La creatura del cimitero (recensione 2)

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Brad Dourif, cinema, David Andrews, film, Graveyard Shift, horror, Kelly Wolf, la creatura del cimitero, Ralph Singleton, recensioni, stephen king, Stephen Macht

C’è stato un periodo non molto lontano in cui uscivano alla velocità della luce, al cinema mica solo in vhs, tantissimi film tratti da Stephen King, dove la parola d’ordine era quantità più che qualità. Si arrivavano a saccheggiare non solo i romanzi, ben prima che arrivasse l’apocalisse delle miniserie tv del Re, ma anche i racconti della mitica raccolta A volte ritornano. Il primo, vado a memoria, mi sembra che fosse l’efficace Grano rosso sangue del 1984 di Fritz Kiersch che generò tipo ottocento milioni di sequel tutti uguali e quasi tutti terribili, compreso un inutile remake. Prima ancora, ad essere sinceri, c’era una raccolta di cortometraggi, da noi uscita (male) solo in vhs, dal titolo 4 storie per non dormire con, tra l’altro, manco farlo apposta, una trasposizione poverissima di I figli del grano, lo stesso che ispirò appunto Grano rosso sangue. Beh comunque questo per dire che il nome di Stephen King era così importante, negli anni 80, da vendere qualsiasi cosa, basta ci fosse appiccicato in copertina il suo nome.

Il racconto originale de “La creatura del cimitero”, 1974

A volte però ai vari registi riusciva bene l’operazione allunga brodo dei vari racconti come nel caso di A volte ritornano di Tom McLoughlin, di The mist di Frank Darabont o, perchè no, di Brivido dello stesso King, ma a volte, il più delle volte, uscivano cose che, se non brutte, non c’entravano nulla con King come Il Tagliaerbe di Brett Leonard (e il suo seguito nel cyberspazio) o The mangler di Tobe Hooper e le sue declinazioni future tra teen movie e torture porn. 

La creatura del cimitero è uno dei parti cinematografici peggio ricordati dai fan dello scrittore, tratto da un raccontino presente (ancora!) nella raccolta A volte ritornano, Secondo turno di notte.

Inutile dire che del racconto ispiratore,  il regista Ralph S. Singleton ha mantenuto soltanto l’idea di fondo ovvero un gruppo di operai, chiamati per pulire le cantine di uno stabilimento tessile, alle prese con dei topi molto particolari, soprattutto un ratto gigante. Per arrivare a questo, all’incontro con il rattone assassino, purtroppo dobbiamo prima subire una lunga parte introduttiva che ci presenta i vari personaggi, nessuno davvero interessante. Certo anche la seconda parte non è proprio questa meraviglia, visto che l’idea kinghiana di una razza di topi mutata geneticamente, capace anche di volare, viene semplicizzata in un pipistrellaccio gigante dalla coda di panteganona, una cosa che non ci credi finché non la vedi. Però il ritmo è veloce, il sangue scorre copioso e ci si fanno tante risate, più di un film comico, soprattutto quando per uccidere il mostrone il nostro eroe gli lancia, con una fionda da Pierino, una Pepsi cola alla faccia della pubblicità occulta!

Il film è invecchiato meglio di come si presentava all’epoca, sarà merito dei brutti film tratti da King che sono seguiti dopo, da I sonnambuli di Mick Garris a tutte le brutte serie tv con a capo il principino delle merde su piccolo schermo, i Tommyknockers – Le creature del buio di John Power. Fatto sta che La creatura del cimitero, anno 1990, a vederlo ora, 2017, è un bello spettacolo da drive in, onesto, dignitoso, ignorante e terribilmente divertente anche nei difetti. Degli attori se ne salvano due, il luciferino Stephen Macht nei panni del cattivissimo Warwick e il grande Brad Dourif (chi non ricorda Qualcuno volò sul nido del cuculo?) in quelli dello sterminatore di topi. Oddio ad essere buoni, verso il finale, anche il futuro Wishmaster Andrew Divoff abbandona una recitazione monocorde per cercare di dare un barlume di umanità al suo personaggio, ma è troppo tardi purtroppo. Il resto del cast è qualcosa di scandaloso, facce granitiche, brutte ragazze che fingono di essere strafighe, zero feeling tra di loro e soprattutto zero empatia col pubblico, un disastro totale che almeno il doppiaggio italiano stavolta salva parzialmente.

Non fighe

La parte del leone comunque è solo di Dourif, la voce di Chucky la bambola assassina, che entra in scena cinque minuti, sciorina uno di quei dialoghi che avrebbe fatto la sua porca figura in un film di Chuck Norris, a base di topi vietcong infilati a forza in ferite umane e serviti “Au nature… senza maionese”. Chapeau!  

Stephen Match invece non ha grandi dialoghi ma è cattivissimo, così cattivo che fa cose stupide da fumetto di serie Z, tipo licenziare a random l’amante solo per farla uccidere, mandare a morire il povero Dourif senza un perché e vestirsi da Rambo dei poveri nelle fogne ammazzando tutti pur di salvarsi la vita (senza peraltro riuscirci).

Un ruolo sobrio

La creatura del cimitero però, come detto,  resta un horror divertente anche per queste stronzate, non è un bel film assolutamente ma è piacevole, un buon B movie come quelli che uscivano in vhs a flotte e che guardavi, 5000 lire a noleggio, con altri trecentomila titoli che ti forgiavano nel tuo percorso cinefilo peggio che una notte con i guardiani della notte di John Snow. 

Ralph S. Singleton che ha nel suo curriculum vitae una grandiosa carriera come secondo assistente alla regia di grandi film come Taxi driver, Il giustiziere della notte, Quinto potere, I tre giorni del condor, ha tentato, fallendo, di girare per conto proprio questo unico horror. Non esiste un momento in La creatura del cimitero che ricordi il buon cinema, non un guizzo, un movimento di camera, un banale tecnicismo che faccia alzare la testa del regista dalle fogne dei suoi topi per dire “Avete visto che sono bravo?”.

Ratti vietcong senza maionese

La creatura del cimitero costò ben 10 milioni dell’epoca, fu prodotta e distribuita dalla Columbia, ma sembra un film molto più povero, scurissimo e con effetti speciali risibili. Il pipistrellone viene inquadrato per di più nei dettagli, con prevalenza per la testa gigante, ma rivela la sua natura raffazzona fin dalla sua prima apparizione.

E’ un film che non fa mai paura eppure, grazie alla sua ambientazione sudicia e fetida, ti lascia addosso lo schifo come se, anche tu spettatore, fossi in mezzo a quello scantinato insieme a cadaveri e topi.

Usare una Pepsi come arma negli anni 80 non era pubblicità occulta

La sceneggiatura di John Esposito (Talos l’ombra del faraone) ha qualche finezza come chiamare lo stabilimento tessile (uno vero e abbandonato nel Maine) con  il nome di “Bachman” in omaggio allo pseudonimo usato da King per i suoi libri più pulp, Richard Bachman.

Non ce la sentiamo di disprezzare questo film, anzi ne consigliamo la visione in una notte spensierata, magari proprio in una maratona di Halloween con birra, pizza e amici. In questa dimensione così ignorante è un film che può stupire, divertire e piacere, il cosiddetto guilty pleasure che si nasconde dai club dei cinefili ma che ha un posto fisso nel nostro cuoricino di eterni amanti dell’horror e “di ciò che in esso vi  è di inesplorabile”.

Andrea Lanza

NB Nel 2013 il nostro Davide Viganò ha recensito questo film, ma, dopo una visione notturna, ho sentito il bisogno di un nuovo articolo che rendesse giustizia ad un titolo così sgarruppato ma divertente . La recensione precedente, sempre validissima ma discordante da questa, la trovate qui

NB2 Nello scrivere questa recensione erano così tante le scene folli che ho voluto concentrarmi sulle marachelle di Brad Dourif e Stephen Match ma dai commenti di questo articolo il prode Lucius Etruscus, il menestrello del cinema dimenticato e dei libri gagliardi perduti, ci ricorda una scena a base di topi e Beach boy che meritava di essere raccontata in modo speciale. Ecco quindi in calce uno stralcio di una recensione datata 2009 del nostro Lucius:

“Nel complesso, la sceneggiatura risulta troppo slabbrata, con una esagerata quantità di tempi morti e di scene lunghe che non si trasformano mai in suspense. Si lascia troppo spazio a personaggi in realtà privi di storia mentre si soprassiede su una spiegazione soddisfacente dell’esistenza di un mostro in cantina. Ad onor del vero, però, va testimoniato come neanche King spieghi come in soli dodici anni possa nascere una nuova razza di ratti né quale legame possano mai avere con i pipistrelli, se non quello del luogo comune. Non mancano comunque scene di divertito humor nero, come quella dei topi che, per sfuggire ai violenti getti d’acqua della squadra di lavoranti, si lanciano su “scialuppe” formate da pezzi di legno e sembrano fare surf mentre scorrono le note di “Surfin’ Safari” dei Beach Boys. Il tutto però è annacquato dalle lungaggini di una sceneggiatura incerta, non supportata da una regia esperta.“.

La creatura del cimitero

Titolo originale: Stephen King’s Graveyard Shift

Anno: 1990

Regia: Ralph Singleton

Interpreti: David Andrews, Kelly Wolf, Stephen Macht, Brad Dourif

Durata: 90 min.

 

HazMat

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andrea lanza, hazmat, lou simon, recensione, slasher

HazMat è senza dubbio un brutto film, di quelli che trovi nello scaffale del tuo discount preferito a 1 euro e 99 insieme a Ozzy il cucciolo coraggioso o ad un film a scelta con Nicolas Cage. La sua anima povera, miserabile e deprimente la si percepisce fin dalle prime immagini, dalla messa in scena arrabattata, dal suo essere quasi commovente nell’agonizzare un’ora e mezza senza una trama. Eppure HazMat alla fine dei conti fa il suo dovere, non annoia mai e regala un paio di sequenze niente male che produzioni ben più ricche si sognano, anche con un budget vero. Certo resta un brutto film per svariati ed evidenti motivi, ma anche un titolo onesto, la serie C divertente che ti rallegra la domenica pomeriggio come una Barbara D’Urso al sangue.

Ho preferito HazMat

La trama è semplice e banale: una troupe televisiva, specializzata in scherzi macabri, si trova a dover fronteggiare un vero serial killer in un edificio abbandonato. E’, per farla semplice, una scopiazzatura del contemporaneo Scare Campaign, da noi uscito in edizione deluxe per la Midnight factory, mischiato a ESP – fenomeni paranormali. Solo che non ha il budget del primo, un pregevolissimo slasher crudele, nè la fantasia del secondo, una sorta di Silent Hill mocku. Siamo in terreno POV con la telecamera di sorveglianza il più delle volte a fungere da occhio divino, ma purtroppo la natura già semi amatoriale dell’opera fallisce nella finzione di realismo del genere, complice anche la cattiva recitazione del cast, il doppiaggio italiano atroce e dialoghi dementi. Non ci si appassiona mai a questi personaggi che fanno cose stupide, dicono cose sceme e vanno incontro alla morte con la prontezza di un kamikazen fiero del suo suicidio.

In cosa funziona allora il film?

Nelle singole scene, nella costruzione della tensione e, perchè no, in un efficace assassino che, memore il minatore di Bloody valentine, spaventa con una maschera semplice ma d’effetto. 

Oltretutto il titolo, HazMat, si riferisce proprio all’abbigliamento del killer che si veste con una tuta anticontaminazione usata dai soldati per le fughe di materiali tossici.

Il film cerca ad un certo punto pure una via fantastica con una storia di possessioni appena accennata, ma che ci sia o non sia una spiegazione logica alla follia del cattivo di turno poco importa, HazMat è uno slasher ignorante, puro come pochi se ne fanno in questo nuovo millennio e, nei suoi limiti, un luna park macabro che riesce a creare disagio soprattutto quando il killer si aggira, respiro ansimante, per i corridoi della struttura. 

Sia dato atto che la regista Lou Simon, cubana di nascita, sa giostrarsi bene con la materia infima, ha una buona mano e riesce nell’intento disperato di farci sembrare labirintica una struttura che nella realtà aveva poche stanze, come leggiamo su IMDB. Noi di Malastrana VHS poi appoggiamo le donne regista siano la gagliarda Jennifer Chambers Lynch che le gemelle Soska che qualche altra avventuriera del genere, perché l’occhio femminile riesce sempre a portare linfa nuova ad un cinema, come quello horror, che, salvo rari casi,  è sempre stato territorio di caccia del maschio.

Noi non possiamo consigliare questo film, ma siate certi che, se darete ad HazMat un’occasione, potrebbe sorprendervi. Non è l’horror di una vita, ma quella serie C da gustarsi a rutto libero soprattutto in queste giornate di afa incredibile.

Andrea K. Lanza

HazMat

Anno: 2013

Regia: Lou Simon

Interpreti Norbert Velez, Aniela McGuinness, Todd Bruno, Gema Calero, Giordan Diaz, Tom Stedham, Reggie Peters, Daniela Larez, Mario Nalini, Dennis Spain, Brandi Rudicil, Massiel Checo

Durata: 90 min.

Brivido (Maximum overdrive)

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ac/dc, brivido, dino de laurentiis, goblin, maximum overdrive, plan 9 from outer space, recensioni, spiderman, stephen king

Brivido è stato la pietra tombale del cinema di Stephen King, l’idea balzana ma affascinante che il Re potesse essere tutto, uno e trino come Dio, scrittore, sceneggiatore e regista. Tanto quindi dev’essere sembrata la pillola più amara quando lo spettatore e il fan si sono trovati davanti allo spettacolo popcorn e un po’ scemo di Maximum overdrive, un film nato sfortunato,  che probabilmente non avrebbe avuto critiche così feroci se non fosse stato diretto da Stephen King.

Per fare le cose bene devi farle da solo

Facciamo però un passo indietro prima di parlare del film, definito da molti la “peggior pellicola dell’universo”, e concentriamoci sul trailer americano.

Buio. Una figura si avvicina alla camera, possiamo vedere Stephen King con barba e sguardo allucinato che esordisce con frasi come “Io sono Stephen King, molti registi hanno provato a fare dei film dai miei libri, ma non erano me. Per fare le cose bene devi farle da solo“. Musica di Halloween 3 in sottofondo, una produzione sempre De Laurentiis, e, sullo sfondo, gargantuelico e minaccioso, un camion dalla faccia del Goblin, nemico de L’uomo ragno, con occhi rossi e luciferini.

Stephen King e l’uomo ragno

Per fare le cose bene devi farle da solo. Ecco la frase incriminata, il seme di Caino che genera sconforto e miseria tra gli uomini. Con una frase così devi essere davvero un fottuto John Holmes in un mondo di minidotati perché, se così non fosse, tutti, prima o poi, scopriranno il tuo segreto e a nessuno piace essere preso in giro. A nessuno.

Stephen King è un uomo che si è fatto da solo, sulla scia del sogno americano classico. Faccia da tonto, occhiali spessi, nessuno avrebbe davvero dato un soldo di cacio a questo ragazzone del Maine, eppure Stephen King, senza amicizie importanti, è diventato lo scrittore horror più venduto nel mondo, a partire da quel Carrie che aveva buttato nel cestino e che, grazie a Dio, è stato recuperato dalla moglie Tabitha.

Leggo Stephen King da quando ero ragazzino e posso dire con una certa sicurezza che non esistono libri brutti del Re, alcuni sono capolavori assoluti e penso a Salem’s lot o alla raccolta A volte ritornano, altri magari peccano nel manierismo come Insomnia, ma tutti sono libri che meritano di essere letti, densi di idee interessanti e con quella sua capacità unica di saperti parlare come se ti conoscesse nell’intimo, sia tu povero, ricco, istruito o meno.

Il suo rapporto col cinema è sempre stato un po’ conflittuale, con il desiderio, a volte impossibile, di non essere stuprato o interpretato da altri. King dev’essere solo di King, questo è sottinteso, e questo lo ha portato al desiderio, all’hubrìs, di produrre mostri dalla fattezza di lunghissime e noiose miniserie. Tutto molto Stephen King è vero, senza tagli o alzate di capo, ma tutto anche così poco King perché questi pseudo telefilm da It a La tempesta del secolo sono soprattutto impersonali bigini dei libri che abbiamo amato.

C’è la leggenda che Stephen King non capisca un cazzo di cinema e questa asserzione deriva dalle frasi sprezzanti dello scrittore su Shining di Kubrick. Apriti cielo! Questa però è una metà della storia perché non si riporta mai che, prima, il regista di Lolita e altri grandi film dichiarò che il libro di King era schifezza e salvava solo il soggetto. Ora io credo che, anche per spirito di amore proprio, se qualcuno definisse una cagata il nostro lavoro, qualsiasi esso sia, noi lo difenderemmo a spada tratta, così fece King con Shining, rispose guerra alla guerra, magari impuntando i piedi come un bambino capriccioso, disprezzando a priori l’opera di Kubrick, ma, per come la vedo io, a ragione. Poi non dimentichiamo che senza King Shining non si sarebbe mai fatto, quindi se vogliamo asserire che King non capisce un cazzo di cinema, dobbiamo aggiungere che forse Kubrick non capiva un cazzo di letteratura, anche perché Shining libro è ancora oggi un capolavoro. Senza nulla togliere a Shining il film.

Negli anni 80 un film con il nome di King sulla locandina ti portava in sala, sia fosse stato il Creepshow di Romero che la Christine di Carpenter, questo lo capì il produttore De Laurentiis che mise sotto contratto lo scrittore per scrivere e supervisionare le opere tratte dai suoi libri. Nacquero esperimenti interessanti come L’occhio del gatto o Fenomeni paranormali incontrollabili, divertissement come Unico indizio la luna piena e  appunto Brivido.

Sembra che fu proprio il produttore a stuzzicare l’ego di King chiedendogli “Perché non giri tu un film?” e King che di tecnica cinematografica non sapeva nulla, non si mise a ridere, ma rispose spavaldo “Ok” spiazzando un po’ tutti. Da qui non si poteva tornare indietro.

King aveva in mente fin dall’inizio chi avrebbe voluto come protagonista, il cantante Bruce Springsteen, ma De Laurentiis non accettò perché non trovava molto commerciale la mossa. “Chi diavolo è questo Bruce Springsteen? C’è un attore bravo che si chiama Emilio Estevez ed è il figlio di Martin Sheen, lui è la scelta giusta“. Non sappiamo se questa sia stata la mossa migliore, certo è che Brivido con Bruce Springsteen avrebbe acquistato un altra dimensione, uno stato di culto ancora maggiore. Lui il Boss che aveva cantato Born in USA contro la guerra in Vietnam,che ci aveva commosso con The river, ora davanti ad un camion gigante, armato di bazooka come un cazzo di Chuck Norris, che urlava “Lo vuoi la supposta, man?”.

Al mio posto ci doveva essere il Boss che esclamava sexy “Te la rasi tutti i giorni” a Laura Harrington. Capisci, Goblin?

Concludere le riprese di Maximum overdrive non fu facile perchè King aveva sì entusiasmo da vendere ma dovette fare i conti con la realtà dei fatti: girare un film non è come scrivere, non puoi improvvisarti. Quindi veniva sfottuto dalla troupe perché non conosceva i termini tecnici, e, anche soltanto posizionare la telecamera, era un dilemma, così la produzione rallentava sempre più. Ad aiutarlo però ci fu il direttore della fotografia Armando Nannuzzi che durate una ripresa arrivò a perdere un occhio e ad interrompere ulteriormente le riprese di un film già nato sbilenco.

 

Sembra che l’incidente successe per colpa di King che insistette a girare una sequenza particolamente pericolosa malgrado l’avessero avvertito. La scena era quella dove un tagliaerbe impazzito insegue un ragazzino in un prato. La protezione di legno esplose e diverse schegge colpirono l’occhio del povero Nannuzzi.

L’idea di Brivido nasce dal racconto Camion, presente nell’antologia A volte ritornano, una scelta un po’ inaspettata perché non proprio il tema che ci saremmo aspettati dall’esordio alla regia di King. Oltretutto A volte ritornano è un libro oltretutto pieno di spunti più fantastici e terrorizzanti come uomini nero, topi giganti, alieni che contaminano il DNA delle persone e vecchi compagni di scuola non proprio pacifici.  King delude nuovamente sparandone una più di Bertoldo perché, nel famoso trailer, specifica pure “Vi prometto che vi terrorizzerò” e Brivido, a discapito del titolo italiano, non fa paura. Mai.

Brivido non è comunque il brutto film che si racconta e che lo stesso King ama raccontare. E’ un film sbagliato, sbilanciato, troppo lungo, ma non un brutto film, anche con i suoi evidenti difetti. E’ un fantahorror coloratissimo, scatenato nelle battute da fumettaccio, un po’ sulla falsariga del Creepshow di Romero, e assolutamente immaginifico. Succedono, nella sua ora e mezza di film, talmente tante cose, a volte anche assolutamente assurde pure nel cotè d’irrealismo fantastico, che, tu spettatore, strabuzzi gli occhi e dici “Ma che cazzo…”. Brivido è il giocattolo costoso dato nelle mani di King bambino da un De Laurentis papà, e, come tutti i bambini, King lo distrugge, lo consuma, ci crea sopra una storia fatta di eroi senza macchia, cattivi alla Boss Hogg di Hazzard, fanciulle in pericolo e battute ad effetto. Brivido è il perfetto B movie da drive in anni 50 però con la confezione di un film da 10 milioni di budget, il cinema secondo Stephen King che non assomiglia al mondo letterario di King.

In un mondo perfetto Brivido sarebbe stato un successone e non il disastro che incassò in America appena 7 milioni, neanche i soldi del budget, e non perché si parla di un film perfetto ma perché il grado di divertimento era altissimo. L’insuccesso di Brivido viaggia al pari passo con le promesse non mantenute del Re, sulla scelta sbagliata di girare un film troppo distante dall’universo pauroso al quale il suo pubblico era abituato, dal suo essere poco umile in quel trailer sciagurato.

Brivido è la risposta kinghiana, l’omaggio a La notte dei morti viventi e a Zombi di George A. Romero, amico e ispirazione dello scrittore. I camion del film sono come gli zombi di Dawn of the dead, sono aggressivi, fuori controllo e uccidono, ma qual è il posto dove tornano a seminare terrore? Le aree di servizio perché, come il supermercato del film di Romero, è il luogo più importante della loro non vita, dove sanno che la benzina è il loro sangue, la loro linfa vitale. Come in La notte dei morti viventi i sopravvissuti sono barricati in un luogo chiuso in attesa che l’apocalisse prima o poi li travolga. Ecco che Maximum overdrive diventa un Romero 2.0 dove la tecnologia che ci ha permesso di evolverci ora ci si rivolta contro. “Noi siamo come loro e loro sono come noi” diceva una disperata Barbara nel remake de La notte di Tom Savini. Le macchine le abbiamo costruite noi e ora ci ammazzano.

 

Silvia Giulietti, l’operatore alla macchina più sexy del mondo

 

Brivido è un film sui camion assassini, ma soltanto perché King ad un certo punto perde di vista il soggetto. L’idea più potente è nei primi minuti di pellicola, la prima mezz’ora, dove in scena viene messa un’apocalisse di grande impatto visivo. Ad impazzire sono tutte le macchine, dai bancomat sboccati con cammeo dello stesso King (“Cara questa macchina mi sta dando dello stronzo”), alle macchine automatiche di bibite, ai videogames fino ai banali coltelli elettrici. Ci si concentra sui camion ma vediamo sullo sfondo aerei assassini e giocattoli sanguinari in bocca a cani. Ecco il difetto principe di Brivido, il non aver saputo giostrare una sceneggiatura interessante nell’insieme arrivando a concentrarsi sul dettaglio più banale. D’altronde però il racconto si chiama Camion. 

Gli echi romeriani in Maximum overdrive si possono trovare anche nella gestione di contrappasso moralistico di alcune morti. Il nero senza nome (interpretato dal mitico Giancarlo Esposito di Breaking Bad), appassionato di macchinette, viene ucciso solo quando ruba, lo stesso succede, nel finale, ad un sopravvissuto quando sfila l’orologio da un cadavere. Non dimentichiamoci che in Zombi, Peter comincia a morire quando comincia a sancire i limiti della proprietà privata. “Questo posto è nostro e ci appartiene“.

Alcune sequenze sono girate molto bene, altre più distratte con il punto più basso nella concitata scena del ponte che si apre. Qui King sembra più impacciato che mai e i rallenti con l’urlo del motociclista che precipita rovinosamente nel fiume, sono più da comica che horror. Non si respira mai l’aria di apocalisse, di morte imminente e i modellini delle vetture sembrano appunto modellini senza vita. Una scena che poteva creare grande disagio e angoscia diventa purtroppo una baracconata solo caotica. Sarà la North Carolina che non è magica come il Maine.

Non tutte le macchine impazziscono, non si sa il motivo, anche perché i due novelli sposi vengono inseguiti da un camion infuriato mentre sono alla guida appunto di un’auto.

Altro punto dolente del film è la recitazione, tra l’atroce e il catalettico. Estevez, la star voluta da De Laurentiis, non recita, si limita a fare facce, a passare dal tranquillo all’arrabbiato senza molta differenza, con una performance diversa sia dai film che l’hanno reso famoso come Breakfast club che dalle dolci stronzate della nostra infanzia tipo Il giallo del bidone giallo. Non di meglio fa Laura Harrington perennemente imbronciata, in un ruolo che non sa mai cosa farle fare, un po’ eroina, un po’ po’ puttana, un po’ nulla se non bella statuina. Oltretutto la Harrington parte con un look da maschiaccio per poi presentarsi in versione più sexy solo per volere di De Laurentiis (“King vuole che mi vesta così” “Vestiti come dico io“). Il punto più basso toccato dalla recitazione è però la performance di Ellen McElduff nei panni di una cameriera, una cosa incredibile a vedersi quando esce dal drugstore urlando alle macchine con la mimica facciale di un spastico. Terribile. Per non parlare dell’atroce Yeardley Smith (la voce ufficiale di Lisa Simpson) nel ruolo di Connie, una gallina starnazzante. Dov’è il tasto mute sul telecomando?

A non tutti piace la colonna sonora degli AC/DC, io la trovo gagliardissima, una delle musiche hardrock più esaltanti in un horror. Certo non è forse d’atmosfera, ma Brivido non è un film d’atmosfera, non è il prosciutto Pata negra che costa un occhio della testa, è il corrispettivo del Big mac unto e ciccioso che ti scopa la bocca caldo e al quale non puoi dire di no anche se hai speso milioni dal nutrionista. Un oggetto che doveva essere per tutti ma che è diventato di nicchia perchè non capito dagli stessi amanti del Re che avrebbero dovuto seguirlo anche nel suo essere disastro artistico alla King Vidor della serie B.

Nannuzzi e King

King definisce Brivido come il seguito non ufficiale di Plan 9 from the outer space, lo dice scherzando, ma i suoi ricordi sul set non sono mai felici. Ad alcuni giornalisti che gli chiesero perché non girava più lui rispose “Guardate Brivido e capirete il motivo“. King afferma di essere stato perennemente ubriaco sul set e di non ricordarsi un granché soltanto che molti parlavano italiano e lui non conosceva la lingua. Per assurdo comunque come in Plan 9 from the outer space le macchine, si scoprirà nel finale grazie ad una didascalia, sono forse impazzite per via di un U.F.O.. In Ed Wood i morti, in Stephen King i camion.

La versione integrale non è mai uscita e lo scrittore la conserva a casa sua con nessuna intenzione di divulgarla. Si racconta, attraverso foto di scena, che dovesse essere più sanguinosa con grafici geyser di sangue che uscivano dalle ferite, con corpi martoriati e sequenze alternative più feroci. Non solo: alcune scene sembrano spezzate, senza molto senso logico, e questo fa pensare che la durata del film sia stata accorciata anche non solo nel reparto gore. Ad un certo punto, per esempio, il gestore del drugstore esce da una stanza abbottonandosi i pantaloni seguito dalla cameriera, ma niente, né prima né dopo, analizza il loro rapporto. Quando la censura tagliò il film, King si disse rammaricato perché la sua versione era più potente. Come non credergli?

La cosa che comunque ci si ricorda di Brivido è soprattutto il Camion del Goblin, un vero villain del film, che ad essere sincero non fa né più né meno degli altri cingolati ma ha questi occhi che si illuminano e una colonna sonora tutta sua mutuata su quella di Psycho. D’altronde, nessuno l’ha mai detto, ma Maximum overdrive potrebbe essere una strana declinazione di Hitchcock, quasi una risposta tamarrissima al suo Gli uccelli.

Brivido è stato con gli anni così vituperato, così disprezzato che è difficile non volergli bene. Noi di Malastrana vhs lo abbiamo adorato fin dal primo passaggio in tv quando la vita forse era più semplice. Belli gli anni in cui il cinema era solo intrattenimento. In questo Brivido è il cinema nella sua forma più pura.

Andrea K. Lanza 

Brivido

Titolo originale: Maximum overdrive

Anno: 1985

Regia: Stephen King

Interpreti: Emilio Estevez, Pat Hingle, Laura Harrington, Yeardley Smith, John Short

Durata: 90 min.

 

Ghosthunters

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asylum, fantasmi, ghosthunter, lontre nesquik, thor fasullo

Quando perde la moglie e la figlia per mano di un serial killer, l’investigatore del paranormale Henry uccide prima l’assassino e decide poi di mettere in piedi una squadra di cacciatori di fantasmi per catturare gli spiriti dei suoi cari e permettere loro di riposare in pace. Una volta dentro la casa del killer, il gruppo si renderà conto come i fantasmi siano in realtà ostili, scoprendo la sconvolgente verità che si cela dietro gli omicidi.

Lo sanno anche i sassi che dire l’Asylum è il corrispettivo dei discount cinesi dove trovi roba che sembra che so Nesquik con l’immancabile Quickly, coniglio pazzerello della Nestlè, e invece è Lesquik con la sorniona lontra dagli occhi sottili e malvagi che sorride.

La fiera testimonial  del Nesquik del discount

Ecco l’Asylum prende i più grandi successi usciti da poco al cinema e li trasforma in qualcos’altro, non necessariamente imitandoli ma stravolgendoli e lasciando intatta solo la sostanza più superficiale tipo il costume del simil figlio di  Odino in Mighty Thor, più vicino comunque a quello visto ne La rivincita del’incredibile Hulk che nell’incarnazione testosteronica di  Chris Hemsworth.

IL Thor della Marvel anni 80 uguale a quello Asylum

Nel caso di Ghosthunters, il modello è senza dubbio il remake di Ghostbusters, quello brutto con l’appena citato Chris Hemsworth a tentare di fare la spalla comica e alcune antipaticissime ragazze a vincere il peggior premio di cosplayer de Gli Acchiappafantasmi di Reitman.

La linea comica

In questo caso il livello di clonazione si spinge alla follia visto che del modello resta l’attrezzatura di uno scienziato e lo slimer riasciato dagli ectoplasmi. Stop.

Per il resto Ghosthunters è un onesto e poverissimo torture porn con una storia di spiriti incazzati e un serial killer vestito da medico della peste senza che ci sia davvero una ragione se non il wow dato dal vestito creepyssimo.

Però l’Asylum stavolta il film l’azzecca per caso perché se tralasciamo la cattiva resa degli attori e alcune cazzate d’illogicità narrativa, il film funziona anche in virtù dei propri difetti ovvero la fotografia scadente che valorizza le decadenti scenografie e i continui spaventi a random che almeno una volta ti fregano come una fighetta al liceo, omone dei miei stivali.

Non credete però che stia parlando di un capolavoro, ma di un film appena appena sufficiente, ma che si eleva come un cazzo di dinosauro dal mare di mediocrità che l’Asylum ci ha abituato negli anni dei suoi squali volanti e tutto il nerdume più becero di corollario.

Ghosthunters invece è un film vero che se non si leggesse all’inizio “The asylum” neanche ci faresti caso ai suoi difetti, che come detto ci sono, ma non superano i pregi a cominciare da un’efficace regia di Pearry Reginald Teo, del quale riconosco di aver visto solo Blade Gen – The Gene Generation con la bellissima Bai Ling, un onesto action fantascientifico usa e getta.

La forza di Ghosthunters è di essere uno spettacolo horror da cassetta onesto che da’ quel che promette: fantasmi, sobbalzi alla poltrona, un po’ di sadismo e la sensazione di non aver perso un’ora e trenta della vita. Non proprio il film di una vita ma neanche il solito film Asylum che spegni dopo trenta minuti.

Per certi versi mi ha ricordato il migliore Death tunnel di Philip Adrian Booth, horror del 2005 con una sceneggiatura davvero scema ma con il raro pregio di lasciare durante la visione una sensazione di sporcizia, malattia e morte come poche altre pellicole. Qui non siamo a quei livelli ma l’aria che si respira ogni tanto è la stessa.

Andrea Lanza

Ghosthunters

Regia: Pearry Reginald Teo

Sceneggiatura: Pearry Reginald Teo

Interpreti: Francesca Santoro, Stephen Manley, David O’Donnell

Durata: 90 min

 

Alien 2 sulla terra

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Thelma (Belinda Mayne) è una speleologa con qualche potere telepatico e, mentre è intervistata da una giornalista in attesa dell’ammaraggio di una navicella spaziale di ritorno da un viaggio, ha la sensazione di un grave pericolo. Nella navicella non vengono trovati gli astronauti. Più tardi, Thelma, assieme a un gruppo di speleologi suoi amici, va in una caverna sotterranea dove si imbatte negli extraterrestri giunti sulla Terra grazie alla navicella spaziale. Sono dei minerali piuttosto cattivi che cominciano a far fuori gli speleologi. Ma è solo l’inizio.

Raccontare dettagliatamente la storia dietro Alien 2 sulla terra sarebbe aprire una parentesi interessante, divertente quanto si vuole, ma che toglierebbe la sua importanza ad un film dai mille limiti, ma anche dalla fervida fantasia e da una regia mai prevedibile o banale. Per farla breve il regista Ciro Ippolito improvvisò la pellicola senza avere quasi una sceneggiatura, folgorato sulla via di Damasco dalla visione dell’apocrifo Zombi 2 fulciano, riuscendo ad aggirare i non pochi problemi (bruciò in gioco d’azzardo e donne di piacere il budget fornitogli dai produttori) con una dose di sana “guapperia” tutta italiana.

L’idea folgorante era quella di creare un seguito dell’Alien scottiano (i diritti sul titolo fortunatamente non erano stati depositati) con un pugno di mosche, ma anche con il genio di trasportare un orrore cosmico dallo spazio profondo alle viscere della nostra terra. Il paragone con il prototipo sarebbe ingeneroso (e pure con il seguito a venire di James Cameron), ma questo non leva al film del napoletanissimo Ciro Ippolito un certo fascino e una certa preveggenza dell’horror futuro, da The descent di Neil Marshall al recente Apollo 18 con la stessa grande idea delle pietre aliene. Eppure non si tratta di un seguito sciacallesco alla Bruno Mattei come il terribile Terminator 2 pre Swarzy, no qui c’è una sorta di originalità di fondo, maggiore dell’altro apocrifo di Alien, il Contamination di Luigi Cozzi, anche perché alla fine con il film di Ridley Scott c’entra poco o niente, la storia è su altri binari, interessanti, non stupidi e stranamente efficaci per un film creato per necessità e furbizia. Gli attori non brillano per espressività, ma siamo nella norma di un qualsiasi b movie, italiano o americano che sia, con il futuro regista Michele Soavi, all’epoca tuttofare delle produzioni bis più variegate da Massaccesi a Fulci, in un ruolo abbastanza sostanzioso.

Sul piano voyeuristico abbiamo le straordinarie (e gratuite) tette di Belinda Mayne, sano splatter con teste mozzate e sangue rosso vernice, volti di bambini scarnificati, e, naturalmente lei, la trippa, consigliata da Mario Bava per creare il mostro e sopperire al budget nullo, tanto puzzolente da richiamare i carabinieri mentre regista ed effettisti provavano. Genio allo stato puro, scriteriato, ma efficace, che diventa quasi un classico nel finale siegaliano di pura paranoia dove l’alieno “ora può colpire pure te”. E che dire dei colori violentissimi quasi da Suspiria quando il gruppo, spinto senza saperlo al massacro, si inoltra nel profondo spazio terrestre? Alien 2 sulla terra è un film troppo spesso messo alla berlina, tacciato di essere trash solo per la sua natura di bassa speculazione, ma capace di stupire, emozionare e perché no essere uno dei più validi esempi di fantascienza italiana.

Andrea K. Lanza

Regia: Sam Cromwell (Ciro Ippolito)
Interpreti: Belinda Mayne, Roberto Barrese, Claudio Falanca, Belinda Mayne, Mark Bodin, Judy Perrin, Benny Aldrich, Michele Soavi, Vincent Palanga, Don Parkinson
Durata 92 min.

Anno: 1980 (Italia)

Dominator

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Exterminator era un film sfilacciato ma interessante, dove uno psicopatico Robert Ginty trucidava, nei modi più violenti, i criminali di turno, in una sorta di Il giustiziere della notte con il pedale accellerato sull’iperbole. Non era un grande film, meglio si sarebbe fatto, sulla falsariga di Bronson/Winner, per esempio con il notevole Vigilante di William Lusting, ma sia dato atto al regista James Glickenhaus di essere riuscito a girare un solido B movie dalla resa spettacolare di un film hollywoodiano. In più Exterminator è uno di quei noir action che vengono più miticizzati dai fan del genere, vuoi perchè è difficile trovare un’altra pellicola con un eroe, John Eastland, che si comporta peggio dei vari aguzzini uccidendo cani e triturando mafiosi come quarti di bue, vuoi perchè James Glickenhaus è uno che gira distrattamente, ma quando si tratta di mettere in scena una sequenza d’azione, come il lungo incipit nel Vietnam, diventa il Francis Ford Coppola del cinema popolare.

Di Dominator, il suo seguito, invece se ne parla poco, e, quando lo si fa, i termini non sono poi così lusinghieri.

Eppure è una di quelle pellicole che esaltano il sottoscritto.

Quattro anni dopo Exterminator, in un 1984 utopico dove la violenza è all’ordine del giorno, un misterioso vigilante, bardato da una tuta ignifuga e armato di un lanciafiamme, purifica le strade della peggiore teppaglia. Qui facciamo la conoscenza di un altro John Eastland, sempre interpretato da Robert Ginty, ma totalmente agli antipodi del personaggio visto nel film precedente. Se l’Eastand di Exterminator era un personaggio poco simpatico e taciturno, questo, pur mantenendo lo stesso nome e cognome, è una sagoma, spigliato e ciarliero. In più ha una ragazza, ballerina di lap dance, che sogna di sfondare nei musical di Broadway.

La sua vita sembra perfetta finchè non incontra Bee Gee (Frankie Faison), un ex commilitone del Vietnam, che di lavoro guida il camion della nettezza urbana. Quello che il buon Ginty non sa è che poche ore prima l’amico ha salvato un poveraccio torturato da un gruppo di teppisti e questi gli hanno giurato la morte.

Contando che i novelli guerrieri della notte conoscono del loro nemico solo il camion che guida, quando vedono Ginty tornare a casa con la fidanzata, proprio a bordo del mezzo tanto odiato, pensano di avere trovato l’autista ricercato, iniziando la rappresaglia ai due innamorati.

Ora, se conoscete il genere, sapete che, se sei la ragazza di un personaggio di un Sotto Giustiziere della notte, devi stare zitta e non dire la frase “Da grande voglio fare la ballerina” perchè la cosa più buona che può capitarti è romperti la caviglia. Si sa che in questo genere di film, però, la cosa che capita non è mai la migliore.

La ragazza di Ginty verrà pestata a sangue, ridotta in fin di vita con la spina dorsale spezzata, all’inizio, poi in seguito, stuprata e ammazzata. Non serve altro per scatenare la vendetta. “Non posso salvarla, ma sterminare questi stronzi si”.

E così sia.

Le scene d’azione sono vivaci, con una metropoli che sembra l’inferno, una sorta di Gotham city più violenta e senza l’appoggio di nessun Batman. Per questo, quando il misterioso vendicatore irrompe sulla scena, sputando fuoco come fosse un soldato in Vietnam, il tono è quello di uno strano cinecomix iperviolento.

Siamo in anticipo sulla città de Il giustiziere della notte 3, popolata da ladri, assassini e stupratori. La New York di Dominator è un vespaio della peggior specie di deliquenti, gente che vediamo uccidere per due spiccioli e poi, sempre per quei due spiccioli, accoltellarsi tra di loro.

Il film non si tira indietro davanti alle scene più crude come quella che vede una coppia di vecchietti uccisa a colpi di pistola, barbaramente, con i proiettili che dilaniano la carne con squarci rossi e dolorosi, tra le risate dei criminali.

Più che esseri umani, questi teppisti, sono ratti, vivono nelle fogne e quando attaccano qualcuno hanno dell’inumano, quasi famelico, che li rende mostri da horror movie, quasi moderni cannibali metropolitani. In generale poi la città sembra davvero uscita da incubo romeriano o da un post atomico alla Castellari. Merito anche della fotografa che predilige i colori più accesi e innaturali anche nelle tante scene notturne.

Stupisce poi per il basso budget, la resa potentissima di alcune sequenze, impensabili in un film Cannon che a prima vista sembra girato al risparmio, con studi di dottori improvvisati in stanzini. Qui viene persino fatto esplodere un elicottero in una scena di grande impatto, una cosa che a livello concettuale è assurda, anche perchè viene usato un razzo segnalatore, ma è comunque wow, un momento di grande cinema popolare, stupidello ma gagliardo.

Gli attori invece sono una roba che non ci credi. Robert Ginty se la cava, è più simpatico che nel film precedente, ma uno stoccafisso come pochi, con la sua faccia alla Nicolas Cage ultimo periodo che ha due uniche espressioni impareggiabili da tontolone. E’ comunque il migliore del cast che vanta una Deborah Geffner che dovrebbe essere la figa del film ed è una racchietta, e Frankie Faison che recita forse la peggiore performance della carriera, non riuscendo mai a dare spessore al suo personaggio, un ex reduce del Vietnam incattivito e psicolabile. Qui lo vediamo per il 70 per cento delle volte ridere e fare battutacce, il restante 30 impugnare un mitra senza motivo e morire come uno stronzo.

Il peggiore però è senza dubbio Mario Van Peebles, figlio del grande Melvin, e qui ad inizio carriera, prima del suo Posse o del gagliardo Gunmen, in una parte importante, quella di X il villain della vicenda. Già dal look, con i capeli cotonatissimi, e dalla sua preferenza per gli abiti di pelle neri aderenti, neanche fossimo in Cruising, con quella X sul petto che dovrebbe fare paura e invece fa ridere, capisci che qualcosa non va. Van Peebles recita male, ma così male che ti commuove persino, gesticola, fa le facce, salta come un ballerino, sembra un pessimo attore in over acting sotto cocaina pesante. Il suo X ricorda per ferocia il Zed di Scuola di Polizia 2, ed è tutto dire.

A girare stavolta non è più James Glickenhaus, ma il produttore del film precedente, Mark Buntzman, alla sua unica regia visto il disastro combinatogli dalla Cannon per questo film, che tra poco paleseremo.

Mark Buntzman gira con nerbo, abusa di rallenti come nel caso della scena di aggressione a Deborah Geffner, ma in generale è bravo, tanto che, a differenza di Glickenhaus, non rende interessanti solo le scene spettacolari, ma si sofferma sui personaggi, sul loro background, riuscendo a rendere vivaci anche quelle sequenze romantiche ti fanno spingere il fastfoward.

E’ questo il problema che ha spinto la Cannon a distruggere l’opera di Buntzman, dilaniandola e riempendola di sequenze nuove girate senza Ginty, ma soprattutto senza l’approvazione del regista. Il cut originale sembra purtroppo perduto, ma il film, stando alle parole del suo autore, era più intimista e meno fracassone.

Sia chiaro Dominator, anche in questa versione, è gagliardo, soprattutto quando il finale sembra impazzire: la scena di stupro è di pochi secondi, quasi subliminale, in antitesi con le regole del genere, come un cancro impazzito sulla pelle, una chiusa schizzata perchè riflette la disperazione del suo personaggio. Ti lascia davvero una strana sensazione di follia, di incompiutezza, di frenesia e rabbia, ecco che, arrivato alla resa dei conti, diventi tu, spettatore, John Eastland.

Questi pregi però sono il frutto di un montaggio arbitrario, voluto dalla Cannon, che definì disastrosa la visione della pellicola ultimata. Nel film originale infatti non esisteva nessun giustiziere che bruciava i criminali, tutte le sequenze con il lanciafiamme, compreso il finale, sono interpretate da una controfigura, quando il regista aveva già mandato tutti a fanculo.

Così anche i buchi di sceneggiatura, come i teppisti che scoprono casualmente dove abita Ginty e la sua donna, sono il risultato di scene eliminate o di sequenze spostate da un minutaggio all’altro. La famosa sequenze dell’elicottero per esempio era più lunga, con il pilota che urla tra le fiamme, e Van Peebles che incontra faccia a fiaccia Ginty puntandogli il dito contro e lanciandogli una sentenza di morte. Infatti i due si erano già visti prima, quando Bee Gee travolge con il suo camion i teppisti, non da solo come il nuovo cut, ma aiutato appunto da Ginty che affronta i vari criminali (in una foto di scena si vede l’attore tirare un copertone di un’auto a qualcuno). In seguito poi sempre il protagonista e la fidanzata, al ritorno a casa, dovranno fronteggiare la gang di Van Peebles in una scena eliminata dal nuovo montaggio. Visto così la narrazione sembra meno stupida, anche perchè nel film vulgato fa quasi ridere che questi teppisti si vendichino così a random con qualcuno principalmente mai visto e solo riconosciuto da uno dei tanti camion della nettezza urbana di New York.

Ruolo importante poi aveva anche il night club dove lavorava la Geffner che, per via dell’esplosione dell’elicottero, veniva distrutto con i suoi bei morti e feriti. Sempre grazie alle foto di scena possiamo ricostruire la sequenza con l’attrice intenta a curare i feriti.
Il finale originale poi era molto più lungo e articolato con Ginty che sbaragliava la gang di X, aiutato anche dalla polizia (in una foto di scena un poliziotto punta un fucile contro Van Peebles inginocchiato). La resa dei conti stavolta vedeva in scena anche la sua ragazza sulla sedia a rotelle (in originale non moriva) armata di pistola. La fine del cattivone era in puro stile truce Cannon con il camion della nettezza che triturava l’infame. Non male no?

C’è da dire però che la sequenza di breakdance, terribile e lunghissima, voluta probabilmente dalla Cannon che in quel periodo avrebbe fatto uscire Breakin’ 2: Electric Boogaloo di Sam Fisterberg, è sicuramente girata da Buntzman, visto che in scena ha sia Ginty che la Geffner.

A girare le nuove sequenze è lo sceneggiatore William Sachs che in diverse interviste parla abbastanza male del regista originale dicendo che era un vero incompetente. A suo dire, quando i tecnici chiedevano a Buntzman dove posizionare la telecamera, lui rispondeva “Dove volete voi”. L’idea della maschera da saldatore è venuta a Sachs quando, nel cercare di salvare l’opera, si accorto che Ginty nel modificare il camion dell’immondizia, indossava una maschera da saldatore. Visto che Ginty se n’era andato col regista, quale migliore escamotage che girare le scene nuove, non avendo la star del film, con un nuovo attore mascherato?

Oltretutto, a conti fatti, non è mai chiaro, chi fosse il vigilante brucia stronzi, prima del finale, se Eastland o Bee Gee.

In qualsiasi caso, Dominator, chissà poi il perchè del titolo sadomaso affibbiatogli in Italia, è un film gagliardo che, qualsiasi cut vi troviate, risulta sempre una visione piacevole. Da noi è circolato solo in vhs, edizioni Multivision, con un bel doppiaggio, cosa strana ma buona.

Da recuperare.

Andrea Lanza

NOTA: Il trailer presenta scene alternative al cut vulgato che vengono dalla prima versione de regista:

Dominator
Titolo originale: Exterminator 2
Anno: 1984
Regia: Mark Buntzman (e William Sachs)
Cast: Robert Ginty, Mario Van Peebles, Deborah Geffner, Frankie Faison, Irwin Keyes
Durata: 90 min.
VHS: MULTIVISION

I spit on your grave 3: Vengeance Is Mine

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I film di stupri e vendetta sono armi a doppio taglio: in pochi riescono a mantenere un equilibrio tra disgusto per la violenza e il compiacimento di essa. D’altronde alla fine, pur con tutte le giustificazioni del caso, la vittima diventa sempre carnefice.

Il canto del cigno del genere è stato firmato da quel Micheal Winner che divenne famoso per Il giustiziere della notte, con una pellicola che più nera, cupa e disperata non si poteva, Uno sporco Week end, dove il giustiziere Paul Kersey/Charles Bronson cede il posto ad una splendida donna, Lia Williams, dal concetto un po’ distorto di giustizia. Sotto le attenzioni di questo angelo della morte cadono soprattutto innocenti, magari incauti avventori che la avvicinano al bar perchè carina. La vendetta questa volta quindi non è riservata solo al colpevole, lo stupratore che la perseguita all’inizio del film, ma diventa una sorta di castrazione preventiva, attuata con la morte, verso tutto il genere maschile. Quest’idea, già recondita nel primo Giustiziere, dove Bronson attuava una vendetta utopica nei confronti degli aguzzini della figlia e della moglie, è il seme di questo I spit on your grave 3: Vengeance is mine.

Il primo I spit on your grave era un remake aggiornato del classico anni 70 Non violentate Jennifer di Meir Zarchi con la bellissima Camille Keaton. In questo rifacimento Jennifer, interpretata da Sarah Butler, viene ancora brutalmente stuprata da un gruppo di rozzi bifolchi, ma a cambiare stavolta è la vendetta, più complessa ed arzigogolata, fatta di trappole e torture che nulla hanno da invidiare all’Enigmista di The Saw. Il film, comunque bellissimo, è girato con buona mano da Steven R. Monroe, che 3 anni dopo, nel 2013, bissa la storia con un seguito scollegato, altrettanto bello e selvaggio. In I spit on your grave 2 a subire indicibili violenze è stavolta Katie (Jemma Dallender) che viene rapita nel proprio appartamento a New York per essere portata in un paese dell’Est Europa e diventare carne da macello. Quando scappa, la vendetta  è terribile tra testicoli fatti esplodere in morse d’acciaio e ferite purulente lasciate a marciare.

Il terzo capitolo vede ancora la Jennifer Hills del remake, interpretata sempre da Sarah Butler, che decide, per superare il trauma passato, di partecipare ad un gruppo di sostegno per vittime di violenza. Qui inaspettamente intreccia un’amicizia con una ragazza, Marla, che la inizia la una strana terapia riabilitativa a base di violenza verso il genere maschile. La sete di vendetta ritornerà più forte che mai quando Marla verrà uccisa brutalmente dal fidanzato violento.

Ora però il dilemma è un’altro: se il colpevole dell’omicidio viene brutalmente ucciso da Jennifer a neanche metà film, come può proseguire la vicenda? La risposta è semplice: I spit on your grave 3 diventa Uno sporco week end e così la protagonista si trasforma in una predatrice sessuale che uccide e tortura ogni probabile stupratore che gli si para davanti. Il problema, non sottovalutabile, è che, dopo un po’, i maniaci scarseggiano e lei prova a scannare chiunque, basta che sia un uomo.

A girare stavolta è R.D. Braunstein, un onesto artigiano che viene dal mondo Asylum, qui alla sua opera migliore. Il passaggio tra il bravo Steven Monroe e il nuovo regista è indolore, a convincere meno è forse la sceneggiatura di Daniel Gilboy, già produttore dei primi due capitoli. Il film pecca purtroppo di intenzioni, cosa abbastanza imperdonabile per un film intitolato “Sputerò sulla tua tomba” e che promette due cose essenziali, sesso e morte. Se in Uno sporco weekend il delirio omicida della mantide Bella aveva un crescendo psicologico che portava lo spettatore a comprendere anche le ragioni della sua immotivata vendetta, qui invece il passaggio tra prima parte e seconda è abbastanza sbrigativo, non ci si sofferma mai realmente sulla psiche di Jennifer e del perchè arriva a sbroccare.

In un contesto così diverso dai primi film, si corre il pericolo di parteggiare per i cattivi perchè Jennifer diventa una sorta di pervertito Jason Vorhees con belle tette al posto dei muscoli. Lo stesso vale per il suo modus operanti che una giustificazione, da legge del taglione, aveva nel primo capitolo, ma che qui risulta gratuita con peni tagliati in due dopo una fellatio e tubi di ferro infilati a colpi di mazza nel culo. L’idea di un Saw mutato nel mondo dei rape and vengeance fallisce perchè fallisce la costruzione dell’intreccio, il parteggiare per la vittima anche quando scanna uno perchè lei poverina e lui bastardo. Qui lei arriva, uccide un cattivone a gratis, senza che questi gli abbia fatto realmente nulla, solo in virtù del fatto che lei è convinta sia uno stupratore, ma, cara mia Jennifer, il mondo è pieno di certezze labili, valgono come le pentole senza coperchi del diavolo.

Daniel Gilboy poi scrive una prima parte verbosa, fatta di dialoghi il più delle volte inutili, e cerca di renderci vicine due psicolabili, Jennifer e Marla, che amano trascorrere la sera a pestare uomini o a fargli scherzi più o meno pesanti. Parteggiare per loro è un po’ come prendersi a cuore la sensibilità di un bullo o di un lupo sanguinario.

Anche il finale scade per eccesso di velleitarismo, con una chiusa onirica un po’ stupidotta che ci insegna che il terapista è già uno stupratore, a cominciare dal nome, therapist – the rapist. L’idea di un numero 4 è francamente spaventosa se queste sono le premesse.

Il film ha forse l’unico pregio nella regia di R.D. Braunstein che riesce a far dimenticare a livello visivo e spettacolare tutto quello che masochisticamente Gilboy ha mal scritto. Il segreto d’altronde per apprezzare I spit on your grave 3 è spegnere il cervello e godersi le belle scene di violenza come si farebbe davanti ad una scopata in un film porno. D’altronde, inutile negarlo, il fruitore del genere torture porn ama il sadismo e le violenza, non che questo sia un male ovviamente, questo sottogenere non è roba per palati fini ma per anime semplici. In questo sbaglia Gilboy cercando una strada intellettuale ad un genere che vive di umori più che di cervello, che richiama la rabbia più atavica, quella della rivalsa e della vendetta.

Sarah Butler si spoglia di meno e tenta rovinosamente di recitare davvero, risultando perfetta solo quando imbraccia il coltello. Il resto del cast è composto da facce anonime e non molto convincenti, a cominciare dal poliziotto interpretato maldestramente da Gabriel Hogan.

Alla fine, se si ama il genere, il film diverte e scorre liscio, ma è uno strano ibrido di rape and vengence senza mai il rape, lo stupro, ad innescare la violenza, sempre che non si voglia infilarlo come fanalino di coda del primo remake, in una sorta di I spit on your grave di 3 ore. Forse così acquisterebbe senso e compostezza.

Se vi volete buttare su un film bello che tratta lo stesso tema, senza essere troppo stupido o gratuito, vi consiglio il bel Reversal – la fuga è solo l’inizio. In alternativa anche Julia, recensito qualche settimana fa, ha il suo perchè.
Questo I spit on your grave 3 è invece solo per completisti.

Andrea Lanza

I Spit on Your Grave 3: The Vengeance is mine
Anno: 2015
Interpreti: Sarah Butler, Gabriel Hogan, Doug McKeon, Karen Strassman, Jennifer Landon, Corey Craig, Lony’e Perrine, Joshua Kovalscik, Bobby Reed, Heath McGough, Alissa Juvan, Christopher Hoffman
Durata: 90 min./Inedito

Note: l’amico Lucius Etruscus parla di Jennifer 3 con toni meno lusinghieri dei miei già poco lusinghieri. La recensione, con spunti interessantissimi, la potete trovare sul sempre gagliardo Zinefilo, la Bibbia della serie Z

Blood rage

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andrea lanza, blood rage, recensione, recensioni

Di slasher se ne sono prodotti una quantità industriale da quando Sir John Carpenter ha girato il suo Halloween. Magari non tutti i film sono stati eccellenti, ma se c’è un genere che riesce a camuffare la mancanza di fantasia con il divertimento è proprio questo.

Blood rage è un thriller violentissimo, ma anche involontariamente demenziale, roba che a vederlo ti sbellichi dalle risate. Non che sia girato male, cioè neanche bene, siamo nella media dei prodotti standard della serie B anni 80, ma la sua forza è di essere un film davvero folle per le idee e lo sfregio del buongusto nella messa in scena.

Immaginate che la ricetta perfetta per buon thriller violento, sul modus che so di Brian De Palma, dovrebbe essere il mix sapiente di suspense e effettacci al servizio di una trama intrigante.

Non però per John Grissmer, regista di Blood rage, alla sua seconda e ultima opera: a lui la cucina sofisticata non piace, a lui piacciono i sapori selvaggi magari mischiati a salse e formaggi, racchiusi nella sapiente cucina da Macdonald texano. Quindi via di sangue, frattaglie, tette e buchi di sceneggiatura. Ecco che il piatto può sembrare orribile alla vista, ma nel gustarlo la varietà di saporacci è quasi paradisiaca. Giuro.

Sembra merda, ma è buonissimo

Tutto comincia in un drive in, dove la mamma dei gemellini di neanche deci anni Todd e Terry decide di darci dentro con l’occasionale amante approfittando che i due pargoletti dormono. Niente di più sbagliato. I due ragazzini sgattaiolano dall’auto girovagando per il cinema all’aperto fino a che, senza un motivo logico se non la follia, Terry, armato di accetta, uccide brutalmente il lui di una coppietta in un’orgia di sangue e tagli. Ora voi giustamente penserete: il bambinetto è sporco da capo a piedi di sangue e lo arresteranno. Macchè, ingenui lettori, ad essere arrestato è Todd perchè lo scaltro Terry, sempre coperto di sangue ovviamente, gli fa una carrezzina sporcandogli un poco il viso, gli cede l’accetta e urla “E’ stato lui”. Al povero Todd in shock spetteranno ben dieci anni di reclusione in manicomio.

Da questo momento le idee purtroppposcarseggiano e al povero John Grissmer non rimane altro che prendere il plot di Halloween e capovolgerlo: Se Michael Myers fosse innocente e nel tornare a casa scoprisse che sua sorella Laurie è il killer?

Così Todd, ormai adulto, scappa dalla casa di cura e, per tre quarti di film, si nasconde, cerca di parlare con della gente che terrorizzata chiederà aiuto a Terry, morendo male ovviamente.

Il modus operanti del maniaco è particolarmente bizzarro, una specie di mossa Kansas city del cinema horror: il più delle volte lui è pacifico, magari passeggia con un’amico, parla male del fratello, poi strabuzza gli occhi e scrutando il vuoto alle spalle della sua vittima dice “Eccolo!!!”. Allorchè l’incauto accompagnatore si volta e ualà Terry lo uccide, ridendo sardonico.

Terry l’amicone

La causa scatenante della Blood rage, rimasta latente per dieci anni, nel cervello del buon Terry non è il ritorno del fratello, ma un più shockante annuncio, durante la festa del ringraziamento: Mammà si sposa! Oddio gli occhi diventano spiritati, lui tace, poi poco convinto fa un brindisi alla novella coppia, ma la prima vittima è proprio il fidanzato della madre, decapitato. Anche perchè, diciamolo, la mamma di Terry e Todd è una gran zoccola, che beve come se non ci fosse un domani e si struscia e bacia i figli in maniera ambigua, anche perchè John Grissmer non è uno da sottigliezze alla Hitchcock.

Il film, girato in gran economia, con effetti rozzissimi ma efficaci di Ed Fench, ha dalla sua un’ambientazione interessante, ovvero un residence popolato dalla peggio gentaglia d’America: ragazzi decelebrati, ragazze madri incerca del pollo da spennare, imprenditori imbranati e così via. Quando Terry li uccide, quasi quasi parteggi per lui, perchè diciamolo il ragazzo è pazzo come un’anguilla sotto crack ma è simpatico forte. Ad un certo punto, dopo aver scannato una delle intercambiabili vittime, assaggia il suo sangue esclamando “Giuro che non è sciroppo di lampone!”

Se gli attori sono scarsini, bisogna dire che Mark Soper, l’interprete dei due gemelli, è scatenatissimo, in pieno over acting sfrenato, fa le facce, gigioneggia monologhi, è tutto ciò che di più sbagliato ci può essere in buon film, ma qui è perfetto forse perchè il film perfetto non è.

Non so se consigliarvi questo filmaccio, come avete capito è brutto forte, ma compensa bene la sua natura deleteria con l’essere involontariamente divertente. Un film così folle da chiudersi in modo inaspettato e quasi tragico, in antitesi con tutto quello che c’era prima.

Il film fu girato nel 1983 con il titolo conosciuto (quello di lavorazione era Slasher), ma non trovò distribuzione fino al 1987 dove rispuntò come Nightmare at Shadow Woods, tagliatissimo e con scene di dialogo extra a tappare i buchi splatter mancanti. L’edizione blu ray della Arrow presenta tutte e due le edizioni, naturalmente in inglese perchè da noi il film è purtroppo inedito.

Andrea Lanza

Blood rage
Regia: John Grissmer
Sceneggiatura: Bruce Rubin (come Richard Lamden)
Stars: Louise Lasser, Mark Soper, Marianne Kanter, Julie Gordon,
Jayne Bentzen, Bill Cakmis, Dana Drescher, James Farrell
Durata: 87 min.

Il mio scopo è la vendetta

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Senza ombra di dubbio questo film, sulla carta, è una bomba atomica. Mischiare Kung fu con Vietnam è già una botta di genio, roba da mascelle sganasciate alla mode Yorick di Amleto, poi se in più tu regista decidi di scegliere come protagonista la Tisa Farrow di Zombi 2 e L’ultimo cacciatore, beh hai il mio voto nel caso mai ti candidassi come presidente, stai certo.

Tisa Farrow nella sua carriera ha interpretato pochi film, ma quei pochi, almeno quelli fatti in Italia, sono film non solo importanti, ma seminali per la storia del nostro cinema di genere. I film girati con Fulci, De Martino, Massaccesi e Margheriti sono pezzi del nostro cuore, cult movie che hanno reso grandissimo il nostro (almeno il mio) amore per il cinema in senso totale. Quindi quando vedo Tisa Farrow, tassisara e attrice per caso, sorella della più famosa Mia, io penso al cinema e non posso fare altro che volerle bene.

Il mio scopo è la vendetta di William Fruet arriva lo stesso anno di Zombi 2, ma sembra anticipatire, per messa in scena e senso di grande spettacolo al risparmio, la stagione dei nostri Vietnam movie che proprio l’anno dopo, con Margheriti e appunto L’ultimo cacciatore, inizieranno ad essere prodotti.

La regia di Fruet è rozza ma efficace, e questo è probabilmente, a livello spettacolare, il suo miglior film, contando che viene dall’orribile Un violento Week end di terrore ed è proiettato verso un altrettanto nauseabondo Killer party.
Tra i suoi film più decenti, anche se non riuscitissimi, è bene però citare il divertente biscia movie Spasms dal cast stellare e il violento Trapped con un gruppo di fighetti da college pronti a combattere contro uno zoticone arrabbiato e assassino, sorta di risposta teen ad Un tranquillo week end di paura.

Fruet non è un grande regista, ma qui è comunque in stato di grazia e le scene d’azioni sono nervosamente efficaci con almeno una scena di inseguimento memorabile, quela tra Don Stroud e Jong Soo Park, iniziata a colpi da arma da fuoco e finita a calci alla Bruce Lee.

La cosa comunque assurda è che Don Stroud sembra molto più abile a combattere rispetto a Jong Soo Park, che nella vita non girerà più un film da co-protagonista, ma che era un vero maestro di arti marziali anzi uno 12 Maestri Fondatori del Taekwondo. Probabilmente però non era nato per fare l’attore e la sua recitazione granitica, accompagnata da un certo imbarazzo nel recitare, hanno inficiato anche le sue performances marziali. Peccato perchè il suo personaggio, un killer vietcong mosso da vendetta verso lo squadrone americano che l’aveva abbandonato e con il quale collaborava, è pieno, almeno sulla sceneggiatura, di sfumature che mal si abbinano al faccione senza espressioni dell’attore coreano.

Di certo Il mio scopo è la vendetta non è uno di quei film che guardi per la recitazione dei suoi interpreti perchè di brutte e svogliate interpretazioni ne è pieno, a cominciare dalla lodata Tisa Farrow in coma da Valium fino al protagonista Perry King ancora lontano dal successo tv di Riptide.
La parte del leone la fa sicuramente il grandissimo George Kennedy, uno che potrebbe fare un cammeo di dieci secondi e salvare un film orribile, qui nel ruolo minore di un commissario.

Il mio scopo è la vendetta è comunque divertentissimo con sparatorie selvagge tra la folla che sembra davvero spaventata (e forse lo era), coltellate a poliziotti come uno slasher, assati negli ospedali e l’inedita cornice delle cascate del Niagara a fare da sfondo ad un action sicuramente anomalo.

La città che ospita le famose cascate poi è una specie di pacchiana Las Vegas più piccola, con i marchi visibili di un castello del conte Dracula, di una casa di Frankestein e di un museo delle cere, e dona quel tocco di bizzarria, come scenario, alla pellicola.

Fa sorridere invece la ricostruzione della guerra in Vietnam con quattro piante riprese a notte e un laghetto, la stessa ambientazione, questa volta di giorno, che scopriamo essere un boschetto vicino alle cascate.

Eppure Il mio scopo è la vendetta non è un film privo di animo e in alcuni punti, incredibilmente, arriva a commuovere. La scena straziante dove Perry King va a trovare l’amico ferito Don Stroud è di quelle che lasciano il segno: immobilizzato, con la schiena a pezzi per via del combattimento con Jong Soo Park, Stroud chiede di essere ucciso. “Che cosa posso fare qui ora? Guardare il soffitto per sempre”.

C’è anche una palese presa di posizione contro la guerra quando il protagonista ricorda alla sua fidanzata il perchè hanno deciso di abbandonare Jong Soo Park in mezzo alla giungla, in un dialogo che ricorda e anticipa quello finale di Rambo.
“Non ci hanno inseganto a fermarci, a spegnere l’interruttore. Forse avremmo dovuto salvarlo e non lasciarlo lì, ma non era uno di noi, era un vietnamita. Le cose laggiù andavano così, e nessuno pensava a cosa era giusto o sbagliato, eravamo tutti così confusi. E poi perchè avremmo dovuto salvarlo? Ci sbattevano giù, in mezzo alla giugla, e ci facevano fare quello che volevamo. Ed è sempre quello che abbiamo fatto e nessuno ci ha mai detto niente, nessuno ci ha fatto mai domande. La nostra filosofia era una: scova e distruggi. E sai una cosa: mi piaceva, mi entusiasmava, quella era la mia vita ideale e mi dispiace che sia finita”.

Il mio scopo è la vendetta uscì da noi in vhs Ricordi con una buona resa video, in America è facile trovarlo in dvd abbinato ad un altro action thriller con John Saxon, Il guanto, perla da noi abbastanza introvabile.

Se vi capita, visto che circola in uno smagliante mux, non perdetelo.

Andrea Lanza

Il mio scopo è la vendetta
Titolo originale: Search and Destroy
Regia: William Fruet
Interpreti: George Kennedy, Don Stroud, Perry King, Jong Soo Park
Durata 94 min. – Canada 1981 – VHS: RICORDI HOME VIDEO

Night of the demons – remake

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adam gierasch, kevin s. tenney, la notte dei demoni, night of the demons, recensione, recensioni, remake

Un gruppo di ragazzi si trova barricato in una villa asserragliati da mostri furiosi e assetati di sangue che vogliono rendere vera una profezia: se, durante Halloween, sette demoni si impossesseranno di sette corpi viventi allora la terra diventerà il loro dominio. La festa del 31 Ottobre è appena cominciata!

La notte dei demoni firmato Kevin S. Tenney è un signor horror. Derivato dai Demoni di Lamberto Bava quanto si vuole, sbilanciato tra trovatacce di bassa lega e momenti di genio aureo, ma è uno di quei film che ti fanno amare il genere per la sua follia, per la sua potenza anarchica, per quella forte dose di spettacolo che solo gli anni 80 riuscivano a conferire al genere. Rimangono impresse, nella mente di tutti i ragazzacci cresciuti a pane e splatter, scene di forte impatto come l’amplesso tra due sfortunati fornicatori all’interno di una bara, il finale crudelissimo, il make up dei demoni, la porchissima Linnea Quigley che si infila un rossetto nel seno con sfrontata eccitazione.

Certo a livello registico non è il miglior film del regista, a volte tirato un po’ via, Spiritka sarebbe stato molto più elegante, ma anche meno divertente, ma va bene e andava bene così, ora, a trent’anni di distanza, tra milioni di anni nell’olimpo dei film imperfetti, baciati dalla chimica perfetta. Di un remake di questo horror, firmato oltretutto da Adam Gierasch, nel 2009, potevamo aspettarci solo tragedia e sciagura, una cosa che, a solo leggerla come news, ci faceva arricciare, a noi fan, ogni cosa arricciabile nel nostro corpo. D’altronde nel 2009, anno in cui questo film vide la luce, Adam Gierasch era il male: sceneggiatore di uno dei peggiori film di Dario Argento, La terza madre, assassino di penna degli ultimi osceni film di Tobe Hooper, cose immonde come quello del coccodrillone, e regista di una cosa così incredibilmente brutta come Autopsy.

Col senno di poi però abbiamo scoperto che La terza madre, sulla carta, senza Dario a girare e Asia a fare finta di essere invisibile, era bellissimo, Tobe Hooper in fase rincoglionimento avrebbe trasformato in merda anche una sceneggiatura di David Mamet, e sì Autopsy era brutto, come il seguente Fertile ground, ma nel 2013, il buon Adam, avrebbe girato il suo capolavoro, il folle e pulpissimo Fractured. Per fortuna Night of the demons è un remake di quelli che fanno leccare i baffi: a livello registico è formidabile, virtuosistico senza stonare nell’eccessivo, citazionistico dei classici argentiani anche nell’uso pop dei colori, ma pure sul piano narrativo è divertentissimo, senza dire nulla di originale tiene incollati alla poltrona come ogni buon B movie al sangue che si rispetti, e nel dire B movie tanto di cappello in questo caso.

Gli attori, da fossili come l’Edward Furlong di Terminator 2 e Brainscan a presenze fresche come la Shannon Elizabeth di American pie e 13 ghosts, fanno il loro lavoro, con inaspettato brio. Certo si parla di un horror che, più di recitazioni sheakespeariane, ha bisogno di urla e corpi da martoriare, ma si vede che regista e cast si sono divertiti nel farlo e questo si riflette anche nella resa attoriale. Il remake non è fedelissimo e riprende solo l’idea della festa di Halloween in una casa maledetta in balia di demoni assetati di sangue. Per il resto è puro delirio alla Adam Gierasch con mani che escono dagli specchi a citare Inferno, con questi rimandi al classico Evil dead con tanto di botola e demone imprigionato, con il sangue che risveglia mummie come nei Bava padre e figlio, con un’impiccagione che riporta a Suspiria in chiave ancora più estrema, poi il finale, diverso sì, ma sempre sberleffo al vetriolo.

Poi ad incarnare l’eroina di turno una deliziosa Monika Keena che ne ha fatta di strada dai primi passi nel serial Dawson Creek fino al sottovalutato capolavoro Delitto più castigo a Suburbia e all’epico scontro tra Freddy vs Jason. Quando urla armata di fucile “Come on give me motherfucker” sporca di sangue e frattaglie scatta l’applauso da drive in. Certo i demoni erano più convincenti nel make up originale, qui una sorta di zombi ghoul verdastri per la maggioranza, ma davvero ad avercene di remake così perfetti anche nell’imperfezione. Ah per tutti i curiosoni questa volta il rossetto sì entra nel seno, ma esce dalla… Non vi resta che guardarlo. Consigliatissimo.

Andrea Lanza

Night of the demons
Regia: Adam Gierasch
Cast: Tatyana Kanavka, Michael Arata, Shannon Elizabeth, Linnea Quigley, Edward Furlong, Bryce Arata, Addy Rome, Addy Rome, John F. Beach, Michael Copon, Zachary James Bernard, Diora Baird, Monica Keena, Bobbi Sue Luther
Durata: 90 min/inedito
Anno: 2009

Me lo scrivi un pezzo sulle mie tette, Andrea?