i thriller! Il regista poi ci regala anche un’altra perla: come un Brian De Palma sotto acido, gira un’incredibile sequenza in split screen dove esterno e interno coincidono, dove gli ambienti vengono azzerati in uno solo, e l’occhio dello spettatore diventa, mirabile dictu, l’occhio onnisciente di Dio.

Split screen

Georgina Spelvin è perfetta anche quando eccede, si muove come un dinosauro di una vecchia era tra attori decaduti e decadenti del cinema, da una Linda Blair in stato comatoso ad un inebetito Randy Spears, fuori luogo senza le sue penetrazioni da film hardcore. Ci sono poi le apparizioni necrofile di Veronica Hart, ex star del porno, dell’agghiacciante prezzemolina Christina Veronica, dritta dritta da Il duro del Road house, e di comprimari mai divi come il Troy Donahue di Scandalo al sole che lo stesso anno interpreterà l’orripilante The chiller, sempre con la nostra figlia di Pazuzu preferita.

Linda “nonhovogliadirecitarebene” Blair

Tra l’altro Linda, da vera stakanovista, nel 1989 è interprete di ben 6 film e un episodio di una serie tv, Monsters. Inutile dire che, pur strillata nei cartelloni come protagonista, è presente solo nella prima parte dell’opera. Meglio comunque di altre sue pellicole dello stesso periodo, tipo Bersaglio in autostrada, dove sparisce senza motivo per tre quarti della vicenda. Le bollette, si sa, non sono a buon mercato e anche lei deve pagarle!

Bad blood è un film che fa respirare allo spettatore un’aria incredibilmente malsana, dalle grandissime partiture musicali, cattivo come solo un B movie con idee e zero soldi può essere, una perla sicuramente da recuperare.

In Italia, a differenza di altri film del regista come Follia! o Puzzle insanguinato, non si è mai visto, anche se nessun’opera di Chuck Vincent, nel nostro Paese, è uscita mai in dvd.

Mamma dalle belle bocce

Il regista continuerà a fare film, commedie per di più sciocche e scollacciate, fino al 1990: l’anno dopo l’Aids lo stroncherà a soli 51 anni. E’ il 23 Settembre 1991, pochi mesi prima Craig Horrall, l’amore di una vita, se n’era andato, a 36 anni, per la stessa stronza malattia.

Andrea Lanza

Bad Blood

Anno: 1989

Regia: Chuck Vincent

Interpreti: Ruth Raymond (Georgina Spelvin), Gregory Patrick (Randy Spears), Linda Blair, Troy Donahue, Carolyn Van Bellinghen, Wanda-Gayle Logan, Marion Backman, Haskell Phillips, Frank Stewart, Miriam Zucker, Christina Veronica, Harvey Siegel, Scott Baker, Veronica Hart, Tony Gigante

Note: conosciuto anche come “A Woman Obsessed” e “A Woman’s Obsession”.

Durata: 90 min.

Chained Heat

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chained heat, Dee Biederbeck, femmine calde, Greta Blackburn, henry silva, Jennifer Ashley, Jody Medford, John Vernon, Kendal Kaldwell, lesbo, linda blair, Louisa Moritz, Nita Talbot, prigioniere, Robert Miano, Sharon Hughes, Stella Stevens, Sybil Danning, Tamara Dobson

Linda Blair nel 1983 aveva 24 anni e la sua carriera sembrava bloccata per una serie falsi passi. D’altronde essere stata l’interprete di una pellicola epocale come L’esorcista e non trovare più un copione di così grande successo doveva essere un problema non da poco. Così come il non essere più bambina ma una ragazza che sbocciava in donna, una magnifica donna, ed essere troppo in là per i ruoli da adolescente problematica, Pazuzu o meno.

Ad aggravare questo poi nel 1977 viene arrestata dalla polizia per possesso di cocaina. Si sa com’è l’America puritana e questo segna un punto importante della sua prematura discesa dall’Olimpo delle giovani star.

Non l’aveva poi aiutata lo scandalo suscitato dalla sua relazione, a quindici anni, con Rick Springfield, autore di successi pop come Jersey Girl e attore noto al pubblico per la soap General hospital, all’epoca invece venticinquenne.

“Sono stato il suo primo amante e lei era una ragazza così passionale – raccontava il cantante nella sua biografia – Condividiamo l’amore per i cani e il sesso. La maggior parte delle volte non lasciavamo l’appartamento. Eravamo spesso invitati alle anteprime e alle feste di Hollywood e andavamo in coppia, ciecamente e innocentemente, a farci massacrare dai media. Non capivamo cosa ci fosse da scrivere su di noi, forse erano mesi davvero fiacchi per le notizie. “

Rick e Linda

Sull’arresto dell’attrice invece si leggeva sul New York Times:

“20 dicembre 1977

La giovane Linda Blair, che ha recitato nel film “L’esorcista”, è stata una delle 32 persone arrestate oggi in un’indagine della polizia per droga.

Circa 3 milioni di dollari di cocaina sono stati sequestrati in Florida e in Texas, hanno dichiarato gli investigatori. Miss Blair è stata accusata di spaccio di stupefacenti.

La diciottenne è stata fermata mentre lasciava la sua casa di Ridgefield Road a Wilton a bordo della sua auto.

Miss Blair è stata rilasciata su cauzione 2500 dollari dopo essersi dichiarata non colpevole”.

Alla fine la nostra Linda scontò tre anni di libertà vigilata, dopo aver ritrattato la sua innocenza, ed è proprio in questo periodo che la sua carriera ha una brusca frenata.

L’inizio della fine

Sono gli anni del musicarello sentimentale Roller Boogie, dello stucchevole Wildhorse Hank, del passo falso craveniano di Summer of fear e dell’action country Rockul, tutte pellicole ben lontane come spessore delle precedenti. Non dimentichiamo poi che la Blair fu l’interprete, subito dopo L’Esorcista, di un trio di tv movie notevoli come il dramma carcerario La ragazza del riformatorio, Sarah T. – Portrait of a Teenage Alcoholic, spaccato di un’adolescente difficile, e Xanadu – Chiudi gli occhi e guarda le stelle al fianco di uno stralunato ed efficace Martin Sheen.

In piena frenesia di rifarsi un’immagine, l’attrice accetta cammei poco significativi in show televisivi di successo come Fantasilandia e Love Boat, nel 1982, ma, alla fine, è proprio l’anno dopo che entra nella leggenda del film exploitation con Chained boat di Paul Nicholas, una delle pellicole simbolo del genere WIP ottantino.

Diciamo che per un’attrice di successo fare un film a base di sesso e violenza non era la scelta più saggia, ma la nostra Linda, con la sicurezza di chi non ha più nulla da perdere e con la voglia di continuare comunque a recitare, diventa una tra le più importanti reginette del B movie di sempre.

La recitazione della Blair cammina a pari passo con lo spessore delle pellicole che interpreterà: sopra le righe, a volte esagitata, lontana dalle finezze interpretative dell’adolescenza, ma perfetta in ruoli che le vengono cuciti addosso, quelli della bad girl innocente.

Chained Heat è un film esemplare del genere carcerio femminile, uno dei migliori che si ricordi con il classico Sesso in gabbia (The Big Doll House) di Jonathan Demme e il dittico Femmine in gabbia (Caged Heat)/The big bird cage di Jack Hill.

Il genere, negli anni 80, sembrava non avere più nulla da dire e neppure gli epigoni più selvaggi, come il Blade violent del duo Fragasso/Mattei, sarebbero riusciti a fare breccia nel cuore degli spettatori.

A fare la differenza in questo caso però è soprattutto la regia di Paul Nicholas, frizzante e piena di invenzioni, capace di dare un ritmo indiavolato anche ai clichè più abusati del WIP.

Ci sono secondine sadiche, accenni di lesbismo, diversi stupri, omicidi selvaggi e femmine nude che combattono, un luna park di scorrettezze con l’acceleratore automatico e un certo stile di pura matrice cormaniana. Per gli spettatori da grindhouse, Chained heat diventa la trattoria popolare che sazia e ubriaca, lo spettacolo grossolano che non fa male e nasconde alcune finezze culinarie da grande chef, tutta roba che i cinefili snob capiranno a distanza di anni.

Paul Nicholas filma le esecuzioni al ralenti, gira, telecamera a spalla, una scena incredibile di morte con del fil di ferro teso in un lungo corridoio, crea una palpabile tensione da horror e ci regala uno dei nudi più leggendari della Blair sotto la doccia. Roba da scorticarsi le mani per gli applausi. Il resto poi lo fa lo straordinario cast, dalle carcerate Sybil Danning e Tamara Dobson, capobranchi di due fazioni carcerarie, alle altrettanto feroci Stella Stevens e Nita Talbot come sadiche aguzzine.

Certo è che la prigione femminile di Chained heat è un posto terribile per scontare una pena: se non vieni stuprata brutalmente dal viscido carceriere Robert Miano, che sceglie le sue vittime dietro un vetro riflettente, o dal “gentile” direttore John Vernon, uno con il vizietto della pornografia e dei bagni rilassanti (ha un’incredibile vasca nel suo ufficio), puoi morire male solo perché hai la pelle diversa da una tua compagna o giustiziata quando contraddici lo spacciatore del carcere, un Henry Silva che la notte fa uscire le prigioniere più carine per festini a base di cocaina, revolver e sesso.

Contiamo pure che la nostra Linda deve scontare solo diciotto mesi per omicidio involontario, neanche in una prigione di massima sicurezza, figuriamoci come doveva essere il carcere duro, roba da categoria 3 cinese con budella e massacri splatter!

La Blair è sicuramente la migliore di un cast se non ottimo comunque efficace, capace di rendere convincenti personaggi tagliati con l’accetta, un miracolo se conti che di solito Sybil Danning è oltre l’umana decenza. Una menzione particolare poi per Sharon Hughes, l’amica della nostra Linda che, prima di essere ammazzata a manganellate dalla cattiva Nina Talbot (“Fidati di me“), si lancia in una caldissima scena tarantolesca di sesso acquatico col direttore del carcere. Il suo corpo è uno di quegli spettacoli che solo il cinema exploitation poteva regalarci con generosità.

Chained Heat fu vittima di un’ottusa censura e l’unica versione che ci risulta essere integrale è quella uscita in America in vhs, il dvd presenta l’immagine deformata per nascondere i seni delle attrici. In  Australia si pensò persino di aggiungere un cartello nel finale così da spiegare agli spettatori il destino della protagonista dopo le vicende del film. Il senso di questa mossa ci è oscuro.

Paul Nicholas girerà un altro women in prison nel 1986, A gabbia nuda, purtroppo mediocre, un action movie nel 1993 con Barbara Carrera di poco conto, uscito da noi in vhs per la Avo Film, La notte dell’arciere, e, nel 2000, l’ultimo film di una carriera non all’altezza delle premesse, Luckytown con James Caan, Vincent Kartheiser e Kristen Durst.

La Blair invece bazzicherà ancora il genere carcerario nel 1988 con Red Heat al fianco dell’ex Emmanuelle, Sylvia Kristel, operazione non memorabile per colpa soprattutto di una regia mediocre e televisiva.

Chained heat, da noi inedito in qualsiasi formato, invece generò sia due seguiti ufficiali che una serie di imitazioni (Caged fear del 1992 e Rage of Innocents del 2001 tra tutte). Se il terzo capitolo, Dark Confessions, da noi non si è mai visto, il secondo invece uscì persino in vhs come Sorvegliata speciale con la terribile Brigitte Nielsen. Probabilmente i distributori puntavano sull’ex relazione dell’attrice con Sylvester Stallone in modo da giustificare un titolo che solo i più gonzi avrebbero scambiato per un sequel al femminile di Sorvegliato Speciale.

D’altronde le vie dell’exploitation sono infinite…

Andrea Lanza

Chained Heat

Anno: 1983

Regia: Paul Nicolas (Paul Nicholas)

Interpret: Linda Blair, John Vernon, Sybil Danning, Tamara Dobson, Stella Stevens, Henry Silva, Sharon Hughes, Kendal Kaldwell, Robert Miano, Dee Biederbeck, Greta Blackburn, Nita Talbot, Louisa Moritz, Jennifer Ashley, Jody Medford

Durata: 105 min.

Savage Streets

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Un blog americano, nel parlare di Savage streets, fa presente che è un film che vive di tre B, almeno se si parla inglese perché in italiano la cosa ha meno senso: BEAR (orsi, anzi trappole per orsi, e capirete presto perché), BOOBS (tette) e BLOOD (sangue).

Niente di più vero ed è ironico che il critico parli costantemente, in maniera ossessiva, delle (incredibili) bocce di Linda Blair, aggiungendo alla fine: “And yes, I am gay. Very gay. But Linda Blair and her boobies make me VERY happy, as they should the whole world“. Cioè questo fa capire che Linda Blair e le sue tette sono strepitose, o almeno lo sono state negli anni 80, e solo a guardarle possono metterti di buonumore, l’Ovomaltina sparata in vena col latte, l’Orzobimbo o il Nesquik che da ragazzino fungeva da caffè, e sono universali che tu sia gay, etero o Korang, la terrificante bestia umana!

Savage Streets è un film che, spero qualcuno mi smentisca, non è mai uscito in Italia, come l’altro Linda Blair movie che abbiamo affrontato in questi giorni, Hell night, e come Hell night doveva essere un thriller violento diretto da Tom DeSimone.

Così non è stato e presto la produzione licenziò il primo regista assumendo Danny Steinmann che aveva nel curriculum un divertente porno, High Rise, girato sotto lo pseudonimo di Danny Stone, e un horror di buona fattura, Unseen con Barbara Bach, firmato anche questo con un nom de plume, Peter Foleg.

Strano il destino di Steinmann: discreto regista, ha firmato un ottimo Venerdì 13, uno dei meno amati dai fan, il 5, narrativamente sorprendente per come ribalta le premesse di una serie tutto sommato godibile ma prevedibile. La sua carriera sembrava essere pronta per decollare quando un terribile incidente in bicicletta l’ha costretto a ritirarsi dalle scene per dedicarsi alle cure, molte e dolorose, senza più poter tornare a girare un altro film.

Uno dei pochi ritratti, commoventi e sinceri del regista, lo potete trovare su dreadcentral, quello di un artista sfortunato ma talentuoso, sconosciuto ai più, ma che sembrava dovesse girare grandi cose come il mai concretizzato L’ultima casa a sinistra 2.

Su Savage Streets il defenestrato Tom DeSimone dichiarò:

“Sono stato effettivamente assunto per dirigere Savage Streets e mi sono portato dietro Linda Blair che era una mia amica dopo Hell night. Tuttavia, anche in produzione, la sceneggiatura continuava a essere rielaborata da uno degli investitori che si immaginava uno scrittore. Ben presto mi è stato chiaro che il progetto si stava muovendo in una direzione diversa da quella in cui avevamo iniziato e non ero contento di questo. Frustrato da tutti i cambiamenti che giudicavo orribili, sono uscito dal progetto ed è qui che entra in gioco Danny“.

Dal canto suo Steinmann invece racconta:

” Stavo lavorando ad una miniserie per Playboy Television con Britt Ekland, quando ho ricevuto una chiamata da un mio buon amico, Billy Fine. Era nei guai perché stava producendo un thriller con Linda Blair, le riprese dovevano iniziare letteralmente l’indomani, il problema era che aveva appena licenziato il regista. Verso mezzogiorno, sono andato nell’ufficio di Billy e mi è stata data la sceneggiatura di Savage Streets e, dopo averla letta, ho accettato. Playboy mi diede il permesso di occuparmi di questo lavoro. La notte prima di girare feci tagli seri alla storia e alcune aggiunte, ma non sapevo che lo script sarebbe cambiato più volte nel tempo. Mi sono sbarazzato di intere scene, dialoghi e personaggi. C’era una storia d’amore che coinvolgeva Linda, una sotto trama riguardante la polizia, un sacco di gag che pensavo non avrebbero funzionato, scene che avrebbero rallentato il film. Il mio obiettivo principale era quello di mantenere il pubblico coinvolto e interessato davanti ad un film tutto sommato sciocco e lo feci eliminando dialoghi cretini e molti cliché. A difesa del primo script, bisogna dire che Savage Streets è stato uno dei primi film con protagonista una giovane donna sulla falsariga di Charles Bronson. Il problema era che, se da una parte avevi una banda che violentava brutalmente un’innocente ragazza sordomuta e gettava un’altra ragazza da un ponte, non potevi mantenere un’approccio troppo superficiale e allegro“.

La produzione di Savage Streets, a sentire le persone coinvolte, doveva essere un film nel film: attori che se ne sono andati, registi licenziati e ad un certo punto i soldi finiti.

“Non appena ho iniziato le riprese, le cose stavano, sorprendentemente, andando molto bene. – racconta ancora Steinmann – Linda Blair stava dando una buona prestazione e le cose sembravano buone. Mi stavo divertendo! Poi, dopo due settimane e mezzo di riprese, nessuno pagava nessuno. Le riprese si sono interrotte. Non c’erano più soldi”.

Fatto sta che uno dei produttori, il già citato Billy Fine, entra in conflitto con gli altri soci, esce dal progetto non in maniera felice (qualcuno gli mette una testa di pesce davanti al suo appartamento) ed entra John Strong, un investitore con probabile affiliazione mafiosa. Tant’è però che il film viene terminato anche se il nuovo arrivato aveva non poche velleità artistiche.

“John Strong ha scritto due scene e le ha girate. – precisa Steinmann–  La prima è quando i membri della gang vanno a casa di Johnny Venocur per prenderlo. Esce, cambia i vestiti e sale in macchina. La seconda scena è quando Linda va da Johnny Venocur e parla con il padre. Erano comunque entrambe scene fantastiche e sono uscite bene. Il problema è che, poco dopo l’inizio delle riprese, John ha iniziato a far sentire la sua presenza. Il suo ego è stato monumentale e ho faticato a finire il film. Voleva modificare il film con me al suo fianco. Penso che se John fosse stato in grado di scrivere, dirigere, produrre e recitare in un film tutto suo, tutti i suoi sogni si sarebbero avverati“.

Tom DeSimone comunque sembra abbia diretto qualcosa, anche se è difficile capire cosa, ma la sua dipartita dal progetto causa l’uscita dalle scene di almeno un’attrice che lo seguirà, la graziosa Debra Blee, qui una delle amiche della protagonista, Rachel, che da metà film scompare letteralmente.

C’è da dire che Savage Streets è un film costruito per Linda Blair e nessun altro personaggio femminile ha il suo carisma, la sua forza o la stessa importanza. Se i ragazzi, i pervertiti stupratori, gli Scars, sono delineati tutti con una certa importanza e un ruolo ben preponderante all’interno della loro gang, lo stesso non si può dire della banda delle teppiste, le Satans. Se provate ad isolare Linda Blair dal gruppo il film funziona comunque perché è Linda a fare le cose migliori, a pronunciare le battute più epiche, il resto, come in un horror, è carne da macello o comunque corollario.

Savage streets andò incontro a censure soprattutto per il brutale stupro ai danni di Linnea Quigley, futura scream queen di tanti horror a partire dal Ritorno dei morti viventi, l’idolo di tanti adolescenti in preda al testosterone più selvaggio.

Il momento dove gli Scars violentano l’attrice è uno dei più duri della pellicola perché si tratta di una minorenne muta, quindi la scena appare più insostenibile in quanto la poverina cerca di urlare ma le escono soltanto dei gridi strozzati. Certo la censura ammorbidisce la scena soprattutto quando il capo della gang, Robert Dryer, la finisce con un solo calcio sulla testa e non con tre, come nel girato non vulgato.

Linnea Quigley è molto brava nella parte della fragile vittima, un personaggio distante anni luce dalle donne forti e un po’ bitchies che sarà solito interpretare. La Blair, in un’intervista sul film, dichiarerà che sono stati tagliati in fase di montaggio tantissimi momenti che vedono le due sorelle condividere momenti banali di vita quotidiana come ridere appena sveglie o prepararsi per andare a scuola, situazioni che avrebbero ampliato, se è possibile, ancora di più la brutalità dello stupro.

Bisogna dire che Savage streets è un film exploitation nel senso più buono esistente: è intrattenimento popolare a base di sesso e violenza come ogni buon B movie richiede. Ci sono un sacco di momenti frivoli e gratuiti nella pellicola a cominciare da un’incredibile lotta tra ragazze in una doccia fino ad un momento alla Porky’s dove la Blair strappa la maglietta all’antipatica Rebecca Perle. Capisci oltretutto che stai guardando un ottimo film di basso profilo quando nel bagno non si picchiano solo le contendenti, ma pure le nudissime comparse, senza ragione, neanche fossimo in un WIP di Jesus Franco.

In più si cerca di sporcare il personaggio della Blair e portare sullo schermo un personaggio forte come andava di moda al cinema di quell’epoca, sulla falsariga dei vari Stallone o Charles Bronson, declinando lo stereotipo macho in una donna dalla parlata non proprio da cherubino. Sue frasi come “Non lo scoperei neanche se fosse l’ultimo cazzo sulla terra!” o “Fottiti cagna” o ancora il meraviglioso monologo con Robert Dryer “Ti chiedi mai come deve essere un maiale, prima che gli taglino la gola? O quando gli hanno tagliato le palle? Non potrebbe essere peggio di come mia sorella si sia sentita. O Francine. L’avete ammazzata che era incinta. Se pensi che sarà veloce, sappilo, non sarà veloce, Jake“.

Anche se la battuta più becera ed epica spetta al preside Underwood, John Vernon, altro personaggio ridotto dopo l’arrivo di Danny Steinmann, che, rivolto agli Scars, li invita a “scoparsi un iceberg“. Questa battuta fu improvvisata dallo stesso attore e non faceva parte del copione.

In anticipo di un anno su Rambo 2 la vendetta, Linda Blair si prepara alla guerra vestendosi di latex scuro con una cura dei dettagli che riporta allo Stallone che indossa la famosa benda rossa e infila il coltello nella cintura. Entrambi d’altronde stanno partendo per il proprio inferno, un Vietnam violento nel quale si muovono come fosse la propria casa.

La scena più bella, quella più voyeuristica, precede questa sequenza, dove vediamo l’attrice, mentre la musica rock incalza, farsi un bagno palesando il magnifico corpo, un momento forse gratuito, ma che, grazie al ritmo sempre incalzante della pellicola, acquisisce un tono quasi epico.

La band di stupratori, come detto, è ben bilanciata in caratteri diversi e in ottime interpretazioni, ma vengono tutte offuscate dalla prova di Robert Dryer, un cattivo a tutto tondo, una sorta di trasfigurazione attoriale tra reale e finzione al pari dell’altrettanto grande prova di David Hess in L’ultima casa a sinistra.

Oltretutto, durante lo stupro di Linnea Quigley, un sottotesto omoerotico fa capolino quando, esaltati dai baccanali di sesso, due membri della gang (Dryer e Sal Landi) si baciano appassionatamente neanche fossimo in una scena di Cruising di William Friedkin.

A proposito di questa sequenza Danny Steinmann ha dichiarato: “La scena non era nella sceneggiatura o durante le prove. Era un momento totalmente inaspettato ed ero elettrizzato. Dava un certo qualcosa in più alla sequenza e ha funzionato perfettamente. Sono rimasto molto colpito“.

Linda Blair, novella Giustiziere della notte, non usa pistole, ma balestre, vernice infiammabile e… trappole per orsi. Bisogna dire che la violenza non ha mai quell’impennata che ci sia aspetta, stupro a parte, ma sia la performance dell’attrice nel finale, occhi spiritati e dialoghi deliranti, sia l’inventiva delle macchine di morte, da al film quella dimensione di assoluto cult ignorante che diventa nei ricordi un cult in senso lato.

In più Savage streeets è anche una versione alternativa e deviata di Grease dove i momenti musicali lasciano il passo alla grandissima colonna sonora, le coreografie alle lotte di femmine nude e incazzate, e la liaison amorosa tra Sandy e Danny è la lotta fino all’omicidio tra Brenda e Jake, la faccia violenta delle Pink Ladies e dei Tbirds.

Danny Steinmann morì a 70 anni nel 2012, come detto non fece più niente al cinema dopo il successivo Venerdì 13 parte V, un peccato perché il suo cinema scorretto, sporco e violento poteva lasciarci altre perle al pari di Savage streets, un film che malgrado i mille problemi, o forse anche per quelli, ci continua a piacere come un divertimento vietato che, fanculo tutto, vale più di cento pellicole meglio scritte o dirette.

Linda Blair e le sue tette sono invece leggenda, ma questa, come in Conan di Milius, è un’altra storia che rende meravigliosi anche i suoi (tanti) passi falsi successivi.

Andrea Lanza

Savage Streets

Anno: 1984

Regia: Danny Steinmann

Interpreti: Linda Blair, John Vernon, Robert Dryer, Johnny Venocur, Sal Landi, Scott Mayer, Debra Blee, Lisa Freeman, Marcia Karr, Linnea Quigley, Ina Romeo

Durata: 105 min.