Allarme rosso

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La trama

Con Allarme rosso non stiamo parlando del bel thriller sottomarino di Tony Scott, ma di un misconosciuto (e interessante) horror (quasi) zombesco del 1985.

Devo dire che, pur avendo affittato milioni di vhs negli anni 80/90, di questo film, uscito all’epoca per la CBS FOX, non ne ho nessun ricordo, probabilmente non mi capitò mai tra le mani.

Quindi, su invito dell’amico Andrea Bianchi, ho deciso di recuperarlo grazie ad un ottimo dvd della Koch Media dalla copertina non proprio invitante.

Diciamo pure che la copertina dvd fa schifo

Non sapevo che aspettarmi ed è stata una sorpresa trovarmi davanti ad una pellicola a suo modo anticipatrice di umori che saranno alla base di cult futuri come il 28 giorni dopo di Danny Boyle.

Nulla mi toglie dalla testa che più che più che al The crazy (La città verrà distrutta all’alba) di George A. Romero,  con la stessa idea di un virus che rende folli le persone, il regista Hal Barwood con lo sceneggiatore Matthew Robbins, abbiano guardato al lenziano Incubo sulla città contaminata. Idea non sballatissima, forse, visto che il serrato horror nostrano del 1980 sbarcò, stando a credere a IMDB, negli USA il 18 Novembre 1983 come Nightmare city. In più questi pazzi assassini e sadici che usano come armi le asce antincendio per far fuori le persone sono proprio, casualità o meno, figli proprio di quegli infetti assetati di sangue, comandati in entrambi i film  da uno scienziato ancora più fuori di testa.

Quello però che differenzia Allarme rosso da un clone di Lenzi o Romero è l’idea brillante di creare uno strano mix tra elementi eterogenei: uno figlio di questa corrente zombi non zombi, l’altra invece parto, o aborto, di pellicole più realiste come Silkwood di Mike Nichols e Andromeda di Robert Wise. Per farvi capire meglio: mentre fuori c’è un dispiegamento di militari che cercano di arginare la minaccia batteriologica con un approccio serio alla Virus letale di Wolfgang Petersen, dentro, nel laboratorio, dove l’epidemia si è moltiplicata, c’è una vera Notte dei morti viventi con questi infetti che a volte sono veloci e a volte camminano più lentamente di un resuscitato del 1943 di Jacques Tourneur.

Il mescolone però è stranamente saporito: non annoia nelle parti seriose, ed è abbastanza emozionante in quelle horror con personaggi non proprio tagliati con l’accetta e dialoghi per lo meno scritti con un certo gusto. Ad un certo punto, per esempio, lo sceriffo protagonista, interpretato tra l’altro da un Sam Waterston (Urla del silenzio di Joffè) spaesato (e fuori parte) come pochi, mostrerà tutta la sua umana codardia, lui che dovrebbe essere l’eroe, quando, nel calarsi attraverso un impianto d’aerazione verso, forse, morte certa, tentennerà non poco con frasi come “Non ce la faccio“o “Ho paura“. Contando oltretutto che la missione è quella di recuperare la fidanzata prima che dei pazzoidi la facciano a pezzi, non è che questo gli renda particolare onore. Però il suo comportamento certo dona al personaggio un’inaspettata (e simpatica) umanità. In quanti ci saremmo d’altronde cagati addosso all’idea di addentrarci in un luogo pieno di assassini, amore o non amore? Per dirla alla Gialappa’s: “Chi non alza le mani è un  sacripante”, io per primo.

La regia di Hal Barwood è molto buona e tanto deve però, come resa finale, alla straordinaria fotografia color pastello di Dean Cundey, uno che qualche anno prima aveva lavorato per cult horror incredibili come Halloween, La cosa e Fog di John Carpenter.

Gli attori sono, a parte il già citato Waterston, tutti abbastanza in parte. Fa sorridere però, soprattutto per chi è fan di Scuola di polizia, la presenza di G.W. Bailey, il sergente Harris del cult di Hugh Wilson, in un ruolo serio. Siamo sempre in attesa che urli sguaiatamente “Proctor, razza di imbecille, dove ti sei cacciato!“. Cosa che per fortuna non accade, ma si sa, come nel caso di Leslie Nielsen, alcuni ruoli sono per sempre, anche quando sei portato per essere un bravo attore drammatico.

Proctor!!!!

Sul versante sangue siamo scarsini, ma la produzione sembra più alta, sia come ambizioni che come budget, di un qualsiasi horror splatter di cassetta dell’epoca. Peccato perché si fosse più calcato la mano sulla violenza, un po’ sulla scia del modello di Lenzi, il film ne avrebbe sicuramente guadagnato.

Leggenda vuole che nella sceneggiatura la ditta di fertilizzanti, scenario della vicenda si chiamasse Biotech, ma per evitare casini con aziende omonime, la si ribattezzò Biotek.

Noi di Malastrana vi consigliamo il recupero di questo film. Un probabile cult purtroppo mai diventato cult che meriterebbe maggiore fama. Fateci sapere poi se vi è piaciuto.

Andrea Lanza

Allarme rosso

Titolo originale: 

Anno: 1985

Regia: Hal Barwood

Interpreti: Sam Waterston, Kathleen Quinlan, Yaphet Kotto, Jeffrey DeMunn, Richard Dysart, G.W. Bailey, Jerry Hardin, Rick Rossovich, Cynthia Carle, Scott Paulin, Kavi Raz, Keith Szarabajka, Jack Thibeau, J. Patrick McNamara, Tom McFadden

Durata: 99 min.

 

 

 

Starry Eyes

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Alex Essoe, Amanda Fuller, Danny Minnick, Denis Bolotski, Dennis Widmyer, Fabianne Therese, Kevin Kolsch, Louis Dezseran, Marc Senter, Marcus Bradford, Maria Olsen, Natalie Castillo, Nick Simmons, Noah Segan, Pat Healy, satana, Shane Coffey, Spencer Baik, starry eyes, streghe

Starry Eyes è un film che vorrebbe farci riflettere su quanto la smania di raggiungere il successo possa diventare una sorta di abnegazione religiosa, una specie di delirio sacrale. La protagonista dopo l’ennesimo fallimento, un provino andato male, si pugna, strappa i capelli e vomita insulti non verso il mondo che non vuole permetterle di realizzare il proprio sogno di grande attrice, ma verso se stessa per aver mancato l’occasione ancora una volta. E in tutto questo c’è una specie di martirio a puntate, rifiuto dopo rifiuto, umiliazione dopo umiliazione. Il flagello non è più dedicato a un dio e a un ideale di castità. Ora è versato ai piedi della propria ambizione “che tutti abbiamo ma solo in pochi scelgono davvero di seguire fino in fondo” come spiega uno un diavolo tentatore che vi presenteremo più avanti. Status pubblico che renda mitologica la propria persona e la elevi al di sopra della piccola moltitudine di celebrità da social, ormai alla portata di chiunque.

Da un suggestivo e credibile ritratto di destabilizzazione mentale, Starry Eyes allarga l’obiettivo su un incubo concreto di perdizione e condanna. È l’incubo che spesso prende il posto del sogno che non vuol realizzarsi, così come è il Diavolo a rispondere alle richieste di aiuto degli uomini e non Dio. E sebbene l’uomo capisca che non è la risposta giusta, è pur sempre una risposta. Un’attenzione che è riuscito finalmente a ottenere da qualcuno che sappia di eterno. La protagonista, Sarah, è talmente bramosa di rendere materia le proprie illusioni e illusione la propria carne, che come Alice, pur di fuggire dalla strettissima dimensione di mediocrità e invidie in cui è imprigionata, si accontenta di masticare l’unico fungo in grado di aiutarla a evadere; pazienza se si tratta dell’ammannite falloide.

Il Cinema è pronto ad accogliere la sua tossicità, le sue crisi. Registi, produttori, addetti al casting, vogliono vederla urlare in terra come una posseduta, vogliono guardarla mentre si strappa i capelli e li lascia cadere ai piedi del mostro divino che la povera ragazza ha creato al posto di un Dio morto da troppo per ricevere ancora la fustigazione fisica come tributo di fedeltà. L’impero dei sogni chiede una dedizione sacrificale monastica: il sangue, il tessuto lacerato diventa una fessura da cui liberare la crisalide via dal bozzolo, materia per altra materia, illusione per altra illusione.
È così doloroso vedere una ragazza denutrita, costretta a inventarsi acconciature sempre più fantasiose per coprire le chiazze lasciate dai capelli strappati, è tangibile il nervosismo logorante, anoressico, la stressante fatica di tenere insieme un’illusione di bellezza che non basta mai per giungere a destinazione. Loro dicono a Sarah di essere semplicemente se stessa ma è esattamente il contrario che vogliono. Desiderano che odi se stessa, così da tormentarsi e infliggersi sempre nuove pene distruttive. In un certo senso nel provino andato bene, quando cade in terra lasciando fluire per la prima volta su richiesta le sue intime crisi consumate nel buio di un cesso o nella cameretta tappezzata di volti cinematografici femminili, si pensa più a L’Esorcista che a una prova istrionica alla All That Jazz.

Viene in mente Suspiria e il suo epigono più riuscito: Masks, grande horror del tedesco Andreas Marschall, uscito nel 2011. Anche qui la protagonista è pronta a tutto pur di farsi accettare da una piccola élite artistica, superando una selezione crudele e spietata a ogni costo. E alla fine il successo offre diritto al godimento di un sortilegio che trasforma Sarah in una specie di strega putrida e pronta a trucidare vite in cambio dell’eternità. Streghe con un coltello, come la madre che tutti sentiamo nell’angolo più remoto del nostro cuore. E anche l’ingresso dello studio di produzione, dove spesso si ritrova a sospirare la protagonista stessa, rimanda allo stile liberty della scuola di danza di Friburgo.
Il produttore, interpretato da Louis Dezseran, ha lo stesso sorriso feroce e allucinato di Alida Valli. E non si fatica a vedere nel pallido e incerto volto di Alex Essoe una versione più provata dai nostri tempi votati all’auto-consumismo industriale, di Jessica Harper. Impossibile non pensare poi ai recenti scandali dell’orco Weinstein della Miramax quando la povera attricetta frustrata rinuncia alla parte pur di non “darla via” al produttore. E alla fine ci offre la risposta più logica e coerente sui perché di chi accetta di scendere così tanto a compromessi pur di realizzare i propri sogni: “se devo lavorare in una panineria per vivere è già vendere l’anima, tanto vale darla per qualcosa che si ama davvero”. E ovviamente Sarah ha solo bisogno di un po’ di tempo per metabolizzare la decisione più grave della propria vita: offrire il proprio pezzetto di Paradiso piuttosto che sopportare le battute dell’amica invidiosa, gli sguardi compassionevoli dei compagni e l’aria viscida del suo titolare, che le offre una seconda possibilità al lavoro, anche se lei ha mostrato poca riconoscenza e rispetto per un impiego sicuro e con la paga buona, che per Los Angeles significa né più né meno che respirare.

Peccato per l’eccesso di violenza e sangue. Lo splatter e il gore una volta erano una sfida, un assalto creativo dal sapore politico, oggi sono solo ostentazioni muscolari di facile effetto, per un pubblico ipernutrito di scene repellenti e al limite della sopportazione. Nel panorama cinematografico indipendente anche il più piatto degli horror mostra le viscere e le teste fracassate ma non c’è più nulla di coraggioso in questo. Ora sarebbe il momento di rinunciare; questo significherebbe avere le palle, ormai.
Starry Eyes non avrebbe bisogno di legittimare le suggestioni inquietanti che ci suscita con la bassa macelleria. La trasfigurazione di Sarah poi diventa fin troppo evidente sul piano fisico e ricorda Contracted. Ed è da lì che il film perde quota; anche se i bigattini in un certo senso riconducono ancora una volta a Suspiria.

Francesco Ceccamea

Starry Eyes

Anno: 2014

Genere: horror (colore)

Regia: Kevin Kolsch, Dennis Widmyer Interpreti: Alex Essoe, Amanda Fuller, Noah Segan, Fabianne Therese, Shane Coffey, Natalie Castillo, Pat Healy, Nick Simmons, Maria Olsen, Marc Senter, Louis Dezseran, Danny Minnick, Spencer Baik, Denis Bolotski, Marcus Bradford

Durata: 98 min.

Spalle larghe (Youngblood)

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cinema, Cynthia Gibb, Ed Lauter, Eric Nesterenko, film, Fionnula Flanagan, George J. Finn, hockey, Jim Youngs, Keanu Reeves, Ken James, Patrick Swayze, Peter Faussett, peter markle, recensioni, rob lowe, spalle larghe, sport, Walker Boone, youngblood

Personalmente mi piacciono molto i film adolescenziali girati negli anni 80 sulle varie discipline sportive: dalle arti marziali dei tre Karate Kid alla boxe o al basket dei due Voglia di vincere. Non conoscevo però questo Spalle larghe, in originale, dal cognome del protagonista, Youngblood, ed è assurdo perché è una pellicola con un ottimo cast di giovani promesse (a volte non mantenute). In America fu anche un successone, non tanto al cinema, ma nel mercato dell’home video con il boom di vhs noleggiate dalle ragazzine in piena tempesta ormonale. In Italia mi sembra che non se lo cagò nessuno.

Youngblood è sicuramente un veicolo per il suo protagonista, Rob Lowe, un giovane sex symbol che non riuscì mai a sbocciare davvero: non così bravo da essere ricordato per la sua recitazione, non così carismatico da avere fan disposte a seguirlo negli anni della maturità. Certo l’attore girò almeno tre pellicole molto riuscite, oltre questa: l’agrodolce commedia Class di Lewis John Carlino al fianco di Andrew MacCarthy e una milfissima Jacqueline Bisset, e i thriller Masquerade di Bob Swaim con le fantastiche Meg Tilly e Kim Catrall, ma soprattutto Cattive compagnie di Curtis Hanson al fianco di James Spader. Ci sarebbero anche  da segnare il St. Elmos fire di Joel Schumacher e I ragazzi della 56esima strada, ma non spaventatevi se non vi ricordate di Rob Lowe perché, inserito in film corali, il nostro sparisce, diventa il pollo alla diavola senza peperoncino, un belloccio uguale ad altri, magari meno belli ma con il fuoco della recitazione, elemento importante se non sei in un fotoromanzo della Lancio.

Qui stanno per rasargli il pube come rito d’iniziazione. Se ci vedete qualcosa di frocio è un problema vostro.

Mr. Lowe negli anni 90, invecchiato, lo si vide in Neavy Seals, anche qui oscurato da tutto il resto del cast, fino a diventare protagonista o comparsa in film sempre meno importanti, una sorta di Ronn Moss meno incapace a recitare, bravo ma non bravissimo.

Qui però il nostro è ancora un giovanotto dalle belle speranze, in un ruolo di ragazzino piagnucolone che grazie allo sport diventerà uomo. Non aspettatevi drammi interiori: la maturità fisica e psicologica di Dean Youngblood avviene grazie ad un allenamento contadino a metà tra il Miyagi di Karate Kid e il Mikey di Rocky con tanto di sacchi picchiati tra balle di fieno, scazzottate col padre sul ghiaccio e tanto body building in mezzo alla cacca di mucca. In questo Spalle larghe è simile ai suoi fratelli sportivi, almeno nella struttura della storia: un perdente che viene umiliato e si allena per dimostrare di essere migliore. L’abbiamo visto con Daniel San e lo vedremo con il Bloodsport di Van Damme da lì a qualche anno.

In più Rob Lowe è abbastanza discutibile come protagonista: troppo bello per essere un contadino, quasi un proto Zoolander, e troppo effeminato per essere un rude giocatore di hockey. Questi elementi oltretutto hanno generato letture azzardate su una presunta chiave omosessuale del film che vede Youngblood innamorato del suo Patrick Swayze, attaccante di punta della sua squadra. Fortuna noi non siamo così maliziosi e la teoria viene fugata da due momenti che vedono il buon Lowe sollazzarsi con una milfona (Fionnula Flanagan) col vizietto di provare sessualmente i suoi giovani affittuari, ma soprattutto quando soddisfa una sorprendente Cynthia Gibb che vedendola vestita non gli daresti due lire.

Ma non sei Patrick, l’amore mio!

Tutti noi amanti del cinema, buono o cattivo che sia, la ricordiamo per il suo ruolo di missionaria stuprata in Salvador di Oliver Stone, nel terribile Corto circuito 2 e soprattutto nel Van Damme più sfigato degli anni 80, Colpi proibiti. La scena di sesso con il nostro Lowe è più calda della media dei vari teen movie dell’epoca, con le sue tette magnifiche in bella vista e il corpo atletico che calvalca il nostro probabile cripto gay dalle voglie etero. “Sto venendo Patrick… volevo dire Cynthia!“.

Anche Johnny 5 ama le tette

In più la bella Gibb dal faccino buffo ma dal fisico wow è anche brava a recitare, sia quando simula le mosse da hockey che quando è alle prese con dialoghi banalmente romantici. Il suo rapporto col padre, un ottimo Ed Lauter in versione coach irascibile, è solo abbozzato, ma è il difetto di un film che tiene il piede schiacciato sull’acceleratore del ritmo dimenticando i suoi personaggi, caricaturali e purtroppo senz’anima.

Con questo non voglio dire che Spalle larghe sia un brutto film, anzi è un ottimo film adolescenziale che da’ quello che ci si aspetta da uno spettacolo popolare: azione, musica cool, drammi sentimentali e divertimento. Un po’ il Top Gun sul ghiaccio.

All’epoca comunque Youngblood fu oggetto di critiche negative, a queste si aggiunse il totale disinteresse delle più importanti federazioni di hockey che giudicarono l’opera come inverosimile e più attenta alle scazzottate che al gioco. E’ questa una cosa che salta all’occhio per tutti i profani di questa disciplina: sembra fondamentale, per essere un buon atleta, il  saper picchiare a sangue gli avversari. Youngblood non verrà accettato dalla sua squadra finché non dimostrerà di essere anche un tosto attaccabrighe. Questa violenza gratuita che, crediamo non abbia nulla a che vedere con lo sport in generale, la vediamo anche sugli spalti dei tifosi, che inneggiano alla pugna di rito mentre Ed Lauter mena forte gente a caso.

A questo proposito una dei due controfigure di Lowe,  Randy Walker, all’epoca promessa dell’hockey di appena 16 anni, racconta un episodio successo nel finale: “Ricordo molto bene il combattimento col bastone. E’ stato davvero strano. I giocatori di  hockey che recitavano nel film andarono da Peter Markle e gli dissero che non sarebbe mai potuto accadere una cosa del genere in una partita. Aggiunsero che non avrebbe funzionato, che era una pessima idea, ma Markle fu irremovibile“.

Come cattivo di rito abbiamo, al suo secondo e ultimo ruolo, George J. Finn, un energumeno barbuto alto tipo due metri, col vizio di uccidere o paralizzare permanentemente i suoi avversari. E continua a giocare… ok…

Ti spezzo in due, mezza sega

Il film è in parte ispirato alla vita del regista, Peter Markle (Bat 21), e alle sue esperienze come giocatore di hockey. Lo stesso, per rendere più dinamiche le sequenze di gioco, girò sui pattini con la telecamera a spalla.

Meno abile Rob Lowe che, in diverse interviste dell’epoca, si lamentò della tuta indossata durante le scene: “Odio gli sport che ti fanno stancare solo dopo aver perso tempo a vestirti pesantissimo. Volete vedermi dare il meglio:guardatemi mentre surfo“. Ora lo potete trovare più a cavallo di un’onda che in una produzione rispettabile.

Spalle larghe sconta l’imbarazzo di sembrare un incrocio tra un film sportivo e un film sul ballo, soprattutto quando ha in campo il suo attore principale che si muove e sculetta come una cazzo di Jennifer Beals sulle note di Maniac.

La maggior parte del cast era però composta da giocatori professionisti a cominciare dal padre di Youngblood, Eric Nesterenko dei Chicago Blackhawks.

Spalle larghe comunque fa il suo lavoro di buon film anni 80 d’intrattenimento, una pellicola divertente che ha nel cast oltretutto un giovanissimo Keanu Reeves in duetto con Patrick Swayze ben prima di Point break. Un motivo in più per vederlo, no?

Andrea Lanza

NOTA: In un cinema proiettano il cult slasher, The Slumber Party Massacre, film però del 1982. E’ anche vero che Youngblood fu girato nel 1984 e fu rilasciato due anni dopo.

Spalle larghe

Titolo originale: Youngblood

Anno: 1986

Regia: Peter Markle

Interpreti: Rob Lowe, Cynthia Gibb, Patrick Swayze, Ed Lauter, Jim Youngs, Eric Nesterenko, George J. Finn, Fionnula Flanagan, Ken James, Peter Faussett, Walker Boone, Keanu Reeves

Durata: 110 min.

 

La fine del gioco

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Al Shannon, Arlen Dean Snyder, Bill Duke, Charlie Sheen, Clare Wren, Claude Earl Jones, D.B. Sweeney, Danitza Kingsley, George Dzundza, Guy Boyd, Henry G. Sanders, James F. Kelly, Kenny Endoso, La fine del gioco, Lara Harris, Linda Carol, Linda Shayne, Lori Butler, M. Emmet Walsh, Michael Riley, No Man's Land, Peggy McCay, Peter Werner, R.D. Call, Randy Quaid

“La Lamborghini è spazzatura italiana, io rubo solo Porsche”

(Charlie Sheen/Ted Varrick)

“Benvenuti nel triplo gioco”

(Dal trailer)

La fine del gioco è un poliziesco molto ben fatto di fine anni 80, uno di quei piccoli grandi film del quale non parla nessuno ma che a loro modo hanno influenzato il cinema più celebre a venire.

Il titolo originale No Man’s Land, Terra di nessuno, è di certo più suggestivo di quello italiano, uscito e morto in una vhs Columbia dopo un esordio non memorabile nelle sale.

Non che in patria fece questi grandi incassi: fu un flop abbastanza consistente, 2 milioni d’incasso su 8 di budget, anche se divenne un piccolo cult dell’home video.

La fine del gioco ha un bel cast di attori: Charlie Sheen come ragazzo cattivo che ruba le auto, il D.B. Sweeney di Bagliori bel buio nella parte di uno sbirro sotto copertura affascinato dal crimine, Randy Quaid come tenente di polizia paterno ma sempre arrabbiato, e, in un ruolo marginale, il Bill Duke di Predator e Commando. Non c’è male, no?

Il regista Peter Werner dichiarerà, negli extra del blu ray americano, che la Orion Pictures congelò il film per qualche anno facendolo uscire solo dopo il successo di Platoon di Oliver Stone. All’epoca delle riprese, che dovrebbero essere tra il 1985 e il 1986, Charlie Sheen era un signor nessuno, conosciuto per ottime pellicole giovanili come il fantascientifico Il replicante (sempre con Randy Quaid), il drammatico I ragazzi della porta accanto e naturalmente Alba rossa di Milius. Werner è sicuro che l’attore, dopo Platoon, non avrebbe mai accettato di partecipare ad un film a budget così basso.

In La fine del gioco ci sono tutti i semi del Fast and furious che nel 2001 farà impazzire il pubblico di tutto il mondo: l’amicizia tra uno sbirro e un criminale entrambi fissati con le auto (qui solo Porsche), le corse spericolate, persino la Corona come birra consumata e, dulcis in fundo, la sorella del delinquente che si innamora del poliziotto. Certo il film di Rob Cohen non è La fine del gioco, ma diciamo che nell’aspetto gli somiglia moltissimo.

Il titolo originale si riferisce a quella Terra di nessuno, senza regole, che risucchia il protagonista, uno stile di vita spericolato, vissuto ai limiti, fatto di auto rubate, di soldi e donne. E’ il confine tra quello che si desidera e quello che si ha, a rendere molto interessante il personaggio di D.B. Sweeney, sempre lì lì sul punto di perdersi in quella parte che dovrebbe solo recitare. Il Ted Varrick di Charlie Sheen, più manipolatore, è sicuramente meno interessante, ma ha nel finale, da noir anni 40, il suo riscatto tragico e sanguinoso dal sapore di melodramma disperato.

Come un anomalo teen movie, La fine del gioco è un racconto di formazione che ci presenta un ragazzo e il suo percorso di dure scelte per diventare uomo. Quello che Randy Quaid chiama “novellino”, che i colleghi sfottono per l’eccesso di zelo in servizio, pensa, agisce, si muove come uno di quei criminali che deve arrestare, e alla fine sceglie, dopo aver amato il buio, la luce.

Nel ruolo della sorella di Sheen si fa notare la bellissima Lara Harris, un’attrice molto valida, ma anche poco sfruttata al cinema, che ritroveremo nel bizzarro La leggenda del re pescatore di Terry Gilliam. Tra le cose curiose della sua carriera però citiamo la partecipazione al seguito di Johnny Mnemonic, The Interactive Action Movie, un interessante videogame del 2001 con attori campionati.

Peter Werner si dedicherà soprattutto alla televisione e questo La fine del gioco si può considerare, con la serie brucewilliana Moonlighting, il suo lavoro migliore. Sicuramente nella sceneggiatura di Dick Wolf, creatore di Law & Order: Unità Speciale, c’era il modello Miami vice, del quale scrisse 12 episodi, e il suo mondo di auto lussuose, vestiti firmati e criminali poliziotti.

Senza dubbio un poliziesco da recuperare, invecchiato davvero benissimo.

Andrea Lanza

NOTA: Brad Pitt fa una comparsa di qualche secondo come cameriere ad un party. Dovrebbe essere il suo primo ruolo.

 

La fine del gioco

Titolo originale: No Man’s Land

Anno: 1987

Regia: 

Interpreti: Charlie Sheen, D.B. Sweeney, Lara Harris, Randy Quaid, Bill Duke, R.D. Call, Arlen Dean Snyder, M. Emmet Walsh, Al Shannon, Lori Butler, Kenny Endoso, James F. Kelly, Linda Carol, Clare Wren, Claude Earl Jones, George Dzundza, Peggy McCay, Danitza Kingsley, Linda Shayne, Guy Boyd, Henry G. Sanders, Michael Riley

Durata: 105 min.

 

Due vite in una

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Cathy Carlson, Christopher Cain, Craig Sheffer, Emilio Estevez, Jill Schoelen, Kim Delaney, Morgan Freeman, S.E. Hinton

Dall’autrice di “The Outsiders” e “Rumble Fish”

Quello era allora … questo è adesso

Due amici cresciuti sotto lo stesso tetto. Bryon ha visto il futuro arrivare. Mark non ha mai capito cosa glielo ha impedito.

Frasi di lancio originali del film

Le crisi giovanili che formano la storia di Due vite in una (That Was Then … This Is Now/Quello era allora…Questo è adesso, il titolo originale è migliore) saranno familiari a chiunque abbia letto i libri di S.E. Hinton, o visto gli altri film più noti, adattati dai suoi libri (come I Ragazzi della 56° strada/The Outsiders e Rusty il selvaggio/Rumble Fish di Francis Coppola, entrambi del 1983). I personaggi sono quindi tipicamente dei giovani “losers”, irrequieti, che soffrono di angoscia adolescenziale o di un malessere generale semplicemente riassumibile nella loro irritabilità.

Come con gli altri due e ben più famosi adattamenti dai romanzi della Hinton, le esplosioni di violenza sono parte integrante della vita e la brutalità fisica è uno sfogo per tutti i disordini psichici dei personaggi.

I libri della Hinton sono stati molto popolari, almeno negli Stati Uniti, e anche se tutti e tre i film tratti hanno avuto meno successo commerciale, per gli altri due è stato forse a causa dell’eccentrico approccio esoterico e fortemente autoriale -seppure fingendo di assecondare le esigenze di un prodotto realizzato su commissione-, da parte di Coppola.

Naturalmente That Was Then non ha deviato da questo solco. È un film molto “dark”, ben diverso dai teen movie del 1985 (e anche quelli a venire).

La trama è abbastanza senplice: ci sono due amici di vecchia data,uno buono (Craig Sheffer), uno più incattivito dalla vita (Emilio Estevez), entrambi con i problemi tipici dell’adolescenza. Il primo sta attraversando una fase di transizione, dalla quale diverrà un uomo, il secondo non è mai maturato e finirà nei guai con la legge.

Il panico di Estevez quando vede l’amicizia frantumarsi è il nucleo principale del film. È un orfano cresciuto nella famiglia di Sheffer e sembra che non riesca a rallentare i suoi frenetici tentativi di degradare se stesso, compresi i piccoli furti, o come il “prendere in prestito” macchine e lo spacciare negli spogliatoi delle piscine. La sua idea di divertimento è far ubriacare una compagna di studi, e tagliarle i capelli mentre è mezza svenuta. Sheffer si allontana dall’amico dopo che una delle loro bravate ha ucciso accidentalmente un conoscente. L’amore per una compagna (Kim Delaney, in uno dei suoi primi ruoli) poi è la molla che lo spinge a cercare di salvarsi dall’autodistruzione del compagno di scorribande arrivando a trovarsi un lavoro umile ma dignitoso, imbustatore della spesa in un supermercato.

Gli attori sono tutti bravi, anche nei ruoli più piccoli. Estevez, un membro fondatore del “Brat Pack” di Hollywood, ha creduto moltissimo nel progetto scrivendone la sceneggiatura e interpretando un ruolo significativo.

Il regista Christopher Cain e il direttore della fotografia Juan Ruiz Anchia, che avevano in precedenza già collaborato in The Stone Boy (1984), hanno realizzato un buon prodotto, girato in una suggestiva Minneapolis. Un paio di sequenze sono di buon impatto, come lo skyline di notte illuminato dalle scariche dei fulmini mentre i protagonisti siedono in una macchina parcheggiata sotto ad un ponte. Purtroppo il film è fondamentalmente freddo e questo inficia un po’ il risultato. La stessa cosa che già aveva impedito a The Stone Boy di diventare un grande film, ma in quel caso si trattava di una storia di congelamento emotivo, e lo stile distanziato era appropriato.

Due vite in una avrebbe richiesto più calore, cosa che purtroppo non accade. Questo lo fa apparire più debole e schematico dei due sforzi cinematografici di Coppola, molto ma molto più incisivi e nitidamente memorabili, al confronto.

Napoleone Wilson

Il racconto è stato pubblicato per la prima volta nell’Herald, il 12 novembre 1985

Morgan Freeman è tra gli interpreti.

Nel romanzo originale, Ponyboy Curtis  personaggio de I ragazzi della 56esima strada, è presente, così come la rivalità tra i Greasers e i Socs.

Questo è l’unico adattamento cinematografico di un romanzo di S.E. Hinton nel quale non recita Matt Dillon.

Due vite in una

Titolo originale: That Was Then… This Is Now

Anno 1985

Regia: Christopher Cain

Soggetto: S.E. Hinton (romanzo)

Sceneggiatura Emilio Estevez

Fotografia: Juan Ruiz Anchia

Interpreti: Craig Sheffer, Emilio Estevez,  Jill Schoelen, Kim Delaney, Cathy Carlson , Morgan Freeman

Durata: 102 min

Downrange

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Aion Boyd, Alexa Yeames, Anthony Kirlew, cecchini, Chris Powell, Downrange, Emory Lawrence, Eric Matuschek, Graham Skipper, Hana Burson, Ikumi Yoshimatsu, Jason Tobias, Nick Burson, Rod Hernandez, ryuhei kitamura, Stephanie Pearson

Doownrange è uno di quei film che sono salti nel vuoto: non ne sai nulla. Capita in quelle sere d’Estate che fa troppo caldo per fare qualsiasi cosa e allora un bel film, ma anche una birra ghiacciata da vichingo (la bevanda preferita da ogni malastrano DOC), ti viene in aiuto. Potresti essere una formica che Dio ha scelto di far nascere sul ciglio di una strada nel deserto, senza uno stralcio di albero, di ombra o una macchina che porta aria, tanto inerme, in balia del caldo, ti senti.

Andrea K. Lanza si prepara a Downrange

La copertina di Downrange non aiuta, puzza di merda rancida a prima vista: una strada deserta (la stessa della nostra formica?), tre corvi, una pozza di sangue e un proiettile nel becco di uno degli uccellacci, una macchina ferma con tre ragazzi spaventati e feriti, ma soprattutto quello che potrebbe essere un pipistrello robot di Brunga, armato di fucile, che punta però dalla parte opposta alle sue vittime, la nostra. Sarei  tentato di urlare “Correte, sciagurati! Il cecchino è orbo!” ma così, a farci una scommessina, il trio non mi pare molto sveglio e sembra una di quelle combriccole alla Scooby Doo capaci di urlare al cattivo ferocissimo che non li ha visti “Ehi bastardo, siamo qui!! Ehi qui!“. Poi si lamentano che muoiono male.

Una delle copertine più brutte di sempre

Comunque la copertina è brutta, ma sincera perché racconta davvero la trama: un gruppo di giovani presi di mira da un cecchino in una strada dove non passa nessuno. Nient’altro. In un film di un’ora e mezzo questo potrebbe essere un problema soprattutto per la paura di un ennesimo Open Water, stavolta declinato in chiave urbana.

Godzilla sotto anfetamine

Per fortuna a girare il tutto è Ryûhei Kitamura, uno tra i registi più tamarri dell’Oriente, uno che ha diretto un Godzilla sotto cristalli di metanfetamina, non proprio un autore tra i più sofisticati, ma capace di infondere alle sue opere  una dimensione di incredibile e contagioso entusiasmo sia che si parli di una guerra tra yakuza e zombi che di un Lupin III live.

Versus 1997

Downrange 2017

Certo i film di Kitamura peccano (in esubero) di ritmo, di movimento, di azione, ma almeno non sono noiosi mai. Ultimamente il nostro Ryûhei è sbarcato negli States girando alcuni interessanti horror come Prossima fermata: l’inferno del 2008 tratto da Macelleria mobile di mezzanotte di Barker e sopratutto lo stralunato No One Lives del 2012. Di questo Downrange, pur leggendo Fangoria, non ne sapevo nulla, quindi vederlo è stata una vera sorpresa.

Il film fila liscio tutta la sua ora e trenta, non c’è mai un momento di stanca e la tensione è palpabile. I primi dieci minuti non succede davvero nulla e i personaggi fanno cose stupide da ragazzi, selfie, discorsi vuoti del tipo “Ci sta quella” mentre aspettano che uno di loro, Jeff (ma la maggior parte lo chiama Josh) cambi la gomma dell’auto forata. Sono tutti amici e nessuno è davvero amico mentre il sole batte caldissimo e non passano auto da ore. A quel punto scatta l’inferno: dalla ruota bucata cade un bossolo di proiettile e via di cervelli che saltano, inquadrature di crani forati che citano i virtuosismi di Sam Raimi e gli sfigatoni che muoiono male nel loro sangue tra lupi e corvi.

Non c’è nessuna intenzione di fare un film politico malgrado il tema attuale: del cecchino non sapremo mai nulla, funge da cattivo al pari di un Trex incazzato o di un mostro sanguinario, solo che il nostro è armato di pazienza, troppa e non ha fretta di finire la sua scia di sangue. Siamo in un film di cassetta, pura e benedetta serie B spettacolare che ti fa tremare persino e alla fine, complice un finale inaspettatamente beffardo, accende pure il sorriso sulle tue labbra da bad boy.

Ryûhei Kitamura è dannatamente bravo a rendere ritmato un film con così pochi elementi. Lo aiuta molto anche la sceneggiatura, scritta a quattro mani col fidato Joey O’Bryan di Lupin III, che ritrae un gruppetto di vittime cretine sì, ma come lo saresti tu se fossi in una situazione di estremo pericolo. La trama poi è capace di centellinare con sapienza quelle due o tre varianti che la riaccendono quando sembra arrivata ad un punto morto (una famiglia di passaggio, una pattuglia della polizia).

In più non esiste un vero personaggio principale, è un film corale che disorienta quando uccide all’improvviso questo o quel ragazzo o che mostra in tutta la loro fallace umanità i nostri eroi, capaci come di lasciare bruciare vivo una persona per poter sopravvivere. Il cecchino non fa sconti, uccide chiunque senza distinzione di sesso, età o etnia, in questo il film è scorretto soprattutto nel momento che fa saltare le cervella ad una bambina agonizzante.

Downrage non cambierà la vostra vita e probabilmente non resterà negli annali del cinema, ma resta uno spettacolo estivo eccellente, interpretato da mediocri attori che sembrano persino buoni nella confusione generale. La cosa importante è che Dowrange è soprattutto un film divertente: la pellicola inaspettata di un estate crudele.

Andrea Lanza

Downrange

Anno: 2017

Regia: Ryûhei Kitamura

Interpreti: Kelly Connaire, Stephanie Pearson, Rod Hernandez, Anthony Kirlew, Alexa Yeames, Jason Tobias, Aion Boyd, Eric Matuschek, Ikumi Yoshimatsu, Hana Burson, Chris Powell, Graham Skipper, Nick Burson, Emory Lawrence

Durata: 90 min.

 

Professione giustiziere

Tag

charles bronson, Jack Lee Thompson, John Glover, José Ferrer, Joseph Maher, professione giustiziere, René Enriquez, The Evil That Men Do, Theresa Saldana

“I criminali devono rispondere alla legge, il più crudele carnefice al mondo dovrà rispondere a Bronson”

Questa volta con Professione giustiziere parleremo di uno dei titoli meno conosciuti del periodo senile di Charles Bronson, un film che viene di solito confuso con i 255 Death wish interpretati dall’attore con o senza la regia di Michael Winner. Pellicola abbastanza mediocre a dire il vero, ma non esente da spunti interessanti.

Per l’occasione ci si inventa che in America Latina viva un certo Dottore, boia e torturatore al soldo del governo, che commette il terribile sbaglio di uccidere un amico giornalista di Bronson, killer in pensione esiliatosi volontariamente su un’isola in mezzo all’oceano. E’ chiaro che l’orrore dei vari crimini perpetrati dal Dottore riporti alla mente altri orrori, soprattutto quelli nazisti, e la sua figura non possa non ricordare quella del celebre Mengele che compì un vero genocidio di ebrei con la scusa della ricerca medica.

J. Lee Thompson, nell’ultima fase della sua carriera, mostrava una certa propensione per la violenza e le scene forti, basti pensare al poco celebre Soggetti proibiti, sempre col fidato Bronson, dove si metteva in scena una storia di pedofilia e omicidi a sfondo poliziesco. Un amico critico tempo fa parlandomi di Michael Winner mi diceva che “era regista più di mannaja che di fioretto”, ma, ancor di più, si può far calzare il paragone proprio a Thompson che era passato da un sofisticato Il promontorio della paura negli anni 60 allo slasher di Compleanno di sangue con spiedini mortali e tette in bella vista, ma soprattutto ad una serie di film giustizialisti che non andavano molto per il sottile in nefandezze o scene forti. Un esempio su tutti: lo stupratore nudo di 10 minuti a mezzanotte.

Purtroppo il problema è che Professione giustiziere non appassiona mai, troppo stereotipato in cliché poco interessanti a partire dal suo personaggio principale, e senza avere il coraggio di colorare la vicenda di tragedia come succedeva nei gloriosi Winner anni 70. A turbare sono soprattutto le scene di tortura, anche solo raccontate attraverso un televisore dalle vittime del Dottore, con un tale assortimento di nefandezze (una testa cucita nello stomaco di una donna, vetri fatti mangiare, stupri con bottiglie) da fare invidia ad un qualsiasi De Sade.

Thompson calca molto la mano sulle brutalità fin dai primi minuti quando assistiamo alla morte del giornalista amico del protagonista, ucciso a scariche di corrente elettrica con vistose perdite di sangue. E’ la lezione che il Mengele di turno, faccia da bonaccione con i baffi a nascondere la sua natura ferina, impartisce ad alcuni soldati: “Oggi vi insegnerò a torturare”. Ad accompagnarlo è la sorella, lesbica e sadica, che commenta l’ultima opera del fratello con “Dovevi farlo soffrire di più quel maiale”. In questo mondo dominato dai mostri l’unica soluzione è per forza scatenare un altro mostro, il killer Bronson, il migliore nel suo lavoro. Ecco quindi che, abbandonati i panni del pensionato in eterna villeggiatura (“Leggo finché c’è il sole poi vado a dormire e la mattina mi lavo con l’acqua della cascata”), l’assassino, cambiato nel fisico e la mente, si rimette per l’ultima volta in azione.

Non convince la storia d’amore che viene ritagliata tra il protagonista e la moglie del suo amico, dapprima diffidente (“Gli manca l’anima.”) per poi esserne affascinata fino ad un forzatissimo happy end naturalistico.

Il problema risiede in Charles Bronson che, negli anni 80, si avvicina ai 60 e risulta fuori parte quando afferra, per esempio, i testicoli di un energumeno e lo malmena. E’, per farvi capire, come se il vostro pacioso nonnettino sfidasse a duello un Van Damme qualsiasi per vincere: la cosa fa anche un po’ di tenerezza. Però, pensionato o meno Bronson, uccide i suoi bersagli con una certa varietà, a colpi di coltello o con fucilate in faccia, sempre con il solito sorriso sornione nel volto.

Thompson gira, come già detto, in modo più che egregio e regala al pubblico un buon inseguimento in auto che ricorda per certi versi quello finale del Cobra di Cosmatos.

Nei credits possiamo trovare, non però come attrice, l’amore della vita di Bronson, quella bella e fragile Jill Ireland che morendo per un cancro si porterà via la luce negli occhi di Charlie.

Il titolo inglese The evil that men do è migliore e sembra derivi dalla frase del Giulio Cesare di Shakespeare “The evil that men do lives after them; The good is often interred with their bones”. Peccato che questo Professione giustiziere non riesca davvero a convincere, pecchi di facilonerie narrative e sprechi anche la, potenzialmente, bella sequenza finale, con le vittime ridotte a freak che fanno a pezzi il Dottore, in uno sviluppo troppo sciatto e frettoloso, come se Bronson e Thompson volessero tornarsene a casa.

Come ho detto una visione la merita, ma nulla di più.

Andrea Lanza

Professione giustiziere

Titolo originale: The Evil That Men Do

Anno: 1984

Regia: Jack Lee Thompson

Interpreti: Charles Bronson, Theresa Saldana, Joseph Maher, José Ferrer, René Enriquez, John Glover

Durata: 90 min.

Il Sapore della paura

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il sapore della paura, la traque, mimsy farmer, serge leroy

Il dimenticato film francese del buon professionista Serge Leroy, è stato un po’ uno dei principali precursori di tutti i film di “rape & revenge” con protagonisti giovani donne coinvolte in “tranquilli week-end di paura”, o “winneriani” “dirty weekend”, ma con un’aura di cinismo e una costante tensione realistica, mai declinata e alla fine “svaccata” in “lotta tra macchine indistruttibili e vendicatrici” quali spesso sono diventate le eroine femminili del cinema contemporaneo di propaganda femminista, il quale spesso crea dei mondi irriconoscibili e che non esistono, nelle quali le protagonista di 60 kg. hanno quasi sempre la meglio e sbaragliandoli nei corpo a corpo, di masnade di uomini ovviamente bruti, di più di 100 kg., e facendoli sempre molto male nei modi più fantasiosi e tirati per le lunghe.

Qui no, siamo ancora nel 1975 e quindi in una visione del mondo certo amaramente cinica ma anche “verista”, e in cui la docente inglese Helen si adatta a trascorrere un periodo in un capanno da caccia nella foresta della provincia francese, dove può trascorrere le sue vacanze e guadagnarsi una breve lontananza a debita distanza da tutto. Allo stesso tempo, un gruppo di borghesi illustri, e rispettati cittadini del vicino paese, sta conducendo nella foresta una battuta di caccia al cinghiale. Tra loro, due commercianti di ferro già piuttosto ubriachi che incontrano casualmente Helen a visitare alcune rovine, e la violentano. Ma il più timido fra gli idioti del villaggio dimentica lì il suo fucile, che la donna in seguito userà per sparare ad uno dei suoi violentatori nello stomaco. Inizialmente, il più moderato del gruppo (che rappresenta uomini di un po’ tutti gli strati della società, e a nessuno di loro, verrà comunque ila decisione di andare dalla polizia) vuole portare la situazione a una conclusione pacifica, ma poiché fra di loro vi è anche il candidato a sindaco e pio filantropo, e affinché questo loro sporco segreti non divenga noto a nessuno al di fuori della battuta di caccia, fa si che un’altra caccia venga aperta e spinta alle estreme conseguenze, quella ad Helen.

Film indubbiamente legato agli attacchi apportati da Chabrol alle gerarchie piccolo-borghesi e provinciali, il film affascina per le sue magnifiche interpretazioni (in particolare Mimsy Farmer, che ha sempre considerato questo, e non ad esempio Quattro mosche di velluto grigio, o Il Profumo della signora in nero, o ancora Macchie solari, come in assoluto il film migliore a cui abbia mai preso parte), i luoghi autunnali e la tensione implacabile. E riuscendo addirittura a finire persino in maniera inaspettata, che quasi sovrasta tutta la procedura già nota e consona agli spettatori delle altre varianti di The Most Dangerous Game, tale che preferirei non descriverla in alcun modo dichiarato, così da non rovinarla in alcun modo, ma non è possibile. Già, perché se la stessa caccia è ancora condotta con mezzi comuni d’azione, il finale è puramente un momento di “non-azione”: dal momento che nessuno vuole dargli il “colpo di grazia” e quindi rendersi più colpevole degli altri del gruppo, tutti restano a guardare, mentre la ferita Helen che grida disperatamente aiuto, annega lentamente in un fiume. Poi un colpo di spugna su tutto quello che è successo, come sempre.

Penso che Il Sapore della paura abbia avuto forte influenza dal quasi contemporaneo Cane di paglia (Straw Dogs) (1972) di Peckinpah, e abbia poi avuto un impatto molto più grande su tanti film francesi e non dello stesso filone, in particolare su Calvaire ancora di più che rispetto ad un vero caposaldo del filone “survivalista” come Deliverance (Un Tranquillo week-end di paura), non solo per le simili ambientazioni. La Farmer è eccellente, centrale nel film anche se non la unica protagonista, di un cast interamente molto buono, e sicuramente l’intera pellicola è per lei un ottimo veicolo. Ma parimenti eccellenti sono tutti gli uomini Michel Constantin, Michel Lonsdale, Philippe Léotard, Paul Crauchet, Michel Robin, Georges Géret, Michel Fortin, e Jean-Pierre Marielle (di nuovo assieme alla Farmer dunque, come in Quattro mosche di velluto grigio). Al risultato finale concorrono la quasi totale assenza di musica di fondo, e la magnifica fotografia dei selvaggi luoghi della Normandia in cui il film venne girato, ad opera di Claude Renoir (Barbarella), che proprio quello stesso anno avrebbe firmato anche la fotografia de Il Braccio violento della legge II (French Connection II), di John Frankenheimer. Un thriller survivalistico dal ritmo narrativo e dell’azione in cui si può riconoscere un mondo ancora realistico, ben fatto e ancora molto moderno. Dimenticato e mai uscito in home video italiano, oltre che da tantissimo tempo mai più trasmesso in tv, nonostante nel 1975 fosse uscito nelle nostre sale con buon riscontro critico e di pubblico, oltre ad essere una delle tantissime italiche co-produzioni con la Francia, che si realizzavano a quel periodo.

Napoleone Wilson

Il sapore della paura

Titolo originale: La traque

Anno: 1975

Regia: Serge Leroy

Interpreti: Mimsy Farmer, Jean-Luc Bideau, Michael Lonsdale, Michel Constantin, Jean-Pierre Marielle, Philippe Léotard, Paul Crauchet, Michel Robin, Gérard Darrieu, Françoise Brion, Georges Géret, Michel Fortin

Durata: 90 min.

Che mi dici di Willy?

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aids, Brian Cousins, Bruce Davison, Campbell Scott, che mi dici di willy?, Dermot Mulroney, gay, John Dossett, Longtime companion, Mark Lamos, Mary-Louise Parker, Michael Piontek, Michael Schoeffling, Norman Renè, Patrick Cassidy, Stephen Caffrey, Tanya Berezin, Welker White

Che mi dici di Willy? è un film coraggioso, magari non riuscito, ma capace di parlare della malattia e dell’amore in maniera universale, semplice e diretta.

E’ una pellicola pionieristica, sicuramente con dei limiti, come d’altronde tutti gli instant movie nati a ridosso di un evento, in questo caso l’AIDS. Ha comunque la sua fama di cult movie, tanto da essere ricordato come uno dei migliori film sull’argomento.

Che mi dici di Willy? è una delle pellicole a tematica gay più fruibili che siano state fatte, anche per un pubblico etero o inconsapevolmente omofobo. La sua forza è di raccontare la storia di un gruppo di uomini, dei loro amori, con la stessa formula di un dramma dai toni agrodolci che potremmo trovare in una qualsiasi produzione hollywoodiana, con la variante che qui si parla di coppie omosessuali. Che mi dici di Willy? è un film che affronta senza arzigogoli la morte, in maniera cruda, poco poetica, con i malati agonizzant ripresi come in un horror, d’altronde la vita non regala sconti.

Sono 8 anni di storia sotterranea, di terrori fondati e di sopravvissuti a quella che fu definita “la peste del XX secolo”, da una notizia letta con ironia sul New York times (“E’ un’invenzione per farci scopare di meno“) fino ad un letto dove ci si caga addosso e si spira tra i pianti dei propri cari. In mezzo a questo la forza di lottare quando si è compagni di trincea contro una malattia infame e bastarda. Resta un film, per forza di cose, interrotto, senza una vera soluzione che non fosse sperimentale, dolorosa e costosa come le pastiglie di AZT. L’AIDS negli anni 80 fu una ecatombe che sembrava decimasse solo “froci”, “drogati” e “sessualmente disinibiti”, quasi fosse la collera di un Dio da vecchio testamento.

Il titolo italiano è meno efficace di quello originale, Longtime Companion, compagni da tanto tempo, come infatti erano definiti nei necrologi, privati dal potersi sposare, i patner degli omosessuali che morivano per questa terribile malattia.

Il film non riesce però a non scadere a volte nel didascalico, pagando il peso di una regia a volte televisiva, senza un momento che non possa far pensare ad un buon tv movie trasposto al cinema, più cattivo sicuramente della media ma anestetizzato sul piano tecnico, cosa che non sarà per esempio l’altro film importante sull’Aids, Philadelphia.

E’ anche vero che Longtime Companion è il primo film mainstream sul tema, un film attraversato da personaggi sfaccettati (lo stesso protagonista in una scena ha un attacco di panico per la paura del contagio) e capace di sdoganare un argomento così delicato alle grandi masse. C’è certo il precedente del notevole Una gelata precoce, con i limiti maggiori di una produzione tv che si compiace ancor di più della tragedia, e troppo prematura, correva l’anno 1985, per parlare con cognizione di causa dell’AIDS.

La parte più emozionante, in un film tutto sommato troppo veloce e quindi emotivamente freddo, è il finale, dove Willy, uno dei pochi sopravvissuti alla malattia, rivede, in una sorta di parata, i suoi vecchi amici morti. E’ lì che l’uomo recita la frase clou “Voglio esserci quel giorno” ipotizzando un tempo in cui la malattia sarà vinta.

Uno dei limiti di Che mi dici di Willy? è di essere un film che parla comunque solo di una classe sociale specifica, medio alta, sceneggiatori, attori, avvocati, e non concentra quasi mai l’attenzione sull’altra faccia dell’AIDS, quella dei meno abbienti. E’ anche vero che il regista Norman René morì lui stesso a 45 anni, proprio della stessa malattia, e probabilmente questa pellicola è più autobiografica di quello che sembri.

Con la barba e la censura

Senza barba e senza censura

Il cast è ottimo con un gruppo di attori affiatato, soprattutto il protagonista Campbell Scott, da lì a poco malato terminale, sempre per per finzione, nell’intenso Scelta d’amore di Joel Schumacher. La quota femminile è data alla frizzante Mary-Louise Parker, anche lei destinata alle peggiori sfighe su grande schermo come nel caso dello splendido A proposito di donne di Herbert Ross.

Il film in Italia non uscì mai in dvd, fu visto poco in tv e l’unico modo per reperirlo nel nostro idioma è una vhs edita dalla Columbia prima a noleggio e poi nella sua versione home video “Winner”. La qualità di entrambe le edizioni, a livello visivo, è orribile con una qualità del dettaglio insignificante che impedisce molte volte di riconoscere chi c’è in scena.

Il poster del film subì una curiosa censura: fu cancellata una figura su una maglietta, due marinai che si baciavano, forse per rendere più appetibile a livello commerciale un film a tematica gay che, leggendo la frase di lancio, doveva essere “Il grande freddo degli anni 90”, non assomigliando neppure per sbaglio al film di Kasdan. La strana censura però non si limitò a questo perché, questa volta senza nessun motivo logico, rimise la barba al personaggio di Spino che, proprio in quella sequenza fotografata, l’aveva tagliata. Omofobia repressa che nascondeva una passione per gli omaccioni barbuti?

Andrea Lanza

Che mi dici di Willy?

Titolo originale: Longtime companion

Anno: 1989

Regia: Norman Renè

Interpreti: Campbell Scott, Patrick Cassidy, John Dossett, Mary-Louise Parker, Stephen Caffrey, Tanya Berezin, Welker White, Michael Piontek, Bruce Davison, Mark Lamos, Dermot Mulroney, Michael Schoeffling, Brian Cousins

Durata: 90 min.

Revenge

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anni 80, cinema trasgender, Coralie Fargeat, femminista, gregg araki, harmoni korinne, i spit on your grave, Koch media, Matilda Anna Ingrid Lutz, matriarcato, non violentate jennifer, pop, pop gay, Ravenhawk, revenge, Robrecht Heyvaert, spring breakers

Lo dico all’inizio, salvo equivoci: Revenge non è solo un bel film, è una delle cose migliori, più esaltanti e, perché no, divertenti viste in questo placido 2018. Talmente wow che ho abbandonato momentaneamente la recensione del validissimo The Strangers: Prey At Night per parlarvi di questo.

Ho detto divertente, solo a patto che non siate suore di clausura uscite fresche fresche dal convento, non lo siete vero?, perché Revenge parla di stupri e di vendetta e fa così tanto male ai suoi personaggi che la stessa regista ha dichiarato che gli effettisti si sono trovati a secco di sangue artificiale.

Non si parla di un gore o di uno splatter, ma di una pellicola che inizia come un film di Harmoni Korinne, soprattutto il suo Spring breakers, in una magnifica orgia di colori violentissimi e innaturali, gli occhiali a specchio che riflettono il paesaggio, gli orecchini rosa flou, le pareti blu metallico, per poi sporcare il pop gay trasgender alla Gregg Araki di viscere e schizzi di geyser rosso. Tutto stilosissimo senza essere però maniera, tutto così selvaggio senza aver bisogno molte volte del dettaglio anatomico da horroraccio remore del porno, ma che quando deve colpire, come nell’insostenibile sequenza dove uno degli stupratori deve schiacciare il pedale dell’auto con una ferita aperta sul piede, fa male, Dio se fa male.

Non sappiamo nulla dei vari personaggi, se non accenni o deduzioni, tre uomini di successo, francesi forse, che decidono, per esigenza, di dare la caccia alla ragazza di uno di loro, sposatissimo, come nel classico Pericolosa partita (The Most Dangerous Game) o, per noi ragazzacci, Hard target con Van Damme al servizio di sua maestà John Woo. Solo che le cose precipitano e lei non muore: viene buttata da un dirupo, si infilza con un albero e non muore, Il sangue che cola, il dettaglio delle formiche, la ferita che sanguina, ma lei, che fino ad allora era solo la ragazza dal bel culo, diventa l’angelo della vendetta. E sono cazzi per tutti.

Lei muore e rinasce, si fa di peyote e usa, per saturare la sua orribile ferita, una birra messicana in lattina, bollente. Eccola la magnifica revenant che risorge come Cristo dalla grotta con un tatuaggio a forma di fenice nera, inciso nella carne, e la scritta “mexican beer”, armata di fucile, pistole e rabbia in un contesto di serie A che altrove sarebbe stato Ravenhawk di Albert Pyun con la massiccia Rachel McLish.

Si potrebbe assimilare questo bignè, almeno stilisticamente, al recente The Bad Batch, con la variante che il pretenzioso film di Ana Lily Amirpour, sempre coloratissimo come un video anni 80, non era sincero e presto pagava con la noia il suo plot postnucleare di cannibali e vendetta. Si perché è l’effetto Jan Kounen: non puoi affrontare un genere non credendoci, non amandolo e soprattutto cercando di parlare soltanto di altro. Blueberry ne è l’esempio più eclatante e per certi versi Revenge, con il suo viaggio psichedelico tra stupratori iguane, può ricordarcelo, in meglio.

La potenza del film di Coralie Fargeat è di essere sincero, non rinunciare alle ambizioni, riuscendo però a sporcarsi con la materia da film di cassetta, godendone come un bellissimo orgasmo proletario tra servi e padroni. La rivalsa di Jennifer, non a caso lo stesso dell’opera simbolo del genere I spit on your grave, è quello di una donna contro un sistema di uomini predatori, tanto che alla fine il suo ex amore/amante le urlerà contro “Le donne devono sempre affrontare una fottuta lotta“.

D’altronde lo stupro ai suoi danni si è consumato nel più totale disinteresse: uno dei compagni ha alzato la tv, l’altro, quello che doveva essere il suo fidanzato, le offre soldi per stare zitta perché, è sottinteso, che le donne devono subire da sempre e quella non è stata che una bravata. Quello che non sanno i tre è che Jennifer si è rotta, la bambolina Malibu Stacy è ora un delirio di fuoco e cenere di uno scultore punk, una stacazzutissima femmina che perde un lobo di un orecchio ma dilania la carne dei suoi aggressori con coltelli, fa saltare a colpi di fucile spalle dei nemici e ha la sua vendetta in una casa alla quale manca solo il colore rosso che viene schizzato con forza sulle pareti.

I maschi non ci fanno davvero una bella figura in questa pellicola: abietti, animaleschi soprattutto quando abbandonano le vestigia da yuppies di un lavoro imprenditoriale per trasformarsi in uomini delle caverne ai quali manca solo la clava per accentuare l’ovvietà. Così la nostra Jennifer, in mutandine attillate e maglietta inguinale, regredisce allo stato primordiale di un matriarcato stuprato da un mondo di uomini e lo prende a calci, pugni in una rivoluzione non solo narrativa ma storica.

Revenge è baciato da una regia perfetta e da attori in stato di grazia, soprattutto la magnifica Matilda Anna Ingrid Lutz, italianissima, già vista nel mucciniano L’estate addosso e nel terribile Ring 3. Merito grandissimo però della sua riuscita è dato dalla fotografia mozzafiato di Robrecht Heyvaert, una vera gioia per gli occhi.

Da noi uscirà a fine anno per Koch media e il mio consiglio, se potete, è di aspettare di vederlo su grande schermo perché è quella il formato giusto per un film come questo, la dimensione delle grandi opere, quelle che su schermi tecnicolor facevano impazzire i nostri padri mentre James Stewart cavalcava in valli dimenticate dagli uomini.

Andrea Lanza

Revenge

Paese/Anno: Francia 2017

Regia: Coralie Fargeat

Sceneggiatura: Coralie Fargeat

Fotografia: Robrecht Heyvaert

Montaggio: Bruno Safar, Coralie Fargeat, Jerome Eltabet

Interpreti: Guillaume Bouchède, Kevin Janssens, Matilda Lutz, Vincent Colombe Produzione: Charades, Logical Pictures, M.E.S. Productions, Monkey Pack Films, Umedia Durata: 108 min.