400 giorni – Simulazione nello spazio

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400 giorni, andrea lanza, cinema, recensione, recensioni, spazio

Immaginatevi un film povero, ma così povero di mezzi che cerca un’idea figa per emergere e fallisce, miseramente. Ecco questo è 400 giorni- simulazione nello spazio, una porcheria con il peggior Superman di sempre, nonché uno degli attori più cagneschi che mente umana possa ricordare, Sir Brandon Routh, il principino della mediocrità recitativa. Cioè voi potete pensare che io, per una qualsiasi ragione umana, sia portato ad odiare Brandon nostro, ma sbagliate perché, anche in cosacce brutte brutte come Dylan Dog, a lui voglio bene, perché è come la Corinna di Boris, una cagna maledetta, un dilettante stonato con la voglia di essere un soprano, una ballerina zoppa, insomma Brandon Routh se non fosse un discreto fico, amico di Brian Singer, sarebbe nessuno, come giustizia divina vorrebbe.

400 giorni è il film indipendente che non vorresti, tu spettatore, mai vedere: velleitario negli intenti e nei risultati, una discreta rottura di coglioni che ti fa lacrimare lo scroto anche quando dovrebbe tirare le somme e non lo fa perché si crede una sotto nolenata senza mai raggiungere Christopher Nolan, figurarsi Jonathan.

400 giorni è la storia di una missione di simulazione nello spazio dove i 4 candidati astronauti sono tra i peggiori elementi papabili per una simile missione, un maniaco suicida, un pazzo, una coppia in crisi. Ad un certo punto sembra di entrare in dimensione Event horizon con gli incubi dei poveri Cristi che irrompono nel reale, il figlio morto di uno dei protagonisti che fa capolino tra i corridoi, la paranoia di un altro che sfocia nel delirio sanguinolente con urla e dolore, insomma una versione Hellraiser nello spazio che potrebbe portare il film in campi interessanti e invece si arena in un delirio senza capo né coda.

Matt Osterman, uno che nel suo curriculum ha due corti e un lungo di fantascienza ignoto ai più, cerca in tutti i modi, grazie ai dialoghi, grazie alla storia, di creare tensione e interesse, malgrado il budget modesto, ma, poverino, non ci riesce, perché la materia è robina, insignificante e non sense, che alla fine irrita perché ha lo stesso mistero di un adolescente che per fare l’interessante ad una festa resta ai bordi della stanza, in silenzio, anche quando le luci si spengono, pace all’anima sua, e le donne se ne vanno, sfigato ma misterioso sempre.

Nessuno spiegherà mai perché i 4 astronauti siano capitati in un’apocalisse post nucleare (una pioggia di comete come dice il gestore del drugstore? Una bomba? Un’altra dimensione?) e non ha senso neppure il finale wow a sorpresa perché è tutto troppo stupidello se ci stai a pensare un po’ su.

Gli attori non fanno molto, anzi si trovano spaesati e spauriti, ad aggirarsi in un set pauperistico che a qualche folle ricorderebbe Mario Bava o Antonio Margheriti, in una storia che vorrebbe essere 2000 maniacs ma non è neppure il seguito di Tim Sullivan, tanto mediocre è.

Dispiace perché 400 giorni è giunto in Italia, non si sa come, non si sa perché, alla faccia dei tremiladuecento film che in Italia non ci giungono mai, una cosa così mediocre da essere ripugnante e non perché sia oscenamente brutta, ma proprio perché non ha il coraggio di esserlo e così resta lì lì tra il bene e il male, ebete, imbelle, come direbbe Shannen Doherty in Generazione X, una cosa senza coglioni.

Andrea K. Lanza

 400 giorni – Simulazione spazio

Titolo originale: 400 Days

Anno: 2015

Regia: Matt Osterman

Interpreti: Brandon Routh, Dane Cook, Caity Lotz, Ben Feldman, Tom Cavanagh, Grant Bowler, Dominic Bogart, Fernanda Romero, Sally Pressman, Mark Steger

Durata: 90 min.

La necrofila (Love me Deadly)

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amami mortalmente, fare sesso coi cadaveri, la regina del male, love me deadly, necrofila

La Necrofila (1972), non è un capolavoro misconosciuto ma un filmetto tecnicamente mediocre, recitato con l’istrionismo tipico di una telenovelas caraibica e voragini di sceneggiatura quasi in territorio Seirlingiano (inteso come il papà de Ai confini della realtà, esatto). Di contro è una perlina sozza, uno schiaffo audace alle buone maniere della perversità d’autore e forse il più genuino trattato sulla necrofilia pre-Buttgereit. Non c’è molta violenza, non ci sono secchiate di sangue e tanto meno la lascivia porno soft di certo cinemino border-line con il piede nelle staffe di più generi. In un certo modo è un ritratto toccante, discreto e sentito di una bella ragazza in fissa con i cadaveri. Punto. Lindsey Finch, (interpretata da Mary Charlotte Wilcox) ha un grosso trauma da manuale psichiatrico che la riduce a bighellonare tra vecchi cimiteri e Funeral Homes fin quando una setta segreta con gusti assai simili ai suoi non le mette gli occhi addosso e un marito (Lyle Waggoner) esasperato e sospettoso non la sgama.

Gli amplessi orali e gli sfregamenti epifanici non mancano ma tutto è gestito mantenendo una decorosa patina anni 70 da rivista di moda, tra rolls royce e cappellini con velo, ristoranti etnici e mostre d’arte elegantone. Tutto il bric a brac da catalogo Vanity Fashion è scandito da un motivo musicale talmente vetusto da scatenare la necrofilia degli appassionati musicali di colonne sonore da archivio. Il brano composto da tale Phil Moody (che non è come Wikipedia linka il leader della pop band Cowabanga ma un dimesso e forse mai esistito compositore sinfo-jazz) si intitola come lo stesso film in originale: Love Me Deadly. Si tratta di una ballata in stile Artie Kane (Looking For Mr.Goodbar) se avete presente, dove una voce femminile pregna di solitudine e scotch di classe lagna verso il sesso maschile il gran bisogno di amore che ha. Quel deadly reiterato è facilmente ribaltabile con daddy, (il babbo), unico grande amore e ossessione d(‘)annata per la povera necrofila donna/bimba.

Il film inizia proprio con una serie di flashback giallo diarrea colerica al rallentatore e ricchi di zoom indiavolati dove vediamo il perpetrarsi innocuo del rapporto incestuosamente paposo all’origine di ogni casino narrato della piccola Lindsey. Il bel papà è divertito e forse un tantino consapevole della cotta di sua figlia e magari la disgrazia che seguirà è solo la provvidenziale e moralistica punizione di lui, vero colpevole di questa devianza letale (ma è solo una supposizione modesta di chi sta scrivendo, intendiamoci.)

Probabilmente l’autore Jacque Lacerte, che dopo un esordio così entusiasta non sembra aver dato il via a una schiva carriera al servizio del male in pellicola o delle pubblicità Amaro Ramazzotti, non era molto fiducioso nelle proprie capacità di dialoghista (ha scritto anche la sceneggiatura, sì), ecco perché una metà del film sembra quasi un vecchio muto. I personaggi si muovono, parlano e agiscono per lunghi tratti sommersi da una colonna sonora birichina e dal sapore latineggiante. Bisogna ammettere che su un piano del linguaggio filmico è anche interessante: non è frequente veder sbrogliare ettari di trama con una specie di balletto di sguardi, abbracci e passeggi consumati nell’arco di pochi minuti in cui i personaggi muovono le labbra senza dir nulla e nel mentre si seducono, familiarizzano, si lasciano, si sposano… Peccato che Jacque si faccia prendere la mano e quello che avrebbe potuto essere un modo intelligente e umile di trasformare la necessità in virtù diviene un istrionico tentativo di attirare l’attenzione su di sé.

La povera “signorabbene” finisce per sposare un uomo assai simile fisicamente al povero padre perduto ma deve concedersi sovente una cavalcata di carne cruda per sfoderare i sorrisi da perfetta mogliettina. Questo la costringe come prima del matrimonio, a una doppia vita. Il suo reale problema però non è la pratica di una mania inaccettibile per il mondo civile di cui lei dopotutto vuole essere parte (organizzando feste chic e promettendola a destra e a manca di continuo) ma la distrazione cronica! La signora Lindsey Finch infatti è davvero un disastro di rincoglionitaggine! In più di un’occasione si lascia sgamare e seguire, dimentica sinistre lettere d’invito alla sospettosa mercé del marito; si scopa un cadavere sotto gli occhi di uno sconosciuto nascosto dietro un velo trasparente; si fa sorprendere dal tipo con cui esce, di notte, mentre vaga in città a orari inscusabili verso i suoi amici cadaveri e di giorno mentre balla con un orsacchiotto tra le braccia e due dementi treccine, sulla tomba del papà defunto.

In parte è un po’ sfigata, per carità, ma forse è tutto un inconsapevole meccanismo di seduzione da vedova nera, forse… Non è un caso che gli uomini, invaghiti di lei finiscano per seguirla fino a trovarsi poi infallibilmente su un lettino d’acciaio con dei tubi nella giugulare, davanti agli sguardi inorriditi, disperati ed eccitati della protagonista e quelli malignamente arraposi della congrega necrofila di cui, dopo un iniziale fase di dubbio ed esitazione, Lindsey diventa parte attiva.

Ovviamente, in realtà la signora Finch è così sbadona, sfiga e puttana più che altro perché Lacerte è un pessimo sceneggiatore e risolve tutti gli inghippi della trama a spese della concentrazione della sua protagonista, ma in fondo poco importa come proceda la storia. Quello che davvero vale la riscoperta di La necrofila è il garbo e la sobrietà con cui un tema sordido oltre ogni canone venga trattato in un’epoca ancora troppo lontana per simili aperture mentali alternative. Non c’è sensazionalismo e per quanto in modo terribilmente scolastico, il film è incentrato sul tentativo genuino di restituire umanità a chi fa sesso con i morti senza giudicarlo.

Da parte della signora Finch infatti non c’è la voglia di trattenere o esaurire una simile pazzia ma soddisfarla e tenerla segreta. Questo non la conduce a una morte orribile ma al soddisfacimento assoluto di ogni suo desiderio.

Il cuore del suo papà è ancora vivo dietro la rigida coltre cicciuta di anonimi corpi e per lei è semplicemente impossibile rinunciarvi. L’inferno però è pieno di gente che amò oltre ogni ragionevolezza e a qualsiasi costo, sembra dirci Lacerte, quindi non schifate la signora Finch, vuole solo essere felice e rassicurata, come tutti noi.

La donna, nonostante i casini mentali in cui si trova, finisce per rivestire il ruolo di una moglie (ma non di una madre) solo perché la realtà è scesa a patti con lei, restituendole un clone fisico del padre che però è troppo vivo per scatenarne la libido. Lei infatti è apparentemente frigida e non si concede. E tutti gli uomini che provano a farle cambiare idea non vanno mai molto avanti nell’approccio. Anche l’amico (interpretato dall’indimenticabile mannaro Christopher Stone de L’ululato) donnaiolo brutale finisce per desistere dopo una specie di stupro estemporaneo a inizio film. Eppure la signora Finch con i cadaveri è sessualmente scatenata, di gran fame e imprevedibile. Colpisce per esempio il bacio prolungato al pizzetto barbuto di un morto, al culmine della prima scena. Ci si aspetterebbe una rapida salita verso le labbra violacee ma lei si ferma a lungo sul punto che molte donne amanti dei vivi detesterebbero: il pelame pizzicoso.

La congrega di necrofili-satanisti (capeggiati dal becchino spregevole interpretato dall’attore) in fondo è messa lì per dare azione (il film è più un dramma puro che un horror di genere) e ribadire che in certi termini violenti anche la necrofilia va condannata e deve morire. Però rappresenta la componente retrò più figa del film, quella che farà la gioia dei malati di horror anni 70, con orge liturgiche teneramente stroboscopiche e rallentate alla uomo da seimilionididollari.

La parte che invece incute sul serio paura è quando, nel finale, tra droghe e shock vari, la protagonista è lasciata libera di vagare nel buio della propria dimora mentale, accecata dai flash della morte di suo padre e con il vecchio orsacchiotto sottobraccio, custode esoterico del segreto incestuoso, assassino e mortifero della donna/bimba. Lei cammina languida verso l’alcova nuziale mentre la colonna sonora smette di essere fracassona e melensa e fa il suo porco lavoro d’atmosfera riducendosi quasi al silenzio, se escludiamo i rimbrotti vaghi di un carillion in lontananza; ma funziona e rende le immagini ancora più sinistre. Avvertiamo, oltre l’inquietudine, un senso di pietà e immaginiamo quanto quei piedi femminili, una volta tanto, si stringano intorno a due fette maschili ancora più fredde e inerti.

Francesco Ceccamea

La necrofila

Titolo originale: Love me deadly

Anno: 1972

Regia: Jacques Lacerte

Interpreti: Mary Charlotte Wilcox, Lyle Waggoner, Christopher Stone, Timothy Scott, Michael Pardue, Dassa Cates, Terri Anne Duvalis, Louis Joeffred

Noto anche come “Amami mortalmente” o “La regina del male” (aka “Queen of evil”). 

Durata: 90 min.

Life After Beth – L’amore ad ogni costo

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Dean DeHaan, fidanzate rompiballe peggio da morte viventi, Jeff Riley, jeffe baena, life after beth, mai farsi le ex, zombi comedy

Nell’epoca (nefasta?) della recrudescenza zombi, l’ennesima romcom insipida non sposta di molto il Plasil dal comodino dell’armadio farmaci della nonna. C’è una certa sensazione nauseabonda che, virale, aleggia sopra i fruitori del genere. Tradotto: non se ne può più della riproposizione di un modello nobile stuprato, rivisitato, rimaneggiato e adattato pur di farci qualche quattrino e questo Life After Beth non è di certo l’antiemetico magnifico. Ma andiamoci piano, aprire un dibattito sul tema è al momento fuori luogo e fuori tempo. Parlavamo di vomito ed è oltremodo paradossale quanto in realtà durante la visione tutto si può fare tranne rimettere, perchè di sangue c’è n’è poco, di gore meno ancora e la scelta dell’esordiente ma pompatissimo Jeff Baena di far ondeggiare la sua pellicola in un continuo saliscendi fra la black comedy intimista e il comico grottesco in salsa horror paga solo parzialmente.

Eppure questo figlio del Sundance qualcosa di memorabile lo deve pur aver trasmesso per aver incantato parecchia critica a stelle e strisce. Di notevole c’è il cast, soprattutto John C. Reilly, caratterista strepitoso e sempre sul pezzo anche nelle vesti (e vestaglie) del padre della zombi Beth e Dean DeHaan, vera star della sua generazione, perfetto nel ruolo del fidanzatino della non defunta. Non defunta messa in scena da Aubrey Plaza che anche da semi putrefatta ha una più che discreta carica erotica e un appetito a doppio senso insaziabile. Peccato per la presenza marginale di Anna Kendrick, anche lei concupiscente involontaria con genetica propensione alla scappatella nei cessi della scuola, qui “sostituta” di Beth al momento dell’apocalisse nel cuore di Zach. Baena, anche sceneggiatore, sceglie di partire dal ritorno inspiegabile e inspiegato dalla terra, dal miracolo che tocca nell’intimo chi non ha ancora elaborato il lutto della perdita e già si ritrova senza un perchè i propri cari di nuovo a casa con loro. Un pò come nella serie Tv francese Les Revenants, i famigliari di Beth e in parte anche il fidanzato, tendono a nascondere al mondo il “miracolo” della ritornante per paura che la magia svanisca nonostante sia Beth stessa la prima a voler vivere e a non capire il bisogno di isolamento dal mondo.

Qui l’indagine anti sillogistica della finitezza dell’uomo e dell’accettazione del non ritorno secondo le regole divine e biologiche viene solo sfiorata ed è proprio la sensazione di superficialità a caratterizzare l’intero impianto narrativo. Il non voler scegliere completamente né la strada del sorriso né quella della lacrima rende sterile e asettico non solo il messaggio ma anche lo sviluppo scenico con un accenno di apocalisse che in confronto quella di Shaun of The Dead è un marasma da bolgia urbana. Le incomprensioni fra famiglia d’origine e fidanzato di Beth e l’analisi delle dinamiche interfamiliari (il fratello di Zach invasato per le armi e svalutante, la famiglia di zach incapace di comprendere il dolore del figlio, quella di Beth che respinge la minaccia razionale di zach per cullarsi disperata nel sogno) sono sempre abbozzate, surreali ma mai convincenti nemmeno nel loro rivelarsi improbabili. Al contrario il finale della passeggiata romantica con fornello a gas come zainetto Quechua ha qualcosa di significativo e la metafora dell’asfissia dei rapporti di coppia basati su regole di condivisione frustranti, destinate al declino lungo i dirupi della vita, ha il suo perchè. Nel complesso Life After Beth è un film godibile, che si gioca in spazi stretti utilizzando una fotografia essenziale, un montaggio compassato in perfetto sundance appeal con movimenti di macchina e scelte cromatiche indie che più indie non si può all’interno di una confezione low budget che non fa gridare al capolavoro ma che soddisfa i palati alla buona più che i palati buoni.

Nel sottogenere siamo decisamente sulle orme di Warm Bodies un poco più scanzonati e fracassoni e il che non guasta anche se alzando il cannocchiale all’avvistamento delle orde di zombi semiseri Fido, Dead Snow, Zombieland, Shaun of The Dead (ma aggiungerei anche Zombie Strippers e Juan de Los Muertos)appaiono ancora pellicole decisamente superiori con una caratterizzazione dei personaggi e uno sviluppo dei sottotesti qui mancante. Life After Beth non manca solo nella comicità e nell’orrore ma manca anche di romanticismo, un pò come se dei tre ingredienti base anche il terzo fosse un tantino insapore. Nell’augurio che Jeff Baena aumenti i dosaggi di condimento artistico, buona visione a tutti.

Stefano Paiuzza

Life After Beth – L’amore ad ogni costo

Anno: 2014

Regia: Jeff Baena

Interpreti: Aubrey Plaza, Dane DeHaan, John C. Reilly, Molly Shannon, Cheryl Hines, Paul Reiser, Matthew Gray Gubler, Anna Kendrick, Eva La Dare, Thomas McDonell, Alia Shawkat, Allan McLeod, Paul Weitz, Michelle Azar, Jim O’Heir

Durata: 100 min. (disponibile in dvd italiano)

Roadracers

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action inediti, anni 50, dal tramonto all'alba, desperado, el mariachi, grease, roadracers, robert rodriguez, salma hayek, tarantino

Robert Rodriguez è un regista strano.

Amato oppure odiato, il suo cinema sembra volteggiare in un mondo a parte, ora commerciale ora autoriale, senza apparente logica se non quella di un ragazzino che si è ritrovato fra le mani il giocattolo che sognava da una vita. E con questo giocattolo il regista di origini messicane fa quello che gli pare, rovesciando schemi e sorridendo sornione davanti a quelli che lo criticano aspramente, conscio, forse, che nonostante i detrattori lui segue comunque la propria strada. Il suo cinema viaggia contemporaneamente sulle note di Malagueña Salerosa e su quelle di Shoot to Thrill, creando connubi che il più delle volte affascinano per la loro sboccata visionarietà. E qualche volta, invece, provocano uno stentato sorriso di circostanza. Ma d’altronde, la genialità di un’artista passa anche attraverso i suoi passi falsi e le sue cadute di stile.

Uno stile fatto di spaghetti western, action e horror, tra Sergio Leone, John Carpenter e Lucio Fulci, passando, perché no, da Chaplin, quello di Rodriguez è un modo di fare cinema citazionistico, ma anche assolutamente personale. Così è stato fin dal primo lungometraggio, El Mariachi (1992), girato con 7000 dollari e attori non professionisti, una piccola perla che varcò ben presto i confini messicani, aprendo possibilità fino ad allora nemmeno sperate. Tra queste, nel 1994, un anno prima di Desperado, c’è Roadracers, un film per la TV creato come primo episodio di Rebel Highway, serie di lungometraggi ispirati ai B-Movie da drive-in degli anni cinquanta.

Da non confondersi con l’omonimo film del 1959, Roadracers dipinge un vivido ritratto dell’epoca, neanche troppo romanzato, a differenza di altre pellicole dal diverso target, e lo fa prestando più attenzione ai personaggi che non alla trama, di per sé infatti molto semplice. Il plot racconta di Dude Delaney, ragazzo ribelle che sogna di lasciare la sua città per diventare un musicista rockabilly. Nonostante il sostegno della fidanzata, Donna, una faida con il locale sceriffo fa scivolare il suo futuro in un buco nero, dal quale potrebbe non esserci ritorno.

Lasciando da parte il fatto che Dude non è un nome, ma una parola colloquiale che oggi indica una persona cool, usata come appellativo o persino in esclamazioni di sorpresa, il protagonista è un personaggio anticonformista, in un periodo dove questa parola significava realmente qualcosa: fumatore incallito, amante della velocità e avvezzo a cacciarsi nei guai con spirito da fuorilegge. Si potrebbe definire un antieroe, non fosse che Dude non solo è un cliché ambulante, ma oltretutto è pure antipatico negli atteggiamenti. Per sua fortuna, peggio di lui c’è la gang rivale, capitanata dal figlio dello sceriffo, un trio di dementi con patologie psicologiche, che nella realtà finirebbero in una trasmissione della De Filippi senza battere ciglio. In questa gara a chi irrita di più, la trama scorre rapida, ricca di violenza, azione e ottima musica rock, da Gene Vincent a Johnny Reno, perfetta co-protagonista, indispensabile per rendere al meglio non solo le scene ma anche l’ambientazione.

Non siamo certo al meglio delle capacità di Robert Rodriguez, dopotutto è il suo secondo lungometraggio, e la sensazione che il brodo sia stato eccessivamente allungato persiste un po’ per tutta la durata. Ciononostante, Roadracers è un B-movie solido, dal ritmo sostenuto e dalle scene ricercate, sicuramente imperfetto, e non si stenta a credere che possa essere considerato noioso e insoddisfacente, ma lontano dalla patinatura e dalla malinconia di film come Grease (1978) e American Graffiti (1973). Riesce a regalare divertenti trovate, in una rudezza generale che sfocia nel finale intenso e senza compromessi. Questo, da solo, lascia intravedere il Rodriguez che sarà, ed è una delle cose migliori in una pellicola energica, di puro divertissement senza troppe pretese. Ben interpretata da un convincente David Arquette, il cui viso da schiaffi è strafottente, duro e a tratti rassegnato, e da una giovane Salma Hayek, la cui bellezza latina emana dolcezza e sensualità a ogni sguardo. E non potrebbe essere altrimenti dalla donna che, due anni più tardi, vestirà i succinti panni di Santanico Pandemonium e che, con una sola scena, diverrà eccitante sogno proibito di erotismo e lussuria. Il biglietto da visita ideale per conquistare i cuori di tanti maschietti dalla forbita manualità.

L’opera seconda del texano è rimasta sconosciuta ai più per molti anni, sepolta nelle sabbie mobili delle produzioni televisive. La fama ottenuta in seguito dal regista tuttofare ha contribuito solo in parte alla riscoperta della pellicola e infatti, ancora oggi, qualcuno si sorprende nel conoscere la sua esistenza, nonostante l’alone cult che il film ha guadagnato. Roadracers, però, è puro Rodriguez in ogni sua parte, dall’azione violenta a quella divertente, nella grande musica e nelle scelte obbligate da un low-budget che pochi sanno sfruttare meglio. Persino nei clichè, spogliati di negatività dal Grindhouse Style che ormai è marchio di fabbrica. Forse è il caso di accantonare Sharkboy e Lavagirl, nella sua filmografia Roadracers merita decisamente di più.

Manuel “Ash” Leale

Roadracers

Anno: 1994 (USA)

Regia: Robert Rodriguez

Sceneggiatura: Robert Rodriguez, Tommy Nix

Interpreti: David Arquett, John Hawkes, Salma Haye, Jason Wiles, William Sadler, O’Neal Compton, Christian Klemas, Aaron Vaughn, Tammy Brady Conrad, Mark Lowentha, Karen Landry, Lance LeGault, Tommy Nix, Gina Mari, Boti Bliss

Fotografia Roberto Schaefer

Montaggio: Robert Rodriguez

Musiche: Paul Boll, Johnny Reno

Scenografia:Brian Kasch, Kathleen M. McKernin

Costumi: Susan L. Bertram

Produttore: Lou Arkoff, David Giler, Debra Hill, Willie Kutner

Casa di produzione: Spelling Films International

Durata 95 min, INEDITO IN ITALIA (Prima visione Prima TV Stati Uniti d’America 22 luglio 1994 Rete televisiva Showtime Networks)
(NdR. Roadracers ha in realtà avuto un paio di passaggi televisivi italiani, doppiato, su Raimovie e La7, in orari da nottambuli e in pieno Agosto. Il modo migliore per far notare un film…) 

Miami Blues

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alec baldwin, andrea lanza, cosa fare a denver quando sei morto, fred ward, george armitage, jennifer jason leigh, miami blues, pulp, recensione, tarantino

Hoke: The Krishna died of a broken finger? I mean, is that a homicide?

Henderson: Well, I guess he died of the shock… However, if the guy in the suede sports coat knew that Krishnas had a bad habit of dying every time you bent their finger back…

Hoke: Murder One?

Henderson: Yeah!

Hoke: Boy, the guys at the station are going to laugh their asses off at this!

George Armitage è a suo modo un piccolo genio, sicuramente un autore fuori dagli schemi, anche se il grande pubblico non lo conosce. Lui sguazza nel pulp grottesco con una maestria, tra i suoi autori preferiti c’è Elmore Leonard, che ha trasportato sul grande schermo con il folle Brivido biondo, e Charles Willeford, autore del romanzo Miami Blue, appunto. Ecco, folle è il termine che calza più a pennello a questo autore, uno che si è fatto le ossa nella scuola Corman, sceneggiando lo stracazzutissimo Gas, fu necessario distruggere il mondo per poterlo salvare del 1970 e dirigendo titoli di grande pregio nel poliziesco poliedrico di serie B come Hit Man con Bernie Casey e, soprattutto, Squadra d’assalto antirapina con un magnifico Kris Kristofferson e un’arrapante Victoria Principal. I suoi capolavori però sono negli anni 90, lontano da Corman, anche se quella vena anarchica e terroristica degli esordi non verrà mai del tutto abbandonata. Se L’ultimo contratto è una commedia feroce ma disimpegnata, dove i toni drammatici sono stemperati dall’innata simpatia di John Cusack, si fa sul serio soprattutto con questo Miami Blues, sorta di versione cattiva e all’acido del successo tv Miami Vice. Il confine tra buoni e cattivi diventa sottile, quasi indistinguibile, certo prima c’erano stati i grandissimi polizieschi di Friedkin, da Il braccio violento della legge fino a Vivere e morire a Los Angeles, ma è in questa pellicola che si compie un passo ancora più azzardato, mettendo in scena personaggi squinternati, tutti a loro modo psicopatici e… simpatici.

Armitage gira, alzando il tono drammatico, un film che altri avrebbero trattato da pura commedi. In Miami blues ci sono le luci calde della Florida. le palme, le strade che nel nostro immaginario da GTA V attraverseremo in auto decapottabili sfoggiando improponibili camicie hawaiane, poi le donne magnifiche in costume da bagno e il mare mai così limpido, ma anche i proiettili, il sangue, gli arti mozzati, poliziotti che prendono bustarelle e vanno a puttane, un regno del caos e del disordine ghirlandato di nastri e perline. Critici ciechi hanno parlato di tarantismo, soprattutto con i lavori di Armitage post Pulp Fiction, come se si stesse affrontando un qualsiasi regista da Love and 45, dimenticando che il pulp esisteva prima di Vincent Vega e Marcellus Wallace, e si sarebbe sviluppato, nella sua reincarnazione funeraria e crepuscolare, grazie ad autori come Danny Cannon, John  Dahl e Gregory Flender. I personaggi di Armitage sono criminali senza possibilità di redenzione, destinati fin dalle prime scene alla morte, dotati di crisi di identità così acute che diventa impossibile per loro trovare un posto normale nel mondo bizzarro che li ha generati. Questi antieroi non sono altro che maschere, quasi da commedia dell’arte, che si scambiano i ruoli confondendo il pubblico e loro stessi, dei candidi voltairiani corrotti da un universo che risponde a regole ben precise e che non accetta cambiamenti, pena la morte.

Così alla fine l’unica innocente è una prostituta che, per citare una delle migliori miniserie di questi ultimi anni Hatfields & McCoys, viene “imbrogliata con l’amore”. Non si salva in questo mondo allo sbando nessuno, a partire dal protagonista che esordisce spezzando le dite ad un Hare Kṛiṣṇa e si perde nella convinzione di essere un poliziotto tra rapine e omicidi. Armitage regala almeno una scena culto nel suo film, quella della cena tra Alec Baldwin, Jennifer Jason Leigh e Fred Ward, rispettivamente il criminale, la puttana e lo sbirro, in una tensione che nasce soprattutto dalle battute e che ricorda, forse non così azzardatamene, una sequenza simile in The Killer di John Woo. Se Miami Blues non è diventato un cult movie è per colpa della sua struttura azzardata che deve avere confuso non poco il pubblico del’epoca, il presentare sequenze esilaranti come Baldwin che risponde ad un agente che gli intima di fermarsi “Sono un poliziotto!”, alternandole ad altre ferocissime e drammatiche, in un genere transgender come il comedrama che avrà la sua fortuna soprattutto con le serie tv alla Orange is new black, ma mille anni luce dopo questo film. Miami blues, prodotto da Jonathan Demme non dimentichiamolo, può sfoggiare i suoi tre attori principali, Baldwin, la Leigh e Fred Ward (un magnifico sbirro con dentiera), in uno stato di grazia recitativo, e ti lascia stordito come poche altre cose che hai visto nella tua carriera di critico/spettatore. Senza contare l’uso magnifico di Spirit in the sky di Norman Greenbaum come colonna sonora…

Andrea Lanza

Miami Blues

Anno: 1990

Regia: George Armitage

Interpreti: Alec Baldwin, Fred Ward, Jennifer Jason Leigh, Charles Napier, Nora Dunn, Martine Beswick, José Pérez, Paul Gleason, Shirley Stoler

Durata: 90 min.

Via Montenapoleone (versione tv)

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baci omosessuali, carlo vanzina, carol alt, ciak, enrico vanzina, film 1987, film milano da bere, gay, luca barbareschi, milano da bere, modelle, outing, paolo rossi, recensione, renèe simonsen, sharon gusberti, via montenapoleone, yuppies, zampetti

Sicuramente è sacrosanto infamare i Vanzina (Carlo alla regia ed Enrico alla sceneggiatura) per tutte le brutture, ai limiti del vedibile, fatte dagli anni 90 ad oggi, ma altrettanto ingiusto sarebbe dimenticarsi le cose belle girate negli 80, la loro decade d’oro. Se un loro titolo cult come Sapore di mare è stato abbondantemente rivalutato anche da una critica di vecchi tromboni storici, come il Morandini, rimangono ancora considerati male, se non di più, opere altrettanto riuscite come l’agrodolce Vacanze di Natale, i thriller Mystère e Sotto il vestito niente, lo scatenato Vacanze in America e i sociali Via Montenapoleone, Le finte Bionde e Miliardi.

Sul piano del successo di pubblico niente da dire: chi più, chi meno, questi film hanno portato tanti soldoni nelle tasche dei due figli di Steno e dei loro produttori. Sul discorso invece della qualità, dagli esperti di settore allo stesso pubblico che ha riempito le sale, tutti sembrano unanimi: gran cazzate. Si fa sicuramente un gran generalizzare perchè è vero che se, anche all’epoca, esistevano filmetti vanziniani come un Montecarlo Gran Casinò, non tutte le opere dei due fratelli erano ad un livello così desolante. Via Montenapoleone è forse il loro tentativo migliore, insieme a Sotto il vestito niente, di approcciarsi a generi diversi che non fossero la commedia di stampo driviniano. Si parla sempre di ricchi, di un’elite sociale di miliardari, modelle e playboy, ma cercando di non calcare la mano, come in Yuppies – giovani di successo, nel grottesco ridanciano: c’è il tentativo di mettere in scena personaggi veri, con i drammi e le gioie della vita comune, anche nella miserabilità di un contesto sociale di apparenza e superficialità sfoggiata come vanto.

Non esistono poveri nella Via Montenapoleone vanziana, o almeno non sono mostrati, perchè l’occhio di Enrico prima e di Carlo dopo, si concentrano solo sui ricchi e sul loro mondo, fatto di filippini schiavi, di donne poco emancipate e annoiate, di madri cannibali e sesso masticato come chewingum americano. Qui l’occhio dei Vanzina si concentra su 5 storie parallele sullo sfondo della famosa Via Montenapoleone milanese, la strada delle vetrine più chic del capoluogo lombardo, simbolo di una ricchezza ostentata ed elittaria, la stessa che, in ambiente diverso, avrebbe cacciato e riabbracciato la Pretty Woman Julia Roberts a colpi di American Express, come fossero di bacchetta magica. Si affrontano temi importanti, e a loro modo assolutamente inaspettati da un cinema frivolo di stampo vanziano,  come l’omosessualità, senza cadere nel facile clichè della macchietta isterica e coi bigodini in testa alla Michel Serrault. Solo che tutto è lasciato alla superficie: i suicidi sono fuori campo così come le gravidanze che potrebbero sfigurare, e quindi umanizzare, le finte donne, le modelle strafighe che puoi ammirare soltanto sulle pagine di Cosmopolitan. Ecco allora che, in questo mondo alternativo, ad un passo dalla fantascienza, si passa dalla scoperta di aspettare un figlio alla scritta “Qualche mese dopo” con il bimbo già bello che sfornato, e la provetta mamma, bella e sfavillante come nessuna partoriente sarà mai.

Anche l’outing del giornalista gay Luca Barbareschi viene liquidato quasi subito con uno scambio di battute tra lui e il direttore del giornale (“Ciak”) dove lavora: “Pensavo ti fossi fatto la metà delle mie caporedattrici”, “No ma un paio di redattori si”. Anche il sesso è qualcosa di alieno: quello omosessuale si limita ad un paio di baci in auto, quello etero ad una serie di immagini patinate con la colonna sonora di Phil Collins. E poi le madri, queste madri che soffocano i figli, li frenano della loro libido, ricordano tanto la madre mostro di Braindead di Peter Jackson o la Norma Bates di Psycho: sono ad un passo dall’incesto e quel confine viene superato e pragmatizzato dalle amiche che si rivestono del ruolo di madre e amante, come nell’episodio con Corinne Clery, premurosa nave ammiraglia del figlio di Marisa Berenson, amica del cuore. Tutto però, come recitava Rutger Hauer nel finale di Blade Runner, viene dimenticato “come lacrime nella pioggia”, sia un tradimento, come nel caso di Carol Alt, purchè salvi le apparenze e la famiglia resti intatta. In quest’ottica una brava moglie non dovrebbe lavorare perchè il lavoro spetta agli uomini e il suo valore lo si misura dal saper fare il risotto alla milanese, come ci ricorda l’agghiacciante balia, privata del nome per tutto il film, forse perchè di estrazione popolare.

L’episodio migliore è senza dubbio quello con Carol Alt che incontra un seducente playboy, un Fabrizio Bentivoglio in versione glamour, che sciorina frasi fatte e occhioni languidi, ma nel privato, come il Patrick Bateman di Brett Easton Ellis, si diverte a filmare le sue donne e dare loro voti in vhs. Il segmento più comico è dato da Paolo Rossi e dalla terribile Sharon Gusberti, che da lì a qualche anno, lei orecchie a sventola e faccia da cavallo, diventerà la rampolla Zampetti, la sega più ambita della tv con I ragazzi della 3C. E’ questo di sicuro il dazio da pagare per gli aficionados vanziniani, un cinema di matrice televisiva, fatto di tormentoni da cabaret e l’ombra del Cavaliere sempre dietro l’angolo. D’altronde nel mondo di cartone di Via Montenapoleone la tv non prende mai la Rai ma solo il Biscione, con i televisori che forse hanno solo il tasto 5 da schiacciare. Il film non ci risparmia poi battute su comunisti e un cammeo di Andrea G. Pinketts in versione bavoso coi baffi. La versione tv dura ben tre ore, ma è più compatta e sicuramente meno criptica di quella uscita al tempo in dvd, con le storie meglio sviluppate. Nel suo genere Via Montenapoleone è un film grandioso, inarrivabile, il punto di non ritorno di un cinema superficialmente impegnato che vedrà un flebile tentativo di ripetersi in Miliardi, ma senza essere altrettanto convincente. E’ cinema urlato, drammaticamente comico, agghiacciante nel farci vedere come alcuni vivevano quei rampanti anni 80, ma anche comunque un film vero, non gli scherzi che Vanzina e soci ci riservano ora. Per chi scrive uno dei cult della sua vita, senza paura di essere preso a pomodori e uova marce: piacevole e scorrevole, girato anche con gusto glamour non disprezzabile, quasi un’esperienza cinematografica, da prendere o lasciare, ovviamente.

Andrea Lanza

Via Montenapoleone

Anno: 1987

Regia: Carlo Vanzina

Interpreti: Carol Alt, Renee Simonsen, Marisa Berenson, Corinne Cléry, Luca Barbareschi, Valentina Cortese, Fabrizio Bentivoglio, Paolo Rossi, Renato Scarpa, Sharon Gusberti, Paolo Tomei, Daniel Gelin, Lorenzo Lena

Durata: 180 min. (versione tv), 104 min. (versione cinematografica)

 

 

Nuda vendetta

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ciro h. santiago, day of the woman, death wish, donne stuprate, il giustiziere della notte, maniaci sessuali, naked vengeance, non violentate jennifer, nuda vendetta, rape and vengeance, stupri, vendetta

Cirio H. Santiago fa parte di quella folta schiera di artigiani che si sono cimentati, in decenni di carriera, con un po’ tutti i generi. Santiago era filippino, come l’altro grandissimo regista degenere Eddie Romero, e girava dagli anni 50 opere che, fin dagli esordi, erano riconoscibili del suo stile: western, spionistici, avventurosi e persino commedie dalla confezione veloce ed esportabile all’estero, soprattutto gli Stati Uniti. Negli anni 70 poi cavalcò la moda della blaxploitation con un pugnetto di film gagliardi come TNT Jackson, Death Force e soprattutto She Devils in Chains, un delirio proto tarantianiano da fare andare in brodo di giuggiole i fan del grindhouse più scellerato.

La sua fama però la si deve al fiorente mercato dei vietnam movie che pullularono sulla scia, prima di Apocalypse now, poi di Platoon, e che ebbero degli epigoni pure in Italia, con la punta d’iceberg nella coppia Mattei/Fragasso. Nei film di Santiago recitavano, per venderli meglio all’Estero, star decadute come David Carradine o la Monique Gabrielle di Flashdance. Certo è che prima della fine dei generi, avvenuta anche per l’industria cinematografica filippina, i prodotti del regista, e dei suoi colleghi, davano da mangiare a tanta manovalanza americana inutilizzata in patria, compresi soprattutto i caratteristi mai assunti a veri attori.

Di lui i collaboratori parlavano bene se non benissimo, anche se alcuni esterni, come Joe Dante, chiamato per montare il trailer internazione di TNT Jackson, lo consideravano un pessimo regista. Di sicuro i film di Santiago erano rozzi, ma di una rozzezza ruspante, a volte alla Jess Franco, capaci di usare un attore come il karateka Richard Norton per girare una dozzina film pagandolo per uno solo. Questo Nuda vendetta è uno dei tanti film anni 80 suoi, girato tra due postatomici, il folle Wheels of Fire e l’ancor più folle Future Hunters (Robert “T1000” Patrick vs. Bruce Le senza una e!!!!). Nuda vendetta viene ricordato anche da Quentin Tarantino come un cult, specialmente perchè ha al suo interno mille generi che si mischiano e fanno a cazzotti.

Non si può di certo dire che sia girato bene, anzi, con la confezione, al di là di un paio di rallenti di maniera, terribilmente piatta, da puro telefilm anni 80, tanto che, ad occhio distratto, potrebbe essere scambiato per un prodotto di almeno dieci anni prima. Si tratta di un remake non ufficiale di Non violentate Jennifer di Meir Zanchi, solo con plot calcato sull’iperbole demenziale, pur mantenendo un rigoroso taglio serio. Non ci si crede quanta sfiga possa cadere addosso alla protagonista, la bellissima Deborah Tranelli di Dallas, che prima vedrà trucidato da un rapinatore il marito durante il loro quinto anniversario, poi si troverà ad essere stuprata da un gruppo di balordi che, per far capire quanto sono cattivi, uccideranno a fucilate pure i suoi vecchi genitori. Ovvio che la vendetta arriverà e sarà delle più feroci con corpi carbonizzati, evirazioni e duelli in ghiacciaie con ganci da macellaio. Il film è selvaggio quando basta nel sesso e nelle morti, con una nota particolarmente buona nella generosità della sua protagonista, spesso e volentieri nuda, come da titolo.

E’ lei la migliore tra gli attori, che si trascinano, per la maggior parte del film, in faccette e facciacce indecenti, con l’aggravante di alcuni interpreti, come il piccolo Timmy (Steve Roderick), che dimostrano non 15 anni ma 40. Fa ridere questa cittadina di provincia americana che sembra abitata in prevalenza da maniaci sessuali, capaci, davanti ad una bella donna, di sciorinare frasi romantiche come “Ho il miglior pezzo di manzo della zona” o “Vorrei farti un pigiamino di saliva”. In quest’ottica la Tranelli è come il pollo arrosto gettato in pasto agli affamati perchè, nel paese degli stupratori e dei degenerati, (di donne non se ne vede una), la violenza sessuale dev’essere la cosa meno brutta che possono farti. Ecco che i migliori esponenti di questa umanità degradata, capitanati da un macellaio sessuomane (“E’ una troia perchè non ci sta”), diventeranno da predatori a prede. Il bello di Nuda vendetta è che è un film mutaforme: quando pensi di averlo etichettato, ecco che diventa qualcos’altro. La pellicola di Santiago infatti parte come un rape and vengeance, poi diventa una sorta di Rambo al femminile, poi vira verso l’action kung fu e si eclissa, nel finale, nel classico Il Giustiziere della notte. Pazzesco sicuramente, una visione che, quando non ti fa ridere involontariamente, ti confonde come un Blu tornado di Gardaland. Tra i caratteristi si riconosce il mitico Nick Nicholson, star dello zombesco italiano After death, e qui condannato ad una tra le fini più atroci, schiacciato da un auto con doverosa fuoriuscita di sangue a fiotti. Non stiamo ovviamente consigliando questo film, brutto come poche altre cose, ma vi avvertiamo che, se vorreste vederlo, potrebbe essere una delle visioni più folli, scriteriate e divertenti della vostra vita, con tutto rispetto per il bel cinema che non abita qui. Intanto Santiago, morto nel 2008, potrebbe essere il primo regista zombi: il suo mai completato Water Wars è in uscita quest’anno. Come è possibile? Ovviamente l’ha finito un altro regista, Jim Wynorski, un altro folle che noi di Malastrana vhs abbiamo incontrato più volte. Le vie infinite del Signore…

Andrea Lanza

Vendetta nuda

Anno: 1985

Regia: Cirio H. Santiago

Interpreti: Deborah Tranelli, Kaz Garas, Carmen Argenziano, Bill McLaughlin, Don Gordon Bell, Ed Crick, Joseph Zucchero

Durata 97 min. (la versione italiana in vhs è monca di quasi 20 minuti)

VHS: DOMOVIDEO

La notte brava del soldato Jonathan

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clint eastwood, don siegel, notte brava soldato jonathan

“Un uomo … sette donne … in una strana casa!”

“Il suo amore … o la sua vita ..”

Frasi di lancio originali del film

Eastwood è il caporale John McBirney, Don Siegel, che l’anno dopo avrebbe diretto Eastwood in “Dirty Harry”, lo utilizza qui in un modo che nessuno prima aveva fatto. Insieme, i due hanno creato un grande pezzo di southern gothic cinematografico, che è anche un grande film sulla Guerra di Secessione, e uno dei film più pessimisti e neri mai realizzati sulla natura femminile. Chiunque altro l’avesse diretto, a parte Siegel, ne sarebbe stato incasinato.

McBirney è un soldato dell’Unione in fuga nel profondo sud. Egli è ferito e scoperto dalla dodicenne Amy (Pamelyn Ferdin). McB, come John vuole essere conosciuto, bacia Amy sulle labbra per farla stare zitta quando passano alcuni soldati confederati, ed ella prende l’incidente nel modo sbagliato, innamorandosi di lui all’istante. McB viene trascinato di nuovo a casa di Amy, il Seminario Farnsworth per giovani ragazze, gestito da Miss Martha (Geraldine Page) e Miss Edwina (Elizabeth Hartman). Subito, Siegel ci fornisce un lampo della memoria di Martha, il cui rapporto con suo fratello era incestuoso. Come Martha fa il suo dovere confederato, preparandosi a raccontare alle truppe amiche del suo nuovo prigioniero, si rende conto che egli sarebbe morto in un campo di prigionia, e decide di curarlo per rimetterlo in sesto, prima di eventualmente consegnarlo.

Tutte le femmine della casa sono incuriosite da questo giovane di New York. Hallie (Mae Mercer), lo vuole schiavizzare, realizzando che McB stia sotterraneamente lottando per la sua libertà e prendendo tempo per fuggire e ricongiungersi alle truppe dell’Unione sempre più vicine, ma non sentendosi obbligato a restituire il favore di essere stato curato e salvato (per ora) dalle truppe confederate. Edwina è una zitella, lunga segnatata dagli atti di suo padre adultero, ma si ritrova attratta da McB. Doris (Darleen Carr) vuole troppo McB, ma vorrebbe anche consegnarlo ai ribelli il più presto possibile. La più giovane Carol (Jo Ann Harris) vuole McB per il suo proprio (e tanto) piacere. Amy ha ancora dei sentimenti per lui, anche se si rende conto di avere soltanto dodici anni.

Non fraintendetemi, McB non è un angelo. Siegel ci mostra però i pensieri verbali delle ragazze per tutto il film, ma ci mostra anche delle scene di McB che racconta un sacco di cazzate per impressionare le ragazze. Egli infatti afferma di essere un quacchero, e altre cazzate ancora su come si è procurato le ferite. Trovando anche il tempo di visitare un poco i terreni circostanti la proprietà, e pensando sempre a ricavare il massimo profitto dal tempo passato nel posto. Il personaggio di Eastwood è difatti preoccupato unicamente di sè stesso. Il suo unico interesse è nei suoi piaceri,facendo di tutto e dicendo qualsiasi cosa pur di ottenere ciò che vuole. Eastwood non aveva mai fatto nessun ruolo simile, prima o anche dopo.

Sia Edwina, Martha, che Carol soccombono al fascino dello yankee, e in una notte fatale McB decide di visitarle nelle loro camere. Va da Carol, che lo cattura in un corridoio, e fanno l’amore fino a che Edwina li scopre e lo spinge giù per le scale. Spezzandosi la gamba che era in via di guarigione, le donne lo riempiono poi di laudano e alcool e pianificano la loro prossima mossa. La cancrena ormai minaccia l’arto per poi rischiare velocemente di propagarsi, la morte potrebbe essere molto dolorosa, forse dovrebbero fare una cosa gentile e amputare la sua gamba rotta … e lo fanno, in una scena cruenta e giustamente famosa che fa smuovere sulla sedia e ben più dimenarsi di quello che possono suscitare le intere serie di  “Halloween” o di “Venerdì 13 ” messe insieme.

McB si sveglia senza più la gamba, ed è ovviamente fuori di sè. Carol diffonde la menzogna ​​che McB l’ha violentata, così che anche Hallie arriva a odiarlo. Attraverso i suoi occhi, vediamo in un altro flashback il suo stupro per mano del fratello di Martha. McB si vendicherà appropriandosi dell’unica pistola in casa, e dicendo minaccioso a Martha che dovrà avere a letto chi vuole, altrimenti dovrà farsi sfuggire alle vicine truppe dell’Unione delle belle ragazze che li sono ormai così vicine. Martha e le ragazze, senza Edwina che non è d’accordo, decidono quindi di “prendersi cura” di McB una volta per tutte.

Nonostante l’argomento, Siegel non realizzò un prodotto d'”exploitation” ambientato nel periodo della Guerra di Secessione, alla “Mandingo” (1975) di Richard Fleischer. Combattendo anche contro la tentazione o la voglia di trasformare questi in una screwball o una dark comedy, qualcosa che un altro regista potrebbe avere fatto. Siegel raccoglie invece qui alcuni impressionanti talenti recitativi (tra cui una giovanissima stella delle soap Melody Thomas Scott), e permette alle loro storie individuali di andare a formare un insieme coeso. I flash dei ricordi di ciascuna delle ragazze sono una brillante mossa senza mai diventare troppo evidente, o una stampella su cui poggiare le parti emotive del film. I pensieri visivi di Hallie, MCB, e di Martha sono usati con parsimonia, grazie al cielo.

Geraldine Page è grande nel ruolo di Martha, l’attrice prende una serie di rischi insiti nella parte che poche altre attrici di oggi sarebbero in grado di reggere. Una sequenza del sogno trova Martha a letto con McB e Edwina, ed è stata ottenuta e trattata drammaticamente senza trasformarsi in qualcosa di viscido o minimamente salace. La defunta, fragile Elizabeth Hartman è meravigliosa come Edwina. La Hartman si suicidò alla fine degli anni ottanta gettandosi da una finestra del quinto piano. Non ho potuto fare a meno di considerare quanto di questa sua interpretazione non fosse uno sforzo studiato. Il suo personaggio mostra un tale crudo dolore, che a volte è per me difficile da sostenere. Eastwood dedicò nel 1992 “Gli Spietati”(Unforgiven) sia a Sergio Leone che a Don Siegel. Siegel è però stato l’unico regista in assoluto in grado di creare per Eastwood un personaggio che viene fuori come del tutto disprezzabile. Le ragazze della scuola non sembrano stupide o ignare delle malefatte di MCB, ma non sono neppure ingenue e alla fine saranno loro con il tipico tempismo e “razionalità” femminili, ad avere la meglio su questo misterioso e audace forestiero, nonostante ogni sua parola e azione.

Questo film ci mostra anche un altro lato della guerra civile. Le scene di battaglia sono solo in alcuni flashback. La desolata piantagione in cui è stato realizzato il film sembra congelata nel tempo all’epoca in cui è ambientato, quando il Sud prebellico stava volgendo al termine. La visione di Siegel da sapiente neo-gotico americano discende da almeno una mezza dozzina di pellicole sul periodo confederato, e certamente sembra più realistica rispetto alla bella ma convenzionale, seppur ancora emozionante di “Via col vento”.

“The Beguiled”, secondo il titolo originale con cui venne distribuito, meritava ancora più elogi di quelli che raccolse all’epoca della sua prima uscita. Il film è così diverso da tutto ciò che Eastwood e Siegel avevano fatto prima (“L’Uomo dalla cravatta di cuoio”[The Gauntlet][1968])ampliando successivamente talune intuizioni con “Brivido nella notte”(Play Misty, For Me)(1971),che i due rivolsero questa occasione in qualcosa di straordinario. Lo consiglio vivamente a tutti coloro che si interessino di una visione cinematografica su un universo e un ambiente prettamente femminili, apertamente non conciliatoria nè tantomeno rassicurante, ma anzi molto nera, pessimista, e inquietante, sulla loro intrinseca natura .
The Beguiled” non è mai uscito in vhs ita-, ma soltanto in dvd negli anni 00 per la Universal. E’ stato programmato molte volte in televisione e da Studio Universal dal 2006 anche nell’edizione integrale per le sale americane, con alcune brevi sequenze in più sottotit. poichè prive dell’originale doppiaggio italiano.

La scena dell’amputazione della gamba è stata alleggerita dalla censura per la versione originale del film uscita nei cinema britannici. Versioni successive erano uncut e vietate ai minori di 15 anni.

“Dove She is a Pretty Bird”
(Non accreditata)
Tradizionale
Eseguita da Clint Eastwood

Altri titoli previsti dalla Universal Pictures furono stati “Pussy-footing Down at the Old Plantation” e “On One I Walked”

Il preferito di Don Siegel fra tutti i suoi film.

Durante la realizzazione, Eastwood diresse il suo primo lavoro, un dietro le quinte del lavoro di Siegel alla regia chiamato “The Beguiled -The Storyteller” (1971)

 Spoiler

Questo è uno dei soli tre film fino a “Gran Torino” in cui il personaggio di Eastwood  muore. Sia Eastwood che il regista Siegel dovettero combattere con i boss della Universal Pictures per mantenere questo finale.

Napoleone Wilson

La notte brava del soldato Jonathan

Titolo originale: The beguiled

Anno: 1971

Regia: Don Siegel

Interpreti: Clint Eastwood, Geraldine Page, Elizabeth Hartman, Jo Ann Harris, Darleen Carr, Pamelyn Ferdin, George Dunn

120 min.

Boxing Helena

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boxing helena, jennifer chambers lynch, juliand sands, melania colagiorgio, recensione, sherilyn fenn, twin peaks

Nick è un importante chirurgo che fa fatica a restare a divincolarsi dal pesante carico di traumi e ossessioni infantili che si porta dietro. Ha una brillante carriera e una donna bellissima al suo fianco, ma non fa che pensare ad Helèna. Bellissima donna fatale, che però strenuamente lo rifiuta.

La donna ha un incidente e finalmente Nick ha l’occasione di farla sua. Porta la donna incosciente a casa sua con la scusa di curarla di sorvegliarla durante la sua convalescenza, ma quando Helena si risveglia si ritrova privata degli arti inferiori.

Nick finalmente ce l’ha tutta per sè e tra scatti di violenza e gesti più amorevoli i due finiscono con l’avvicinarsi sempre più l’uno all’altro. Ma Nick continua ad avere la morbosa paura del rifiuto e di perderla e le taglierà le braccia rinchiudendola letteralmente in una scatola.

Uno scialbo finale a sorpresa.

Siamo nel 1993, Twin Peaks spopolava nelle tv italiane, quando a Venezia viene presentato questo Boxing Helena con un corteo di chiacchiere e dicerie più o meno veritiere. Madonna aveva rifiutato la parte di Hanna – così doveva chiamarsi la protagonista- , e anche la Basinger dopo aver accettato oralmente il contratto, avendo letto il copione, lo rifiutò pagando una multa di oltre 3 milioni. La presentazione veneziana fu accompagnata da un codazzo di voci bellamente, messe in piedi dalla regista ed enorme fu la delusione dopo la visione del film.

La trama del film era originale e avrebbe potuto avere un gran potenziale, ma la sceneggiatura è carente e la messa in opera lenta e scadente. La regista ha scritto il copione a 19 anni, al momento della presentazione ne ha 24 ma non ha abbastanza coraggio nell’osare. Nel momento in cui lo spettatore potrebbe sentire ansia o stress, Jennifer ritira la mano e scade nel noioso o nel ridicolo.

Lo fa anche col finale. Quasi a giustificare la rudezza del resto del film, la violenza o il sesso presente s’inventa un espediente che vorrebbe far dormire meglio lo spettatore.

Fondamentalmente il film manca di coraggio, se fosse fatto solo per creare sensazionalismi, o per brutalizzare il pubblico affamato di sangue, per presentare un film scabroso, morboso, come erano i film a cui la Lynch ha fatto riferimento,(Misery non deve morire, quelli di Dario Argento, i classici dell’horror in generale), allora doveva andare oltre, calcare la mano su alcuni elementi, essere più seria.

Lento, discontinuo, a tratti ridicolo.

Melania Colagiorgio

Boxing helena

Anno: 1993

Regia: Jennifer Chambers Lynch

Interpreti: Julian Sands, Sherilyn Fenn, Bill Paxton, Betsy Clark, Art Garfunkel, Nicolette Scorsese

Durata: 90 min.

VHS: FOX (VIETATO AI MINORI DI 14 ANNI)

Nell’anno del Signore

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alberto sordi, claudia cardinale, luigi magni, Nell'anno del Signore, nino manfredi

In occasione della scomparsa del certamente ‘insostituibile nel panorama del cinema italiano e amico personale, Luigi “Gigi”  Magni, seppur in colpevole ritardo, non potevo non dedicargli una recensione anche in questi spazi, del suo film forse più rappresentativo, e dall’enorme successo di pubblico natalizio, nella stagione cinematografica 1969/’70. “Nell’anno del Signore” fu liberamente ispirato a un vero e proprio evento storico del “Risorgimento”,  ambientato a Roma nel 1825. Due rivoluzionari “carbonari”, il medico Leonida Montanari (Robert Hossein appena dopo “Cimitero senza croci”, sempre bravissimo) e il giovane Targhini (Renaud Verley, anche lui francese per effetto della co- produzione) nel tentativo di uccidere un traditore, vengono arrestati. Seguendo il loro calvario, veniamo a sapere che l’umile Cornacchia (Nino Manfredi, il vero protagonista del film), è segretamente il celeberrimo poeta satirico Pasquino della Roma papalina; che l’ebrea Giuditta (Claudia Cardinale), è innamorata di Montanari, e che il cardinale Rivarola (uno strepitoso Ugo Tognazzi),  è uno dei più feroci nemici dei rivoluzionari; tra i tanti affastellati personaggi un ruolo preminente l’avranno anche il capitano Nardoni (Enrico Maria Salerno), e, infine, un frate (Alberto Sordi), che si è dato il compito di assistere i prigionieri.

“Nell’anno del Signore” poteva  sembrare, quando uscì, un film che scorreva su un crinale molto ripido e scivoloso, in quanto ritraeva un fatto reale, con un tono che oscilla dal serio al faceto, ma, per fortuna, il mix di commedia e i momenti drammatici funzionano splendidamente oggi come quarantaquattro anni fa, padroneggiati da Magni per tutto lo svolgimento del  film con il suo più genuino tono agrodolce, piuttosto che una qualsiasi pesantezza enunciatoria data dal soggetto, gravemente anti-clericale e papalino. Non fu un risultato facile da ottenere, ma Luigi Magni ci riuscì splendidamente come già nelle sue famose e di successo sceneggiature e commedie teatrali, affermandosi poi anche nelle successive opere della trilogia “papalina” quali “In Nome del Papa Re”(1977) -altro grande completo successo- , e “In Nome del Popolo Sovrano” (1990), qui purtroppo con maggiore stanchezza e rischio di un calligrafismo già di stampo televisivo, e seppur fuori dalla trilogia ma attinente per ambientazione di luogo, storica e personaggi, almeno per la splendida riduzione de “La Tosca” (1973) con Monica Vitti, Vittorio Gassmann, e tra gli altri, Gigi Proietti.

In tutti i film di Magni la recitazione  di tutti è sempre stata molto solida, “Nell’anno del Signore” merita una menzione speciale per l’occasione offerta ad un brillante più che mai Nino Manfredi, che risplende di luce propria nel corale e nutritissimo cast del film con il memorabile , ma pieno di risorse carattere di Cornacchia / Pasquino, tra l’altro realmente esistito e celeberrimo personaggio, della Roma papalina; ugualmente splendido è Ugo Tognazzi come Rivarola.  Tognazzi  con molta intelligenza non resistette alla tentazione di fare di lui oltre che un personaggio viscido, un perfetto cattivo, ritraendolo al contempo in maniera schernita ma anche come di fine intelligenza, freddo e permeato persino di un po’ di tristezza esistenziale nella consapevolezza della sua negatività che verrà consegnata alla Storia.
Alberto Sordi, in una partecipazione speciale, intenzionalmente ruba la scena nella parte strepitosa del suo frate.

Sarei negligente se non menzionassi ancora la splendida e celebre colonna sonora di Armando Trovajoli, che contribuisce a rendere il film – e in particolare l’ultima scena – assolutamente memorabili.

“Nell’anno del Signore” usci nel 1984 in una celebre videocassetta da nolo della Domovideo. Solamente dopo già diversi anni e una sorta di dvd “bootleg” in una collana dedicata al cinema italiano dal settimanale L’Espresso nel 2003, “Nell’anno del Signore” ha goduto di un ufficiale trattamento digitale, pubblicato dalla Minerva Pictures.

Napoleone Wilson

Nell’anno del Signore

Regia: Luigi Magni

Interpreti: Nino Manfredi, Claudia Cardinale, Enrico Maria Salerno, Britt Ekland, Robert Hossein, Ugo Tognazzi, Alberto Sordi, Pippo Franco, Stelvio Rosi, Renaud Verley, Marco Tulli, Emilio Marchesini, Stefano Oppedisano

Durata 105′ min. – Italia 1969