Luigi Cozzi ha dato una bellissima definizione dei suoi film: pellicole d’imitazione. Cioè prodotti che seguono la moda del momento e li ripetono in piccolo, sicuri di un incasso decisamente buono. Il pubblico vuole super eroi? E noi imiteremo il loro film di maggiore successo economico, la gente abbocca. In questo ragionamento c’è la storia e la caduta dell’industria cinematografica di genere italiana. Con queste premesse si evince che da una parte si giudica il pubblico un po’ un ammasso di individui a cui basta dar qualcosa di raffazzonato e via, quello se lo beve. Due, non si investe nel creare un immaginario nostro, forse non siamo in grado e così ci adattiamo a scimmiottare gli altri. Forse il mio giudizio è fin troppo sbrigativo e severo, nondimeno veniamo da decenni in cui abbiamo giudicato fin troppo positivamente ogni esperienza del e nel genere italiano. Proprio in onore ai grandi maestri e agli artigiani che hanno fatto la storia del cinema italiano non possiamo essere troppo generosi con tutti. Cozzi dalla sua ha un carattere che in parte ammiro. Sa vendersi bene, sa raccontare con gusto la sua storia, tanto che tu alla fine davvero credi che Star Crash sia un film imperdibile. Tutto questo è possibile perché lui ha una grandissima passione per la fantascienza e il fantastico e riesce a trasmetterla agli altri. Peccato non capiti (quasi) mai attraverso i suoi film, ma per la persona provo tanto rispetto.
Il leggendario Cozzi
Dopo il successo di Star Crash, Cozzi decide di far un film che fosse l’imitazione diAlien. Un’opera di pura fantascienza con l’attacco degli alieni ambientata in una grande città. Purtroppo i produttori pensarono bene di spingere il tutto verso le atmosfere alla James Bond, boicottando in vari modi le istanze legate alla fantascienza: il risultato è un film che è un ibrido, a volte indigesto .
Effettivamente la seconda parte, quella nella foresta sudamericana con la Spectre dei poveracci è una parte debole e lo sviluppo della trama stenta a dar soddisfazione.
Il film potrebbe funzionare bene nella prima parte. C’è abbastanza mistero, decenti effetti splatter, un certo mestiere che rende godibile il tutto. La storia raccontata è quella di un’invasione aliena attraverso delle strane uova che una volta toccate creano una reazione nel corpo delle vittime facendole esplodere il loro stomaco. Il tutto viene scoperto perché a New York sta transitando una nave alla deriva. Una volta a bordo i poliziotti e il personale medico scopriranno l’agghiacciante verità.
L’unico sopravvissuto, un poliziotto loquace e divertente, dovrà collaborare con una serissima scienziata per poter salvare il mondo. In loro aiuto un ex astronauta, ormai ridotto uno straccio, tornato cambiato da un viaggio su Marte.
Non siamo nei paraggi di una “cozzata” stile Paganini Horror, qui si sta nei confini della decenza filmica. Cozzi usa sapientemente l’uso del chiaroscuro per rendere credibili gli effetti speciali, compie un duro lavoro affinché il mostro che appare nel finale non ci induca a ridere a crepapelle. Per questo forse l’opera è una delle sue pellicole migliori (ma stiamo parlando di un regista che di pellicole migliori non ne ha fatte nessuna). Però ammiro il durissimo lavoro e l’impegno che chiaramente mette nelle sue cose. Non mi piacciono i suoi film e non lo reputo un regista fondamentale per il genere, applaudo alla tenacia, alla passione che mette in gioco. Ho seguito la vicenda abbastanza interessato e tutta la prima parte credo sia anche valida. C’è mistero, sangue, un disegno rudimentale ma efficace dei personaggi. Paga la sua natura di film a basso budget e gli scontri con la produzione. Sicuramente è datato, superato, ma una visione la consiglio.
Davide Viganò
Contamination – Alien arriva sulla terra
Titolo alternativo: Alien contamination
Anno: 1980
Regia: Lewis Coates (Luigi Cozzi)
Interpreti: Ian McCulloch, Louise Marleau, Gisela Hahn, Marino Masè, Siegfried Rauch, Carlo De Mejo, Carlo Monni
Avete presente quei bei centri commerciali dove potete trovare qualsiasi cosa, dalla Coca zero aromatizzata con l’eucalipto al togli peli dal naso a 99 cent? Beh se la risposta è sì vi sarà quindi capitato di aggirarvi nel reparto audio e video avendo certamente notato un cestone polveroso, pieno di dvd, con film mai sentiti. Sono il magico mondo dei Futurama con action girati nel giardino di casa David Worth, degli Storm video dei Breakdance senza un vero pubblico, e delle etichette tipo la Legocart che spacciano per HD delle vhs registrate a volte male. In mezzo a questi film, sfigati, partigiani, mai benedetti neanche da un culto terrapiattista di adoratori delle feci cinematografiche, potreste trovare un gioiellino. D’altronde lo dice anche il poeta che “dai diamanti non nasce niente, dal letame nascono i fior”. Contagion è quel titolo inaspettato, il bacio ricevuto quando ti aspetti uno schiaffo, la mitragliata che, Santa Madonna dell’Incoronata, salva Vincent Vega da una morte certa e, in questo caso, la vostra serata cinefila.
Non proprio una garanzia
Recita il retro della copertina la seguente e dettagliata trama:
“Mark Clifton è un ambizioso venditore di computer di trentanni. Mentre sta andando dalla sua ragazza Cheryl che è sorella del senatore Herbert Davies, un ricco allevatore del Quuensland, ha un incidente con la sua Porche sulla super strada nota come “il nastro dell’assassinio”. Nel bosco intravede una fattoria e dopo un brutto incontro con una trappola esplosiva raggiunge la casa dove viene aiutato da 2 bellissime ragazze, Helen e Cleo, ospiti di Mr. Bael, un ricchissimo finanziere. Mark ha rapporti con Helen, un’amante molto aggressiva. A Bael, che controlla molti fondi ed è specializzato in “futures” su valute e materie prime, piace Mark e gli offre una parte della sua ricchezza se lavorerà per lui come suo apprendista. Mark entra alla grande nel sistema che prevede di introdursi illegalmente in computer privati internazionali e accesso a chiavi finanziarie e dati personali. Perpreta così una serie di orrendi atti per raggiungere ricchezza e sesso. Cheryl però sospetta che non tutto sia giusto e comincia ad investigare con risultati spaventosi“.
siamo a neanche 5 minuti e presto un motociclista verrà decapitato
Coinvolti? A parte alcuni vistosi errori come “trentanni” e “Porche” devo darvi una brutta notizia: la trama è inventata. Cioè parzialmente inventata, ad essere sinceri, come se qualcuno avesse visto col fastfoward il film bloccandolo di tanto in tanto per capirci qualcosa. Quindi nessuna trappola esplosiva, nessuna sorella del senatore Vattelapesca, nessun nastro dell’assassinio, nessun sistema da hacker anni 80 e mica il nostro si fa solo una delle due ragazze, ma entrambe! Probabilmente uno stagista sottopagato della Futurama sarà il colpevole di tutto questo. Ma chi siamo noi, seduti comodi sulla nostra poltrona, con la pappa calda di mammà e i caloriferi accesi a contrastare il rigido inverno, per rimproverare il povero Ferruccio, 45 anni, cappello al contrario, mai una scopata diversa dal fazzoletto di solitario piacere, e tanta voglia di sfondare in un mondo difficile come quello del lavoro.
tette
Contagion parla sì di un certo Mark che incontra un vecchio mago della finanza e le sue due ancelle, ma prima c’è tutta una parte survival tra Le colline hanno gli occhi e Un tranquillo weekend di paura, poi omicidi, follia e fantasmi mentre il protagonista cerca di intraprendere “la strada dei tre sentieri” che gli donerà il successo meritato. Dire di più sarebbe spoilerare il film che regala un ribaltone nella prima mezz’ora e un colpo di scena prevedibile ma gagliardo nel finale. Il tutto diretto in maniera eccellente e concitata da Karl Zwicky che l’anno dopo, il 1988, girerà l’altrettanto notevole To Make a Killing prima di essere fagocitato per sempre dalla tv e da opere al di là del bene e del male come Il budino magico.
Il budino magico
Dire che Contagion sia scritto bene sarebbe mentire, ma ha una storia abbastanza bizzarra da tenere alta l’attenzione. Certo il film è pieno di sottotrame mai chiuse, di personaggi non approfonditi, ma siamo sullo stesso piano di un Estratto dagli archivi segreti della polizia di una capitale europea diretto da un Freda pazzo, dove è il fascino del non sapere, della potenza delle immagini a sovrastare dialoghi a volte un po’ cretini e trame con più buchi di una gruviera di Topo Gigio. Lo stesso “Contagio” sbandierato nel titolo è una cosa piuttosto fumosa e mai davvero spiegata. Lì c’è tutta l’abilità della supercazzola comunque. Come se fosse antani naturalmente. Capito? No? Allora nella confusione pensi “Geniale!”
Mickey Mouse stupratore
Basti pensare all’inizio, tesissimo, con la macchina da presa a mano che segue la fuga di Mark nei boschi. Non una roba che ti aspetteresti da un dvd da 99 cent del cestone del supermercato, ma da un Wes Craven appena uscito dal porno e con la voglia di orrore urbano. Quando il maniaco prende il protagonista, gli cala i calzoni e comincia a violentarlo indossando una maschera brutta di Mickey Mouse, Zwicky te la fa sentire addosso la sporcizia anche a te, spettatore smaliziato. Nel momento che credi poi di aver capito in che film ti sei cacciato con questi pazzi, probabilmente cannibali, che massacrano donne, con i corpi delle vittime nude e martoriate su dei pali, beh il film diventa altro. Mutaforme e schizzato come il suo protagonista.
Si possono trovare i semi futuri di Wrong turn e probabilmente di questo sgarruppato film se ne ricorderà pure il Tiziano Sclavi di Dylan Dog con Mefistofele, in un’epoca in cui l’indagatore dell’incubo univa gli elementi più disparati, Golem e Terminator, per creare vere opere originali dal non originale. Certo è che l’influenza maggiore per Contagion è sicuramente Shining con un Jack Nicholson altrettanto ammaliato da alcuni fantasmi. I paragoni tra i due film si fermano qui ovvio, nelle ispirazioni, senza levare nulla né a Kubrick in grande né a Zwicky nel suo piccolo artigianato di idee gagliarde e selvagge.
Gli attori, brutti, soprattutto gli uomini, come ogni low budget richiede ma efficaci nella loro parte, non fanno mai pensare ad un prodotto scadente. In più, se il sangue è assente, lo spettatore voyeur può rifarsi gli occhi sulle tette piccole ma splendide delle sue starlette, loro sì comunque graziose come nel caso della generosa Nathy Gaffney.
Parlando tra l’altro di attori brutti come si può non citare il protagonista, John Doyle, una sorta di Gianni Ciardo, l’attore di gioielli poco comici come Doppio Misto con Andrea Roncato, Tinì Cansino e Moana Pozzi?
Ciardo o John Doyle?
Contagion è un discreto esempio di ozploitation, un film australiano di genere, che di solito viene sbeffeggiato ingiustamente nei siti ma che, per chi scrive, è risultato un prodotto interessante e ben confezionato, una sorpresa inaspettata.
Anche il dvd Futurama è sì una vhs riversata, ma una buonissima vhs, che si vede decentemente anche sui 50 pollici.
Al prossimo cestone l’acquisto è obbligatorio, no?
Andrea Lanza
Contagion
Anno: 1987
Regia: Karl Zwicky
Interpreti: John Doyle, Nicola Bartlett, Ray Barrett, Pamela Hawkesford, Jacqueline Brennan, Nathalie Gaffney (Nathy Gaffney), Chris Betts, Michael Simpson, Reg Cameron, Michael McCaffrey, Tracy Nugent, Donna Jan Newby, Deirdree Wallace, Allen Harvey, Michael Stanford, Rosemary Traynor, Maurice Hughes, Melody Scott, Greg Powell, James Kable, Craig Cronin, Penny Tobin, Rod Pianagonda, Louise Ryan, Andrew Johnson, Paula Norman, Vassy Cotsiopolous (Vassy Cotsopoulos), Kerrianne Carr, Hazel Howson
Vampires è un film che all’epoca, il 1998, spezzò in due i fan del regista: chi lo considerò un prodotto di poco conto, chi lo lodò. A distanza di più di vent’anni bisogna riconoscere che il film è invecchiato davvero molto bene.
Maestro
Carpenter, nel girare questa pellicola, prende le distanze dai vampiri di Anne Rice, il modello che allora spopolava, eroi dannati e tormentati, creature tragiche e dannunziane, romanticamente flagellati dal retaggio dell’umanità e delle sue passioni. I suoi vampiri sono invece mostri, belve sanguinarie, succhiasangue senza morale che dormono sotto metri di terra che, quando morsicano, dilaniano la carne. Carpenter non poteva sapere che, soltanto un decennio dopo, le librerie e gli schermi, grandi o piccoli, verranno invasi da vampiri ben diversi dai suoi: gli eterni indecisi di Stephenie Meyer, gli adolescenti efebici che chiedono al cielo e alle margherite se il loro amore è vero. Nel mondo di Carpenter non ci sarebbe stato futuro roseo per i teneri Bella e Edward Cullen, stuprati, uccisi e fatti a pezzi dagli uomini e dai mostri. D’altronde l’evoluzione a volte è crudele. In Vampires il sole non fa brillare nessuno, ma fa esplodere i corpi in mille pezzi, non c’è tempo per frasi d’amore, ma solo per scazzottate o scopate in saloon polverosi, quando la carne si apre sprizza un geyser di ferite, è la realtà che irrompe nell’irrealismo, cinema per machi non per fighette.
Vampires è la quintessenza del film carpenteriano d’appendice, quello dei vari 1997 fuga da New York o Grosso guaio a Chinatown: un personaggio duro e tagliato con l’accetta (Jack Crow interpretato magnificamente da James Woods in un ruolo creato su misura per Kurt Russel), psicologie spicciole, colonna sonora orecchiabile, battute ad effetto e tanto western camuffato da horror. Carpenter amplifica l’idea di sessualità nella figura del vampiro, un’idea che ha il suo apice nella scena della vampirizzazione di Sheryl Lee, un amplesso selvaggio che imita nella morte le gioie dell’orgasmo. Le scene di sangue non sono moltissime, ma le uccisioni sono crudeli e alcuni momenti, come l’attacco nel motel, sono girate in maniera davvero magistrale. All’epoca però non si perdonava un cattivo cosi’ banale come il Valek di Thomas Ian Griffith, ma prendendo Vampires per un fumettone, un diversivo d’autore dopo tanti capolavori, il personaggio risulta coerente nell’insieme dove i buoni sono buoni e i cattivi maledetti figli di puttana da spedire all’inferno. Stop pippe mentali sulle sfumature di colori, no no in Vampires è tutto fottutamente semplice, ma anche divertente come una bella scorpacciata di cucina di mamma dopo tanto sushi sofisticato. Ci vuole pure quello, no?
Non manca neppure la componente politica, cara al regista, accennata, blanda, ma che fa capire che siamo in un vero film di Carpenter con l’idea di una Chiesa padrona, tiranna e matrigna. D’altronde non siamo altro che in una pellicola mutaforme, un horror sì ma sotto un western, un western sì ma ancora più sotto un film su un gruppo di crociati che lottano per Dio per accorgersi che il Dio che servivano è falso. Valek, dal passato di prete, rappresenta la stessa Chiesa che John Crow e i suoi uomini servono, lo stesso simbolo usato per pregare diviene un mezzo per portare la morte sulla Terra, una croce nera che segnerebbe l’alba dei vampiri. Ecco allora che la fede diventa bugia, già nell’idea stessa di creare un gruppo di soldati stipendiati dal Vaticano c’è la blasfemia del concetto di guerra Santa intesa come atto di fede fino alla morte. Ecco allora che un prete dopo un massacro si sbronza e probabilmente va a donne, ecco che un altro non può resistere a passare dal bene al male per le promesse di vita eterna. Alla fine quello che resta non è lo spirito: guardate Jack Crown che nel finale sfida Valek a cazzotti. Uomo contro uomo. Alla fine il resto, come diceva Fulci nel suo racconto più bello, Voci dal profondo, “sono solo enormi bugie”. Non rimane neppure la consolazione di un amore se di amore si può parlare: il futuro incerto di Montoya e della sua compagna presto sarà spezzato dalla mano di Crow. Non è un paese questo per anime semplici.
NOTA
Esistono pure due seguiti di Vampires, I cacciatori delle tenebre (Vampires: los muertos) di Tommy Lee Wallace (Ammazzavampiri 2, It, Halloween 3) con la rockstar Jon Bon Jovi nei panni del nuovo John Crow di turno, e Vampires 3: il tempio di sangue (Vampires: The turning) di Marty Weiss, dove i vampiri questa volta sono orientali e l’aderenza con il modello carpenteriano è pari a zero. Sono entrambi pessimi seguiti che tradiscono la loro natura di prodotti di cassetta senza natura artistica. E’ un peccato perché, almeno nel secondo capitolo, la mano di Tommy Lee Wallace alla regia e Carpenter alla produzione, lasciavano sperare in uno spettacolo meno becero. Ma ahimè per noi così non è stato.
Andrea Lanza
Vampires
Titolo originale: John Carpenter’s Vampires
Anno: 1998
Regia: John Carpenter
Interpreti: James Woods, Daniel Baldwin, Sheryl Lee, Thomas Ian Griffith, Maximilian Schell, Tim Guinee, Mark Boone jr.
E’ il 1998 quando Robert Rodriguez termina The faculty. Siamo ancora lontani dai fasti e dalle miserie che lo porteranno a girare Sin city e gli Spy kids, dagli esperimenti quasi pionieristici con le videocamere digitali al grido di rivalsa di un simpatico cazzaro con talento che ora vuole essere considerato artista.
Robert nel 1998 ha alle spalle il piccolo miracolo di El mariachi, girato con i soldi della mancia della nonna e venduto in tutto il mondo, uno strepitoso Desperado, l’amicizia nascente con Tarantino, e poco più. Anzi un po’ di più sì: è bravo, bravo da far paura, a livello tecnico è uno dei migliori registi sbarcati in America, qualcosa a metà tra il Sam Raimi più folle e il John Woo dei bei tempi passati, più bravo tecnicamente per esempio del buon Quentin. Il 1998 segna il suo incontro con un’altra promessa del cinema, questa volta horror, quel Kevin Williamson che scriverà Scream, So cosa hai fatto, metterà le mani sulla saga di Halloween, proverà a fare malamente il regista per poi sparire come un fuoco di paglia tra serie tv e insuccessi cinematografici, Alita compresa.
Ma il 1998 è ancora il suo anno, la stella di Williamson brilla forte ad Hollywood, ed ecco che incrociando quella di Rodriguez i due partoriscono questo The faculty. Chiariamo ogni dubbio non stiamo parlando di un capolavoro, non lo era nel 1998, non lo è alle soglie del 2020, ma di un onesto film che nella sua ora e tre quarti riesce a spaventare, divertire ed appassionare. E’ il prodotto di serie B che ha una sua dignità, che non ha pretese diverse dal raccontare una storia che intrattenga, quel prodotto medio che forse ora non esiste più e se esiste viene rivestito d’oro come Jennifer’s body, ma che risulta più onesto e meno intellettualoide nel suo finto citazionismo di, per esempio, un Planet terror.
The faculty inizia citando L’invasione degli ultracorpi con questi alieni che si sostituiscono ai pacifici abitanti di una cittadina perché, come dice uno dei protagonisti, “Se tu fossi un extraterrestre incominceresti dalla casa bianca o da un paesino dove poter fare con comodo?” Gli alieni di Rodriguez e Williamson vengono tratteggiati in maniera anomala rispetto al prototipo siegeliano: bevono acqua in quantità industriale, non esitano ad usare armi bianche per sottomettere i futuri involucri di carne e mantengono le emozioni. Ma non sono meno pericolosi: annullano la volontà del corpo ospite per immettere la propria volontà, i propri pensieri, il proprio vissuto, quindi gli umani diventano solo vestiti per extraterrestri.
Ed è qui che arriva il colpo di genio, l’unico modo per sconfiggerli è strafarsi, sniffare droga, perché gli alieni ne saranno avvelenati. Ecco che in un gioco citazione de La cosa di John Carpenter i ragazzi protagonisti si troveranno, pistola puntata alla testa, a drogarsi per capire chi è il mostro. Un calcio al politically correct hollywoodiano: i nuovi eroi sono gli outsider, la (finta) lesbica, l’atleta con velleità intellettuali, il nerd, lo spacciatore, con un’unica arma per sopravvivere, sballarsi. Ecco quindi che The faculty acquista una propria dignità più del facile gioco delle citazioni, il reclutare nel cast la Piper Laurie di Carrie per ritagliarle un ruolo di cattiva, le battute metacinematografiche che tanto piacciono allo sceneggiatore, l’aria da complotto anni 50, perché The faculty grida una propria originalità di fondo che sublima ogni spunto passato nella contaminatio di essi. Gran cast con Robert Patrick (Terminator – il giorno del giudizio), Famke Janssen, la Fenice di X men, Jordana Brewster di Fast and Furious, Eliah Wood prima de Il signore degli anelli, Josh Hartnett pre Scarlet Johansson e Brian De Palma. La bella e nudissima Laura Harris invece ha fatto niente o quasi nel futuro, ma va a lei il dialogo finale più riuscito, la performace che si ricorda di più, quasi un ruolo citazione di Space Vampires di Tobe Hooper. “Alla fine noi vinciamo e voi perdete”. Non questa volta, baby.
NB La versione integrale originale del film includeva un personaggio di nome Venus (interpretato da Kidada Jones) presente in circa cinque scene, poi tagliata al montaggio. Viene mostrata però in alcuni spot e in una pubblicità di jeans con tutto il cast. La si può notare in una scena nella versione vulgata mentre sta guardando con i suoi amici, ovvero i protagonisti del film, la “nuova specie” nell’acquario.
Kidada, prima di essere trombata al montaggio, che ride spensierata col resto del cast
H. P. Lovecraft a metà anni 80 era tornato alla ribalta soprattutto grazie all’Empiredi Charles Band che aveva confezionato due capolavori splatter, Re-animator e From Beyond, tratti da due racconti brevi del solitario di Providence. Da lì una sorta di lovecraftspoitation era dilagata nei cinematografi e nelle vhs, una mania che aveva creato negli anni più mostri che perle preziose, filmacci come Lurkin Fear (1994) di C. Courtney Joyner, da un progetto abortito di Stuart Gordon sempre per l’Empire, o il delirante La casa di Cthulhu (1992), abominio spagnolo diretto dal sempre poco talentuoso Juan Piquer Simón, autore del(lo) (s)cult Pieces.
Già negli anni 60/70, grazie ad un pugno di pellicole, si era cercato di imporre al grosso pubblico il nome di Lovecraft, ma, malgrado opere eccellenti come La città dei mostri (The Haunted Palace, 1967, Roger Corman da Il caso di Charles Dexter Ward), La morte nell’occhio di cristallo (Die, Monster, Die!, 1965, Daniel Haller da Il colore dello spazio) e Le vergini di Dunwich (The Dunwich Horror, 1970, Daniel Haller da L’orrore di Dunwich), il tentativo era fallito. Era evidente che l’universo mostruoso ed onirico di H. P. non faceva presa sugli spettatori come invece quello di Edgar Allan Poe che aveva fatto la storia dell’horror cormaniano.
Ah le vhs!
La creatura arriva in piena lovecraftmania ed è uno dei primi tentativi, con La fattoria maledetta (The curse) di David Keith, di bissare il successo dei film di Stuart Gordon. Girato con l’esiguo budget di 350000 dollari, in sole tre settimane, tratto dalla novella L’innominabile, calcava la mano dello splatter sulla falsariga di Re- animator. Non dovette comunque essere un grandissimo successo al box office, visto che per il seguito passarono ben 5 anni, ma ricordo perfettamente che in vhs, nell’edizione stracazzutissima della VIVIVIDEO, faceva la sua porca figura con questo mostro urlante tipo banshee che ti faceva cagare sotto solo a guardarlo.
Il film fu diretto da Jean-Paul Ouellette in un’epoca dove la Francia non era ancora stata sdoganata dal cinema euroamericano di Luc Besson. Oltretutto il regista fece appena in tempo a girare negli States un action marziale pregevole, Chinatown Connection con lo sconosciuto Bruce Lyovvero Lung Tsu Chiao ovvero Yung Henry Yu al fianco del Lee Majors de L’uomo da sei milioni di dollari, e naturalmente The Unnamable II: The Statement of Randolph Carter, La creatura 2 se fosse uscito mai in Italia. Dal 1993 Jean-Paul Ouellette, che nella sua carriera può vantare la seconda unità di Terminator di Cameron, ha abbandonato quasi del tutto la regia, dirigendo in 26 anni solo due cortometraggi, l’ultimo This Thing About My Wife è del 2019, un dramma su un ménage à trois tra un corridore brasiliano, la moglie e la sua amante.
Tette
Ultimante ho letto cose molto negative su La creatura, critiche oltretutto ingiuste con aggettivi come trash (ecco una parola da abolire in campo cinematografico), noioso o stupido. Ho rivisto da poco il film di Ouellette e l’ho trovato di certo non un capolavoro, nessuno comunque lo pensava neppure nel 1988, ma comunque un prodotto ben fatto, divertente e con una creatura mostruosa dal make up fantastico. Fa sorridere è vero che questo gruppetto di persone si aggirino all’interno di una casa senza mai sentire le loro grida o incrociarsi (quanto diavolo era grande?), ma alla fine The unnamable è girato molto bene, con un sapiente uso delle luci per mascherare la povertà del budget, delle gustose scene splatter e le tette, fantastiche, della stuntgirl promossa ad attrice Laura Albert. In più il gruppetto di attori non sembra mai un saldo da brutto B movie e Mark Kinsey Stephenson è un perfetto Randolph Carter in versione teen.
Splatter
Su questo punto poi ci sarebbe da aggiungere che La creatura, più che un sotto Re-animator, sembra invece una risposta horror low budget a Piramide di paura (1985, Young Sherlock Holmes) di Barry Levinson, con la declinazione adolescenziale del mondo lovecraftiano e dei suoi personaggi. Una sorta di What if Marvel o Elsewords DC, per intenderci, con linee narrative alternative e ipotetiche. E se Randolph Carter avesse vissuto le sue avventure al college? E se Lovecraft fosse stato il suo compagno di stanza? Queste le domande che si pone il film.
9 ore di make up
Il racconto di Lovecraft era sì riadattato alle esigenze del copione ma manteneva inalterate alcuni suggestioni importanti come i vetri che possono catturare il volto delle persone o la presenza di un essere inquietante in una soffitta.
La creatura, Alyda, era interpreta da Katrin Alexandre al suo unico film. Trovare foto dell’attrice senza make up è quasi impossibile, ma il lavoro degli effettisti è stato eccezionale, un trucco che richiedeva 9 ore per rendere credibile il mostro, ogni pezzo era creato su misura per la sua interprete per agevolarle i movimenti. Un vero miracolo considerato il budget modesto. Si racconta oltretutto che per le scene di sbudellamenti vennero utilizzate vere interiora animali, tra cui un cuore di agnello.
Nel 2 forse non c’era tempo per il make up
La novella L’innominabile di Lovecraft non aveva un seguito perciò Jean-Paul Ouellette per girare La creatura 2 si ispirò ad un’altra avventura del ciclo di Randolph Carter, The Statement of Randolph Carter, che in linea temporale era però la prima. Non avendo nessun aggancio con la storia del precedente film, la sceneggiatura è appena ispirata al racconto. Quindi, per i primi dieci minuti, si affronta, come nella parte letteraria, il viaggio del nostro giovane studioso e di un professore, il Dottor Warren, nelle profondità della terra. Lì i due scopriranno che la creatura è imprigionata da una serie di radici magiche, ma anche, sorpresona, che nascosta in lei c’è una parte buona, l’Alyda umana.
Amico, non mi frega del film.
Stavolta il bugdet è più alto, ben un milione di dollari, e la lavorazione si allunga a cinque settimane con l’ausilio stavolta di stunt dove nel primo film non c’era possibilità di controfigure nelle scene più pericolose.
Amico, neanche a me frega del film.
Katrin Alexandre stavolta si rende disponibile solo per una giornata e perciò viene messa a contratto la modella di Penthouse Julie Strain, bellissima ma purtroppo nascosta dal pesante make up. La sua creatura stavolta è un gigante infatti la ragazza misura ben un metro e 85.
Julie Strain senza make up da mostra
Il personaggio di Tanya Heller, fidanzata di Howard, l’amico di Carter, viene liquidato in fretta senza neppure chiamare l’attrice Alexandra Durrell. Al suo posto riveste il ruolo di protagonista, nei panni di Alyda, la stupenda Maria Ford, una sosia di Alyssa Milano, così bella al naturale che la chirurgia plastica negli anni la devasterà peggio che la sua controparte mostruosa.
La bellissima Maria Ford ora distrutta dalla chirurgia estetica
Visto che il film è più ricco si riesce a chiamare per qualche posa il grande David Warner e, qualche giorno di più, il futuro Gimli de Il signore degli anelli, John Rhys-Davies, all’epoca Sallah de I predatori dell’arca perduta.
Il problema è che, budget a parte, The unnamable 2: The Statement of Randolph Carter è nettamente peggiore al primo film.
Partiamo subito dal fatto che il mix tette e sangue viene tradito da una versione PG13 de La creatura: gli squartamenti ci sono ma vengono mostrati solo ad atto compiuto con l’aggravante di alcune morti proprio fuori campo mentre i nudi non sono neanche pervenuti. Cioè Jean-Paul Ouellette ha tra le mani una modella di Penthouse e non la spoglia neppure in flashback, e scrive il personaggio di Alyda come una ragazza sempre svestita ma appiccica sul corpo di Maria Ford dei capelli copri seni? Qui rasentiamo la follia! Certo ogni tanto si vedono le chiappette strafantastiche della protagonista ma sembra la fiera della froceria nel mondo degli etero allupati!
Capelli copri pudende
Anche la regia in 5 anni è peggiorata e non l’aiuta la decisione della sceneggiatura di mostrare in azione il mostro all’aperto: così senza le suggestive luci, senza accorti tagli di montaggio, il più delle volte sembra di assistere ad una puntata più gore di Buffy l’ammazzampiri, con lo stesso gusto non gusto per i pupazzoni di lattice. Per di più la creatura ad un certo punto cerca di spiccare un volo col risultato di apparire come un mostro dei Power ranger trascinato dai cavi volanti.
Chiappe che presagiscono peccati mai portati in scena
In The unnamable 2: The Statement of Randolph Carter entriamo nel vivo dell’azione dopo quasi 45 minuti di chiacchiere e scene alla Maial college: in queste, Randolph e il suo amico Howard portano Alyda tutta nuda nel loro dormitorio mentre alcuni compagni battono il 5 malpensando in un’orgia. Inutile dire che sono i momenti più idioti di una pellicola che non spicca per una grande intelligenza dei suoi comprimari e li manda al massacro senza scervellarsi molto sul perché.
Zio, si ciula, vero?
Un peccato perché questo poteva essere un buon seguito, contando anche le buone interpretazioni degli storici protagonisti della serie, Kinsey Stephenson e Charles Klausmeyer. Invece il film perde il divertimento, l’atmosfera lovecratiana e la sfrontata exploitation che tanto ci avevano fatto amare l’originale. Non stupisca che questo numero 2 sia rimasto inedito in Italia e che abbia meno fama del suo primo capitolo.
Due fighe spaziali a confronto
Dimostrazione che il budget ricco non fa il buon film. Da recuperare solo a fini di completezza o con la scusa, giustissima, di rivedersi La creatura, un cult adolescenziale per tutti noi amanti del cinema horror ottantino.
NB Il dvd del primo film ad opera della Red Spot è scandalosamente un riversamento della vecchia vhs. In più i tizi non si sono neanche sbattuti a cercare informazioni sul film visto che sbagliano 1) a raccontare la trama 2) a dire che il film è inedito al cinema quando ha un visto censura del 26/08/1988. Per fare certi lavori a cazzo di cane sarebbe meglio non farli!
Andrea Lanza
NB Il flano cinematografico de La creatura è stato fornita gentilmente dall’amico Lucius Etruscus che ci ricorda l’uscita esatta del film in Italia: l’8 settembre 1988. Vi consiglio di guardare il suo blog dedicato alle locandine d’epoca, IPMP – ITALIAN PULP MOVIE POSTER, imperdibile e imprescindibile.
The unnamable II: The statement of Randolph Carter
Anno: 1992
Regia: Jean-Paul Ouellette
Interpreti: Mark Kinsey Stephenson, Maria Ford, John Rhys-Davies, Charles Klausmeyer, Peter Breck, David Warner, Julie Strain
Nel 1981 Oliver Stone non era ancora nessuno ad Hollywood: alle spalle aveva solo la sceneggiatura per Fuga di mezzanotte di Alan Parker, che gli valse comunque l’Oscar, e un misconosciuto horror dal titolo Seizure, prodotto dai canadesi. Però Oliver Stone, da lì a qualche anno, sarebbe diventato un nome importante per Hollywood macinando successi e cult, sia come sceneggiatore che come regista, con titoli come il Conan di Milius, lo Scarface di De Palma e poi i suoi Salvador, Platoon e Wall Stret.
Nel 1981 però era un creativo, alla soglia dei quaranta, con, soprattutto, un sogno irrisolto nel cassetto: portare al cinema il libro Nato il quattro luglio di Ron Kovic, una biografia su un soldato che aveva perso l’uso delle gambe in Vietnam, un progetto che sembra nessuno volesse realizzare. il regista racconta la sua frustrazione al New York Times del 15 Maggio di quell’anno:
“Ho scritto ben otto bozze. Al Pacino stava per recitare, ma alla fine si è tirato indietro. E’ una maledizione: il cofinanziatore tedesco, dopo che sembrava tutto lì lì per partire, ha dichiarato fallimento e abbiamo dovuto cancellare il film. Nessuno vuole aiutarmi: lo scropt è stato rifiutato due volte da ogni studio in città, ma mi piacerebbe ancora farlo. Non penso che la storia del Vietnam sia stata ancora raccontata con lucidità. Il Vietnam ha incasinato molti ragazzi. Io stesso mi sento ancora un mostro. Quando sono tornato alla NYU, che all’epoca era un focolaio di radicalismo, gli altri studenti mi consideravano un assassino. Non è mai stato oggetto di discussione, nessuno ne ha mai parlato, ma penso che tutti i veterani si sentissero messi da parte. Il tasso di suicidio tra di loro è enormemente alto“.
Nato il quattro Luglio resterà un sogno fino al 1989 cambiando attore protagonista, non più Al Pacino ma la stella emergente Tom Cruise, e diventando uno dei più grandi successi della carriera di Stone.
Ma torniamo ai primi anni 80 dove, sempre leggendo il New York Times del 15 Maggio, scopriamo che La mano fu un successo, perlomeno critico.
“Il film horror The Hand che ha debuttato a New York e Los Angeles, e ha avuto molte recensioni entusiastiche, sta arrivando in tutte le sale degli States” scrive la giornalista/scrittrice/modella Chris Chase, la stessa che interpretò il cult di KubrickIl bacio dell’assassino sotto lo pseudonimo di Irene Kane. Il suo è un articolo particolare che si focalizza, più che sulla recensione del film, sul ritratto di Oliver Stone come artista emergente.
La mano da noi invece non arrivò mai al cinema ma sbarcò prima su vhs Warner e poi in tv. Stando al sito Davinotti la prima ci fu lunedì 13 aprile 1987, su Rete 4, nel ciclo “Ultimo spettacolo. Inediti illustri“. Esiste pure un dvd, sempre Warner, ma ormai introvabile.
Stone giocava in casa scegliendo come seconda opera, un altro horror dopo il suo debutto con Seizure del 1974, un film bizzarro, a tratti incomprensibile e dal culto di solo pochi ammiratori. Stavolta però la Orion Pictures e la Warner Bros. garantivano una maggiore visibilità presso il grande pubblico.
Il prezioso sito Davinotti
Se le recensioni all’epoca furono buone, non si può dire lo stesso di quelle recenti che lo definiscono il più delle volte “banale” o “una delle peggiori regie di Oliver Stone”. Che The Hand non sia un capolavoro è sicuro, ma è un buon B movie girato dignitosamente, dal buon ritmo e da una buona recitazione generale.
Lo spunto iniziale per la pellicola è il romanzo, quasi contemporaneo, di Marc Brandel, The lizard’s tail, titolo che deriva da una scena presente anche nel film: la coda di una lucertola staccata reagisce come viva quando la figlia del protagonista sta per toccarla.
Stone arriva già svantaggiato in un genere, quello delle mani assassine, che di nuovo ha ben poco da dire ma riesce, grazie ad una sceneggiatura ben strutturata, a ribaltare il prevedibile in una sequela di colpi di scena ben assestati. Sul tema c’erano già stato Il mistero delle 5 dita (The Beast with Five Fingers) del 1946 di Robert Florey, un episodio de Le cinque chiavi del terrore, 1965, di Freddie Francis e, tornando agli albori del cinema, il classico Le mani dell’altro (Orlac’s Hände), 1924, di Robert Wiene (più i suoi due remake). Quello che stupisce ne La mano è la sua struttura inaspettatamente ambigua: la sceneggiatura è ben attenta ad insinuare il dubbio nello spettatore che alla fine, forse, non esiste nessuna mano assassina se non nella testa del protagonista.
The hand è uno dei rari horror che ha come personaggio principale un fumettista. Oltre a questo possiamo ricordare L”Ork di Carl Buechler, il delirante Occhi dentro di Bruno Mattei e lo sfortunato Notte profonda di Fabio Salerno. I disegni visti nel film di Stone sono opera di Barry Windsor-Smith, vero illustratore per Conan il barbaro della Marvel.
Una tra le cose migliori nel film è la recitazione di Michael Caine: schizofrenica, con sbalzi di umore repentino. Il suo Jonathan Lansdale è un anomalo antieroe, un protagonista antipatico, egoista e egocentrico, qualcuno con il quale empatizzare è davvero difficile.
A suo modo The hand è un apripista per gli horror che verranno: basti vedere il combattimento finale tra Caine e la sua mano quanto anticipi scene analoghe di La casa 2. Non solo: dal film di Stone, più che dai citati modelli precedenti o dalle influenze letterarie, prenderà a piene mani il successivo, e ottimo, No Control – Fuori controllo di Eric Red.
Gli effetti speciali sono a cura di Carlo Rambaldi che definì il suo lavoro più “difficile” di quello analogo per King Kong, soprattutto perché stavolta si trattava di rendere credibile il movimento della mano di un uomo e non quella di uno scimmione gigante. Il reparto make up invece è coordinato da un altro nome illustre nel genere, Stan Winston, da lì a poco artefice dei bellissimi effetti di Terminator di Cameron. Si contano più di trenta mani cattive in scena e lo stesso regista definì l’esperienza “elettrizzante”.
Per quanto riguarda Michael Caine fu un film alimentare: dopo l’esperienza positiva nel genere con L’isola e Vestito per uccidere, cercava solo un altro ruolo di paura per continuare la catena del successo. The hand gli servì poi soprattutto per restaurare un garage che aveva appena comprato quindi per lui alla fine un film sarebbe valso un altro. I detrattori considerano questa una delle peggiori interpretazioni dell’attore al pari del successivo Lo squalo 4, altro film girato per evidenti ragioni finanziarie. A torto perché, se nel quarto capitolo del pescione assassino, l’interprete è palesemente svogliato, qui invece è persino gigionesco, sempre ad un passo dall’overacting senza fortunatamente esserlo mai.
Durante le riprese Caine e Stone (che nel film interpreta un barbone molesto) instaurarono una bellissima amicizia, ma, casualità del destino, i due non lavorarono mai più insieme.
La mano non calca mai nel sangue o nelle nudità, anche quando la trama lo permette, e cerca una messa in scena più elegante della media e sottilmente psicologica. Il punto forte però della pellicola è il finale shock che, per efficacia, può essere accostato alla chiusura spaventosa di Carrie di Brian De Palma.
In più questa è una pellicola che straordinariamente mette in scena ritratti di donne forti, non le solite vittime, ma persone plausibili anche nel reale, a partire dalla Anne Lansdale, interpreta da Andrea Marcovicci, la moglie che lascia il protagonista per inseguire un desiderio personale di libertà ed emancipazione, alla Stella Roche di Annie McEnroe, una ragazza dagli appetiti sessuali non diversi da quelli degli uomini, sincera senza false inibizioni da vergine sacrificale o da mignotta stereotipata.
Alla fine questa di Oliver Stone è una delle sue pellicole meno note, ingiustamente, e che va vista per quello che è: un discreto horror di serie B che sa regalare brividi genuini. Cercare un capolavoro equivale a rimanere delusi.
Da riscoprire.
Andrea Lanza
La mano
Titolo originale: The hand
Anno: 1981
Regia: Oliver Stone
Interpreti: Michael Caine, Andrea Marcovicci, Annie McEnroe, Bruce McGill, Viveca Lindfors, Rosemary Murphy
Esistono film così brutti che sfiorano il sublime, film che sai in cuor tuo che sono scritti male, girati peggio e interpretati cagnescamente, eppure… eppure… resti lì, davanti alla tv, intontito come dopo un sonoro uppercut, ad aspettare la fine. Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla fa parte di queste ammalianti pellicole del brutto: un reperto negato a noi italiani finché l’etichetta Freak Video non l’ha riesumato, in inglese e con i sottotitoli nel nostro idioma. Oltretutto un trattamento di qualità per un film che ha ben 67 anni sul groppone: dvd che si sente e soprattutto si vede benissimo, un bianco e nero pulitissimo che rende finalmente giustizia ad un capolavoro dell’infimo americano, finora circolato, in lingua originale e senza sottotitoli, in versioni ad un passo dalla vhs, brutte e sfuocate.
Il gorilla di Brooklyn
Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla è uno dei 372 film girati dal prolifico regista William Beaudine, attivo fin dal 1915 al cinema e in tv, un tuttofare adatto per tutti i generi senza mai davvero specializzarsi in uno. Suoi sono molti episodi di Lassie, di The Green Hornet con Bruce Lee, di Rin Tin Tin, caposaldi della tv che vedevamo da ragazzi, ma sue sono anche perle di goduriosa indecenza come Jesse James Meets Frankenstein’s Daughter e Billy the Kid Versus Dracula, entrambi del 1966, follie che in un mondo perfetto non avrebbero mai visto la luce, ma per fortuna siamo avvolti dal peccato.
Perle
Oltretutto William Beaudine è forse uno dei pochi casi di regista che uscì con due film dopo essere morto. Si trattava di La furia del drago e di Superdraghi della notte, del 1974 e 1976, copia e incolla di alcuni episodi de Il calabrone verde ad uso e consumo dei fan necrofili di Bruce Lee. L’altrettanto sfortunato Beaudine se n’era andato nel 1970, a 78 anni per uremia, lo stadio terminale dell’insufficienza renale, lasciando così come testamento due scalcagnati film non film, non indegni di molte sue pellicole girate da vivo.
Ad Hollywood era conosciuto per essere un regista veloce e affidabile: un artigiano dell’industria cinematografica come ora non ce ne sono più. La sua carriera comunque non fu carente di gratificazioni: ricoprì il ruolo di assistente per D. W. Griffith nel celebre Nascita di una nazione (1915) e nel suo seguito Intolerance (1916).
Quando Beaudine girò Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla era il 1952 ed era già a fine carriera: gli offrivano copioni sempre più scadenti e sempre con meno soldi. Il suo successo maggiore era stata la collaborazione con il gruppo comico dei Bowery Boys, una serie di pellicole di basso profilo ma redditizie come Let’s Go Navy! o Ghost Chasers, entrambi del 1951, non lontane come qualità dalle analoghe di Gianni e Pinotto.
Dean Martin e Jerry Lewis della serie Z
Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla metteva in scena come star Duke Mitchell e Sammy Petrillo, due spudorati cloni di Dean Martin e Jerry Lewis, un po’ come capitò da noi in Italia con Paul Smith e Michael Coby, due sosia di Bud Spencer e Terence Hill in film acchiappa gonzi.
No non sono Bud Spencer e Terence Hill
Inutile dire che i due protagonisti, sia nella versione Dean Martin che nella sua spalla comica, non funzionano mai: troppe battute squallide che non fanno ridere, aggravate da un’esasperazione della mimica facciale di Petrillo che scade spesso e volentieri nello stucchevole. In più Duke Mitchell sembra imbalsamato, persino imbarazzato davanti alla macchina da presa e tra i due non c’è mai l’alchimia delle grandi coppie comiche, da Stan Laurel e Oliver Hardy ai nostri Franco e Ciccio. Una cosa abbastanza disagiata soprattutto se si pensa che per lavoro il duo si esibiva nei vari cabaret o night, in locali che non potevano permettersi i veri Dean Martin e socio.
Leggenda vuole che la carriera di Petrillo fu stroncata, ad appena 16 anni dallo stesso Lewis. Il ragazzo infatti conobbe di persona il suo mito che lo fece lavorare come comparsa in un suo spettacolo tv (interpretava l’attore in culla), ma da allora, pur avendo avuto buone recensioni critiche, si trovò senza lavoro. Lewis era rimasto sconvolto, sembra, dalla somiglianza, anche nei gesti, con Petrillo tanto da intimargli serio “Non firmare assegni a mio nome”. Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla fu l’ultima goccia: Lewis andò su tutte le furie e le porte della televisione si chiusero per sempre, in spettacoli importanti, per Sammy Petrillo.
Martin Landau, leggenda racconta, nel prepararsi ad interpretare Bela Lugosi per Tim Burton vide per ben tre volte questa pellicola definendola “La cosa peggiore mai fatta tanto da far sembrare i film di Ed Wood Via col vento“.
Diciamo che il giudizio è esagerato: Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla non raggiunge mai le vette di squallore nella messa in scena di un Bride of the monster o di un Plane 9 from outer space. E’ solo un brutto film che sembra avanspettacolo portato al cinema, con fondali palesemente di plastica che simulano una foresta tropicale e non più di dieci attori in scena per formare il cast.
In più la sceneggiatura sembra improvvisata con una storia che ha del delirante e che vuole questo vecchietto, Bela Lugosi in una interpretazione comunque non disprezzabile, che vuole farsi a tutti i costi la figlia del capo villaggio degli indigeni. Solo che, problema non sottovalutabile, lei lo schifa e preferisce la compagnia del manzone Duke Mitchell che si metterà a cantarle la terribile Deed I Do con un’accompagnamento musicale di trombe e sax invisibili. Ecco allora che il diabolico Lugosi, che sappiamo chiamarsi Dr. Zabor e che ha un castello nella giungla dove conduce esperimenti per trasformare le scimmie in esseri umani, ha un guizzo da folle fumetto: farà diventare il suo rivale in amore un gorilla. (Risata diabolica)
Non aspettatevi scene truci alla Korang – La terrificante bestia umana di René Cardona o echi da I delitti della Rue Morgue di Edgar Allan Poe, ma un mix tra il futuro Scooby Doo e i film con Gianni e Pinotto. Tra l’altro il modello, un mix tra horror blando e commedia, sembra essere proprio il loro Il cervello di Frankenstein del 1948, nel quale Lugosi interpretava per l’ennesima volta Dracula.
La cosa incredibile è che Duke Mitchell non solo non è aggressivo ma da gorilla continua a cantare la sua Deed I Do con voce gutturale. Questa è una sequenza davvero oltre: inconcepibile solo che l’abbiano pensata e poi trasposta in scena.
Il film comunque è pieno di momenti di sublime delirio: dal servo che si chiama Chula pronunciato come CIULA ed è pure alto, grande e, diciamo, non proprio un genio, agli indigeni che, oltre a parlare perfettamente inglese, mangiano per cena banane in un ritratto che più razzista non si potrebbe. Tralasciamo poi le gang con una ragazza cicciona che non fanno mai ridere, con un secondo gorilla femmina che, come in Una poltrona per due, vuole trombarsi il nostro povero Duke Mitchell, goffissimo e fintissimo nel suo costume da primate da due dollari. In più come guest star troviamo Cheetah, ma non una Cheetah qualunque, proprio la scimmietta che interpretò l’amica di Tarzan nei film di Weismuller e di Lex Barker, anche lei a fine carriera, vecchietta ma la migliore del cast con Lugosi.
La bella indigena invece è interpretata dall’avvenente e scosciatissima Clara Isabella DeFreitas, qui col nome d’arte di Charlita, attrice che non fece grande carriera al cinema e finì il suo percorso artistico nel 1972.
Inutile stendere troppe altre parole per un film che dura neanche 80 minuti e che non possiede neppure un vero finale. Eppure, come detto, a discapito della sua fattura è un aborto cinematografico che vale la pena recuperare per il buon ritmo, per le trovate surreali involontarie o solo per la curiosità di vedere un indecente Jerry Lewis/Dean Martin movie interpretato da sosia, costato solo 50000 dollari e finito in 9 giorni.
Il titolo originale cambiò comunque da White Women of the Lost Jungle a The Boys from Brooklyn fino ad arrivare al curioso Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla che, Lugosi o meno, non portò in sala nessuno.
Andrea Lanza
Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla
Regia: William Beaudine
Interpreti: Duke Mitchell, Sammy Petrillo, Bela Lugosi, Charlita, Muriel Landers, Al Kikume, Mickey Simpson, Milton Newberger, Martin Garralaga
Quando una forza misteriosa decima la popolazione mondiale, una cosa è certa: se la vedi, ti togli la vita. Affrontando l’ignoto, Malorie trova amore, speranza e un nuovo inizio, solo per vederseli sfuggire. Ora deve scappare con i due figli lungo un insidioso fiume, verso l’unico possibile rifugio. Ma per sopravvivere dovranno affrontare il pericoloso viaggio di due giorni con gli occhi bendati.
45 milioni, tante sono le visualizzazioni che Bird Box, horror catastrofico, sta macinando in questi giorni sulla piattaforma di streaming Netflix. Ormai il cinema è anche questo, non solo una sala, ma proprio il salotto di casa nostra con pellicole che nulla hanno da invidiare a quelle che sbarcano nei multiplex. Gli haters si inalberino pure a suon di forconi, ma è indubbio che titoli come Tau di Federico D’Alessandro, Mute di Duncan Jones o La fine di David M. Rosenthal sono di pregevole fattura con gli stessi difetti di un Transcendence su maxi schermo. Certo la magia del popcorn, dei ragazzini che urlano davanti alle scene che non hanno fatto mai paura neanche al fantasma formaggino sono impagabili, ma Netflix non dev’essere il demonio ma un passo necessario dell’evoluzione tecnologica: se si vuole lo si fruisce sennò amen, i multisala resteranno sempre in piedi con o senza di esso.
Bird Box non è un bel film, scansiamo ogni dubbio, ma è un film comunque interessante, che paga lo scotto di un primo tempo disastroso, povero e raffazzonato per poi ingranare, coinvolgere e impantanarsi ancora in un finale di pochezza inenarrabile.
Non ho idea di quanto del libro omonimo di Josh Malerman (da noi uscito per PIEMME come La morte avrà i tuoi occhi) sia rimasto in questa pellicola, ma sono evidenti, almeno a livello cinemagrafico, i dazi da pagare ad uno sci-fi più o meno recente, E venne il giorno (The Happening) di M. Night Shyamalan, nel quale, lì come qui, una forza sconosciuta spinge le persone al suicidio. Bird Box perde la sfida proprio con quel film a livello spettacolare perché il budget di appena 20 milioni non permette di mettere in scena un’apocalisse degna di nota con gente che si getta contro camion in movimento, che si lascia bruciare come bonzi buddhisti, un mondo che sulla carta dovrebbe essere vibrante ma che ricorda solo una brutta intro per un gioco della playstation, 1 si intende non 4. Siamo ai livelli miserabili, per intenderci, di una produzione alla Renzo Martinelli che cerca di scimmiottare Hollywood, il Barbarossa contro Braveheart, Vajont contro Deep impact, in questo caso il mondo caotico di The Dawn of the dead di Zack Snyder di fuoco e olocausti virato in una poveracciata, come direbbe la nostra Silvia Kinney Riccò, senza paragoni.
Dopo non è meglio, soprattutto quando il film diventa una specie di remake lovecraftiano di La notte dei morti viventi con personaggi antipatici che dicono cose sensate e altri empatici che risultano dei coglioni. Bird box migliora quando si lascia alle spalle le pretese da blockbuster hollywoodiano e si trasforma in un home invasion claustrofobico per poi accelerare con il ritmo quando sterza nel survival con una fuga incredibile ad occhi bendati.
E’ quando smorza il suo cast concentrandosi solo sulla Bullock, una magnifica milf graziata dal tempo, che il film risulta interessante, che riesce a far sentire anche allo spettatore l’angoscia prima di un luogo chiuso per poi ributtarlo in pasto ad un intero mondo allo sbando, senza il ricorso degli effetti speciali stavolta ma con la magnifica idea della privazione della visione.
Così abbiamo un film spezzato, da una parte le ambizioni spettacolari inattese dall’altro un prodotto più intimista nelle corde della sua regista, non molto a suo agio in un’opera dalle forti sterzate di action orrorifico.
Sarah Paulson e il cammeo tra un American Horror Story e un altro
Il cast è buono anche se sembra di assistere ai saldi di un discount con attori un tempo sulla cresta dell’onda come John Malkovich, ora ridotti a fare da spalla incolore alla protagonista, anch’essa lontana dal successo di neanche vent’anni fa.
Attori bravi in saldo a fare parti inutili
Sembra che l’azzeccata scelta di non far vedere i mostri sia stata motivata soprattutto dalla cattiva resa degli effetti speciali. Lo sceneggiatore Eric Heisserer racconta “C’è stato un periodo in cui uno dei produttori ha detto – No, a un certo punto devi mostrare qualcosa- e mi ha obbligato a scrivere in pratica una sequenza in stile incubo in cui Malorie deve affrontarne uno in quella casa. Era tipo un serpente e ho pensato -Non voglio vederlo quando accade. Portatelo nella stanza e basta. Gireremo la scena-. Mi sono girato e il “mostro” era lì che mi ringhiava contro. Mi ha fatto ridere. Sembrava semplicemente un lungo bambino ciccione. Era un uomo verde con una terrificante faccia da bambino“.
La donna serpente di Jennifer Lynch
Non palesando l’immostrabile, il film comunque ci guadagna tantissimo. Lo stesso problema se l’era posto Jacques Tourneur che, nel girare il bellissimo La notte del demonio, nel 1957, ben 14 anni dopo i suoi exploit horror/fantastici degli anni 40, lottò con tutte le forze per non mettere in scena il suo mostro, il diavolo, perché ridicolo. A differenza di Susanne Bier e del suo Bird Box gli riuscì peggio: il produttore impose la creatura, tanto da sbandierarla nelle locandina.
Il demonio di Jacques Tourneur
Certo che il demone di Tourneur tanto odiato dal suo stesso autore aveva comunque fascino, malgrado il pensiero del regista. Il “lungo bambino ciccione” mi accende invece i peggiori effetti speciali visti negli horror serpenteschi da La tana del serpente bianco di Ken Russel all’invisibile Hisss di Jennifer Chambers Lynch.
Le somiglianze con il recente A Quiet Place – Un posto tranquillo (A Quiet Place) di John Krasinski esistono, inutile negarlo, ma sembra che il mistero non sia una scopiazzatura da parte di Netflix ma deve essere ricercato nelle influenze che il romanzo di Josh Malerman, anno 2015, ha avuto sul film (semi)muto con Emily Blunt.
E’ all’ordine del giorno, notizia freschissima, che negli States il tasso di cretinismo sia aumentato grazie anche a Bird Box generando degli inaspettati idioti dell’ultima ora che, usando l’hashtag #birdboxchallenge, hanno iniziato a guidare e filmarsi bendati come i protagonisti del film.
Come diceva Cicerone “O tempora, o mores“, tradotto liberamente “la madre dei coglioni è sempre incinta”.
Andrea Lanza
Bird Box
Anno: 2018
Regia: Susanne Bier
Interpreti: Sandra Bullock, Trevante Rhodes, John Malkovich, Sarah Paulson, Jacki Weaver, Rosa Salazar, Danielle Macdonald, Lil Rel Howery, Tom Hollander, Machine Gun Kelly, BD Wong, Pruitt Taylor Vince, Vivien Lyra Blair, Julian Edwards, Parminder Nagra, Rebecca Pidgeon, Amy Gumenick
L’ultima preda del vampiro, conosciuto all’estero come The playgirls and the vampire, è una pellicola del 1960 scritta e diretta da Piero Regnoli,uno di quegli uomini di cinema che hanno fatto la storia del genere in Italia scrivendo centinaia di sceneggiature senza privilegiare nessun genere. Opere anche dozzinali però efficaci, capaci di catturare l’attenzione del pubblico inteso di massa. Il classico, importante, lavoro di quelli che una certa critica togata con tono sprezzante definisce “mestieranti”.
Questa volta il nostro si dedica al genere horror raccontando la storia di cinque “playgirls” accompagnate dal loro “impresario” che si fermano a passar la notte in un castello, causa crollo del ponte che collega la zona in cui stanno transitando con il luogo d’arrivo. Avvertiti di non fermarsi, il gruppo ignora l’avvertimento e si dirige verso il castello. Qui faranno conoscenza con il padrone di casa e la loro governante. Altro avvertimento: “Chiudetevi in camera e non uscite di notte”.Ovvio che una delle ragazze non darà ascolto a queste parole e andrà incontro alla morte.
La tragica notizia verrà superata dalle ragazze e dal loro impresario facendo le prove del loro spettacolo.
Una parola su come si eccitavano gli spettatori di simili film negli anni sessanta: con alcune donnesemi svestite che “ballano” lentee con movimenti anche un po’ comici. Tuttavia all’epoca bastava lasciar credere che si sarebbe vista un po’ di carne ignuda, che la popolazione maschile accorreva a vedere il film. Non dimentichiamo che il nostro Paese allora era diverso. Un po’ bigotto e rigido, per cui queste opere avevano il compito di forzare il limite del lecito da mostrare e- seppur in modo grossolano e dozzinale- li possiamo considerare come i primi passi verso una certa libertà sessuale sia nei film che nella società, seppure senza consapevolezza politica e di genere, ma per far soldi a palate.
L’erotismo è presente fin dall’inizio nella pellicola.Regnoli gioca con i chiaroscuri della buona fotografia- il film usa molto bene le suggestioni del bianco e nero- per cui è sempre in bilico tra mostrare i corpi e lasciarli immaginare. Qua e là affiorano alcune raffinatezza pressoché introvabili in altre pellicole del genere.
Credo che l’apparizione della vampira a seno nudo, ai tempi, fosse una scelta davvero azzardata e forte. Come se il gioco tipico dell’erotismo al cinema “vedo/non vedo” sia servito per superare lo sguardo vigile della censura e infine ecco a voi i seni della vampira in primo piano.
Ma davvero è l’erotismo l’elemento di reale interesse circa questo film? In realtà no. Quello che mi ha ammaliato, interessato di questa pellicola non del tutto riuscita, imperfetta e a tratti un po’ tediosa è l’ambientazione di un tipico film gotico nell’era moderna.
Il castello,la ragazza che è sosia della moglie deceduta e mai scordata dal cattivo di turno, le voci del villaggio circa la natura maligna del proprietario del castello. Tutti elementi usati anche in film d altra e più alta caratura artistica in quel periodo, ma sempre legati ad ambientazioni in un medioevo poco realistico o meglio ancora nel 1800. Un po’ come avveniva in Inghilterra con la Hammer o in America con Corman.
Regnoli però sposta questi elementi e vi rimane fedelissimo negli anni sessanta. Un po’ per metterci le donnine discinte certo, nondimeno è una trovata di sceneggiatura davvero geniale. Tanto che anche il pericoloso vampiro, che semina morte e terrore nel castello, non è il classico succhia sangue vestito da signorotto medioevale o con il mantello. No, il mostro in questo film veste giacca e cravatta. Un classico e qualunque impiegato o manager d’azienda. In questo l’opera si potrebbe dire in anticipo sui tempi, lo scrivo anche per far felice quei lettori che vedono cose magnifiche e rivoluzionarie in tutti i film dimenticati o sgangherati perché so che “in anticipo sui tempi” procura loro diversi piaceri.
Il film usa tutti gli elementi che il genere horror possa offrirgli facendogli bene omologare tra di essi. C’è anche il padrone di casa buono che fa esperimenti nel suo laboratorio per fermare quella terribile malattia che per lui è il vampirismo.
Non manca nemmeno una storia d’amore e un happy end che non stonano affatto con l’insieme.
The Playgirls and the vampire è un film piccolo, che usa vari registri pescando a pieni mani in diversi generi senza arrivare a creare nulla di memorabile o potente dal punto di vista della rilettura del genere. Però è abbastanza interessante, ha dalla sua una buona fotografia e momenti anche interessanti. Certo le parti che dovrebbero terrorizzare fanno ridere tantissimo, colpa di un cast non proprio formato da attori e attrici riconosciuti per bravura e credibilità.
Un prodotto da consumarsi con affetto per quel cinema di serie B che da un po’ di tempo è diventato così importante e amato da migliaia di cinefili (de internet). A me in fondo non è dispiaciuto per nulla. Pur non ritenendolo all’altezza dei lavori di Bava, Margheriti, Freda.
Davide Viganò
L’ultima preda del vampiro
Anno: 1961
Genere: horror (bianco e nero) Regia: Piero Regnoli
Interpreti: Lyla Rocco, Walter Brandi, Maria Giovannini, Alfredo Rizzo, Tilde Damiani, Corinne Fontaine, Leonardo Botta, Marisa Quattrini, Antonio Nicos (Antoine Nicos), Erika Di Centa (Erika Dicenta), Enrico Salvatore
Di Trauma avevo letto solo critiche poco lusinghiere: tanti giri di parole per definirlo alla fine una cagata di quelle peggiori, i film pretestuosi. Quanta acredine e ingiustizia: la pellicola di Lucio A. Rojas è girata bene, dal ritmo indiavolato, un horror anche divertente, fermo restante che devi avere uno stomaco di ferro per le varie truculenze presenti. Siamo in puro territorio da exploitation anni 70/80, gli stessi luoghi che abbiamo percorso da cinefili con le famiglie disfunzionali di Tobe Hooper, con i serial killer scalpatori di William Lusting, e con gli stupri selvaggi, senza vasellina, di I spit on your grave, L’ultima casa a sinistra ma anche nel sempre poco citato Death Wish.
supercazzola
Certo Trauma è anche un film che fa incazzare, che non ti permette però, se lo odi, di dichiarare subito che è merda, perché, a suo modo, è un film subdolo e furbo: è come un miserabile mendicante che un giorno tira fuori dal suo sacchetto cencioso un vestito buono, d’alta sartoria, si rade, si fa’ una doccia e si beve un caffè al tuo bar. Cioè tu sai che è Jean Paul il barbone che vive con 44 cani in una catapecchia, che una volta l’hai persino visto mangiare un ratto in un vicolo con un sorriso beato da baubau kinghiano, ma il tuo cervello ora è in corto circuito, i vestiti, il profumo, persino il mignolo alzato mentre dice “C’est magnifique“.
Ecco Trauma è così: un rozzo exploitation dalla confezione ottima che usa una supercazzola qualunque per darsi un tono, in questo caso un contesto storico per giustificare i suoi mostri, la dittatura di Pinochet in Cile. Il problema è che questa cornice impegnata è intercambiabile con altre più futili senza che il risultato cambi di una virgola: che i pazzi cannibali incestuosi di Rojas siano figli della guerra o di una cometa importa poco, tanto ambiziosamente artificiale è l’impegno di denuncia del regista/sceneggiatore.
distogliere l’attenzione
Diverso era il caso di Srdjan Spasojevic: se toglievi al suo A Serbian film tutto il sottotesto politico allora sì che diventava solo un film sadico e non la bomba emozionale che effettivamente è stato. In Trauma con o senza Pinochet invece hai lo stesso identico, buon film sadico. Con la variante che A Serbian film è un capolavoro e Trauma un buon intrattenimento per ragazzacci. Cosa non male comunque. D’altronde questa pellicola, girata con soli 180 mila euro (stando a quello che scrive IMDB) è inaspettatamente stilosa con una fotografia patinata che stride davanti agli ambienti sporchi e malsani, con una regia forse non troppo inventiva ma tremendamente efficace, un piccolo miracolo di tecnica che non è esente da sbavature, ma sono le stesse che potresti trovare in un horror miliardario di Nispel.
Vedendo Trauma mai che ci sia una sola volta che pensi alla miserabilità del budget, anche perché nei momenti evidentemente più pauperistici il buon Rojas è lesto a diventare un mago alla The Prestige. E’ la famosa tecnica delle tette: ad un film noioso o in un deragliamento narrativo bisogna infilarci delle sane bombe mammarie. Così lo spettatore nella sua semplicità si perde, lo inganni, non ha visto l’asso nascosto nella manica, mon ami. Lo stesso qui: : è vero che almeno in un’occasione c’è una sparatoria da Jean Claude Van Damme dei sobborghi di Sofia, ma la dimentichi, non le dai importanza perché il buon Lucio è veloce ad intervallarla con uno squartamento feroce, così distogli lo sguardo e voilà ti ricordi solo dell’effettaccio, questo davvero figo.
Trauma è un film che non punta al corteggiamento da primo appuntamento, ti infila una mano nella patta dei pantaloni e ti sussurra sicuro “Divertiamoci“. Già la prima scena porta gli spettatori in prima fila nell’orrore: una donna dal viso pesto subisce la violenza più infame, uno stupro da parte del figlio adolescente sotto viagra, un atto voluto dal suo stesso padre, un comandante dell’esercito cileno. Rojas si spinge oltre, in una scena già ideologicamente disgustosa, con la testa della donna che viene fatta saltare in aria mentre il ragazzo continua a spingere, spingere con gli occhi assenti e la follia che avanza. Da qui è un luna park di orrori: altri stupri, sperma confuso col sangue, acido che corrode i visi, mascelle strappate, bambini torturati e tanto altro.
Prendere o lasciare sicuramente, ma, nell’ottica di stare vedendo solo un film, Trauma diverte come uno slasher cattivo, è uno spettacolo sadico ma non pedestre, uno splatter che cerca consolazione nel reale per poi rivelarsi tremendamente irreale, un horror di mostri immortali, di situazioni cretine trattate con la stessa serietà né più né meno di un Friday 13th col divieto ai minori di 30 anni.
Meglio di Sendero, l’opera precedente del regista, rozza e a tratti imbarazzanti, che però aveva nel suo andamento zoppicante già i semi inespressi di questo Trauma. Certo è che se prendi la pellicola di Rojas con troppa serietà arrivi a notare il suo tallone di Achille, una sceneggiatura scema, superficiale e irritante come poche che ad un certo punto tenta pure un discorso femminista eleggendo, come in un James Cameron anni 80, una donna a protagonista stracazzuta, ma è come quando si faceva gli intellettuali di sinistra per scopare di più, nessuno davvero ci credeva.
Ora come ora Trauma è un film semi invisibile, almeno in rete, ma su amazon.com si trova senza problemi il blu ray con i sottototitoli inglesi. Non preoccupatevi se masticate poco le altre lingue, i dialoghi alla fine sono pochi e di certo non scritti da David Mamet. Io comunque ve lo consiglio.
Andrea Lanza
Trauma
Regia Lucio A. Rojas
Anno: 2017 (Cile)
Interpreti: Catalina Martin, Macarena Carrere, Ximena del Solar, Dominga Bofill
La mano da noi invece non arrivò mai al cinema ma sbarcò prima su vhs Warner e poi in tv. Stando al sito 
Ecco Trauma è così: un rozzo exploitation dalla confezione ottima che usa una supercazzola qualunque per darsi un tono, in questo caso un contesto storico per giustificare i suoi mostri, la dittatura di Pinochet in Cile. Il problema è che questa cornice impegnata è intercambiabile con altre più futili senza che il risultato cambi di una virgola: che i pazzi cannibali incestuosi di Rojas siano figli della guerra o di una cometa importa poco, tanto ambiziosamente artificiale è l’impegno di denuncia del regista/sceneggiatore.
