Thelma (Belinda Mayne) è una speleologa con qualche potere telepatico e, mentre è intervistata da una giornalista in attesa dell’ammaraggio di una navicella spaziale di ritorno da un viaggio, ha la sensazione di un grave pericolo. Nella navicella non vengono trovati gli astronauti. Più tardi, Thelma, assieme a un gruppo di speleologi suoi amici, va in una caverna sotterranea dove si imbatte negli extraterrestri giunti sulla Terra grazie alla navicella spaziale. Sono dei minerali piuttosto cattivi che cominciano a far fuori gli speleologi. Ma è solo l’inizio.
Raccontare dettagliatamente la storia dietro Alien 2 sulla terra sarebbe aprire una parentesi interessante, divertente quanto si vuole, ma che toglierebbe la sua importanza ad un film dai mille limiti, ma anche dalla fervida fantasia e da una regia mai prevedibile o banale. Per farla breve il regista Ciro Ippolito improvvisò la pellicola senza avere quasi una sceneggiatura, folgorato sulla via di Damasco dalla visione dell’apocrifo Zombi 2 fulciano, riuscendo ad aggirare i non pochi problemi (bruciò in gioco d’azzardo e donne di piacere il budget fornitogli dai produttori) con una dose di sana “guapperia” tutta italiana.
L’idea folgorante era quella di creare un seguito dell’Alien scottiano (i diritti sul titolo fortunatamente non erano stati depositati) con un pugno di mosche, ma anche con il genio di trasportare un orrore cosmico dallo spazio profondo alle viscere della nostra terra. Il paragone con il prototipo sarebbe ingeneroso (e pure con il seguito a venire di James Cameron), ma questo non leva al film del napoletanissimo Ciro Ippolito un certo fascino e una certa preveggenza dell’horror futuro, da The descent di Neil Marshall al recente Apollo 18 con la stessa grande idea delle pietre aliene. Eppure non si tratta di un seguito sciacallesco alla Bruno Mattei come il terribile Terminator 2 pre Swarzy, no qui c’è una sorta di originalità di fondo, maggiore dell’altro apocrifo di Alien, il Contamination di Luigi Cozzi, anche perché alla fine con il film di Ridley Scott c’entra poco o niente, la storia è su altri binari, interessanti, non stupidi e stranamente efficaci per un film creato per necessità e furbizia. Gli attori non brillano per espressività, ma siamo nella norma di un qualsiasi b movie, italiano o americano che sia, con il futuro regista Michele Soavi, all’epoca tuttofare delle produzioni bis più variegate da Massaccesi a Fulci, in un ruolo abbastanza sostanzioso.
Sul piano voyeuristico abbiamo le straordinarie (e gratuite) tette di Belinda Mayne, sano splatter con teste mozzate e sangue rosso vernice, volti di bambini scarnificati, e, naturalmente lei, la trippa, consigliata da Mario Bava per creare il mostro e sopperire al budget nullo, tanto puzzolente da richiamare i carabinieri mentre regista ed effettisti provavano. Genio allo stato puro, scriteriato, ma efficace, che diventa quasi un classico nel finale siegaliano di pura paranoia dove l’alieno “ora può colpire pure te”. E che dire dei colori violentissimi quasi da Suspiria quando il gruppo, spinto senza saperlo al massacro, si inoltra nel profondo spazio terrestre? Alien 2 sulla terra è un film troppo spesso messo alla berlina, tacciato di essere trash solo per la sua natura di bassa speculazione, ma capace di stupire, emozionare e perché no essere uno dei più validi esempi di fantascienza italiana.
Andrea K. Lanza
Alien 2 sulla terra
Regia: Sam Cromwell (Ciro Ippolito) Interpreti: Belinda Mayne, Roberto Barrese, Claudio Falanca, Belinda Mayne, Mark Bodin, Judy Perrin, Benny Aldrich, Michele Soavi, Vincent Palanga, Don Parkinson Durata 92 min.
Exterminator era un film sfilacciato ma interessante, dove uno psicopatico Robert Ginty trucidava, nei modi più violenti, i criminali di turno, in una sorta di Il giustiziere della notte con il pedale accellerato sull’iperbole. Non era un grande film, meglio si sarebbe fatto, sulla falsariga di Bronson/Winner, per esempio con il notevole Vigilante di William Lusting, ma sia dato atto al regista James Glickenhaus di essere riuscito a girare un solido B movie dalla resa spettacolare di un film hollywoodiano. In più Exterminator è uno di quei noir action che vengono più miticizzati dai fan del genere, vuoi perchè è difficile trovare un’altra pellicola con un eroe, John Eastland, che si comporta peggio dei vari aguzzini uccidendo cani e triturando mafiosi come quarti di bue, vuoi perchè James Glickenhaus è uno che gira distrattamente, ma quando si tratta di mettere in scena una sequenza d’azione, come il lungo incipit nel Vietnam, diventa il Francis Ford Coppola del cinema popolare.
Di Dominator, il suo seguito, invece se ne parla poco, e, quando lo si fa, i termini non sono poi così lusinghieri.
Eppure è una di quelle pellicole che esaltano il sottoscritto.
Quattro anni dopo Exterminator, in un 1984 utopico dove la violenza è all’ordine del giorno, un misterioso vigilante, bardato da una tuta ignifuga e armato di un lanciafiamme, purifica le strade della peggiore teppaglia. Qui facciamo la conoscenza di un altro John Eastland, sempre interpretato da Robert Ginty, ma totalmente agli antipodi del personaggio visto nel film precedente. Se l’Eastand di Exterminator era un personaggio poco simpatico e taciturno, questo, pur mantenendo lo stesso nome e cognome, è una sagoma, spigliato e ciarliero. In più ha una ragazza, ballerina di lap dance, che sogna di sfondare nei musical di Broadway.
La sua vita sembra perfetta finchè non incontra Bee Gee (Frankie Faison), un ex commilitone del Vietnam, che di lavoro guida il camion della nettezza urbana. Quello che il buon Ginty non sa è che poche ore prima l’amico ha salvato un poveraccio torturato da un gruppo di teppisti e questi gli hanno giurato la morte.
Contando che i novelli guerrieri della notte conoscono del loro nemico solo il camion che guida, quando vedono Ginty tornare a casa con la fidanzata, proprio a bordo del mezzo tanto odiato, pensano di avere trovato l’autista ricercato, iniziando la rappresaglia ai due innamorati.
Ora, se conoscete il genere, sapete che, se sei la ragazza di un personaggio di un Sotto Giustiziere della notte, devi stare zitta e non dire la frase “Da grande voglio fare la ballerina” perchè la cosa più buona che può capitarti è romperti la caviglia. Si sa che in questo genere di film, però, la cosa che capita non è mai la migliore.
La ragazza di Ginty verrà pestata a sangue, ridotta in fin di vita con la spina dorsale spezzata, all’inizio, poi in seguito, stuprata e ammazzata. Non serve altro per scatenare la vendetta. “Non posso salvarla, ma sterminare questi stronzi si”.
E così sia.
Le scene d’azione sono vivaci, con una metropoli che sembra l’inferno, una sorta di Gotham city più violenta e senza l’appoggio di nessun Batman. Per questo, quando il misterioso vendicatore irrompe sulla scena, sputando fuoco come fosse un soldato in Vietnam, il tono è quello di uno strano cinecomix iperviolento.
Siamo in anticipo sulla città de Il giustiziere della notte 3, popolata da ladri, assassini e stupratori. La New York di Dominator è un vespaio della peggior specie di deliquenti, gente che vediamo uccidere per due spiccioli e poi, sempre per quei due spiccioli, accoltellarsi tra di loro.
Il film non si tira indietro davanti alle scene più crude come quella che vede una coppia di vecchietti uccisa a colpi di pistola, barbaramente, con i proiettili che dilaniano la carne con squarci rossi e dolorosi, tra le risate dei criminali.
Più che esseri umani, questi teppisti, sono ratti, vivono nelle fogne e quando attaccano qualcuno hanno dell’inumano, quasi famelico, che li rende mostri da horror movie, quasi moderni cannibali metropolitani. In generale poi la città sembra davvero uscita da incubo romeriano o da un post atomico alla Castellari. Merito anche della fotografa che predilige i colori più accesi e innaturali anche nelle tante scene notturne.
Stupisce poi per il basso budget, la resa potentissima di alcune sequenze, impensabili in un film Cannon che a prima vista sembra girato al risparmio, con studi di dottori improvvisati in stanzini. Qui viene persino fatto esplodere un elicottero in una scena di grande impatto, una cosa che a livello concettuale è assurda, anche perchè viene usato un razzo segnalatore, ma è comunque wow, un momento di grande cinema popolare, stupidello ma gagliardo.
Gli attori invece sono una roba che non ci credi. Robert Ginty se la cava, è più simpatico che nel film precedente, ma uno stoccafisso come pochi, con la sua faccia alla Nicolas Cage ultimo periodo che ha due uniche espressioni impareggiabili da tontolone. E’ comunque il migliore del cast che vanta una Deborah Geffner che dovrebbe essere la figa del film ed è una racchietta, e Frankie Faison che recita forse la peggiore performance della carriera, non riuscendo mai a dare spessore al suo personaggio, un ex reduce del Vietnam incattivito e psicolabile. Qui lo vediamo per il 70 per cento delle volte ridere e fare battutacce, il restante 30 impugnare un mitra senza motivo e morire come uno stronzo.
Il peggiore però è senza dubbio Mario Van Peebles, figlio del grande Melvin, e qui ad inizio carriera, prima del suo Posse o del gagliardo Gunmen, in una parte importante, quella di X il villain della vicenda. Già dal look, con i capeli cotonatissimi, e dalla sua preferenza per gli abiti di pelle neri aderenti, neanche fossimo in Cruising, con quella X sul petto che dovrebbe fare paura e invece fa ridere, capisci che qualcosa non va. Van Peebles recita male, ma così male che ti commuove persino, gesticola, fa le facce, salta come un ballerino, sembra un pessimo attore in over acting sotto cocaina pesante. Il suo X ricorda per ferocia il Zed di Scuola di Polizia 2, ed è tutto dire.
A girare stavolta non è più James Glickenhaus, ma il produttore del film precedente, Mark Buntzman, alla sua unica regia visto il disastro combinatogli dalla Cannon per questo film, che tra poco paleseremo.
Mark Buntzman gira con nerbo, abusa di rallenti come nel caso della scena di aggressione a Deborah Geffner, ma in generale è bravo, tanto che, a differenza di Glickenhaus, non rende interessanti solo le scene spettacolari, ma si sofferma sui personaggi, sul loro background, riuscendo a rendere vivaci anche quelle sequenze romantiche ti fanno spingere il fastfoward.
E’ questo il problema che ha spinto la Cannon a distruggere l’opera di Buntzman, dilaniandola e riempendola di sequenze nuove girate senza Ginty, ma soprattutto senza l’approvazione del regista. Il cut originale sembra purtroppo perduto, ma il film, stando alle parole del suo autore, era più intimista e meno fracassone.
Sia chiaro Dominator, anche in questa versione, è gagliardo, soprattutto quando il finale sembra impazzire: la scena di stupro è di pochi secondi, quasi subliminale, in antitesi con le regole del genere, come un cancro impazzito sulla pelle, una chiusa schizzata perchè riflette la disperazione del suo personaggio. Ti lascia davvero una strana sensazione di follia, di incompiutezza, di frenesia e rabbia, ecco che, arrivato alla resa dei conti, diventi tu, spettatore, John Eastland.
Questi pregi però sono il frutto di un montaggio arbitrario, voluto dalla Cannon, che definì disastrosa la visione della pellicola ultimata. Nel film originale infatti non esisteva nessun giustiziere che bruciava i criminali, tutte le sequenze con il lanciafiamme, compreso il finale, sono interpretate da una controfigura, quando il regista aveva già mandato tutti a fanculo.
Così anche i buchi di sceneggiatura, come i teppisti che scoprono casualmente dove abita Ginty e la sua donna, sono il risultato di scene eliminate o di sequenze spostate da un minutaggio all’altro. La famosa sequenze dell’elicottero per esempio era più lunga, con il pilota che urla tra le fiamme, e Van Peebles che incontra faccia a fiaccia Ginty puntandogli il dito contro e lanciandogli una sentenza di morte. Infatti i due si erano già visti prima, quando Bee Gee travolge con il suo camion i teppisti, non da solo come il nuovo cut, ma aiutato appunto da Ginty che affronta i vari criminali (in una foto di scena si vede l’attore tirare un copertone di un’auto a qualcuno). In seguito poi sempre il protagonista e la fidanzata, al ritorno a casa, dovranno fronteggiare la gang di Van Peebles in una scena eliminata dal nuovo montaggio. Visto così la narrazione sembra meno stupida, anche perchè nel film vulgato fa quasi ridere che questi teppisti si vendichino così a random con qualcuno principalmente mai visto e solo riconosciuto da uno dei tanti camion della nettezza urbana di New York.
Ruolo importante poi aveva anche il night club dove lavorava la Geffner che, per via dell’esplosione dell’elicottero, veniva distrutto con i suoi bei morti e feriti. Sempre grazie alle foto di scena possiamo ricostruire la sequenza con l’attrice intenta a curare i feriti.
Il finale originale poi era molto più lungo e articolato con Ginty che sbaragliava la gang di X, aiutato anche dalla polizia (in una foto di scena un poliziotto punta un fucile contro Van Peebles inginocchiato). La resa dei conti stavolta vedeva in scena anche la sua ragazza sulla sedia a rotelle (in originale non moriva) armata di pistola. La fine del cattivone era in puro stile truce Cannon con il camion della nettezza che triturava l’infame. Non male no?
C’è da dire però che la sequenza di breakdance, terribile e lunghissima, voluta probabilmente dalla Cannon che in quel periodo avrebbe fatto uscire Breakin’ 2: Electric Boogaloo di Sam Fisterberg, è sicuramente girata da Buntzman, visto che in scena ha sia Ginty che la Geffner.
A girare le nuove sequenze è lo sceneggiatore William Sachs che in diverse interviste parla abbastanza male del regista originale dicendo che era un vero incompetente. A suo dire, quando i tecnici chiedevano a Buntzman dove posizionare la telecamera, lui rispondeva “Dove volete voi”. L’idea della maschera da saldatore è venuta a Sachs quando, nel cercare di salvare l’opera, si accorto che Ginty nel modificare il camion dell’immondizia, indossava una maschera da saldatore. Visto che Ginty se n’era andato col regista, quale migliore escamotage che girare le scene nuove, non avendo la star del film, con un nuovo attore mascherato?
Oltretutto, a conti fatti, non è mai chiaro, chi fosse il vigilante brucia stronzi, prima del finale, se Eastland o Bee Gee.
In qualsiasi caso, Dominator, chissà poi il perchè del titolo sadomaso affibbiatogli in Italia, è un film gagliardo che, qualsiasi cut vi troviate, risulta sempre una visione piacevole. Da noi è circolato solo in vhs, edizioni Multivision, con un bel doppiaggio, cosa strana ma buona.
Da recuperare.
Andrea Lanza
NOTA: Il trailer presenta scene alternative al cut vulgato che vengono dalla prima versione de regista:
Dominator Titolo originale: Exterminator 2 Anno: 1984 Regia: Mark Buntzman (e William Sachs) Cast: Robert Ginty, Mario Van Peebles, Deborah Geffner, Frankie Faison, Irwin Keyes Durata: 90 min. VHS: MULTIVISION
I film di stupri e vendetta sono armi a doppio taglio: in pochi riescono a mantenere un equilibrio tra disgusto per la violenza e il compiacimento di essa. D’altronde alla fine, pur con tutte le giustificazioni del caso, la vittima diventa sempre carnefice.
Il canto del cigno del genere è stato firmato da quel Micheal Winner che divenne famoso per Il giustiziere della notte, con una pellicola che più nera, cupa e disperata non si poteva, Uno sporco Week end, dove il giustiziere Paul Kersey/Charles Bronson cede il posto ad una splendida donna, Lia Williams, dal concetto un po’ distorto di giustizia. Sotto le attenzioni di questo angelo della morte cadono soprattutto innocenti, magari incauti avventori che la avvicinano al bar perchè carina. La vendetta questa volta quindi non è riservata solo al colpevole, lo stupratore che la perseguita all’inizio del film, ma diventa una sorta di castrazione preventiva, attuata con la morte, verso tutto il genere maschile. Quest’idea, già recondita nel primo Giustiziere, dove Bronson attuava una vendetta utopica nei confronti degli aguzzini della figlia e della moglie, è il seme di questo I spit on your grave 3: Vengeance is mine.
Il primo I spit on your grave era un remake aggiornato del classico anni 70 Non violentate Jennifer di Meir Zarchi con la bellissima Camille Keaton. In questo rifacimento Jennifer, interpretata da Sarah Butler, viene ancora brutalmente stuprata da un gruppo di rozzi bifolchi, ma a cambiare stavolta è la vendetta, più complessa ed arzigogolata, fatta di trappole e torture che nulla hanno da invidiare all’Enigmista di The Saw. Il film, comunque bellissimo, è girato con buona mano da Steven R. Monroe, che 3 anni dopo, nel 2013, bissa la storia con un seguito scollegato, altrettanto bello e selvaggio. In I spit on your grave 2 a subire indicibili violenze è stavolta Katie (Jemma Dallender) che viene rapita nel proprio appartamento a New York per essere portata in un paese dell’Est Europa e diventare carne da macello. Quando scappa, la vendetta è terribile tra testicoli fatti esplodere in morse d’acciaio e ferite purulente lasciate a marciare.
Il terzo capitolo vede ancora la Jennifer Hills del remake, interpretata sempre da Sarah Butler, che decide, per superare il trauma passato, di partecipare ad un gruppo di sostegno per vittime di violenza. Qui inaspettamente intreccia un’amicizia con una ragazza, Marla, che la inizia la una strana terapia riabilitativa a base di violenza verso il genere maschile. La sete di vendetta ritornerà più forte che mai quando Marla verrà uccisa brutalmente dal fidanzato violento.
Ora però il dilemma è un’altro: se il colpevole dell’omicidio viene brutalmente ucciso da Jennifer a neanche metà film, come può proseguire la vicenda? La risposta è semplice: I spit on your grave 3 diventa Uno sporco week end e così la protagonista si trasforma in una predatrice sessuale che uccide e tortura ogni probabile stupratore che gli si para davanti. Il problema, non sottovalutabile, è che, dopo un po’, i maniaci scarseggiano e lei prova a scannare chiunque, basta che sia un uomo.
A girare stavolta è R.D. Braunstein, un onesto artigiano che viene dal mondo Asylum, qui alla sua opera migliore. Il passaggio tra il bravo Steven Monroe e il nuovo regista è indolore, a convincere meno è forse la sceneggiatura di Daniel Gilboy, già produttore dei primi due capitoli. Il film pecca purtroppo di intenzioni, cosa abbastanza imperdonabile per un film intitolato “Sputerò sulla tua tomba” e che promette due cose essenziali, sesso e morte. Se in Uno sporco weekend il delirio omicida della mantide Bella aveva un crescendo psicologico che portava lo spettatore a comprendere anche le ragioni della sua immotivata vendetta, qui invece il passaggio tra prima parte e seconda è abbastanza sbrigativo, non ci si sofferma mai realmente sulla psiche di Jennifer e del perchè arriva a sbroccare.
In un contesto così diverso dai primi film, si corre il pericolo di parteggiare per i cattivi perchè Jennifer diventa una sorta di pervertito Jason Vorhees con belle tette al posto dei muscoli. Lo stesso vale per il suo modus operanti che una giustificazione, da legge del taglione, aveva nel primo capitolo, ma che qui risulta gratuita con peni tagliati in due dopo una fellatio e tubi di ferro infilati a colpi di mazza nel culo. L’idea di un Saw mutato nel mondo dei rape and vengeance fallisce perchè fallisce la costruzione dell’intreccio, il parteggiare per la vittima anche quando scanna uno perchè lei poverina e lui bastardo. Qui lei arriva, uccide un cattivone a gratis, senza che questi gli abbia fatto realmente nulla, solo in virtù del fatto che lei è convinta sia uno stupratore, ma, cara mia Jennifer, il mondo è pieno di certezze labili, valgono come le pentole senza coperchi del diavolo.
Daniel Gilboy poi scrive una prima parte verbosa, fatta di dialoghi il più delle volte inutili, e cerca di renderci vicine due psicolabili, Jennifer e Marla, che amano trascorrere la sera a pestare uomini o a fargli scherzi più o meno pesanti. Parteggiare per loro è un po’ come prendersi a cuore la sensibilità di un bullo o di un lupo sanguinario.
Anche il finale scade per eccesso di velleitarismo, con una chiusa onirica un po’ stupidotta che ci insegna che il terapista è già uno stupratore, a cominciare dal nome, therapist – the rapist. L’idea di un numero 4 è francamente spaventosa se queste sono le premesse.
Il film ha forse l’unico pregio nella regia di R.D. Braunstein che riesce a far dimenticare a livello visivo e spettacolare tutto quello che masochisticamente Gilboy ha mal scritto. Il segreto d’altronde per apprezzare I spit on your grave 3 è spegnere il cervello e godersi le belle scene di violenza come si farebbe davanti ad una scopata in un film porno. D’altronde, inutile negarlo, il fruitore del genere torture porn ama il sadismo e le violenza, non che questo sia un male ovviamente, questo sottogenere non è roba per palati fini ma per anime semplici. In questo sbaglia Gilboy cercando una strada intellettuale ad un genere che vive di umori più che di cervello, che richiama la rabbia più atavica, quella della rivalsa e della vendetta.
Sarah Butler si spoglia di meno e tenta rovinosamente di recitare davvero, risultando perfetta solo quando imbraccia il coltello. Il resto del cast è composto da facce anonime e non molto convincenti, a cominciare dal poliziotto interpretato maldestramente da Gabriel Hogan.
Alla fine, se si ama il genere, il film diverte e scorre liscio, ma è uno strano ibrido di rape and vengence senza mai il rape, lo stupro, ad innescare la violenza, sempre che non si voglia infilarlo come fanalino di coda del primo remake, in una sorta di I spit on your grave di 3 ore. Forse così acquisterebbe senso e compostezza.
Se vi volete buttare su un film bello che tratta lo stesso tema, senza essere troppo stupido o gratuito, vi consiglio il bel Reversal – la fuga è solo l’inizio. In alternativa anche Julia, recensito qualche settimana fa, ha il suo perchè.
Questo I spit on your grave 3 è invece solo per completisti.
Andrea Lanza
I Spit on Your Grave 3: The Vengeance is mine Anno: 2015 Interpreti: Sarah Butler, Gabriel Hogan, Doug McKeon, Karen Strassman, Jennifer Landon, Corey Craig, Lony’e Perrine, Joshua Kovalscik, Bobby Reed, Heath McGough, Alissa Juvan, Christopher Hoffman Durata: 90 min./Inedito
Note: l’amico Lucius Etruscus parla di Jennifer 3 con toni meno lusinghieri dei miei già poco lusinghieri. La recensione, con spunti interessantissimi, la potete trovare sul sempre gagliardo Zinefilo, la Bibbia della serie Z
Di slasher se ne sono prodotti una quantità industriale da quando Sir John Carpenter ha girato il suo Halloween. Magari non tutti i film sono stati eccellenti, ma se c’è un genere che riesce a camuffare la mancanza di fantasia con il divertimento è proprio questo.
Blood rage è un thriller violentissimo, ma anche involontariamente demenziale, roba che a vederlo ti sbellichi dalle risate. Non che sia girato male, cioè neanche bene, siamo nella media dei prodotti standard della serie B anni 80, ma la sua forza è di essere un film davvero folle per le idee e lo sfregio del buongusto nella messa in scena.
Immaginate che la ricetta perfetta per buon thriller violento, sul modus che so di Brian De Palma, dovrebbe essere il mix sapiente di suspense e effettacci al servizio di una trama intrigante.
Non però per John Grissmer, regista di Blood rage, alla sua seconda e ultima opera: a lui la cucina sofisticata non piace, a lui piacciono i sapori selvaggi magari mischiati a salse e formaggi, racchiusi nella sapiente cucina da Macdonald texano. Quindi via di sangue, frattaglie, tette e buchi di sceneggiatura. Ecco che il piatto può sembrare orribile alla vista, ma nel gustarlo la varietà di saporacci è quasi paradisiaca. Giuro.
Sembra merda, ma è buonissimo
Tutto comincia in un drive in, dove la mamma dei gemellini di neanche deci anni Todd e Terry decide di darci dentro con l’occasionale amante approfittando che i due pargoletti dormono. Niente di più sbagliato. I due ragazzini sgattaiolano dall’auto girovagando per il cinema all’aperto fino a che, senza un motivo logico se non la follia, Terry, armato di accetta, uccide brutalmente il lui di una coppietta in un’orgia di sangue e tagli. Ora voi giustamente penserete: il bambinetto è sporco da capo a piedi di sangue e lo arresteranno. Macchè, ingenui lettori, ad essere arrestato è Todd perchè lo scaltro Terry, sempre coperto di sangue ovviamente, gli fa una carrezzina sporcandogli un poco il viso, gli cede l’accetta e urla “E’ stato lui”. Al povero Todd in shock spetteranno ben dieci anni di reclusione in manicomio.
Da questo momento le idee purtroppposcarseggiano e al povero John Grissmer non rimane altro che prendere il plot di Halloween e capovolgerlo: Se Michael Myers fosse innocente e nel tornare a casa scoprisse che sua sorella Laurie è il killer?
Così Todd, ormai adulto, scappa dalla casa di cura e, per tre quarti di film, si nasconde, cerca di parlare con della gente che terrorizzata chiederà aiuto a Terry, morendo male ovviamente.
Il modus operanti del maniaco è particolarmente bizzarro, una specie di mossa Kansas city del cinema horror: il più delle volte lui è pacifico, magari passeggia con un’amico, parla male del fratello, poi strabuzza gli occhi e scrutando il vuoto alle spalle della sua vittima dice “Eccolo!!!”. Allorchè l’incauto accompagnatore si volta e ualà Terry lo uccide, ridendo sardonico.
Terry l’amicone
La causa scatenante della Blood rage, rimasta latente per dieci anni, nel cervello del buon Terry non è il ritorno del fratello, ma un più shockante annuncio, durante la festa del ringraziamento: Mammà si sposa! Oddio gli occhi diventano spiritati, lui tace, poi poco convinto fa un brindisi alla novella coppia, ma la prima vittima è proprio il fidanzato della madre, decapitato. Anche perchè, diciamolo, la mamma di Terry e Todd è una gran zoccola, che beve come se non ci fosse un domani e si struscia e bacia i figli in maniera ambigua, anche perchè John Grissmer non è uno da sottigliezze alla Hitchcock.
Il film, girato in gran economia, con effetti rozzissimi ma efficaci di Ed Fench, ha dalla sua un’ambientazione interessante, ovvero un residence popolato dalla peggio gentaglia d’America: ragazzi decelebrati, ragazze madri incerca del pollo da spennare, imprenditori imbranati e così via. Quando Terry li uccide, quasi quasi parteggi per lui, perchè diciamolo il ragazzo è pazzo come un’anguilla sotto crack ma è simpatico forte. Ad un certo punto, dopo aver scannato una delle intercambiabili vittime, assaggia il suo sangue esclamando “Giuro che non è sciroppo di lampone!”
Se gli attori sono scarsini, bisogna dire che Mark Soper, l’interprete dei due gemelli, è scatenatissimo, in pieno over acting sfrenato, fa le facce, gigioneggia monologhi, è tutto ciò che di più sbagliato ci può essere in buon film, ma qui è perfetto forse perchè il film perfetto non è.
Non so se consigliarvi questo filmaccio, come avete capito è brutto forte, ma compensa bene la sua natura deleteria con l’essere involontariamente divertente. Un film così folle da chiudersi in modo inaspettato e quasi tragico, in antitesi con tutto quello che c’era prima.
Il film fu girato nel 1983 con il titolo conosciuto (quello di lavorazione era Slasher), ma non trovò distribuzione fino al 1987 dove rispuntò come Nightmare at Shadow Woods, tagliatissimo e con scene di dialogo extra a tappare i buchi splatter mancanti. L’edizione blu ray della Arrow presenta tutte e due le edizioni, naturalmente in inglese perchè da noi il film è purtroppo inedito.
Andrea Lanza
Blood rage
Regia: John Grissmer
Sceneggiatura: Bruce Rubin (come Richard Lamden)
Stars: Louise Lasser, Mark Soper, Marianne Kanter, Julie Gordon,
Jayne Bentzen, Bill Cakmis, Dana Drescher, James Farrell
Durata: 87 min.
Senza ombra di dubbio questo film, sulla carta, è una bomba atomica. Mischiare Kung fu con Vietnam è già una botta di genio, roba da mascelle sganasciate alla mode Yorick di Amleto, poi se in più tu regista decidi di scegliere come protagonista la Tisa Farrow di Zombi 2 e L’ultimo cacciatore, beh hai il mio voto nel caso mai ti candidassi come presidente, stai certo.
Tisa Farrow nella sua carriera ha interpretato pochi film, ma quei pochi, almeno quelli fatti in Italia, sono film non solo importanti, ma seminali per la storia del nostro cinema di genere. I film girati con Fulci, De Martino, Massaccesi e Margheriti sono pezzi del nostro cuore, cult movie che hanno reso grandissimo il nostro (almeno il mio) amore per il cinema in senso totale. Quindi quando vedo Tisa Farrow, tassisara e attrice per caso, sorella della più famosa Mia, io penso al cinema e non posso fare altro che volerle bene.
Il mio scopo è la vendetta di William Fruet arriva lo stesso anno di Zombi 2, ma sembra anticipatire, per messa in scena e senso di grande spettacolo al risparmio, la stagione dei nostri Vietnam movie che proprio l’anno dopo, con Margheriti e appunto L’ultimo cacciatore, inizieranno ad essere prodotti.
La regia di Fruet è rozza ma efficace, e questo è probabilmente, a livello spettacolare, il suo miglior film, contando che viene dall’orribile Un violento Week end di terrore ed è proiettato verso un altrettanto nauseabondo Killer party.
Tra i suoi film più decenti, anche se non riuscitissimi, è bene però citare il divertente biscia movie Spasms dal cast stellare e il violento Trapped con un gruppo di fighetti da college pronti a combattere contro uno zoticone arrabbiato e assassino, sorta di risposta teen ad Un tranquillo week end di paura.
Fruet non è un grande regista, ma qui è comunque in stato di grazia e le scene d’azioni sono nervosamente efficaci con almeno una scena di inseguimento memorabile, quela tra Don Stroud e Jong Soo Park, iniziata a colpi da arma da fuoco e finita a calci alla Bruce Lee.
La cosa comunque assurda è che Don Stroud sembra molto più abile a combattere rispetto a Jong Soo Park, che nella vita non girerà più un film da co-protagonista, ma che era un vero maestro di arti marziali anzi uno 12 Maestri Fondatori del Taekwondo. Probabilmente però non era nato per fare l’attore e la sua recitazione granitica, accompagnata da un certo imbarazzo nel recitare, hanno inficiato anche le sue performances marziali. Peccato perchè il suo personaggio, un killer vietcong mosso da vendetta verso lo squadrone americano che l’aveva abbandonato e con il quale collaborava, è pieno, almeno sulla sceneggiatura, di sfumature che mal si abbinano al faccione senza espressioni dell’attore coreano.
Di certo Il mio scopo è la vendetta non è uno di quei film che guardi per la recitazione dei suoi interpreti perchè di brutte e svogliate interpretazioni ne è pieno, a cominciare dalla lodata Tisa Farrow in coma da Valium fino al protagonista Perry King ancora lontano dal successo tv di Riptide.
La parte del leone la fa sicuramente il grandissimo George Kennedy, uno che potrebbe fare un cammeo di dieci secondi e salvare un film orribile, qui nel ruolo minore di un commissario.
Il mio scopo è la vendetta è comunque divertentissimo con sparatorie selvagge tra la folla che sembra davvero spaventata (e forse lo era), coltellate a poliziotti come uno slasher, assati negli ospedali e l’inedita cornice delle cascate del Niagara a fare da sfondo ad un action sicuramente anomalo.
La città che ospita le famose cascate poi è una specie di pacchiana Las Vegas più piccola, con i marchi visibili di un castello del conte Dracula, di una casa di Frankestein e di un museo delle cere, e dona quel tocco di bizzarria, come scenario, alla pellicola.
Fa sorridere invece la ricostruzione della guerra in Vietnam con quattro piante riprese a notte e un laghetto, la stessa ambientazione, questa volta di giorno, che scopriamo essere un boschetto vicino alle cascate.
Eppure Il mio scopo è la vendetta non è un film privo di animo e in alcuni punti, incredibilmente, arriva a commuovere. La scena straziante dove Perry King va a trovare l’amico ferito Don Stroud è di quelle che lasciano il segno: immobilizzato, con la schiena a pezzi per via del combattimento con Jong Soo Park, Stroud chiede di essere ucciso. “Che cosa posso fare qui ora? Guardare il soffitto per sempre”.
C’è anche una palese presa di posizione contro la guerra quando il protagonista ricorda alla sua fidanzata il perchè hanno deciso di abbandonare Jong Soo Park in mezzo alla giungla, in un dialogo che ricorda e anticipa quello finale di Rambo.
“Non ci hanno inseganto a fermarci, a spegnere l’interruttore. Forse avremmo dovuto salvarlo e non lasciarlo lì, ma non era uno di noi, era un vietnamita. Le cose laggiù andavano così, e nessuno pensava a cosa era giusto o sbagliato, eravamo tutti così confusi. E poi perchè avremmo dovuto salvarlo? Ci sbattevano giù, in mezzo alla giugla, e ci facevano fare quello che volevamo. Ed è sempre quello che abbiamo fatto e nessuno ci ha mai detto niente, nessuno ci ha fatto mai domande. La nostra filosofia era una: scova e distruggi. E sai una cosa: mi piaceva, mi entusiasmava, quella era la mia vita ideale e mi dispiace che sia finita”.
Il mio scopo è la vendetta uscì da noi in vhs Ricordi con una buona resa video, in America è facile trovarlo in dvd abbinato ad un altro action thriller con John Saxon, Il guanto, perla da noi abbastanza introvabile.
Se vi capita, visto che circola in uno smagliante mux, non perdetelo.
Andrea Lanza
Il mio scopo è la vendetta Titolo originale: Search and Destroy Regia: William Fruet Interpreti: George Kennedy, Don Stroud, Perry King, Jong Soo Park Durata 94 min. – Canada 1981 – VHS: RICORDI HOME VIDEO
Un gruppo di ragazzi si trova barricato in una villa asserragliati da mostri furiosi e assetati di sangue che vogliono rendere vera una profezia: se, durante Halloween, sette demoni si impossesseranno di sette corpi viventi allora la terra diventerà il loro dominio. La festa del 31 Ottobre è appena cominciata!
La notte dei demoni firmato Kevin S. Tenney è un signor horror. Derivato dai Demoni di Lamberto Bava quanto si vuole, sbilanciato tra trovatacce di bassa lega e momenti di genio aureo, ma è uno di quei film che ti fanno amare il genere per la sua follia, per la sua potenza anarchica, per quella forte dose di spettacolo che solo gli anni 80 riuscivano a conferire al genere. Rimangono impresse, nella mente di tutti i ragazzacci cresciuti a pane e splatter, scene di forte impatto come l’amplesso tra due sfortunati fornicatori all’interno di una bara, il finale crudelissimo, il make up dei demoni, la porchissima Linnea Quigley che si infila un rossetto nel seno con sfrontata eccitazione.
Certo a livello registico non è il miglior film del regista, a volte tirato un po’ via, Spiritka sarebbe stato molto più elegante, ma anche meno divertente, ma va bene e andava bene così, ora, a trent’anni di distanza, tra milioni di anni nell’olimpo dei film imperfetti, baciati dalla chimica perfetta. Di un remake di questo horror, firmato oltretutto da Adam Gierasch, nel 2009, potevamo aspettarci solo tragedia e sciagura, una cosa che, a solo leggerla come news, ci faceva arricciare, a noi fan, ogni cosa arricciabile nel nostro corpo. D’altronde nel 2009, anno in cui questo film vide la luce, Adam Gierasch era il male: sceneggiatore di uno dei peggiori film di Dario Argento, La terza madre, assassino di penna degli ultimi osceni film di Tobe Hooper, cose immonde come quello del coccodrillone, e regista di una cosa così incredibilmente brutta come Autopsy.
Col senno di poi però abbiamo scoperto che La terza madre, sulla carta, senza Dario a girare e Asia a fare finta di essere invisibile, era bellissimo, Tobe Hooper in fase rincoglionimento avrebbe trasformato in merda anche una sceneggiatura di David Mamet, e sì Autopsy era brutto, come il seguente Fertile ground, ma nel 2013, il buon Adam, avrebbe girato il suo capolavoro, il folle e pulpissimo Fractured. Per fortuna Night of the demons è un remake di quelli che fanno leccare i baffi: a livello registico è formidabile, virtuosistico senza stonare nell’eccessivo, citazionistico dei classici argentiani anche nell’uso pop dei colori, ma pure sul piano narrativo è divertentissimo, senza dire nulla di originale tiene incollati alla poltrona come ogni buon B movie al sangue che si rispetti, e nel dire B movie tanto di cappello in questo caso.
Gli attori, da fossili come l’Edward Furlong di Terminator 2 e Brainscan a presenze fresche come la Shannon Elizabeth di American pie e 13 ghosts, fanno il loro lavoro, con inaspettato brio. Certo si parla di un horror che, più di recitazioni sheakespeariane, ha bisogno di urla e corpi da martoriare, ma si vede che regista e cast si sono divertiti nel farlo e questo si riflette anche nella resa attoriale. Il remake non è fedelissimo e riprende solo l’idea della festa di Halloween in una casa maledetta in balia di demoni assetati di sangue. Per il resto è puro delirio alla Adam Gierasch con mani che escono dagli specchi a citare Inferno, con questi rimandi al classico Evil dead con tanto di botola e demone imprigionato, con il sangue che risveglia mummie come nei Bava padre e figlio, con un’impiccagione che riporta a Suspiria in chiave ancora più estrema, poi il finale, diverso sì, ma sempre sberleffo al vetriolo.
Poi ad incarnare l’eroina di turno una deliziosa Monika Keena che ne ha fatta di strada dai primi passi nel serial Dawson Creek fino al sottovalutato capolavoro Delitto più castigo a Suburbia e all’epico scontro tra Freddy vs Jason. Quando urla armata di fucile “Come on give me motherfucker” sporca di sangue e frattaglie scatta l’applauso da drive in. Certo i demoni erano più convincenti nel make up originale, qui una sorta di zombi ghoul verdastri per la maggioranza, ma davvero ad avercene di remake così perfetti anche nell’imperfezione. Ah per tutti i curiosoni questa volta il rossetto sì entra nel seno, ma esce dalla… Non vi resta che guardarlo. Consigliatissimo.
Andrea Lanza
Night of the demons Regia: Adam Gierasch Cast: Tatyana Kanavka, Michael Arata, Shannon Elizabeth, Linnea Quigley, Edward Furlong, Bryce Arata, Addy Rome, Addy Rome, John F. Beach, Michael Copon, Zachary James Bernard, Diora Baird, Monica Keena, Bobbi Sue Luther Durata: 90 min/inedito Anno: 2009
Tra tutti i registi che bazzicavano la serie B americana, horror, thriller o action che fosse, per inventiva e bravura, spiccava senza dubbio Joseph Zito, uno capace di farti piacere un film di Chuck Norris manco fosse un kolossal di Stallone. Zito, nel girare, aveva quella marcia in più, quel senso del ritmo che dev’essere per forza nel tuo DNA, quella capacità di scegiere la musica giusta al momento giusto. I suoi film erano violenti ma non rozzi, sia che si trattasse di un war movie con Dolph Lundgren post Rocky 4 che del capitolo più bello dei Venerdì 13, quello finale anche se finale non fu. Certo erano film fascistoidi, reazionari, soprattutto quelli action girati con la Cannon, ma chissene della direzione politica davanti ad uno spettacolo esaltante e ben girato, davanti ad un B movie fatto come Dio comanda, in quegli iripetibili anni 80 che facevano confondere la serie A con la B a noi ragazzini divoratori di VHS.
Non per nulla Zito era mal visto dai produttori, soprattutto per la sua fama di regista difficilmente arginabile, che sforava i budget imposti con il pericolo di incassi dubbi o comunque minori.
Tra i suoi film meno riusciti c’è di sicuro questo Rosemary’s Killer, che comunque viveva fino a pochi anni fa una fama di culto per tutti i maniaci dello slasher, soprattutto visto la sua natura di oggetto irrecuperabile nel nostro idioma, fino all’avvento di internet e dei mai troppi benedetti mux.
D’altronde Rosemary’s killer non fu un successo in patria, soprattutto quando il produttore declinò l’offerta di 750000 dollari della AVCO Embassy Pictures sui diritti di distribuzione del film, relegandolo ad un destino di autodistribuzione vicino alla morte.
In Italia si sa con certezza di una sua uscita nei cinema, poi forse lo sbarco in tv, ma non approdò mai, stranamente, nel generoso mondo delle vhs prima e dei dvd dopo.
Un peccato perchè Rosemary’s killer, The Prowler in inglese, pur se è uno tra gli slasher più illogici e stupidelli mai girati, ha, dalla sua, una forma impeccabile che lo innalza dalla media del genere, molte volte popolata da film girati con la mano sinistra.
In Rosemary’s killer si nota, fin dalle prime battute, quando le ragazze si preparano alla festa di fine anno scolastico con il parallelo della vestizione del “mostro”, giarrettiere da una parte, il coltello infilato nello stivale dall’altra, che siamo in un terreno diverso dagli spaventelli teen di quegli anni, nati sulla falsariga di Halloween o Venerdì 13, qui c’è una cura non pedestre per i particolari e la costruzione della paura.
Joseph Zito gira non bene ma benissimo, e la sinergia con Tom Savini, mago degli effetti speciali degli anni 80, porta ad una danza di morte tra le più crudeli, cruente e sanguinose viste in un horror adolescenziale di quel periodo.
In più il killer di Rosemary’s Killer è davvero un babau di tutto rispetto con la sua tuta militare a fungere da maschera spaventosa ed efficace nella sua semplicità.
Zito non lesina neppure in nudi spogliando le sue protagoniste/vittime nello stesso modo in cui le ucciderà nelle sequenze successive. E’ un continuo alternarsi tra erotismo e violenza, in una velocità tale da lasciare interdetti, come nel caso della morte della ragazza sotto la doccia, prima ammirata nuda e poi martoriata a colpi di forcone.
Joseph Zito, uno bravo
Se il film ha il suo fascino, anche per via di indovinate sequenze di terrore puro, come la lunga sequenza di inseguimento tra il killer e la protagonista, poco dopo la morte dell’inquilina, come detto, il film cede quando invece cerca di essere plausibile a livello narrativo. D’altronde anche il più cretino può capire chi è l’assassino quando tu sceneggiatore fai sparire un personaggio con la scusa più idiota e credi che il pubblico sia così beota da esserselo dimenticato. Patetici poi gli escatomage di depistaggio che, ad un certo punto, vogliono un vecchio paralitico (il grandissimo Laurence Tierney de Le iene in un ruolo sprecatissimo) essere il probabile assassino, senza d’altronde che nessuno ci creda.
D’altronde è la natura di Giano bifronte di questa pellicola, uno dei milioni di film preferiti da Quentin Tarantino, che vuole fare a cazzotti, come per i migliori Dario Argento peraltro, tra logica e messa in scena. D’altronde è fare gli schizzinosi perchè The Prowler non è più scemo di uno Scream 3 di un quasiasi So cosa hai fatto che funesterà i nostri incubi anni 90. Questo in più è girato pure benissimo e mischia bene il lato splatter con quello più d’atmosfera. Rosemary’s killer d’altronde con i suoi bagni in piscina da versione hardcore di Il bacio della pantera, con le gole infilzate e le tette mostrate un chilo al minuto, con l’assassino che torna alla carica dopo 35 anni senza un vero perchè plausibile, confondendo all’improvviso la protagonista (Vicky Dawson, la più bruttina del cast) con la Rosemary del titolo, salvo dimenticarsene subito dopo, con il finale alla Carrie assolutamente non sense, è pura delizia da cinefilo del cinema horror anni 80. Armato s’intende di pop corn e rutto libero.
Andrea Lanza
Due curiosità sul film:
– Si racconta che Farley Granger, lo sceriffo George Fraser, sia stato scritturato in questo film per puro caso, insegnando recitazione alla moglie di uno dei produttori. Il suo ruolo tra l’altro è quasi un cammeo. Granger e Tom Savini litigarono spesso sul set anche perchè l’attore, claustrofobico, doveva stare una intera giornata con il viso sotto il lattice per creare un calco dela testa. Gli effetti speciali avevano tra l’altro un ruolo importantissimo nel film e Savini definisce The Prowler una delle sue opere più riuscite. Sarà appunto per questo film sfortunato che Joseph Zito verrà scritturato per Venerdì 13 capitolo finale, sempre accompagnato dal fidato Savini che non lo abbandonerà neppure per i suoi action gore come Invasion USA.
– La scena dove il vicesceriffo e la sua fidanzata aprono la tomba di Rosemary’s e la trovano occupata da una sfortunata vittima del killer fu girata in un vero cimitero. Non solo: anche quella cassa da morto era vera e in attesa del suo legittimo proprietario. Roba da fare gli scongiuri, ma niente paragonabile ai 18 calci che l’attrice Cindy Weintraub si prese nel tentativo di girare bene la scena della sua morte in piscina, dove appunto una pedata del killer la ributtava in acqua. Fortunatamente il piede era in lattice.
Rosemary’s killer Titolo originale: The prowler Regia: Joseph Zito Interpreti: Vicky Dawson, Christopher Goutman, Lawrence Tierney, Farley Granger, Cindy Weintraub, Lisa Dunsheath, David Sederholm, Bill Nunnery, Thom Bray, Diane Rode, Bryan Englund Durata: 90 min. Anno: 1981
Ci sono momenti, soprattutto d’Estate, quando hai voglia di frivolezze, anche cinematografiche. E te ne freghi delle vhs, dei Fulci, di tutto quello che ami e che hai amato, perchè ogni cosa ti da’ noia, una sorta di spleen baudelairiano che colpisce ogni cinefilo, prima o poi.
Ecco che stai davanti alla tv a fare zapping e niente ti soddisfa, declami nomi di Dei con davanti animali, sbuffi, risbuffi, anche il segno indeledibile del culo sulla poltrona è scomodo, quel film è troppo horror, quello troppo stupido, quello troppo è troppo, insomma, che palle!
Poi mentre scorri il tuo hard disk con pensieri di suicidio e gelato Algida, scorgi un titolo, cerchi di pensare a che diavolo sia, poi ti arrendi e lo fai partire e… miracolosamente… Lambada!!!
Ecco che le menate, i vari dilemmi esistenziali, l’odore dei genitali male lavati da uomo single senza voglia di socializzare, scompaiono, e sei in quella cazzo di spiaggia, coi Kaoma a ballare insieme a discinte ballerine, tu, si proprio tu che non sai fare un passo di danza diverso dalla coreografia del Brucomela di Gardaland, eccoti tra paillettes e culi sodi, viva la vida loca, viva le Spice girls, viva El Calippo fizz, brr..
E tutto per un film che neanche ricordavi di avere, quel film Lambada che ti ha tolto dal torpore estivo, quel film che, magari in altri momenti dell’anno, avresti guardato, sguardo perso e WTF morto in gola, ma che ora è la pasta al forno di tua madre, il Sega Master System da bambino, le mitiche tette di Jenna Jameson spalmate sulla tua faccia imbambolata, insomma, l’estasi.
Il film stavolta è Wolves, una pellicola sui licantropi di un paio di anni fa, liquidato malamente, in una delle poche recensioniitaliane, dall’amico Manlio Gomarasca di Nocturno, come una stronzatona alla Twilight, ma noi di Malastrana vhs a Manlio vogliamo comunque bene anche quando non sente la Lambada nell’aria.
Wolves è girato da David Hayter, uno che come regista ha fatto poco e niente, come attore è stato la voce di Snake nei videogames di Metal gear solid, ma che come sceneggiatore ha due palle grosse così visto che, tanto di cappello, ha scritto capolavori come X men 2 e Watchmen, mica per intenderci pizza e fichi.
La sua opera licantropesca riflette, anche nei momenti più sbagliati, ovvero rallenti esagerati e pestaggi infiniti, la lezione Zack Snyder, ma fortunatamente non il tutto si ferma solo ai difetti.
Wolves è un film divertentissimo, non originale, ma godibilissimo, un horror teen con sangue e atmosfera, con un ritmo hardcore, concitato e senza tempi morti, che non ha paura di essere retrò nel make up poco digitale che guarda il classico I Was a Teenage Werewolf quando non lo stracult anni 80, Voglia di vincere. Per intenderci, il protagonista Lucas Till, una sorta di sosia di James Van Der Beek di Dawson’s Creek, già visto come Havoc negli ultimi X men, quando si trasforma non rompe i vestiti, resta con la classica giacchetta da figlio degli anni 50, ma la faccia e il corpo licantropesco. Questo non toglie, come già detto, che gli omicidi presenti non lesinino in sangue e violenza.
Certo che Wolves è uno strano ibrido, da un lato sembra voler catturare gli spettatori del serial Teen Wolf, dall’altro cerca una strada più matura, meno fighetta, restando un po’ neutrale nelle sue scelte, soprattutto quando la componente sessuale resta un po’ castrata anche nei momenti che la sceneggiatura avrebbe richiesto l’accelleratore tirato.
Il cast è un po’ anonimo, facce troppo pulitine anonime, ma spiccano per bravura il grandissimo Stephen McHattie di Pontypoll e il carismatico, e sempre vituperato, Jason Momoa nei panni del cattivo Connor il macellaio (un nome, un programma).
La sceneggiatura mischia con abilità temi abusati come la lotta tra padre e figlio non facendo prevedere il colpo di scena finale, forse non così geniale, ma abbastanza abile da ribaltare le certezze, fino a quel momento, ben ancorate del pubblico.
Wolves non è un capolavoro, ma neppure quella merdaccia che si dice in giro, come dicevo è molto divertente e non annoia mai, un B movie con le palle come ce ne sono pochi in giro, quel grigio che manca in scale di solo bianco e nero.
Poi, questo c’entra come il pecorino sugli spaghetti ai frutti di mare, ma mi ha fatto morire che la città dei licantropi si chiamasse Lupino’s ridge. Il bello è che tutti si sorprendono che la popolazione è composta prevalentemente da lupi mannari. Cazzo, Lupino’s ridge! Lupino’s ridge!!!! Come trovare vampiri nel castello del Conte Dracula, come se, per esempio, ti sposi con una verginella ne “Il paese delle mignotte” e poi ti lamenti che tanto vergine non è!
A suo modo geniale!
AUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUUU!!!!!!
Andrea Lanza
Wolves
Anno 2014
Regia: David Hayter
Interpreti: Jason Momoa, Lucas Till, Merritt Patterson, Jennifer Hale, Stephen McHattie, Alain Moussi, John Pyper-Ferguson, Adam Butcher, Kaitlyn Leeb, Miriam McDonald, Melanie Scrofan, Adam MacDonald, Matthew Currie Holmes, Thomas J. Strad, Philip Maurice Hayes, Simon Northwood. Casey Hudecki, Brandon McGibbon
In una spettrale isoletta al largo del Massachussets sorge un solo edificio, in cui si dice, anni prima si rifugiò una strega incinta, per sfuggire alle persecuzioni. Per studiare questa leggenda si recano sul posto una giovane coppia, ed in seguito una intera famiglia in viaggio di affari. Qui la maledizione della strega si riversa in tutto il suo orrore sugli incauti visitatori, che uno per volta verranno sottoposti a crudeli e sanguinose torture.
Nel pieno del boom del cinema horror raimiano, Aristide Massaccesi mette in cantiere la sua seconda de Le case apocrife per la regia di un giovane Fabrizio Laurenti. E’ il tramonto dei generi e tutto quello che di buono c’era ancora, Soavi e Deliria, Argento e gli ultimi sussulti di Opera, si stava pian piano tramutando nel linguaggio castratamente televisivo delle produzioni Rete Italia. Fortunatamente, pur con budget non milionari, le produzioni horror del compianto Joe D’Amato avevano ancora il sapore dei nostri horror truci e volgari. Era di un anno prima il disastroso La Casa 3 (Ghosthouse), firmato da un Umberto Lenzi abbastanza sciatto con il nom de plume di Humphrey Humbert, e non ci aspettava un gran film neppure da questo quarto capitolo dalla regia di un signor nessuno.
Leggenda vuole che Laurenti, alla sua opera prima, impressionò la vecchia volpe Massaccesi grazie a un suo cortometraggio, girato a New York, incentrato su un gruppo di vampiri dal titolo The immigrants. Fece colpo talmente che fu messo al timone di quella Casa che incassò più di ogni altra prodotta in Italia. Se Lenzi aveva puntato su una sorta di La casa di Mary (Superstition) con un fritto misto di altri elementi (Inferno, Evil dead 2, Amityville horror) filtrati grossolanamente tra di loro, Laurenti, dietro lo pseudonimo di Martin Newlin, gira un prodotto, nei limiti, più raffinato, cercando di non buttare il tutto nel confusionario gore casereccio. Certo di sangue ce n’è molto, e le morti, tante e inventive, soddisfano il palato degli spettatori più truci, ma La casa 4 possiede un fascino che va oltre il budello o i massacri. Certo la storia non è delle più originali con un inizio che omaggia L’aldilà, e l’anima di Hellraiser sempre ben presente nei vari supplizi, ma è la messa in scena a fare la differenza. Laurenti si prende tutto il tempo del mondo per dare il via alle danze di morte, si sofferma sui vari personaggi descrivendoli tutti nei loro stereotipi da vittime sacrificali, la lussuriosa, l’avida, l’iracondo, la vergine, in un’introspezione anomala per un film biecamente d’imitazione. La casa che fa da sfondo alla vicenda, una grande magione abbandonata su un isola del Massachussets, possiede solo a vederla una certa atmosfera da horror terrorizzante, i lunghi corridoi, i fasci di luce, le ombre dietro le porte, lo scricchiolio delle assi marce.
Il cast è poi ricco, con nomi di un certo richiamo per una produzione italica, il David Hasselhoff di Supercar e la Linda Blair de L’esorcista, abbastanza per sentire l’odore di Hollywood in un nostro horror, e abbastanza per portare al cinema gli sprovveduti con la finzione di una produzione americana. A rivestire il ruolo di una strega in nero, l’anziana attrice Hildegard Knef, in una parte pensata con presunzione per Bette Davis, come nell’evidente modello di Ballata macabra di Dan Curtis. La Knef gigioneggia e si aggira tra i corridoi della vecchia magione, vamp di altri tempi incurante degli anni, quasi un riflesso della decadenza della location, perfetta nel ruolo di cattiva da Viale del tramonto in salsa horror. Laurenti è al suo film migliore, azzecca i tempi, ha trovate di una certa suggestione come la radio che trasmette in tedesco o il filmato in bianco e nero accompagnato da una vecchia canzone, riesce a mettere sul fuoco talmente tante cose buone da bilanciare anche le poche cattive, che pur ci sono. Diamo pane al pane e vino al vino: terribilmente malfatti sono i momenti dove i malcapitati protagonisti precipitano in un rozzo Maelstrom con inauditi effetti speciali sovraesposti e disegnati sulle loro urla, e, senza dubbio, è ridicolo il gran finale con il fermo imagine da Gatto Mammone di Nando Cicero sulla faccia della ragazza sopravvissuta.
L’inferno riprodotto da Laurenti è però molto suggestivo, una landa desolata popolata da streghe che riportano alla mente i quadri di Goya, vestite di stracci neri, sudice e con fantocci di bambini tra le labbra. Anche il diavolo viene rappresentato con un certo gusto, stupratore, dal corpo magro, ma la bocca di peste, diverso dal solito caprone da sabba. Ed è proprio lì, per gusto voyeuristico, nell’incontro carnale col Demonio, che possiamo goderci le meravigliose tette di Leslie Cumming, attricetta dal viso di fantasie lascive. Ecco che l’idea dantesca di contrappasso per le morti, riutilizzata dal più famoso Seven di David Fincher, è uno dei guizzi dell’opera: alla vecchia avida viene cucita la bocca e messa a penzoloni sopra un camino scoppiettante, la bella ninfomane viene “penetrata” alla gola da un pesce spada imbalsamato, il suo amante arso vivo su una croce al contrario, l’anziano iracondo soffocato dal suo stesso sangue. Il make up di Maurizio Trani è buonissimo e il film è sadico al punto giusto, cade un po’ nel finale esorcistico (ma è l’obolo da pagare per Linda Blair), restando alla fine un valido esemplare di come potevamo fare grande cinema d’intrattenimento anche arrivando a scippare le idee dagli americani. La successiva La casa 5, pur con una regia elegante e una location azzeccata, fallirà nella noia e nel deja vu, terminando il breve periodo de Le case apocrife, altro rimpianto di un tempo che non tornerà più.
Andrea Lanza
La casa 4 (Witchcraft)
Anno: 1988
Nazione: Italia
Regia di: Fabrizio Laurenti (Martin Newlin)
Scritto da: Harry Spalding, Daniele Stroppa
Cast: David Hasselhoff – Linda Blair – Leslie Cumming – Catherine Hickland – Hildegard Knef
Un ragazzo si sveglia in una baracca nei boschi senza memoria, accanto al corpo di una ragazza soffocata. Sul suo viso i segni di virus e qualcuno dietro la porta che vuole entrare. Che cos’è successo? E cosa c’entrano degli esperimenti avvenuti in Russia su dei bambini? Perché la gente si trasforma in demoni dalla bava nera? La soluzione è nei ricordi.
The Hive è sicuramente la copia più smaccata de La Casa (Evil dead) di Fede Alvarez. Niente di male, soprattutto perché, almeno in questo caso, regista e sceneggiatore ci hanno messo, per lo meno, quei due neuroni necessari per non sentirci trasportati in un film truffa alla Asylum. A dire il vero, leggendo qua e là su internet, non sembra che il pubblico e la critica abbiano apprezzato moltissimo, distruggendo con voti bassi il povero horror di David Yarovesky.
Eppure alla sua uscita nei festival, il film ha beneficiato dell’entusiasmo di James Gunn, l’ex autore Troma più geniale del pianeta, che non voglio neppure mettere in conto che non conosciate, visto il blog che state leggendo. Ma visto che, col volgere di strani eoni, i cammelli riescono a passare sulla cruna di un ago, ed esiste persino un Dylan Dog frocissimo che beve birra con il suo assistente Marcus, in un mondo senza Groucho, tutto può succedere, e posso perdonarvi per questo ed altri peccati. D’altronde c’è chi ama Van Damme e chi Il cammello che piange di Bela Tarr, vogliamo bene a tutti, anche a chi ritiene erotica una settentanne nuda in cam o che crede ancora a Boldi quando afferma che il suo nuovo film è un’opera di spessore, poi si lamenta delle scoregge. Ma stiamo tergiversando e torniamo a James Gunn, che è in ordine:
il regista di I guardiani della galassia, il film del procione spaziale più ganzo dell’universo
Super, uno dei cinecomix che ti fa sentire meno gaio a guardare uomini in calzamaglia picchiarsi
e naturalmente
Slither, una specie di Dimensione terrore più splatter e giosamente disgustoso.
Senza contare che sua maestà James Gunn è l’uomo che è riuscito a scrivere un capolavoro da un capolavoro, ovvero Dawn of the dead il remake, una cosa difficilissima, contando che l’originale di Romero non è oro, di più.
Quindi un po’ di beneficio del dubbio, a Gunn, bisogna pur darglielo, no?
Senza fasciarsi la testa, però The Hive non è un capolavoro, neanche si avvicina, ma è un piacevole passatempo.
E’ un prodotto di serie B, di quelli fatti bene, un horror genuinamente retrò, soprattutto per come gestisce con abilità il basso bugdet, sul modello del primo Sam Raimi. Quindi niente computer grafica da marcioni, per fortuna, ma sangue e coltellate, e l’immancabile liquido nero con frasi gotturali da demoni kandariani, senza, beninteso, che si parli di demoni kandariani o la telecamera provi ad imitare la Raimi cam e i suoi virtuosismi.
Sul trailer si parla di “Memento incontra Evil dead”, frase di lancio che rappresenta benissimo il cuore del film, il matrimonio, in questo caso felice, tra due elementi eterogenei. A dire il vero l’idea di far incontrare il cinema degli immemori (gente che si dimentica chi è per vari motivi) e il cinema degli zombi, era già successo, negli anni 80, col capolavoro Morti e Sepolti di Gary Sherman e, in tempi più recenti, col narcotico Open graves di Gonzalo López-Gallego, ma soprattutto col gagliardo Resident Evil di Paul W. S. Anderson. Eppure saranno i demoni di Evil dead che ricordano poco gli zombi romeriani, ciarlieri e infimi come il Pazuzu dell’Esorcista, ma in questo caso il mix di generi sembra più originale del previsto. David Yarovesky è bravissimo d’altronde ad aggirareil deja vu della storia, merito anche della discreta sceneggiatura, contorta sì, ma capace di catturare l’attenzione dello spettatore grazie ad una tale varietà di temi e invenzioni, a prima vista scollegati l’uno dall’altro.
Sembra molte volte di essere su una montagna russa: si parte dal modello Evil dead e le sue derive splatter per poi diventare una specie di nuova invasione degli ultracorti siegeliani, per poi toccare temi come la malattia e gli esperimenti genetici, confondendo lo spettatore allo stesso modo del suo protagonista spaesato e senza memoria. Nel rapporto tra i personaggi, nella parentesi romantica, nel suo essere un horror di liquami ma anche di sentimenti, The hive riesce ad emergere dalla massa, ad avere un’anima che lo distingue dai vari Mighty Thor Asylum, la stessa anima, che per assurdo, riusciva a fare commuovere nel vedere Ash piangere prima di smembrare Linda ne La casa di Raimi. Non si tratta di mielosità perché il film di David Yarovesky picchia forte quando deve, ma dimostra di saper giostrare bene la materia raccontata, che, anche senza essere pregiata, sa appassionare. E’ cinema certo da artigiani, non da autori, ma per essere anche quello si può crescere no?
Andrea Lanza
The hive
Regia: David Yarovesky
Scritto da: Will Honley e David Yarovesky
Interpreti: Gabriel Basso, Kathryn Prescott, Jacob Zachar, Stephen Blackehart
Musica di Anthony B. Willis
Produczione: Midnight Road Entertainment (distributed da Nerdist Industries)
Uscita: USA – 19 Settembre 2014 (Fantastic Fest), 14 Settembre 2015; Italia (Playstation network con sottotitoli)
Sembra molte volte di essere su una montagna russa: si parte dal modello Evil dead e le sue derive splatter per poi diventare una specie di nuova invasione degli ultracorti siegeliani, per poi toccare temi come la malattia e gli esperimenti genetici, confondendo lo spettatore allo stesso modo del suo protagonista spaesato e senza memoria. Nel rapporto tra i personaggi, nella parentesi romantica, nel suo essere un horror di liquami ma anche di sentimenti, The hive riesce ad emergere dalla massa, ad avere un’anima che lo distingue dai vari Mighty Thor Asylum, la stessa anima, che per assurdo, riusciva a fare commuovere nel vedere Ash piangere prima di smembrare Linda ne La casa di Raimi. Non si tratta di mielosità perché il film di David Yarovesky picchia forte quando deve, ma dimostra di saper giostrare bene la materia raccontata, che, anche senza essere pregiata, sa appassionare. E’ cinema certo da artigiani, non da autori, ma per essere anche quello si può crescere no?
