Fantasma dell’opera

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Negli incubi di Nightmare ROBERT ENGLUND era “Freddy”

(Frase di lancio)

Il fantasma dell’opera è sicuramente uno dei romanzi più conosciuti di Gaston Leroux, anche per chi non l’ha mai letto, ma lo conosce attraverso una delle trecentomila trasposizioni cinematografiche, dagli apici di Terence Fisher agli abomini di Dario Argento fino ad arrivare ai musical schumacheriani.
Quello di Dwight H. Little non è uno dei migliori, ma neanche uno dei peggiori, vive un suo stato artistico di mediocrità innocua, qua e là ravvivato da tostissimi momenti splatter, a volte fuori luogo e insensati.

Fantasma dell’opera è sicuramente in primis un film girato intorno a Robert Englund e al suo desiderio di sdoganarsi dal Freddy Krueger che gli ha dato fama rifugiandosi, per assurdo, in un altro Freddy Krueger.
Dwight H. Little non era forse il regista più adatto al servizio di una storia che ha la sua forza nell’alchimia tra amore e repulsione, più che negli omicidi e nele nefandezze sanguinarie del villain. D’altronde si sta parlando di un regista che ha dato il meglio in action testosteronici (il sottovalutato Drago d’acciaio soprattutto) e che, quando si è cimentato nell’horror puro, tipo Halloween 4, è sempre stato sottotono. Non che Little sia un virtuoso della macchina da presa, ma anche nella sua dimensione di puro artigiano, senza toccare gli eccessi anche involontari di un Pyun, di un Wynorski o di un Decoteau, ha quasi sempre portato a casa opere ben confezionate e divertenti.

I momenti migliori del Fantasma dell’opera sono quando la storia svacca completamente negli eccessi, nella pornografia horror che devasta i volti, che sventra gli stomaci e diventa puro veicolo per il gigionismo di Englund che passa senza cognizione di causa dalla recitazione più pacata a quella urlata e fuori controllo. Davanti a questo delirio di overacting anche la graziosa Jill Schoelen, che altrove emergeva anche duettando con ottimi attori come Terry O’Quinn, è spenta, messa nell’ombra, incapace di trasmettere la minima scintilla di vita in un personaggio apatico e bidimensionale.
Non l’aiuta, a lei come al resto del cast, un doppiaggio italiano mediocre quando non fastidioso.
Eppure questa versione dell’opera di Leroux, forse in altri mani, avrebbe potuto essere buona se non memorabile a cominciare dall’escamotage del viaggio nel tempo fino all’epilogo che risistema l’asse dell’azione dal passato al presente. Solo che, come detto, tutto è lasciato allo sbando della fortuna, senza interessarsi di curare i dettagli, i personaggi, solo tentando la strada più facile, quella degli eccessi che rendono questo Fantasma dell’opera un vero horror di serie B come tanti se ne facevano a fine anni 80.

Dispiace ancor di più perché la cornice storica era efficace, con una Londra ottocentesca baciata da una luce iperrealista e da fog innaturali, ma sono i tanti momenti di vorrei ma non posso sacrificati in onore della scelta più commerciale, qui incarnata nella raffigurazione di un Fantasma dell’opera, in alcuni momenti vicino alla follia di un anarchico Dottor Jeckill di Kikoine, imbastardito purtroppo dall’eterna maschera di Freddy Krueger e dalla sua terribile ironia a commento dei troppi omicidi.
Delle puttane che infestano la Londra del 1881, dei suoi topi, del suo demonio nano pronto a stipare poco fruttuosi patti di vita eterna, che importa se scippato dal Fantasma del palcoscenico, resta poco nei ricordi così come di una storia d’amore maledetta che riesce a diventare persino ridicola nell’osceno finale che si vuole a sorpresa.
Questo film non è mai stato pubblicato in dvd, ma solo in vhs e resta una bizzaria da raccontare più che da vedere, qualcosa che puoi arricchire con la tua fantasia nel parlarne all’amico curioso.
Ecco quindi che la poco fruibile vhs diventa, in mancanza di supporti digitali, qualcosa di mitico e miticizzato, al pari dell’arca dell’alleanza del film di Spielberg, qualcosa che in questo caso faremmo meglio a non aprire per scoprirne l’orrore celato.

Andrea K. Lanza

Fantasma dell’Opera

Titolo originale: The Phantom Of The Opera

Anno: 1989

Regia: Dwight H. Little

Interpreti: Robert Englund, Jill Schoelen, Alex Hyde-White, Billy Nighy, Stephanie Lawrence, Terence Harvey

Durata: 90 min. 

VHS FOX

L’isola dei morti viventi

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barche col bottone dell'autodistruzione, bruno mattei, film brutti, giovanni paolucci, imitazioni, isola dei morti viventi, petto o coscia, vincent dawn, zombampiri, zombi

Mi accorgo stasera che, malgrado la mia innata Sindrome di Peter Pan, sto invecchiando.

E’ una verità scomoda, forse anche più difficile dell’accettare di essere gay se lo fossi, perché la vecchiaia, purtroppo, è una sentenza di morte vicina.

Eh sì, amici miei, non serve parlare con lo slang giovane, fare selfie a manetta o raccontare che ti stai trombando la modella 22enne, perché, come dice il grande Max Pezzali, “il tempo passa per tutti lo sai nessuno indietro lo riporterà neppure noi”, qualunque cosa questo significhi.

Saggio Max

Vi dico questo perché ho capito di avere perso il senso sacrosanto del wow, del critico che ama i brutti film, quello che Pascoli chiamava “l’innocenza del fanciullino”.

Posso asserire questo con certezza perché stasera sto per affrontare il penultimo film di Bruno Mattei, “L’isola dei morti viventi”, uscito con dieci anni di ritardo in dvd nel nostro Bel Paese.

Un film che (forse) solo pochi anni fa avrei adorato, ma che ora invece mi appare troppo pieno di insuperabili difetti.

Amo e ho amato i ripoff truffaldini di Bruno Mattei del passato, anche i più spudorati, come Virus, Robowar o Terminator 2, ma, plagi o mano, quelle pellicole erano cinema in odore di atomica,  con la passione da tutti i pori.

Cosa che L’isola dei morti viventi non può sfoggiare.

Galeotto dev’essere stato l’incontro tra il produttore Giovanni Paolucci e Bruno Mattei, nel 1993 con Attrazione pericolosa, e proseguita, fino alla morte del regista, nel 2006, con Zombies the beginning.  Più di dieci anni di filmacci di tutti i generi, dall’erotico, al poliziesco mafioso fino a resuscitare filoni ormai morti e sepolti come il cannibal movie deodatiano o l’horror zombesco. Prodotti nati disgraziati, girati in digitale, paurosi e appassionanti come baracconi da luna park, purtroppo.

Mattei in questo periodo neanche ci provava più a girare decentemente, si limitava ad assemblare film su film di inenarrabile sciattezza. La poesia cinematografica da guappo era inesorabilmente sfumata.

Certo L’isola dei morti viventi se lo raccontate ad un amico è una cosa incredibile: vampiri, zombi e fantasmi su un’isola, poi arti che ricrescono e, cazzo, uno zombi che suona il liuto! Vi prego però di credermi: L’isola dei morti viventi è una palla di proporzioni colossali, qualcosa di così moscio, noioso e fastidioso da essere quasi masochismo.

In questa pellicola il grado di wow viene presto superato dal senso incredibile di presa per il culo: i nostri protagonisti vedranno più volte gli zombi cannibali, ma ogni volta, entrati in una stanza, come una sorta di puntatona di Scooby Doo, si dimenticheranno di essi, per spaventarsi, come la prima volta, ogni volta!

Scooby Doo

Poi quest’Isola dei morti viventi è davvero trafficata perché Mattei e il suo sceneggiatore Tentori, saggista di ben altra caratura, sono indecisi su che mostri mettere in scena e in un solo film, a random, vediamo zombi, vampiri e fantasmi, ma anche una cosa stranissima, dei zombavampiri ovvero dei morti viventi coi canini da Dracula!

In più sempre l’isola che fa da scenario, da copione, dovrebbe essere deserta, ma qua e là, se stiamo bene attenti, vediamo in ordine, sullo sfondo, una città, dei motoscafi che fanno ciao ciao e qualche barca. Il film poi non si cura di essere credibile neppure nella scelta delle comparse usando per la maggiore attori filippini, così abbiamo pirati e zombi dai tratti incredibilmente orientali. La pellicola, ambientata nei Caraibi, fu girata appunto nelle Filippine, un’ambientazione nota ai nostri film di genere degli anni 80, il Vietnam più appetibile in circolazione dai tempi di Apocalipse Now di Coppola. Non si capisce la scelta però di non ambientarlo direttamente in quelle località come per esempio l’affascinante Zombi 3. Certo i Caraibi sono mozzafiato, ma è come cercare di girare a New York quando dietro di te hai il bazar di Gigi lo scorreggione a due passi da Cologno Monzese.

Lei è la comparsa più usata in almeno 800 parti

I protagonisti sono una squadra di cacciatori di tesori che, capitati per caso su quest’isola degli orrori, si comporteranno né più né meno come in una parodia del genere horror con l’aggravante che non si tratta di una parodia. Si capisce che che il loro destino è scritto sulla faccia: “Carne da macello”.

Il film è una lunga e ininterrotta sequela di citazioni di altre più nobili opere, da Fog di John Carpenter (con la stessa idea di nave maledetta e di nebbia perenne) a House of the dead di Uwe Boll, con tanto di Capitano Kirk e morti viventi conquistadores chiacchieroni. Naturalmente nel percorso non manca né George Romero con la famosa frase “I morti ti prenderanno!” da La notte dei morti viventi né l’intuizione di usare il karatè per battere questi zombi cenciosi da After death di Claudio Fragasso, dal quale scippa pure la sequenza della lettura del libro maledetto ritrovato (e quindi di riflesso anche l’Evil dead raimiano). La parte del leone però nei furti/citazione la fa Lucio Fulci dove il suo Zombi 2 viene ripreso sia nell’incipit con i cadaveri chiusi nei sacchi ai quali viene fatta saltare la testa, ma soprattutto nella scena famosa della scheggia di legno infilza occhio.

Sono sposata col produttore e torno nel seguito

Mattei poi si cita e si ricita da solo riproponendo intere sequenze girate ex novo dal suo classico Virus con tanto di prete zombi o la battuta “Vuoi la coscia o il petto?” rivolta ad un gruppo di zombi affamati. In più è proprio da Virus una delle scene più sceme di tutta L’isola dei morti viventi quando, davanti ad un cadavere putrefatto e pieno di sangue, una delle protagoniste chiederà “Signore sta male? Signore parla la nostra lingua?”. In più in questo film scopriamo che le barche, udite udite siori e siore, sono fornite di un pulsante di autodistruzione!!!!

Zombavampiri!

Quello che lascia interdetto però non è il livello di coglioneria, che ci stava pure dentro il bellissimo Rats notte di terrore, ma la fattura sciatta che neanche si ricorda le regole più basilari del montaggio, una cosa imperdonabile per Mattei che era appunto anche un ottimo tecnico. Le scene, sempre con quell’aria insopportabile da fiction terzomondista, non si amalgamo mai, sono scollegate, dilettantesche nella loro consecutio e donano al film, già disgraziato per conto suo, una lentezza che solo un montaggio frenetico forse avrebbe salvato dal fallimento completo.

Gli attori poi, a parte Gaetano Russo nella parte del Capitano Kirk, sono incredibilmente cani, qualcosa che sublima anche l’idea di attori cani che uno si fa nell’approcciarsi ad un film di Bruno Mattei. Nel cast è bene citare poi la presenza di Lilia Cuntapay, caratterista storica del cinema filippino, vista anche in produzioni americane come Bagkok senza ritorno di Jonathan Kaplan, e qui nelle vesti di un fantasma zombi poco incline al cannibalismo. La Cuntapay tra l’altro ci ha lasciato quest’Estate a 81 anni. La palma però di peggiore recitazione va senza dubbio a Ydalia Suarez, attrice già nota per la sua pessima performance in  Nella terra dei cannibali sempre del nostro Bruno, e che scopriamo essere cantante (ancora più terribile) di un certo culto, anche in Italia, con l’album “Sei mio uomo, w le donne”.

Di lei possiamo leggere su internet questa raccapricciante biografia:

“Ydalia Suarez ritorna alla musica, suo originale amore sin da quando era bambina. Nella sua vita, infatti ha sperimentato diversi tipi di arte tra cui la danza e il cinema.

Candela 2k16 è il brano da cui parte il nuovo progetto discografico di Ydalia;  è in uscita su tutte le piattaforme digitali a partire dal 22 luglio. E’ solo l’inizio: il progetto proseguirà con la realizzazione di un album di brani inediti che prevede la collaborazione di grandi firme autorali.

Era il 1999 quando la portoricana Noelia lanciò Candela.

Il singolo, utilizzato come stacchetto nella trasmissione Striscia la notizia, ha conosciuto una straordinaria popolarità in Italia nel 2001 arrivando fino alla quarta posizione della classifica dei singoli più venduti e diventando un vero e proprio tormentone estivo entrando nella Top 5 dei singoli più venduti.

E’ il 2016: la cubana Ydalia affida a Nick Peloso la rivisitazione del singolo. Una re-edit con suoni attuali dopo i 18 anni dalla sua uscita originale. E’ un brano dalle sonorità avvolgenti, fresco, attuale e ballabile, Candela 2k16 si propone di diventare un successo e un tormentone dell’estate in versione completamente diversa grazie a Nick Peloso, che regala al singolo nuova vita, alla voce di Ydalia, e al ritmo che fa battere il cuore di chi lo ascolta anche ricordando la versione originale riportando quindi oltre ai “ricordi” anche forti emozioni.

Il buon lavoro svolto la premia, ed alcuni brani sono richiesti per fare parte della colonna sonora di “Stars Gate” un film di produzione italiana ma destinato solo al mercato internazionale. Uno di questi brani “Stars in love” diventa tema del film.

Nel 2015 è stata protagonista femminile del nuovo film di Claudio Fragasso “La grande rabbia”, film che è stato presentato al David Di Donatello“. Film che aggiungiamo è prodotto sempre da Paolucci.

Difficile davvero salvare in questo Isola dei morti viventi qualcosa e le uniche cose che ci possono venire in mente sono la sequenza, già citata, dove un morto vivente suona un liuto per un fantasma che danza o un delirante momento dove ad un morto vivente cresce spontaneamente un arto, ma sono poche cose e anche sviluppate e rese male in un contesto davvero cretino dove i fucili hanno colpi infiniti o, per risparmiare, si fa interpretare due statue a due attori!

Signore, parla la nostra lingua?

A firmare la fotografia il Luigi Ciccarese di Aenigma e Demonia di Fulci, non al suo massimo. Gli effetti speciali e di make up invece sono buoni grazie anche alla bravura della veterana Cecille Baun, nota per i suoi lavori in Platoon e Hamburger Hill. Nel film di Mattei tra l’altro non si eccede mai in sequenze sanguinose o di sventramento, a discapito del titolo, e quindi il grosso del lavoro si è concentrato sul rendere decenti questi zombi, a volte benissimo a volte no, ma in generale dando dignità ad un prodotto miserabile.

Dispiace davvero perché credo fortemente che negli anni 80 con un altro spirito, un’altra resa tecnica, questo L’isola dei morti viventi sarebbe stato ottimo per una visione tra amici, invece davvero si capisce perché non è mai stato distribuito nel nostro paese per così tanto tempo.

Bruno Mattei qui si firma come ai tempi d’oro con il nom de plume di Vincent Dawn, e, prima di congedarsi dalla vita e dal cinema, ci regalerà un seguito di questo film, Zombi la creazione, scippando, come ai tempi di Terminator 2, il plot di Aliens scontro finale.

Ci piacerebbe parlare bene almeno di quest’ultima opera, ma la verità è che il cinema di Mattei è un morto vivente, ha ciondolato per anni dopo la fine dei generi credendo di essere ancora vivo, non capendo invece di essere solo una carogna maleodorante.

Peccato perché noi, malgrado quello che stiamo scrivendo, amiamo Mattei e siamo cresciuti coi suoi classici, a volte amandoli più dei veri classici. RIP in pace Bruno.

Andrea Lanza

L’isola dei morti viventi

Titolo originale: Island of the living dead

Regia: Bruno Mattei (Vincent Dawn)

Interpreti: Yvette Yzon, Alvin Anson, Ronald Russo, Ydalia Suarez, Miguel Franco, Jim Gaines, Thomas Wallwort

Durata: 90 min.

 

 

 

 

 

 

 

Brotherhood 3: giovani demoni

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andrea lanza, brotherhood, david decoteau, film etero molto froci, mediafilm, recensione, recensioni, the pool 2

Se David Decoteau non esistesse, probabilmente dovremmo inventarlo.
David è un po’ come la scorreggia sonora e deflagrante che ti scappa quando sei lì lì per farti la ragazza dei tuoi sogni, lo zucchero buttato nella pasta per sbaglio al posto del sale, è il film atteso da vent’anni che non l’ammetti ma fa schifo.
Ecco, David nostro bello esiste per quelle strane leggi di compensazione che vogliono il male spuntare sempre quando c’è il bene, che hanno creato l’invasione delle cavallette quando ero solo in vacanza in Egitto, insomma la legge di Murphy incarnata in un uomo.

Il genio del male

Esistono film brutti, qui ne recensiamo a milioni, ma per fortuna esistono anche i film brutti e divertenti, quelli che fanno bene al cuore perchè nulla ti rilassa di più di un film che magari è nato storto, sgarruppato, incazzato col mondo, e tu ci vedi del bello in quegli occhietti disgraziati. Questo mette in pace col Dio del cinema. Purtroppo i film di Decoteau sono brutti e neanche divertenti, sono una tortura per le palle incredibile, ma hanno anche quella strana malia che tu spinge a guardarli, come incantato davanti al suono delle sirene, perchè sono il nulla, la fine dei sensi, sempre caro mi fu quest’ermo colle quando ti lasci andare sereno verso la morte.

A David non piacciono le tette

A David non piacciono le tette, lui scappa davanti alla passera come Reagan mentre Padre Karras impugna il crocefisso, a lui, sia chiaro, garba il chupito bevuto alla goccia con quei monellaci di Mark e Joe. David è gay ma uno di quei molesti perchè non è in pace con se’ stesso, ridotto a girare film etero in un mondo interiore che urla Like a Virgin, Paparazi e Amooore proontooo, quindi è come la Jenni di Vasco, pazzo, e a suo modo un terrorista.

I film di Decoteau sono subdoli perchè non danno mai quello che promettono. Lui disgraziatamente è rimasto ancorato al Craven di Scream, diventando, anche in questo 2016, la risposta più scellerata allo slasher anni 90.

Purtroppo

In copertina David nostro ci mette quasi sempre una figona e dietro, quasi fosse un porno, sei o più maschi a petto nudo e arrapati. I suoi horror teen, sulla carta, sono roba per fare sgrillettare le adolescenti, ma in realtà sono horracci zozzi pieni di gente stupida che fa roba stupida in attesa della scena clou, ovvero un ragazzone che in mutande bianche fa la doccia mentre qualcuno, sempre uomo, lo guarda per i più svariati motivi che non sono mai quelli palesi.

In Italia, fino a qualche anno fa, hanno cercato di farci piacere per forza Decoteau: non uscivano film horror decenti, ma la Mediafilm buttava a dozzine i chiappa e sangue del buon David. In più accompagnati da scritte attira gonzi come “Dalla mente perversa del genio di Decoteau” neanche fossimo davanti a Cronenberg o Lynch.

Per fortuna poi la Mediafilm ha smesso, forse fallita, forse chi se ne frega, l’importante è che nessuno più poteva cadere nella subdola trappola del genio Decoteau. Certo che il complotto che ha visto decine di film di questo regista arrivare in Italia in pompa magna, con cerimonie degne di un vero autore, ha del folle e una ragione che trova risposta solo nella massoneria o negli ufo, nell’omicidio di Kennedy e nella verginità di Brooke Shields.

Brotherhood 3 è uno dei suoi dvd peggio distribuiti, quelli che trovi di meno tra le bancarelle del marocchino di Brignole a Genova, ma anche uno dei suoi film più esemplari in quanto a cazzimma verso il genere.

Brotherhood 3 è il terzo capitolo di una saga che conta ben sei capitoli, di cui quattro sbarcati in Italia a volte in versione deluxe due dvd. Il primo nonchè il migliore raccontava di un ragazzo che, appena arrivato in un liceo, si trova a fronteggiare la minaccia di una congrega di stregoni in mutande e patta sbarazzina. Tutti gli altri sono una variazione del tema, magari cambiando scenario, non più il liceo, o magari, come nel quinto, buttandoci una scena omo più calcata, ma la minestra resta la stessa.

Ci sono dei geroglifici a forma di cazzo. Genio!

Colpevole di questi crimini contro l’umanità e il cinema, oltre a Decoteau, è stato lo spezino Ryan Carrassi, che all’epoca della Mediafilm era il nome più vicino al regista. Carrassi è stato l’artefice di un’odio smisurato verso i cartoni animati dell’epoca Bim bum bam, colpevole di tagliare ed edulcorare temi scabrosi o situazioni ambigue in serie come Sailor moon o Piccoli problemi di cuore. Coi film di Decoteau fa lo stesso: aggiusta i dialoghi, tagliuzza di qua e là, rendendo meno gay il tutto ma mandando dallo psicologo diversi spettatori. “Dottoressa, vedo la gente frocia!!!”.

Oltretutto Carrassi e Decoteau, su varie riviste, tipo Horrormania, Nocturno, persino Film tv, nel 2005, avevano indetto un concorso per trovare comparse per un imminente Pool 2, il seguito di un film tedesco, stavolta girato però a quattro mani dal nostro genio americano e da un regista italiano, Tiziano Pellegris, su produzione e distribuzione Mediafilm.

The pool 2 restò un sogno, possiamo trovare su internet un brutto backstage, e sembra fosse un film frakenstein, ovvero 20 percento storia nuova di produzione italiana e 80 per cento dell’americano Vuoi sapere un segreto?, altro capolavoro distribuito da Mediafilm, con il taglia e cuci di Carrassi, a fronte di un budget di un milione a 200, a credere ad imdb. Cosa ci fosse dietro questa produzione, dal riciclo di capitali, alla versione gay del fake agent, è uno di quei misteri che forse non sapremo mai, ma che ci fanno percepire la natura arruffona di questi prodotti.

Brotherhood 3 è il capitolo slegato di tutta la saga, come ogni buon terzo capitolo vuole dai tempi di Halloween 3, ma non per questo il migliore.

Stavolta il campo da gioco è diverso, sempre un liceo, ma siamo in ambito giochi di ruolo. Ogni Venerdì sera, il film immagina, che un gruppo di ragazzi usi la scuola come scenario per giocare una partita live ad una specie di Dungeon and dragons con i partecipanti vestiti da scemi, chi da elfi, chi da cavalieri.

Non serve far pronunciare ad un personaggio “Sono un guerriero errante” se gli metti in testa un secchiello da sabbia! Non sei un illusionista, quello resta sempre uno scemo col secchiello in testa, al di là di cosa dica.

In questo liceo, che non è mai chiaro del perchè non abbia un custode, oltre a loro si aggira un misterioso figuro, vestito da cavaliere ma dal volto coperto, che spia i ragazzi docciarsi, poi al posto di ucciderli, si fa fare un pompino, trasformandoli in demoni, anzi giovani demoni come recita il sottotitolo.

Al di là dei make up miserabili, dell’assenza di sangue e del fatto che gli aiutanti di questo cattivone sono vestiti come degli schiavi da film porno bondage, il film è girato quasi completamente al rallenti. Cioè una cosa incredibile, durebbe a velocità normale forse tre quarti d’ora, ma, con uno strano escamotage. David dissemina il film di gente che corre a velocità ridotta, senza un motivo logico, senza la minima suspense, senza una musica piena di tensione, senza nulla che non sia la fuga al rallentatore di questi scemi inseguiti da un ancora più lento cattivone medioevale.

Ecco quando dicevo che i film di Decoteau sono ipnotici, questo ne è l’esempio. Tu lo guardi e speri che succeda qualcosa, ma quel qualcosa non succede, allora alla quarta scena senza ritmo, senza logica, ti lasci andare e sei perso, encefalogramma piatto, dottore non c’è più speranza, è morto.

Decoteau cerca di rendere misteriosa l’identità di questa creatura assassina, che i ragazzi non vedono mai anche se si nasconde con l’agilità di un bradipo eccitato, ma è un segreto di pulcinella che solo i più puri di cuori non hanno capito. Certo David nostro ci mette dentro deliri che fanno gridare al cielo tipo l’introduzione a cazzum degli immortali Ramses e Anubis, chiamati affettuosamente Ramsey e Any, con tanto tra l’altro di Anubis bravo, che dimentichi presto come d’altronde il film.

Oltretutto è facile confondere questa pellicola con un’altra analoga dello stesso regista, sempre distribuita da Mediafilm come The game (ma in precedenza editata come Prison of dead da un’altra etichetta), che racconta una storia simile con però l’aggiunta di alcuni frocissimi zombi. Stessa merda, per intenderci.

Il cast è composto da non attori così come la regia è, oltre il discutibile rallenti, quanto di più imbelle possa capitare di vedere. Peccato perchè a noi di Malastrana vhs, una delle prime opere di Decoteau, Dreamaniac, era anche piaciucchiata, ma credetemi, alla soglia del 2017, con 125 film sul groppone, David nostro ha girato solo cose brutte, tra le più brutte e meno divertenti mai viste. Se leggete il suo nome su un dvd o qulacuno, per fare l’alternativo, vi dicesse “C’è questo autore che spacca” con in mano il dvd di Brotherhood 3, voi scappate più veloci che potete, nella speranza non lo stiate facendo al rallenti perchè sennò, cazzi vostri, ingoiate e vestitevi da paggetti del male.

Andrea Lanza

Brotherhood III – Giovani demoni
Titolo originale: The Brotherhood III: Young Demons
Anno: 2003
Durata: 82 min
Regia:David DeCoteau
Soggetto: David DeCoteau e Matthew Jason Walsh
Sceneggiatura: Ryan Carrassi e Matthew Jason Walsh
Interpreti: Kristopher Turner, Paul Andrich, Ellen Wieser, Julie Pedersen, Andrew Hrankowski, Landon McCormick: Matthew Epp, Carl Thiessen

The omen (Il pilot del 1995)

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andrea lanza, cinema, pilot, recensione, seguiti folli, the omen

Il Presagio di Richard Donner è uno di quei film che hanno reso importante mio cammino cinefilo. Amore al primo fotogramma. senza dubbio.
Se devo dirla tutta, nel mio immaginario, Il Presagio batte L’Esorcista come film sul Maligno, pur adorando il film di Friedkin/Blatty. Sarà la storia del bambino puro con il DNA di Belzebù, una cosa che, nella testa di un ragazzino, può risultare come “Ehi potrei essere anche io il figlio di Satana!”. Perchè, diciamolo, essere la puttana di Satana fa cagare, vedi Reagan che vomita bile verde, ma essere il figlio di Satana è un po’ come essere Superman, solo un po’ più cattivo.

Solo un po’ più cattivo

I seguiti de Il Presagio oscillavano tra il mediocre (il secondo) e il pessimo (il terzo), ma erano comunque vedibili in quegli anni in cui anche I ragazzi del cimitero ti sembrava bello, soprattutto perchè, anche nel disastro, il personaggio di Damien Thorn, che fosse un cadetto o il Presidente degli Stati Uniti D’America, era sempre figo. Insalvabile invece il remake di John Moore, uno che aveva appena alzato la patta dei pantaloni dopo avere stuprato un bel gioco come Max Payne, e si apprestava a farsi un giro anche con il figlio del diavolo. Il remake de Il Presagio era come una di quelle lattine che trovi al supermercato di mojito analcolico, lo bevi, magari gli ingredienti sono gli stessi che userebbe un barista, ma cazzo fa più schifo del tuo alito il mattino dopo la pasta aglio, olio e peperoncino. E non solo perchè manca l’alcol, qui si parla di anima, una cosa più complessa.

A John Moore non piace la fregna

Lo sceneggiatore David Seltzer ci aveva anche provato, nel 2005, a portare su piccolo schermo una storia di Demoni e presagi, ma la tv allora forse non era avanti come ora, e la miniserie Rivelations di sei episodi, con Bill Pullman mattatore, si era persa nella noia.
Ultimamente poi è stata creata una nuova serie tv su Damien Thorn che funge da seguito del primo film di Donner così da fare tabula rasa del secondo, terzo e pure quarto film con una pestifera bambina anticristo. Sulla miniserie (sempre 6 episodi) su Damien mi astengo dal giudizio, in attesa di vederla, ma mi dicono, speriamo, che sia molto bella e vicino, come spirito, all’originale di Donner.

 

In questa serie io non ci sono

Eppure non è la prima volta che qualcuno prova a trasporre su piccolo schermo Il presagio. Ci avevano già provato, nel 1995, in un pilot morto senza mai vedere la luce di una serie tv.

Tutti i cultori di cinema, soprattutto chi adora Tarantino, sanno cos’è un pilot. In Pulp fiction, Uma Thurman parla di Volpe forza cinque, una serie strafiga a base di donne a karate che purtroppo non si è sviluppata oltre la punta pilot. Il pilot, in parole povere, è quella puntata prova, la prima, che si gira per vendere il prodotto alle reti. Se piace si da’ il via alla serie completa, se non piace resta solo quella puntata. Di solito le reti approvano anche la merda, ma non sempre. Esempi di pilot mai diventate serie tv ce ne sono a bizzeffe come quello di Zombieland o di Fargo fatto nel 2003, o ancora l’idea di fare una Justice League senza Superman e Batman. Tutte teste mozzate, idee non capite, a volte assurde, a volte troppo avanti coi tempi, tra questi, gli esclusi, c’era anche The omen.

Cinque sfigati, la Justice league

Nel 1995 la serie più cool in voga era senza dubbio X-files, quindi allo sceneggiatore John Leekley gli dovette sembrare strafiga l’idea di fare un simil X-files da The Omen. Leekey poi dev’essere un anarchico perchè non era la prima volta che cercava di resuscitare un brand morto con dubbie scelte narrative. Suo Knight Rider 2010 che passò alla storia per essere un brutto Supercar, ambientato nel futuro prossimo, che si fregiava di non avere nel cast il Michael Knight di David Hasselhoff. Anche in questo caso The Omen non aveva Damien e con Il presagio c’entrava come il pecorino sugli spaghetti allo scoglio.

Quindi se voi avete dei soldi da buttare e volete, che so, fare una nuova miniserie su Hulk, chiamate chiunque, il vostro barbiere, il vostro giardiniere, ma non usate John Leekley come sceneggiatore perchè inforcherebbe i suoi occhiali da divo di Hollywood e vi direbbe sornione: “Ehi man, ma se la serie la facessimo senza Hulk?”.

Un film su Damien senza Damien. Geniale.

Così succede in The Omen, con tanto di benedizione come produttore esecutivo di sua maestà Richard Donner: di Damien non si parla e il plot è una variante soprannaturale di X- files.

A girare il prodotto un sempre bistrattato Jack Sholder, uno anche bravo, ma che, oltre a L’Alieno, viene sempre rcordato per essere il regista del Nightmare più odiato, il 2, che comunque a noi di Malastrana vhs piace molto. Nel 1995 la sua stella non brilava molto, tra serie tv fallimentari e prodotti mediocri, e presto avrebbe visto l’apogeo di miserabilità con Wishmaster 2 e la regia salvatutto di Supernova di Walter Hill, fino ad abbandonare la carriera cinenatografica nel 2004, come un vecchio cowboy stanco.

Il presagio della fine di Jack Sholder a pochi minuti dall’inizio del pilot

In The Omen, Sholder è comunque scatenato, forse credeva nel progetto o forse gli gustava di girare una serie tv che pescasse a pieni mani dal suo L’alieno con il demonio che passava di bocca in bocca come una sorta di virus. Quindi le inquadrature di The Omen, quasi tutte le scene d’azione, la parte tecnica, in parole povere, è eccellente. Siamo senza dubbio in un prodotto sopra la media, al quale possiamo perdonare alcune ingenuità come la sequenza d’inseguimento durante la parata di San Patrizio con le comparse visibilmente non a loro agio e una bambina che assiste ad un accoltellamento e poi bellamente riprende a sorridere.

Ehi, bambina, lo vuoi il virus nello zuchero filato?

Il cast è molto buono con il tris di protagonisti, Chelsea Field (la bellissima moglie di Bruce Willis in L’ultimo Boyscout), Brett Cullen (Lost e Person of interest) e Will Sandler (Die Hard 2), perfetti e molto capaci. Oltretutto tutti e tre questi attori vivranno post The Omen una brillante carriera, magari non da star, ma di fiorenti comparse tv, a volte protagonisti di solidi B movie, in quella hall of fame fatta dalle facce che riconosci senza ricordarti il nome o il ruolo. Nelle seconde file poi troviamo la fighissima Julie Carmen, la Regina di Ammazzavampiri 2, nel breve ruolo della sorella della Field, Rita.

Cosa non funziona in The Omen allora?

In primis la storia che vede tre persone eterogenee, un medico, un’infermiera e un reporter, unirsi per fronteggiare la minaccia del Maligno che passa, come detto, da un corpo ad un altro, e cerca di portare il mondo all’Apocalisse. In questa puntata il Satanasso, tra voci gutturali e pessima computer grafica ante litteram, cercherà di rubare un virus mortale, non riuscendoci ma giurando vendetta ai tre malcapitati.

Momento originale dove Chelsea Field parla come la Reagan de L’esorcista

La sceneggiatura poi vive momenti di incredibile imbecillità dove ci vogliono fare credere che, per studiare un virus letalissimo, gli scienziati più all’avanguardia dell’esercito usino lo scantinato di un ospedale, sorvegliato da tipo tre soldati addormentati. Il problema però sta all’apice del problema, quello che avrebbe dovuto fare alzare dalla sedia Richard Donner e dire “Cazzo Jack, cazzo John, ma che stiamo facendo? Chiamare The Omen, l’X- files del Maligno non è propriamente un’idea geniale”. Eppure Richard sta zitto perchè era nell’aria, già dal suo primo film su Damien, che i seguiti sarebbero dovuti essere una cosa scollegata. Sta zitto perchè tanto pensa “Cazzo me ne frega, tanto il produttore esecutivo vale come il due di picche ad Hollywood”.

E così The Omen giustamente muore. Viene trasmesso l’8 Settembre 1995 in tv e lì dimenticato.

Alla fine nei suoi 45 minuti di durata non annoia mai, ma è davvero fatto per fare incazzare i fan, una cosa così vicina al suicidio che fa quasi commuovere nella sua ingenuità e nella speranza impossibile di essere un cult. Non è successo ad una fighissima serie su donne e karate, come poteva succedere a Il presagio senza Damien? Siamo seri, John Leekley, dai.

Andrea Lanza

Il pilot in inglese:

The omen

Regia: Jack Sholder     

Sceneggiatura: John Leekley

Interpreti: Brett Cullen , Chelsea Field, William Sadler , Norman Lloyd , Julie Carmen, Steven Williams

Musica: J. Peter Robinson    

Durata: 46 min.

Night of the demons – remake

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Un gruppo di ragazzi si trova barricato in una villa asserragliati da mostri furiosi e assetati di sangue che vogliono rendere vera una profezia: se, durante Halloween, sette demoni si impossesseranno di sette corpi viventi allora la terra diventerà il loro dominio. La festa del 31 Ottobre è appena cominciata!

La notte dei demoni firmato Kevin S. Tenney è un signor horror. Derivato dai Demoni di Lamberto Bava quanto si vuole, sbilanciato tra trovatacce di bassa lega e momenti di genio aureo, ma è uno di quei film che ti fanno amare il genere per la sua follia, per la sua potenza anarchica, per quella forte dose di spettacolo che solo gli anni 80 riuscivano a conferire al genere. Rimangono impresse, nella mente di tutti i ragazzacci cresciuti a pane e splatter, scene di forte impatto come l’amplesso tra due sfortunati fornicatori all’interno di una bara, il finale crudelissimo, il make up dei demoni, la porchissima Linnea Quigley che si infila un rossetto nel seno con sfrontata eccitazione.

Certo a livello registico non è il miglior film del regista, a volte tirato un po’ via, Spiritka sarebbe stato molto più elegante, ma anche meno divertente, ma va bene e andava bene così, ora, a trent’anni di distanza, tra milioni di anni nell’olimpo dei film imperfetti, baciati dalla chimica perfetta. Di un remake di questo horror, firmato oltretutto da Adam Gierasch, nel 2009, potevamo aspettarci solo tragedia e sciagura, una cosa che, a solo leggerla come news, ci faceva arricciare, a noi fan, ogni cosa arricciabile nel nostro corpo. D’altronde nel 2009, anno in cui questo film vide la luce, Adam Gierasch era il male: sceneggiatore di uno dei peggiori film di Dario Argento, La terza madre, assassino di penna degli ultimi osceni film di Tobe Hooper, cose immonde come quello del coccodrillone, e regista di una cosa così incredibilmente brutta come Autopsy.

Col senno di poi però abbiamo scoperto che La terza madre, sulla carta, senza Dario a girare e Asia a fare finta di essere invisibile, era bellissimo, Tobe Hooper in fase rincoglionimento avrebbe trasformato in merda anche una sceneggiatura di David Mamet, e sì Autopsy era brutto, come il seguente Fertile ground, ma nel 2013, il buon Adam, avrebbe girato il suo capolavoro, il folle e pulpissimo Fractured. Per fortuna Night of the demons è un remake di quelli che fanno leccare i baffi: a livello registico è formidabile, virtuosistico senza stonare nell’eccessivo, citazionistico dei classici argentiani anche nell’uso pop dei colori, ma pure sul piano narrativo è divertentissimo, senza dire nulla di originale tiene incollati alla poltrona come ogni buon B movie al sangue che si rispetti, e nel dire B movie tanto di cappello in questo caso.

Gli attori, da fossili come l’Edward Furlong di Terminator 2 e Brainscan a presenze fresche come la Shannon Elizabeth di American pie e 13 ghosts, fanno il loro lavoro, con inaspettato brio. Certo si parla di un horror che, più di recitazioni sheakespeariane, ha bisogno di urla e corpi da martoriare, ma si vede che regista e cast si sono divertiti nel farlo e questo si riflette anche nella resa attoriale. Il remake non è fedelissimo e riprende solo l’idea della festa di Halloween in una casa maledetta in balia di demoni assetati di sangue. Per il resto è puro delirio alla Adam Gierasch con mani che escono dagli specchi a citare Inferno, con questi rimandi al classico Evil dead con tanto di botola e demone imprigionato, con il sangue che risveglia mummie come nei Bava padre e figlio, con un’impiccagione che riporta a Suspiria in chiave ancora più estrema, poi il finale, diverso sì, ma sempre sberleffo al vetriolo.

Poi ad incarnare l’eroina di turno una deliziosa Monika Keena che ne ha fatta di strada dai primi passi nel serial Dawson Creek fino al sottovalutato capolavoro Delitto più castigo a Suburbia e all’epico scontro tra Freddy vs Jason. Quando urla armata di fucile “Come on give me motherfucker” sporca di sangue e frattaglie scatta l’applauso da drive in. Certo i demoni erano più convincenti nel make up originale, qui una sorta di zombi ghoul verdastri per la maggioranza, ma davvero ad avercene di remake così perfetti anche nell’imperfezione. Ah per tutti i curiosoni questa volta il rossetto sì entra nel seno, ma esce dalla… Non vi resta che guardarlo. Consigliatissimo.

Andrea Lanza

Night of the demons
Regia: Adam Gierasch
Cast: Tatyana Kanavka, Michael Arata, Shannon Elizabeth, Linnea Quigley, Edward Furlong, Bryce Arata, Addy Rome, Addy Rome, John F. Beach, Michael Copon, Zachary James Bernard, Diora Baird, Monica Keena, Bobbi Sue Luther
Durata: 90 min/inedito
Anno: 2009

Me lo scrivi un pezzo sulle mie tette, Andrea?

Il diavolo abita nel Texas

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andrea lanza, gates of hell part 2, il diavolo abita in texas, lucio fulci, seguiti non seguiti, Through the Fire

Marilyn Curtis (Tracy Baldwin) si ritrova sola di notte a dover cambiare la gomma della propria auto in una strada solitaria, e viene aggredita. Cinque settimane dopo, sua sorella Sandra (Tamara Hext), rimasta sconvolta dalla scomparsa di Marilyn e datasi al bere, viene aiutata da un poliziotto amichevole, Nick Berkley (Tom Campitelli). Rinfrancata, Sandra gli chiede di indagare sulla scomparsa della sorella e lui accetta, prendendosi una settimana di ferie per farlo. Dapprima i due cercano indizi a casa di Marilyn, dove un fattorino consegna loro un pacchetto contenente un amuleto. Scopriranno che ha poteri notevoli e scopriranno anche qualcosa di importante sul passato di Marilyn.

Lucio Fulci ha fatto tante belle cose nella sua carriera, certo anche tante brutture, ma ogni suo lavoro, capolavoro o mano, aveva sempre il lepre, quel guizzo che lo rendeva appunto “fulciano”.

Lo dico con tutto l’affetto del mondo perché Lucio Fulci è stata la mia nave scuola, il mio grande amore cinefilo, il primo e quindi il più meraviglioso.
Credo che senza Fulci non avrei mai scoperto i vari Jess Franco, Jean Rollin, non mi sarei mai addentrato nell’universo transgender di David Decoteau o amato alla follia le sparatorie sgarruppate di Albert Pyun, non avrei forse mai pianto per una sposa turca o maledetto Tom Cruise e Nicole Kidman come fossi dentro le Chungking Express.
Tutto iniziò appunto con Paura nella città dei morti viventi e quel ritmo assente, ma ipnotico, quelle musiche potentissime, quello splatter estremo e quel senso di terrore unico in un prodotto tutto sommato derivato.
Vidi Paura su una vecchia VHS Avo e da lì, indeciso se stessi assistendo ad una cazzata o no, prosegui con il più facile ma altrettanto splendido Quella villa al cimitero, il mio amore infimo Zombi 3 e via di film comprati, noleggiati, smerciati dagli spacciatori di registrazioni tv di tutta Italia, in quella formula un film 20000 lire, due 35000 sulla stessa videocassetta. Con la qualità già bassa a metà anni 90.

Perché vi parlo di Fulci in una recensione di un film americano di metà anni 80 diretto da un oriundo regista alla sua prima e unica prova dietro la macchina da presa?
Beh facilissimo perché Il diavolo abita in Texas è dedicato alla memoria di Lucio.
Memoria???? Si chiederà qualcuno più attento, aggiungendo, caro K. Lanza, ti sei rimbecillito, hai appena detto che è un film di metà anni 80, come fa ad essere dedicato alla memoria di un regista ben lontano dall’essere anche solo moribondo in quegli anni???
Io di risposta tiro fuori la mia frusta, rubata sul set di I cacciatori del Cobra d’oro, perché a Malastrana vhs fa più figo avere un oggetto di scena di un film di Anthony M. Dawson che di Steven Spielberg, e colpisco sulle chiappette tutti voi saputelli gne gne di stocazzo.

Il diavolo abita in Texas è stato sì filmato nel 1987 col titolo Through the Fire, ma è stato distribuito a fine anni 90 negli USA col più incisivo Gates of hell 2: the Awakening, diretto diretto in vhs.
E visto che noi in Italia non facevano uscire bellezze come Pumpinkhead o Basket Case, ma cosacce come Neon maniacs o Il ritorno degli zombi, ecco che Il diavolo abita in Texas, tanto per agganciarsi al Texas di Non aprite quella porta, ha fatto capolino tra i nostri scaffali da videoteca.
Ad editarlo, senza molti sforzi, la nostra storica Image video, un’etichetta famosa per i suoi titoli horror scarsi, la sua qualità video indegna e i doppiaggi da emorroidi letali.
Anche qui il livello qualitativo è basso, sia della resa su sopporto magnetico sia proprio del film proposto.

Gates of hell 2, inutile dirlo, non ha nulla da spartire con Lucio Fulci e il suo Paura nella città dei morti viventi, famoso in America appunto come Gates of hell.
La trama cerca di coniugare il tema del satanismo con il filone thriller poliziesco sfarfallando di tanto in tanto nell’irrazionale lovecraftiano, fallendo comunque miseramente ogni strada imboccata.
Colpa è dell’incapacità del suo regista, della pochezza della trama e di un ritmo che, se in Fulci era trasognato, qui è solo noia allo stato puro.
Il regista Marcum cerca di omaggiate Paura con delle luci molto violente, un po’ alla Suspiria o Inferno dei poveri, e nell’inserire a forza uno zombastro assassino nella trama.
Anche gli omicidi che potrebbero calcare nel sangue e nelle frattaglie, in onore del padre del gore italico, risultano castrati e mancanti della minima tensione, senza neppure l’elemento bizzarro che potevano avere gli assassinii all’interno di Paura nella città dei morti viventi.

Il finale è sicuramente la parte migliore, anche perché possiamo finalmente goderci un po’ di sano irrazionale, con musiche potenti alla Fabio Frizzi e un assedio di zombi putrefatti e cattivi, ma la goduria finisce presto davanti a un make up malfatto dei mostri e una virata action alla Stallone delle Filippine che lascia basiti.
Per non parlare poi dell’umorismo becero, dei non attori coinvolti e dei costumi da comparsa di Gardaland dei cattivi, i Satanisti meno carismatici della storia del cinema mondiale.
Trovare un punto di divertimento malastrano è arduo, forse impossibile.
Per i puristi c’è da sottolineare che la pellicola nella vhs italiana è più lunga rispetto alla copia USA e ha alcuni nudi non presenti, soprattutto all’inizio quando Tamara Hex chiama Tom Campitelli in dolce compagnia.
Poca roba, s’intende.

C’è poi da segnalare che col titolo Through the Fire fu distribuito in Inghilterra.
A noi non resta che sconsigliare la visione e consigliarvi una volta di più quella di Paura nella città dei morti viventi o al massimo di un altro Gates of hell, Le porte dell’inferno, di Umberto Lenzi, film brutto da morire, con templari assassini, ma divertente davvero se amate le peggio cose.
Qui da amare c’è ben poco nel lavoro di Gary Marcum o G.D. Marcum, come si è firmato qui.

Andrea K. Lanza

Il diavolo abita nel Texas

Titolo originale: Through the Fire

Anno: 1988

Regia: G.D. Marcum (Gary Marcum)

Interpreti: Tamara Hext, Tom Campitelli, Randy Strickland, Billie Carroll, Dan Shackleford, John S. Davies, Wendy Wade, Terry Wegner, Martin Smith, Lourdes Regala, Dan Robbins

Durata: 90 min.

Vhs: Image Home Video

 

Ash vs Evil Dead Ep.6 – Killer of Killers

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Viaggiando e provando a superare le insidie dei demoni kandariani, Ash vs Evil Dead arriva alla puntata numero sei, The Killer of Killers. Se le somme si tirano a fine stagione, è indubbio che quanto visto finora non fa che confermare le idee iniziali, siano esse contrarie oppure a favore. Chi vede in questa serie un inutile spreco di tempo o una malriuscita operazione nostalgia, continuerà tranquillamente a pensarla tale. D’altro canto, chi ha imbracciato la motosega di plastica e tentato di baciare una sconosciuta, con tanto di frase a effetto, persevererà nella visione di un continuum atteso da tanti anni. Da che parte stia colui che scrive è cosa risaputa e quindi si potrebbe anche chiudere qui, andare a farsi spillare una pinta di rossa e attendere il prossimo episodio, mentre tentiamo rovinosamente di sedurre la cameriera al suono di “dammi un po’ di zucchero, baby”.

Ma non sarei totalmente sincero con voi, perché la verità è che la mancanza di Sam Raimi alla regia un po’ si fa sentire. El Jefe, il primo episodio, scritto e diretto dal geniaccio di Royal Oak, è finora il più frizzante, inquietante, divertente e visivamente appagante fra tutti quelli trasmessi e dispiace che il regista si sia limitato a quello. Ciononostante non fraintendetemi, questa è una critica solo in parte poiché la serie si è mantenuta su livelli che soddisfano il palato e fanno bene al cuore. Ash vs Evil Dead, dopotutto, non è un serial come gli altri, non è solo sangue e frattaglie e nemmeno superficialità sorniona: è uno stato mentale. Muovendosi nei territori già battuti degli adattamenti televisivi, la creatura di Raimi e compagni rompe tuttavia l’aura patinata che circonda serial più blasonati e con la forza anarchica dell’irriverenza continua la sua marcia verso una seconda stagione già annunciata.

Killer of killers non si discosta dal modus operandi dei precedenti episodi e questa volta alla regia abbiamo una sorpresa. Dietro alla macchina da presa, infatti, c’è Michael Hurst, vecchia conoscenza di chi ha qualche anno in più sulle spalle e nei ’90 amava seguire le gesta eroiche di Kevin Sorbo in Hercules, dove il buon Michael interpretava Iolao. Come sempre, tutto in famiglia per la Renaissance Pictures e non mi sorprenderebbe se in qualche puntata comparissero improvvisamente Renée O’Connor o Ted Raimi. Bei ricordi a parte, prosegue il viaggio di Ash, Pablo e Kelly, inseguiti da Ruby e Amanda, lungo le strade americane, in cerca di qualcuno o qualcosa che possa fermare l’apocalisse scatenata dal Necronomicon. Dopo aver liberato Kelly dalla possessione e aver cremato il Brujo, fanno sosta in un locale per rifocillarsi e qui vengono raggiunti da Amanda, che in un primo momento riesce ad arrestare Ash, salvo poi rendersi conto che non c’è nessun altro in grado di contrastare l’avanzata del male.

L’episodio parte piano, crescendo d’intensità quando si arriva ai minuti finali, in uno scontro d’usuale e divertente crudezza, ben coreografato e interpretato. Considerando anche una Dana DeLorenzo scatenata, una gioia per gli occhi. I personaggi crescono e le peripezie incontrate ne sviluppano man mano la psicologia, anche se a scrivere così potrei fuorviare il lettore. Ash vs Evil Dead non è The Walking Dead, tutt’altro, se ne discosta volontariamente, magari spernacchiandolo pure e sarebbe sciocco aspettarsi l’introspezione di Kirkman e soci, laddove non c’è e, forse, non è neppure necessaria. Nel proseguo della storia i caratteri si forgiano ma se da una parte ci sono Pablo, Kelly e Amanda, in un mondo terribile che si dispiega davanti ai loro occhi scioccati, dall’altra c’è Ash, che di quel mondo è simbolo e mito. E lui non ha bisogno di introspezione o di sviluppo, dev’essere sempre uguale a sé stesso, l’identico presuntuoso cazzone che tanto amiamo.

Killer of killers è consegnato ai posteri, la serie continua e per quanto riguarda il sottoscritto continua anche bene. Certo, un altro episodio diretto da Raimi non dispiacerebbe, ma bando alle lamentele, qua si gioca con la leggenda. E quando il gioco si fa duro, i duri imbracciano il boomstick. Quindi sturatevi le orecchie, idioti primitivi, Ash vs Evil Dead non è da giudicare, è da amare.

Manuel “Ash” Leale

ash vs evil dead : ep 5 : The Host

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Come era finita? Diciamo non benissimo per il povero Ash. Tanto ha detto e tanto ha fatto che è finito legato e imbavagliato, pronto per esser esorcizzato dal zio esorcista, o brujio come si suol dire -almeno penso- di Pablo. Un demone cazzuto, spavaldo, uno di quelli che è meglio lasciar stare, tipo il peggior ras del vostro quartiere, quanto pare si è impossessato di Ash.

Quanto pare…Perché come scopriremo poco dopo, questo demone parassita si è impossessata di Kelly.

Come fare a salvarla? Chi riuscirà a fermare il demone parassita e la sua boccaccia fucina di minacce, maledizioni, schiamazzi e ingiurie? Dio quanto parlano sti bulli delle superiori che Raimi e soci ci vogliono vendere come pericolosi demoni, che magari dovremmo pure temere.

Forse sarebbe possibile in altri lidi e con altre intenzioni, ma Ash è l’ Homer Simpson dello splatter, rivisto sotto le regole della slapstick. Quindi è la fracassonata, l’ironia greve, l’esagerazione pop a farla da padrone. Ad alcuni piace, ad altri no. Per alcuni codesta serie è un capolavoro, per altri no. Ma succede con qualsiasi serie o film. Qui vi è anche una deviazione verso il sentimento. Il mitico Pablo, dichiara il suo amore, in un certo senso, a Kelly. Un bel personaggio quello di Pablo, naif il giusto. Offre più possibilità rispetto al mr Doh con la motosega al posto della mano, ma è giusto così. Ash è un’icona dell’immaginario collettivo e così deve essere e rimanere. Per me un piccolo difetto, ma non conta un cazzo il giudizio di una persona che ha un’idea di horror lontanissima da quella di questa serie e forse anche di Raimi. Conta la leggenda che si riesce a costruire e devo dire che la saga di Evil Dead l’ha superato da tantissimo tempo. Quindi il divertimento non manca, vogliamo vedere come faranno a salvare Kelly, si vuol vedere dove e come agirà Pablo, aspettiamo la battutona di Ash. Un puro spettacolo di intrattenimento con una giusta dose di horror, un demone farabutto che dà filo da torcere ai nostri.

La quinta puntata non deluderà i fans della serie. Questo è fuori di ogni dubbio!

Davide Viganò

Ash vs Evil dead episodio 3 (Books from Beyond)

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Ed eccoci alla terza puntata della serie tv che sta facendo impazzire nerd e nostalgici di bocca buona, ancora una volta con al timone il buon Michael J. Bassett e ancora un episodio perfettamente in linea con i precedenti. Ecco, lette queste prime righe già potete farvi un idea: se fino ad ora le gesta di Ash vecchio e delle sue anonime spalle vi ha fatto sganasciare accomodatevi tranquillamente e smettete anche di leggere, perchè non si fa alcun passo avanti (ne indietro) a quello che già si è visto. Se fino ad ora vi siete divertiti, continuerete a farlo con un altra mezz’ora di gore cartoonesco e la parlantina dell’imbolsito ma sempre tonto Ash e potete pure smettere di leggere perchè ogni altra osservazione che farò non potrà che trovarvi in disaccordo.

Se invece siete quelli che fino al momento stanno seguendo questo “grande ritorno” con un “mah” stampato sulla faccia allora, mettetevi l’anima in pace perchè anche in questo nuovo segmento il fiato dell’intera operazione dimostra essere ancora cortissimo e anzi, rischia di segnare proprio la decisione di lasciar perdere e magari rivedersi i tre capolavori che furono di Raimi. Il povero Bassett (sempre professionale e capace di  saper giostrarsi tra virtuosismi di riporto e qualche buon momento di puro horror) non ne ha alcuna colpa, è l’operazione alla base che si dimostra assolutamente inadatta. Bruce Campbell è indubbiamente un cazzone simpaticissimo ma ha il grosso problema di non aver tendenzialmente mai smesso di essere ash dall’armata delle tenebre. Chi si è imbattuto nei suoi camei, ma sopratutto sul suo (inutile) film-manifesto My name is Bruce è impossibile che provi sorprese a rivederlo fare per l’ennesima volta le stesse espressioni, le stesse gag e le stesse (auto) prese in giro. Rivederlo nei panni di un ash imbolsito di nuovo alle prese con i mostri e porlo al centro in modo così egocentrico e pornografico era roba che al massimo poteva andare bene per un film tv. Campbell divora tutto e tutti ponendo la serie come un lunghissimo e assolutamente sfiancante one-man-show che già dopo la prima puntata dimostrava di essere assolutamente inadatto per la serialità. Inoltre si accusa tantissimo ed è palpabile che tutto sia stato costruito ed appiccicato senza alcuna cura o un minimo di buon senso arrivando alla lunga anche a risultare fastidiosa.

Ash vs. Evil dead si conferma assolutamente priva di quel perfetto mix di comicità/cartoon e avventura/horror che distingueva Evil dead 2 e Army of darkness e sembra una parodia fanzinara arrabattata di corsa con la sufficienza di chi pensa che basta metterci due vagonate di sangue e un paio di occhiolini al passato che fu che portarsi a casa la pagnotta. Raimi non è un idiota e il motivo che ti tratti come tale fa ancora di più incazzare. E’ palese che non esiste alcuna motivazione per ritirare fuori sto brand se non il lucro più spudorato (con buona pace di chi si smutanda evocando “il ritorno a quello che ama fare”) fatto con la sufficienza di chi non ha più alcun amore verso quello che ha fatto ed è stato. Un precotto da microonde che tenta di dare il colpo alla botte (dopo il pietoso colpo al cerchio con l’ignobile remake di evil dead) a qualcosa che invece era giusto lasciare nel mito e che per fortuna uno scherzo al livello di una loffa in ascensore come questa, per fortuna non scalfirà mai.

Raffaele Picchio

I grandi saggi di Malastrana vhs: l’agenzia immobiliare Evil dead

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La casa da sempre è un posto accogliente, simbolo di distensione, appagamento, rifugio contro i pericoli del mondo. Non stupisce perciò che il cinema horror se ne sia appropriato, capovolgendo questo concetto in una dimensione di terrore e spaesamento. Casa quindi non come simbolo dell’istituzione familiare, ma come luogo luttuoso, violento, spaventoso. Casa come rifugio per demoni sotterranei, per le nostre paure più ataviche diventate realtà. Da sempre il cinema della paura elesse come suo scenario delle dimore maledette, fin dagli albori del cinema in bianco e nero, retaggio di una certa letteratura gotica inglese, ma forse solo con Evil dead ebbe la sua massima espressione.

Era il 1981 quando uno studente di letteratura, Samuel Raingivitz, appena 22enne, decise di ampliare un cortometraggio amatoriale, Within the Woods, dalla trama semplice, una gita nei boschi, una maledizione secolare e zombi violenti. Complici due suoi amici di vecchia data, Bruce Campbell, con velleità di attore, che aveva appena mollato il college per fare il tassista, e Robert Tapert, laureando in economia, tutti spaventati dall’idea di un futuro di calma piatta che col cinema aveva poco a che fare. La passione dei tre era la commedia, ma decisero che il genere più redditizio fosse l’horror: la chiave sarebbe stato di puntare su una pellicola da drive in calcando la mano sul gore, il sangue e un ritmo indiavolato.

I  tre si misero a studiare centinaia di film exploitation tra cui Massacre at Central High, prodotto da Russ Meyer, il regista delle tette a buon mercato, e Revenge of cheerleaders, concretizzando l’idea di uno spettacolo che avesse dentro di sè violenza e sesso. Perciò con solo 1600 dollari, pochi anni prima, i tre avevano realizzato Within the Woods, per capire se il progetto interessava a qualcuno. Il lavoro era rozzo, mal girato, ma pieno d’idee che sarebbero sublimate in seguito nell’anarchia visionaria dei futuri film del regista. In più, avanti nel tempo rispetto alla moda dei film su Lovecraft che sarebbe esplosa grazie a Charles Band, alla sua Empire e Re-animator, Within the Woods parlava del Necronomicon, testo maledetto dei racconti del folle di Providence. La corsa ai finanziamenti per Evil Dead fu piena di porte sbattute in faccia, ma con pazienza e fatica si arrivò alla modesta cifra di 350000 dollari. Tra gli investitori ci fu Andy Grainger, amico di Tapert e proprietario di una serie di sale cinematografiche, che stimolò i giovani consigliando loro: “Ragazzi, non importa cosa vogliate fare, basta che sullo schermo scorra sempre il sangue e conquisterete tutti“. Il resto è un caposaldo del cinema del terrore.

Evil dead

Il film fu girato in 16 mm e in seguito gonfiato a 35, grazie alla fama che comunque il film stava racimolando in giro per il mondo, diventando qualcosa di più che semplice spettacolo settorializzato in un drive in. La cosa che faceva impazzire gli americani era che questo modesto low budget, dalla trama vista centomila volte prima, faceva davvero paura e non assomigliava  a nessuna cosa già vista in precedenza. Era solo di pochi anni prima il successo interplanetario di Shining che sembrava avere detto l’ultima parola sul genere “dimore maledette”. Eppure Evil dead, pur fornendo uno spettacolo più rozzo e male interpretato, aveva riaperto la strada per altre pellicole, non solo, era, senza neppure accorgersene, il primo esponente di una nuova scuola horror, una vera new wave del genere, che avrebbe trasformato gli anni 80 nel periodo più fiorente e sanguinoso del cinema del terrore. Le varie copertine e manifesti del film ingannano lo spettatore: in una di queste un villone sullo stile del cult Ballata macabra di Dan Curtis appare minaccioso con la scritta “Sembra una casa  normale… da fuori”. In realtà il film ha come scenario uno sgarruppato cottage in legno, dalle poche stanze, circondato da un bosco minaccioso. E’ l’anima exploitation del progetto che promette come spettacolo qualcosa che non ha, urlando nelle copertine tutto quello che il budget poteva solo immaginarsi. Il film fu girato nei fine settimana nel corso di un anno e mezzo, e la maggior parte degli effetti speciali e delle tecniche di ripresa del film furono improvvisate sul set e realizzate con mezzi di fortuna. Raingivitz, che firmò l’opera con lo pseudonimo di Sam Raimi, si servì per alcune riprese della shakeycam, una sorta di steadycam di sua invenzione montata su un supporto mobile, che permetteva l’effetto tremolante della macchina da presa. Lo chalet in cui fu ambientato il film era un’abitazione abbandonata che venne distrutta da un incendio poco dopo le riprese. Inoltre esso non aveva alcuna botola, per cui le sequenze con l’ingresso del seminterrato furono girate nella casa di campagna del produttore Robert Tapert mentre scene nella cantina invece vennero realizzate dentro lo scantinato dell’abitazione del regista. Sempre a causa del ridotto budget, gli attori reclutati per il film erano per la gran parte amici di Raimi e Tapert, tanto che alcune scene vennero rigirate molte volte visto che il gruppo scoppiava spesso a ridere durante i ciak.

L’invenzione primaria di Evil dead fu l’uso selvaggio della macchina da presa, il non mostrare la creatura diabolica che si impossessa dei corpi dei giovani, ma la sua visuale, la corsa folle attraverso i boschi e dentro le stanze dello chalet, creando un effetto innovativo di terrore che attraverso la soggettiva generava un clima di paura unica che nessun miliardo avrebbe potuto ricreare con effetti speciali. Si amplifica la lezione voyeuristica del meraviglioso Peeping Tom di Michael Powell: l’occhio del regista, quindi la telecamera e la sua visione, diventano il nostro punto di vista, facendoci prima tifare per i poveri ragazzi per poi farci diventare noi stessi il cattivo, il mostro che li insegue. Le regole classiche di cinema vengono sovvertite in un uso anarchico e innovativo della macchina da presa che mai prima di Evil dead è stato mai portato tanto al parossismo: il cinema e il suo sguardo annientano le barriere di set e di storia, distruggono oggetti, passano attraverso la materia per ingoiare la carne, sfaldarla, renderla quasi materia pittorica di colori acrilici, ricreando, attraverso la miserabilità di un budget pauperistico, nuove forme di linguaggio filmico che non si accontentano di urla e tagli, ma arrivano a riflettere sull’essenza stessa del cinema.

Non a caso vediamo, in una scena, un vecchio proiettore riempirsi di sangue, omaggio sì al consiglio dato da Andy Grainger, ma anche idea precisa di creare non un film sanguinoso, ma un film che sanguina, un’esperienza di terrore che parte dal cinema stesso e dai suoi classici tanto che il commento musicale (meraviglioso di Joseph Lo Duca) è quasi da film muto in contrapposizione agli orrori mostrati. Evil dead è la nouvelle vague del cinema splatter, un’opera che anticipa gli umori del cinema horror, essenziale per tessere le basi per il futuro del genere, sia una nuova carne cronenberghiana che un Demoni baviano. Si può dire quindi che se Dawn of the dead era il punto di non ritorno del cinema splatter, con il suo impegno politico camuffato da bassa exploitation, Evil dead ne è la rinascita, un cinema splatter meno politico, simbolo di un decennio, gli anni 80, di fretta consumistica, ma altamente spettacolare, pieno di effetti, capace di giocare con la bassa materia in maniera visivamente potente in una concezione di horror più di occhi che di cervello, un cinema che attinge le sue basi dalla pittura e usa storie già viste per creare nuove forme di linguaggio, l’equivalente filmica della riciclarte, dove l’immondizia o l’usato diventano materia per altra arte.

Senza falsi giri di parole Evil dead è un capolavoro, imitato, stracitato anche a distanza di più di trent’anni, ma raramente raggiunto come grandezza filmica. Il bello del film di Raimi è la capacità di appassionare, non solo di spaventare: alla fine le scene più urlate come concezione, la fuga col ponte distrutto, le frasi d’amore tra Ash e Linda, la cena prima del ritrovamento del Necronomicon, servono a farci empatizzare con questi personaggi solo abbozzati, la cui morte diventa momento dolorissimo più del loro martirio di carne e spirito.

Evil dead è il film che ogni fan del cinema horror avrebbe voluto vedere, un’orgia violenta dalla velocità di un blu tornado di Gardaland, pieno di scene fantasiose e di mostri spaventosi. Evil dead attinge la sua forza anche da paure ataviche, i boschi da fiaba ne sono un esempio, Raimi non li ripopola soltanto di nuove creature, la variante del lupo di Cappuccetto rosso, ma rende il bosco stesso un mostro senziente, con la sua essenza impalpabile, con le sue mani che diventano piante, con il suo sesso di arbusti e rami che violenta ragazze vergini, con la frase apparentemente gratuita detta da Scott all’amico “Gli alberi lo sanno Ash!”, con l’impossibilità di attraversare il bosco come in una favola scura dei fratelli Grimm.

Lo splatter fa la sua grande parte è vero e stupisce come i trucchi dell’esordiente Tom Sullivan siano tra i più inventivi visti fino ad allora nell’horror. Certo il make up è a volte posticcio, ma è il simbolo stesso di un film dal budget irrisorio, che si fa beffe dei miliardi, e riesce lo stesso con accorgimenti, invenzioni ad essere concorrenziale: come d’altronde prendere sottogamba un horror che riesce a rendere romantico uno smembramento o un finale che trasmuta la carne in una sorta di pongo malleabile? Certo molti si lamentavano delle influenze, l’Esorcista e i suoi vocioni da trans in primis, ma sfido a trovare in questo film un solo momento che sia scopiazzatura e non citazione epidermica, un po’ come il nostro Dylan Dog degli anni 80.

Tra Evil Dead e Evil dead 2 in Italia

Evil dead uscì nel 1983 in Italia come La casa per via dell’inventiva del distributore Roberto Cimpanelli che creò anche la famosa C a forma di mezzaluna della locandina nostrana. D’altronde tradurre letteralmente Evil dead come Morte malvagia sarebbe stato un bagno di sangue al botteghino, onore quindi all’inventiva italiana che nella semplicità permise al film di Raimi di incassare nel Belpaese ben tre miliardi. Certo che aspettare quasi quattro anni per La Casa 2 doveva sembrare un’eternità e perciò lo stessoCimpanelli acquistò i diritti per un’altra casa del terrore, The house, diretta da Steve Miner e da noi uscita come Chi è sepolto in quella casa? con naturalmente la stessa C del capolavoro raimiano. Era l’inizio di un’invasione di case del cinema del terrore che avrebbe visto l’inquietante Superstition diventare La casa di Mary e una serie di immobili pieni di fantasmi prodotti in Italia. Chi è sepolto in quella casa? è un ottimo fantasy dalle venature horror, fantasioso e ben diverso, sia come registro che come resa, dal capolavoro raimiano. Innanzitutto il sangue è ridotto a poco o niente, più interesse è mostrato verso una sceneggiatura densa di umorismo senza sfociare nella cretineria, che parla di porte infradimensionali e di zombi dalla consistenza di un rimpianto passato.

Modello è senza dubbio il misconosciuto The Jar di Bruce Toscano, confuso horror che anticipava tutte queste idee, ma non sapeva sfruttarle in pieno per colpa di una regia non all’altezza e un plot troppo confusionario. Al timone però qui c’è lo Steve Miner del secondo e terzo capitolo di Venerdì 13 che presto avrebbe abbracciato la commedia pura con il bel Soul man, ma che qui ancora flirtava con l’horror, in un mix sapientemente gestito, e non senza un paio di spaventi ben assestati. A interpretare l’eroe della storia il divo televisivo William Katt, fresco fresco dal successo di Ralph supermaxieroe, e qui ottimo nel ruolo del protagonista Roger Cobb, in un cast comunque eccellente e ben assortito.

Ottimi gli effetti speciali con creature mostruose variegate, e orecchiabile i commento musicale di Harry Manfredini, veterano dei Venerdì 13. Ma se il film di Miner era ottimo, lo stesso non si può dire del seguito, La casa di Helen, diretto da uno dei due sceneggiatori del primo capitolo Ethan Wiley (l’altro era Fred Dekker), dove tutte le cose buone del film precedente vengono buttate sul demenziale in un intreccio che mischia sciaguratamente passaggi infradimensionali con trovate che si vogliono buffe, ma che risultano solo patetiche. Peccato perchè i trucchi soni sempre di alto livello, ma il film resta una delusione cocente, senza quasi nessun contatto con il prototipo. Cosa curiosa è che The house 2 venne presentato sui listini dei film in uscita nella stagione 87/88  come La casa 2, per poi essere reintitolato La casa di Helen, favore personale di Cimpanelli a De Laurentis che aveva prodotto il vero Evil dead 2 in uscita imminente.

Evil dead 2

Evil dead 2 arriva dopo l’insuccesso di Sam Raimi con la commedia I criminali più pazzi del mondo (Crimwaves), scritta dagli amici registi Ethan e Joel Coen. L’amore del regista per il demenziale, ma anche per i cartoni animati alla Tex Avery, viene percepito più che nel film d’esordio. Gli elementi sono gli stessi, tanto che il film a tratti sembra un remake camuffato, ma è l’approccio cartoonesco ad essere diverso: esemplare la scena dove Ash (Bruce Campbell) si amputa una mano e questa torna a sfotterlo in un’apoteosi di muri rotti come sagome di Willy il coyote, e sangue a geyser tanto irreale da non fare paura. De Laurentis, come detto, produce il tutto e lascia estrema libertà al regista, ma gli chiede soltanto il favore di non calcare la mano sulla violenza. La risposta di Raimi è un ni, ovvero il film è sempre estremo, ma il sangue è innaturalmente verde e il tutto è così grottesco e surreale da non generare il disgusto dello spettatore, tanto che la pellicola non otterrà neppure il vietato ai minori di 14 anni al cinema. L’impossibilità di riutilizzare le sequenze del primo film (proprietà di un altro produttore) fanno rigirare al regista una condensazione di Evil dead nei primi 15 minuti prima di dare il via alle danze di questo strano splatter comico, apripista per una serie di produzioni umoristiche che avranno la massima espressione nei lavori neozelandesi di Peter Jackson. La sceneggiatura originale pare prevedesse uno sviluppo dell’opera di quasi 3 ore con l’intro di quasi 90 minuti (!!!), ma alla fine si optò per un’ora e trenta scarsa di girato. Evil dead 2 all’epoca stupì un po’ tutti perché, pur essendo un sequel, non assomiglia per nulla al precedente. Tutto ne La casa 2 è folle, dalla violenza iperrealistica alle scene incredibili, Ash che ride insieme a delle lampade o a un cervo, la danza di Linda risorta con la testa mozzata a mo’ una bombetta, il finale medioevale, l’occhio che vola in bocca a una scream queen, creando quasi un impossibile musical all’Apprendista stregone Disney dove sono le immagini a dare il ritmo indiavolato al tutto. Non per niente Evil dead diventerà con l’andare del tempo anche uno spettacolo musicale di un certo successo, rappresentato in tutto il mondo, non indegno della tradizione del Rocky horror picture show.

Case in affitto

Per un Evil dead 3, ovvero L’armata delle tenebre, bisognerà aspettare il 1992, quindi ben sei anni, ovvio che il buon Cimpanelli, si fosse affrettato in fretta e furia a depositare il titolo in SIAE di La casa 3, ma inutilmente. Infatti il distributore Achille Manzotti era arrivato prima di lui, ma non solo, si era accaparrato anche l’esclusiva di la Casa 4, 5 e 6. Iniziò una battaglia legale che inaspettatamente vide perdere Cimpanelli, il quale con la coda tra le gambe prese il restante La casa 7 per un futuro film. La casa 3 (Ghosthouse), prodotta da Aristide Massacesi (il grandissimo Joe D’Amato) e la sua Filmirage, e diretta dal veterano Umberto Lenzi, uscì nei cinema italiani nel 1988, forte di una copertina che echeggiava il precedente La casa di Mary. Si pensò bene di girare l’opera nel Massachusetts e, grazie a un cast e dei credits completamente anglofoni (il regista si chiamò per l’occasione Humphrey Humbert), il film fu furbescamente venduto come horror americano, ottenendo anche un discreto successo. La casa 3, a parte il nome del fantasma Henrietta (come la moglie dell’archeologo di Evil dead 2), non ha spunti in comune con i due capitoli di Sam Raimi, anzi sembra più che altro rifarsi agli Amityville, soprattutto per l’idea di una casa grande e piena di orribili segreti,  ben lontana dalla catapecchia dove Bruce Campbell lottava contro i demoni kandariani.

Lenzi, maestro di polizieschi anni 70, gira distrattamente, il suo horror è interpretato malissimo da attori allo sbando, gli effetti speciali sono poco speciali, e il film è di noia abissale. Si salva solo la nenia del pupazzo malvagio e una certa originalità negli omicidi, più da thriller argentiano, ma è poca cosa davvero. Meglio si va con La casa 4 (Witchcraft) diretta da un bravo Fabrizio Laurenti agli esordi con lo pseudonimo di Martin Newlin, alle prese con una storia che echeggia Hellraiser non senza una certa inventiva sia di messa in scena (le morti sono da antologia) che di originalità nell’approcciarsi ad un horror tutto sommato usa e getta. Il cast, ricco e pieno di nomi famosi all’epoca, tra i quali spicca il David Hassellhoffdi Supercar e la Linda Blair de L’esorcista, riesce a conferire una certa internazionalità che il precedente diLenzi non aveva, malgrado la location americana (anche qui si è comunque in Massachussetts). La strega, interpretata dalla diva del cinema anni 50, Hildegard Knef, ha la potenza inquietante della Bette Davis di Ballata macabra, accresciuta dalla recitazione sopra le righe dell’invecchiata attrice, a sua volta fantasma di una giovinezza ormai sfiorita. Il film è sanguinoso e di buonissima fattura (a parte alcune effetti ottici risibili), tanto da essere La casa apocrifa più di successo. Questo ringalluzzì Massaccesi che l’anno dopo buttò nei cinema La casa 5 (Beyond darkness), questa volta diretto dallo specialista Claudio Fragasso dietro lo pseudonimo abituale di Clyde Anderson.

Il risultato purtroppo è insoddisfacente, non tanto per la regia elegante, ma per una storia che inizia anche bene, ma che sfocia presto nel deja vu esorcistico a buon mercato. Alcuni momenti sono inquietanti, si veda il cigno nero o l’arrivo delle megere accompagnate dalla nebbia, ma nè le interpretazioni degli attori (a parte un gigionesco David Brandon) nè il plot (in origine pensato come sequel del precedente) sono oltre il miserabile, con un budget inadeguato anche per una produzione d’imitazione americana. Questa fu il capitolo apocrifico che incassò di meno e fece fallire il progetto de La casa 6 per la regia di Edoardo Margheriti. Come detto però uscì comunque, anche senza la sei, La casa 7, terzo segmento dei The House, con la stessa cover del primo Evil dead di Sam Raimi. Questa produzione, mediocre anch’essa, vedeva alla regia lo shooter David Blyth sostituito dopo poco dal compianto James Isaac, futuro autore di Jason X e effettista per David Cronenberg, in una produzione troppo sbilanciata per appassionare. House 3: the horror show scopiazza senza pudore il plot del contemporaneo Sotto shock di Wes Craven, senza avere la sua stessa creatività nel mettere in  scena uno slasher futuristico. Dispiace vedere coinvolti in questo pasticcio il bravo Lance Heriksen e l’ottimo caratterista Brion James, ma il film vale poco o niente: mai spaventoso, spesso confuso, fa rimpiangere le case italiche più scalcagnate. Ed è tutto dire.

La saga di The house continuò con un quarto (orribile) capitolo che vedeva in scena ancora William Katt, ma stavolta si abbandonò il marchio La casa con la c a forma di falce, per un più anonimo House 4 presenze impalpabili (anche se fu annunciato col  titolo Disney Chi ha ucciso Roger? intendendo il Cobb del film di Miner non il Rabbit di Zemeckis. Infatti ormai con troppe produzioni, per lo più  scadenti, l’attenzione del pubblico era scemata e, soprattutto con l’uscita di almeno una decina di titoli truffa uno di seguito all’altro, si era fatta di ogni erba un fascio. Sia d’esempio il bel Dream Demon che uscì in Italia come La casa al numero 13 di Horror street e le uniche parole non scritte in lillipuzziano era La casa e il 13, creando l’illusione di avere perso almeno 6 capitoli e di assistere a La casa 13!

Tra le imitazioni più spudorate del ciclo si può segnalare il delirante Il bosco 1 di Andrea Marfori, oggetto di un culto scellerato postumo che sublima l’effettiva brutta qualità del prodotto.

La vera Casa 3: L’armata delle tenebre

Nel 1992 viene finalmente girato da Sam Raimi il terzo capitolo del suo The evil dead intitolato semplicemente Army of darkness, e il risultato è ancora diverso dai precedenti capitoli. Se la prima parte era un horror gore, la seconda un horror umoristico con sterzate violente, il terzo è un fantasy comico con sporadici elementi horror. Bruce Campbell diviene l’anima del progetto, il suo alter ego è protagonista assoluto di una vicenda cartonesca, simbolo di un americano medio che nei film scifi anni 50 dimostrava una stupidità superiore a quello dei pazzi cattivi. Arrogante, ignorante, pusillanime, vigliacco, truffatore, Ash è l’antieroe per eccellenza, parodia di un certo cinema muscolare che voleva battute ad effetto e tanta azione. L’armata delle tenebre è una specie di Mr smith va a Washinghton di Frank Capra in chiave fantastica dove il Candido voltairiano è stavolta un gran figlio di puttana che uccide demoni con fucili a canna mozza, seduce ragazze e quasi diventa imperatore di un regno senza nessun merito che non sia la codardaggine. La messa in scena è potente grazie anche al budget di 11 milioni di dollari (contro i 3, 5 del 2 e i 350000 del primo) così da permettere una grandiosa scena di battaglia tra uomini e scheletri che echeggia quella di Ray Harryhausen per Gli argonauti. Ma non solo, il ritmo, già spinto all’eccesso nel capitolo precedente, viene ancora velocizzato in un continuo di trovate riuscite, di combattimenti parossistici e  omaggi al cinema passato che rendono Army of darkness un divertissement che può tranquillamente mettere insieme i gusti dello spettatore medio e del cinefilo snob.

Ash vs Evil dead.

Arriva come un fulmine a ciel sereno Ash vs Evil dead, il seguito della saga Evil dead (Army of darkness è fuori per beghe di diritti), 10 episodi da 30 minuti (il pilot di 45) con Bruce Campbell come protagonista e Sam Raimi a supervisionare il tutto. A produrre invece ci pensa la Starz di Spartacus e Black Sails, una piccola realtà televisiva capace di farsi conoscere e apprezzare dal pubblico grazie alla propensione per il sangue e i nudi. Un terreno fertile per Evil dead, lontano da censure, pagando, forse, l’unico scotto del basso budget, ma è dalla miseria d’altronde che Evil dead è nato. Ash vs Evil dead mentre scriviamo è arrivato al secondo episodio, uno girato da Sam Raimi in persona e l’altro da Michael J. Basset, due frammenti buonissimi in entrambi in casi, vero cinema wow che vive d’emozione, cazzate e applausi a bocca piena. Nella settimane a seguire altri registi si affiancheranno ai due, tra i quali lo shooter Starz Michael Hurst, sperando che alla lunga, unica paura nel guardare la serie, il gioco non si spezzi e non tendi ad annoiare. Noi comunque restiamo fiduciosi anche perché stiamo parlando di  Evil dead, un film che con due lire e tanta fame era riuscito non solo ad essere un capolavoro, ma a sovvertire le regole del cinema horror, creando dal niente milioni di altre case manco fosse un’agenzia immobiliare. Tutto può essere possibile allora no?

Andrea Lanza