“I criminali devono rispondere alla legge, il più crudele carnefice al mondo dovrà rispondere a Bronson”
Questa volta con Professione giustiziere parleremo di uno dei titoli meno conosciuti del periodo senile di Charles Bronson, un film che viene di solito confuso con i 255 Death wish interpretati dall’attore con o senza la regia di Michael Winner. Pellicola abbastanza mediocre a dire il vero, ma non esente da spunti interessanti.
Per l’occasione ci si inventa che in America Latina viva un certo Dottore, boia e torturatore al soldo del governo, che commette il terribile sbaglio di uccidere un amico giornalista di Bronson, killer in pensione esiliatosi volontariamente su un’isola in mezzo all’oceano. E’ chiaro che l’orrore dei vari crimini perpetrati dal Dottore riporti alla mente altri orrori, soprattutto quelli nazisti, e la sua figura non possa non ricordare quella del celebre Mengele che compì un vero genocidio di ebrei con la scusa della ricerca medica.
J. Lee Thompson, nell’ultima fase della sua carriera, mostrava una certa propensione per la violenza e le scene forti, basti pensare al poco celebre Soggetti proibiti, sempre col fidato Bronson, dove si metteva in scena una storia di pedofilia e omicidi a sfondo poliziesco. Un amico critico tempo fa parlandomi di Michael Winner mi diceva che “era regista più di mannaja che di fioretto”, ma, ancor di più, si può far calzare il paragone proprio a Thompson che era passato da un sofisticato Il promontorio della paura negli anni 60 allo slasher di Compleanno di sangue con spiedini mortali e tette in bella vista, ma soprattutto ad una serie di film giustizialisti che non andavano molto per il sottile in nefandezze o scene forti. Un esempio su tutti: lo stupratore nudo di 10 minuti a mezzanotte.
Purtroppo il problema è che Professione giustiziere non appassiona mai, troppo stereotipato in cliché poco interessanti a partire dal suo personaggio principale, e senza avere il coraggio di colorare la vicenda di tragedia come succedeva nei gloriosi Winner anni 70. A turbare sono soprattutto le scene di tortura, anche solo raccontate attraverso un televisore dalle vittime del Dottore, con un tale assortimento di nefandezze (una testa cucita nello stomaco di una donna, vetri fatti mangiare, stupri con bottiglie) da fare invidia ad un qualsiasi De Sade.
Thompson calca molto la mano sulle brutalità fin dai primi minuti quando assistiamo alla morte del giornalista amico del protagonista, ucciso a scariche di corrente elettrica con vistose perdite di sangue. E’ la lezione che il Mengele di turno, faccia da bonaccione con i baffi a nascondere la sua natura ferina, impartisce ad alcuni soldati: “Oggi vi insegnerò a torturare”. Ad accompagnarlo è la sorella, lesbica e sadica, che commenta l’ultima opera del fratello con “Dovevi farlo soffrire di più quel maiale”. In questo mondo dominato dai mostri l’unica soluzione è per forza scatenare un altro mostro, il killer Bronson, il migliore nel suo lavoro. Ecco quindi che, abbandonati i panni del pensionato in eterna villeggiatura (“Leggo finché c’è il sole poi vado a dormire e la mattina mi lavo con l’acqua della cascata”), l’assassino, cambiato nel fisico e la mente, si rimette per l’ultima volta in azione.
Non convince la storia d’amore che viene ritagliata tra il protagonista e la moglie del suo amico, dapprima diffidente (“Gli manca l’anima.”) per poi esserne affascinata fino ad un forzatissimo happy end naturalistico.
Il problema risiede in Charles Bronson che, negli anni 80, si avvicina ai 60 e risulta fuori parte quando afferra, per esempio, i testicoli di un energumeno e lo malmena. E’, per farvi capire, come se il vostro pacioso nonnettino sfidasse a duello un Van Damme qualsiasi per vincere: la cosa fa anche un po’ di tenerezza. Però, pensionato o meno Bronson, uccide i suoi bersagli con una certa varietà, a colpi di coltello o con fucilate in faccia, sempre con il solito sorriso sornione nel volto.
Thompson gira, come già detto, in modo più che egregio e regala al pubblico un buon inseguimento in auto che ricorda per certi versi quello finale del Cobra di Cosmatos.
Nei credits possiamo trovare, non però come attrice, l’amore della vita di Bronson, quella bella e fragile Jill Ireland che morendo per un cancro si porterà via la luce negli occhi di Charlie.
Il titolo inglese The evil that men do è migliore e sembra derivi dalla frase del Giulio Cesare di Shakespeare “The evil that men do lives after them; The good is often interred with their bones”. Peccato che questo Professione giustiziere non riesca davvero a convincere, pecchi di facilonerie narrative e sprechi anche la, potenzialmente, bella sequenza finale, con le vittime ridotte a freak che fanno a pezzi il Dottore, in uno sviluppo troppo sciatto e frettoloso, come se Bronson e Thompson volessero tornarsene a casa.
Come ho detto una visione la merita, ma nulla di più.
Andrea Lanza
Professione giustiziere
Titolo originale: The Evil That Men Do
Anno: 1984
Regia: Jack Lee Thompson
Interpreti: Charles Bronson, Theresa Saldana, Joseph Maher, José Ferrer, René Enriquez, John Glover
Il dimenticato film francese del buon professionista Serge Leroy, è stato un po’ uno dei principali precursori di tutti i film di “rape & revenge” con protagonisti giovani donne coinvolte in “tranquilli week-end di paura”, o “winneriani” “dirty weekend”, ma con un’aura di cinismo e una costante tensione realistica, mai declinata e alla fine “svaccata” in “lotta tra macchine indistruttibili e vendicatrici” quali spesso sono diventate le eroine femminili del cinema contemporaneo di propaganda femminista, il quale spesso crea dei mondi irriconoscibili e che non esistono, nelle quali le protagonista di 60 kg. hanno quasi sempre la meglio e sbaragliandoli nei corpo a corpo, di masnade di uomini ovviamente bruti, di più di 100 kg., e facendoli sempre molto male nei modi più fantasiosi e tirati per le lunghe.
Qui no, siamo ancora nel 1975 e quindi in una visione del mondo certo amaramente cinica ma anche “verista”, e in cui la docente inglese Helen si adatta a trascorrere un periodo in un capanno da caccia nella foresta della provincia francese, dove può trascorrere le sue vacanze e guadagnarsi una breve lontananza a debita distanza da tutto. Allo stesso tempo, un gruppo di borghesi illustri, e rispettati cittadini del vicino paese, sta conducendo nella foresta una battuta di caccia al cinghiale. Tra loro, due commercianti di ferro già piuttosto ubriachi che incontrano casualmente Helen a visitare alcune rovine, e la violentano. Ma il più timido fra gli idioti del villaggio dimentica lì il suo fucile, che la donna in seguito userà per sparare ad uno dei suoi violentatori nello stomaco. Inizialmente, il più moderato del gruppo (che rappresenta uomini di un po’ tutti gli strati della società, e a nessuno di loro, verrà comunque ila decisione di andare dalla polizia) vuole portare la situazione a una conclusione pacifica, ma poiché fra di loro vi è anche il candidato a sindaco e pio filantropo, e affinché questo loro sporco segreti non divenga noto a nessuno al di fuori della battuta di caccia, fa si che un’altra caccia venga aperta e spinta alle estreme conseguenze, quella ad Helen.
Film indubbiamente legato agli attacchi apportati da Chabrol alle gerarchie piccolo-borghesi e provinciali, il film affascina per le sue magnifiche interpretazioni (in particolare Mimsy Farmer, che ha sempre considerato questo, e non ad esempio Quattro mosche di velluto grigio, o Il Profumo della signora in nero, o ancora Macchie solari, come in assoluto il film migliore a cui abbia mai preso parte), i luoghi autunnali e la tensione implacabile. E riuscendo addirittura a finire persino in maniera inaspettata, che quasi sovrasta tutta la procedura già nota e consona agli spettatori delle altre varianti di The Most Dangerous Game, tale che preferirei non descriverla in alcun modo dichiarato, così da non rovinarla in alcun modo, ma non è possibile. Già, perché se la stessa caccia è ancora condotta con mezzi comuni d’azione, il finale è puramente un momento di “non-azione”: dal momento che nessuno vuole dargli il “colpo di grazia” e quindi rendersi più colpevole degli altri del gruppo, tutti restano a guardare, mentre la ferita Helen che grida disperatamente aiuto, annega lentamente in un fiume. Poi un colpo di spugna su tutto quello che è successo, come sempre.
Penso che Il Sapore della paura abbia avuto forte influenza dal quasi contemporaneo Cane di paglia (Straw Dogs) (1972) di Peckinpah, e abbia poi avuto un impatto molto più grande su tanti film francesi e non dello stesso filone, in particolare su Calvaire ancora di più che rispetto ad un vero caposaldo del filone “survivalista” come Deliverance (Un Tranquillo week-end di paura), non solo per le simili ambientazioni. La Farmer è eccellente, centrale nel film anche se non la unica protagonista, di un cast interamente molto buono, e sicuramente l’intera pellicola è per lei un ottimo veicolo. Ma parimenti eccellenti sono tutti gli uomini Michel Constantin, Michel Lonsdale, Philippe Léotard, Paul Crauchet, Michel Robin, Georges Géret, Michel Fortin, e Jean-Pierre Marielle (di nuovo assieme alla Farmer dunque, come in Quattro mosche di velluto grigio). Al risultato finale concorrono la quasi totale assenza di musica di fondo, e la magnifica fotografia dei selvaggi luoghi della Normandia in cui il film venne girato, ad opera di Claude Renoir (Barbarella), che proprio quello stesso anno avrebbe firmato anche la fotografia de Il Braccio violento della legge II (French Connection II), di John Frankenheimer. Un thriller survivalistico dal ritmo narrativo e dell’azione in cui si può riconoscere un mondo ancora realistico, ben fatto e ancora molto moderno. Dimenticato e mai uscito in home video italiano, oltre che da tantissimo tempo mai più trasmesso in tv, nonostante nel 1975 fosse uscito nelle nostre sale con buon riscontro critico e di pubblico, oltre ad essere una delle tantissime italiche co-produzioni con la Francia, che si realizzavano a quel periodo.
Napoleone Wilson
Il sapore della paura
Titolo originale: La traque
Anno: 1975
Regia: Serge Leroy
Interpreti: Mimsy Farmer, Jean-Luc Bideau, Michael Lonsdale, Michel Constantin, Jean-Pierre Marielle, Philippe Léotard, Paul Crauchet, Michel Robin, Gérard Darrieu, Françoise Brion, Georges Géret, Michel Fortin
Che mi dici di Willy? è un film coraggioso, magari non riuscito, ma capace di parlare della malattia e dell’amore in maniera universale, semplice e diretta.
E’ una pellicola pionieristica, sicuramente con dei limiti, come d’altronde tutti gli instant movie nati a ridosso di un evento, in questo caso l’AIDS. Ha comunque la sua fama di cult movie, tanto da essere ricordato come uno dei migliori film sull’argomento.
Che mi dici di Willy? è una delle pellicole a tematica gay più fruibili che siano state fatte, anche per un pubblico etero o inconsapevolmente omofobo. La sua forza è di raccontare la storia di un gruppo di uomini, dei loro amori, con la stessa formula di un dramma dai toni agrodolci che potremmo trovare in una qualsiasi produzione hollywoodiana, con la variante che qui si parla di coppie omosessuali. Che mi dici di Willy? è un film che affronta senza arzigogoli la morte, in maniera cruda, poco poetica, con i malati agonizzant ripresi come in un horror, d’altronde la vita non regala sconti.
Sono 8 anni di storia sotterranea, di terrori fondati e di sopravvissuti a quella che fu definita “la peste del XX secolo”, da una notizia letta con ironia sul New York times (“E’ un’invenzione per farci scopare di meno“) fino ad un letto dove ci si caga addosso e si spira tra i pianti dei propri cari. In mezzo a questo la forza di lottare quando si è compagni di trincea contro una malattia infame e bastarda. Resta un film, per forza di cose, interrotto, senza una vera soluzione che non fosse sperimentale, dolorosa e costosa come le pastiglie di AZT. L’AIDS negli anni 80 fu una ecatombe che sembrava decimasse solo “froci”, “drogati” e “sessualmente disinibiti”, quasi fosse la collera di un Dio da vecchio testamento.
Il titolo italiano è meno efficace di quello originale, Longtime Companion, compagni da tanto tempo, come infatti erano definiti nei necrologi, privati dal potersi sposare, i patner degli omosessuali che morivano per questa terribile malattia.
Il film non riesce però a non scadere a volte nel didascalico, pagando il peso di una regia a volte televisiva, senza un momento che non possa far pensare ad un buon tv movie trasposto al cinema, più cattivo sicuramente della media ma anestetizzato sul piano tecnico, cosa che non sarà per esempio l’altro film importante sull’Aids, Philadelphia.
E’ anche vero che Longtime Companion è il primo film mainstream sul tema, un film attraversato da personaggi sfaccettati (lo stesso protagonista in una scena ha un attacco di panico per la paura del contagio) e capace di sdoganare un argomento così delicato alle grandi masse. C’è certo il precedente del notevole Una gelata precoce, con i limiti maggiori di una produzione tv che si compiace ancor di più della tragedia, e troppo prematura, correva l’anno 1985, per parlare con cognizione di causa dell’AIDS.
La parte più emozionante, in un film tutto sommato troppo veloce e quindi emotivamente freddo, è il finale, dove Willy, uno dei pochi sopravvissuti alla malattia, rivede, in una sorta di parata, i suoi vecchi amici morti. E’ lì che l’uomo recita la frase clou “Voglio esserci quel giorno” ipotizzando un tempo in cui la malattia sarà vinta.
Uno dei limiti di Che mi dici di Willy? è di essere un film che parla comunque solo di una classe sociale specifica, medio alta, sceneggiatori, attori, avvocati, e non concentra quasi mai l’attenzione sull’altra faccia dell’AIDS, quella dei meno abbienti. E’ anche vero che il regista Norman René morì lui stesso a 45 anni, proprio della stessa malattia, e probabilmente questa pellicola è più autobiografica di quello che sembri.
Con la barba e la censura
Senza barba e senza censura
Il cast è ottimo con un gruppo di attori affiatato, soprattutto il protagonista Campbell Scott, da lì a poco malato terminale, sempre per per finzione, nell’intenso Scelta d’amore di Joel Schumacher. La quota femminile è data alla frizzante Mary-Louise Parker, anche lei destinata alle peggiori sfighe su grande schermo come nel caso dello splendido A proposito di donne di Herbert Ross.
Il film in Italia non uscì mai in dvd, fu visto poco in tv e l’unico modo per reperirlo nel nostro idioma è una vhs edita dalla Columbia prima a noleggio e poi nella sua versione home video “Winner”. La qualità di entrambe le edizioni, a livello visivo, è orribile con una qualità del dettaglio insignificante che impedisce molte volte di riconoscere chi c’è in scena.
Il poster del film subì una curiosa censura: fu cancellata una figura su una maglietta, due marinai che si baciavano, forse per rendere più appetibile a livello commerciale un film a tematica gay che, leggendo la frase di lancio, doveva essere “Il grande freddo degli anni 90”, non assomigliando neppure per sbaglio al film di Kasdan. La strana censura però non si limitò a questo perché, questa volta senza nessun motivo logico, rimise la barba al personaggio di Spino che, proprio in quella sequenza fotografata, l’aveva tagliata. Omofobia repressa che nascondeva una passione per gli omaccioni barbuti?
Andrea Lanza
Che mi dici di Willy?
Titolo originale: Longtime companion
Anno: 1989
Regia: Norman Renè
Interpreti: Campbell Scott, Patrick Cassidy, John Dossett, Mary-Louise Parker, Stephen Caffrey, Tanya Berezin, Welker White, Michael Piontek, Bruce Davison, Mark Lamos, Dermot Mulroney, Michael Schoeffling, Brian Cousins
Lo dico all’inizio, salvo equivoci: Revenge non è solo un bel film, è una delle cose migliori, più esaltanti e, perché no, divertenti viste in questo placido 2018. Talmente wow che ho abbandonato momentaneamente la recensione del validissimo The Strangers: Prey At Night per parlarvi di questo.
Ho detto divertente, solo a patto che non siate suore di clausura uscite fresche fresche dal convento, non lo siete vero?, perché Revenge parla di stupri e di vendetta e fa così tanto male ai suoi personaggi che la stessa regista ha dichiarato che gli effettisti si sono trovati a secco di sangue artificiale.
Non si parla di un gore o di uno splatter, ma di una pellicola che inizia come un film di Harmoni Korinne, soprattutto il suo Spring breakers, in una magnifica orgia di colori violentissimi e innaturali, gli occhiali a specchio che riflettono il paesaggio, gli orecchini rosa flou, le pareti blu metallico, per poi sporcare il pop gay trasgender alla Gregg Araki di viscere e schizzi di geyser rosso. Tutto stilosissimo senza essere però maniera, tutto così selvaggio senza aver bisogno molte volte del dettaglio anatomico da horroraccio remore del porno, ma che quando deve colpire, come nell’insostenibile sequenza dove uno degli stupratori deve schiacciare il pedale dell’auto con una ferita aperta sul piede, fa male, Dio se fa male.
Non sappiamo nulla dei vari personaggi, se non accenni o deduzioni, tre uomini di successo, francesi forse, che decidono, per esigenza, di dare la caccia alla ragazza di uno di loro, sposatissimo, come nel classico Pericolosa partita (The Most Dangerous Game) o, per noi ragazzacci, Hard target con Van Damme al servizio di sua maestà John Woo. Solo che le cose precipitano e lei non muore: viene buttata da un dirupo, si infilza con un albero e non muore, Il sangue che cola, il dettaglio delle formiche, la ferita che sanguina, ma lei, che fino ad allora era solo la ragazza dal bel culo, diventa l’angelo della vendetta. E sono cazzi per tutti.
Lei muore e rinasce, si fa di peyote e usa, per saturare la sua orribile ferita, una birra messicana in lattina, bollente. Eccola la magnifica revenant che risorge come Cristo dalla grotta con un tatuaggio a forma di fenice nera, inciso nella carne, e la scritta “mexican beer”, armata di fucile, pistole e rabbia in un contesto di serie A che altrove sarebbe stato Ravenhawk di Albert Pyun con la massiccia Rachel McLish.
Si potrebbe assimilare questo bignè, almeno stilisticamente, al recente The Bad Batch, con la variante che il pretenzioso film di Ana Lily Amirpour, sempre coloratissimo come un video anni 80, non era sincero e presto pagava con la noia il suo plot postnucleare di cannibali e vendetta. Si perché è l’effetto Jan Kounen: non puoi affrontare un genere non credendoci, non amandolo e soprattutto cercando di parlare soltanto di altro. Blueberry ne è l’esempio più eclatante e per certi versi Revenge, con il suo viaggio psichedelico tra stupratori iguane, può ricordarcelo, in meglio.
La potenza del film di Coralie Fargeat è di essere sincero, non rinunciare alle ambizioni, riuscendo però a sporcarsi con la materia da film di cassetta, godendone come un bellissimo orgasmo proletario tra servi e padroni. La rivalsa di Jennifer, non a caso lo stesso dell’opera simbolo del genere I spit on your grave, è quello di una donna contro un sistema di uomini predatori, tanto che alla fine il suo ex amore/amante le urlerà contro “Le donne devono sempre affrontare una fottuta lotta“.
D’altronde lo stupro ai suoi danni si è consumato nel più totale disinteresse: uno dei compagni ha alzato la tv, l’altro, quello che doveva essere il suo fidanzato, le offre soldi per stare zitta perché, è sottinteso, che le donne devono subire da sempre e quella non è stata che una bravata. Quello che non sanno i tre è che Jennifer si è rotta, la bambolina Malibu Stacy è ora un delirio di fuoco e cenere di uno scultore punk, una stacazzutissima femmina che perde un lobo di un orecchio ma dilania la carne dei suoi aggressori con coltelli, fa saltare a colpi di fucile spalle dei nemici e ha la sua vendetta in una casa alla quale manca solo il colore rosso che viene schizzato con forza sulle pareti.
I maschi non ci fanno davvero una bella figura in questa pellicola: abietti, animaleschi soprattutto quando abbandonano le vestigia da yuppies di un lavoro imprenditoriale per trasformarsi in uomini delle caverne ai quali manca solo la clava per accentuare l’ovvietà. Così la nostra Jennifer, in mutandine attillate e maglietta inguinale, regredisce allo stato primordiale di un matriarcato stuprato da un mondo di uomini e lo prende a calci, pugni in una rivoluzione non solo narrativa ma storica.
Revenge è baciato da una regia perfetta e da attori in stato di grazia, soprattutto la magnifica Matilda Anna Ingrid Lutz, italianissima, già vista nel mucciniano L’estate addosso e nel terribile Ring 3. Merito grandissimo però della sua riuscita è dato dalla fotografia mozzafiato di Robrecht Heyvaert, una vera gioia per gli occhi.
Da noi uscirà a fine anno per Koch media e il mio consiglio, se potete, è di aspettare di vederlo su grande schermo perché è quella il formato giusto per un film come questo, la dimensione delle grandi opere, quelle che su schermi tecnicolor facevano impazzire i nostri padri mentre James Stewart cavalcava in valli dimenticate dagli uomini.
Andrea Lanza
Revenge
Paese/Anno: Francia 2017
Regia: Coralie Fargeat
Sceneggiatura: Coralie Fargeat
Fotografia: Robrecht Heyvaert
Montaggio: Bruno Safar, Coralie Fargeat, Jerome Eltabet
Interpreti: Guillaume Bouchède, Kevin Janssens, Matilda Lutz, Vincent Colombe Produzione: Charades, Logical Pictures, M.E.S. Productions, Monkey Pack Films, Umedia Durata: 108 min.
Se Umberto D l’avessero concepito gli americani sarebbe stato Red.
Come descrivere la solitudine, l’amicizia tenera e straziante di un vecchio e il suo cane?
Facciamo che tre giovani sparano al cane per divertirsi (Gioventù bruciata reloaded, non si è avanzato di un millimetro da lì; raccontare il disagio giovanile come se gli adolescenti fossero Il villaggio dei dannati) e il vecchio fa il culo a tutti quanti.
E la solitudine?
La solitudine gliela rende il sistema, che non lo tutela (100 dollari di multa e dieci giorni di prigione per crudeltà sugli animali, reato minore, mentre per lui il cane è tutto ciò che rappresenta ancora qualcosa). Lo Stato non comprende i suoi problemi: un cane è un cane. E così rimettiamo mano all’unico best-seller davvero sicuro di tutti i tempi: La Bibbia. Cit: “Abbi timore dell’ira del mansueto”. Quindi, al pover’uomo, (Brian Cox straordinario come non gli riusciva dai tempi di Manhunter) bruciano anche il negozio, ovvero il secondo elemento classificato nel suo podio chiamato SENSO DELLA VITA. Alla fine lui reagisce e fa un macello: cane di paglia a cui ammazzano il cane. Sam Peckinpah avrebbe adorato questa storia. E Charles Bronson sarebbe stato perfetto per il ruolo di Giustiziere della notte 9: non c’è pace tra i pensionati. Bang bang bang. L’anziano li fa fuori tutti quanti. E non azzardatevi a dirmi Spoiler! Ecco fatto. Umberto D.evastation.
Jack Ketchum è uno di quegli scrittori dallo stile talmente forte, lo stile così riconoscibile, marcato, che qualsiasi film sia tratto da un suo libro, si nota. È roba sua, di Ketchum. Purtroppo questo scrittore, che a guardarlo bene sembra il fratello indiano di Willem Dafoe, ha sempre portato il suo pubblico a fare dei fastosi pic-nic con i più insostenibili tabù sociali, quindi non sarebbe potuto diventare un altro brand, come Stephen King o Clive Barker. Diciamo che lui era una specie di Joe R. Lansdale per adulti. E questo è un complimento che deponiamo sulla sua tomba. Già, Jack Ketchum è morto. Un grande scrittore se ne è andato e non ci sembra di aver scorto fiaccolate strazianti per le main street delle nostre città culturali. E non ci sorprende, visto che i veri morti sono proprio gli abitanti di questi agglomerati di inaudacia in fila per lo Strega e lo studio di Marzullo. Ketchum anche ora è più vivo di quasi tutti loro, i grandi scrittori secolari che narrano il male, la sofferenza, l’odio, la pazzia dell’uomo come fosse un episodio di C.S.I prima che si tarantinizzasse.
Jack Ketchum non racconta, lui mostra. Ecco perché i suoi romanzi non perdono un briciolo di forza una volta trasposti al cinema. Ovvio, deve pensarci gente con le sfere di tuono al posto giusto, e Lucky McKee (e il tipo che firma la regia con lui) è uno dei migliori registi horror in circolazione, tra i pochi ad avere le capacità di misurarsi con gli inferni reali di Ketchum. Per dire, La ragazza della porta accanto sarebbe stato immenso nelle mani del piccolo Lucky e solo la storia impedisce invece alla versione di Lucke Greenfield di entrare nel catalogo dei film dossier di Canale 5.
Red è un gran film. Scritto così bene che ogni sceneggiatore aspirante dovrebbe studiarselo fino a trasformarlo in un riflesso condizionato. Prendete la madre del ragazzo cattivo (Ashley Lawrence, la Kristy di Hellraiser, divenuta una milf davvero appetitosa). Lei si presenta alla porta. Ha circa quattro ingressi in scena da dietro una porta. Non fa altro che aprire porte ma ogni volta c’è un nuovo elemento, un indizio visivo che ci racconta tutto ciò che lei patisce dietro quella porta. Nella prima scena, in una mano tiene lo spolverino, in una mano un bicchiere pieno di scotch o quel che è. Due oggetti emblematici per dirci che è una donna sottomessa, infelice, che non parla nemmeno per accogliere l’uomo maturo col cappello da cowboy all’ingresso, si limita ad abbozzare un sorriso. Lei non ha quasi battute. Compare per prendere l’aspirapolvere, al secondo incontro tra il vecchio e il consorterribile della donna; unico motivo plausibile per un suo ingresso nello studio. E al terzo, sempre con Ludlow/Cox, parla sottovoce, implorando l’anziano pestifero di lasciarli in pace; un pesto sullo zigomo è la didascalia inequivocabile, proprio se a quel punto del film siete così di coccio da non averlo capito che il più matto di tutti, lì dentro è Mr. McCormack. Del resto perché farlo interpretare a uno degli attori più disturbati e ingestibili degli anni 90: Tom Sizemore?
Sizemore ha lasciato pezzi di cervello nel capannone di Reservoir Dogs e nel carcere che tentò di trattenere i coniugi Knox. Lui è il padre dei giovani immorali, Mr. McCormack; un uomo ricco, autoritario ma cieco nei confronti dei figli. Quando, dopo aver sopportato con sempre maggiore disagio le chiacchiere di Ludlow, decide di tagliar corto traducendo la questione nel solo modo in cui è abituato a fare da troppo tempo: “Parliamoci chiaro, Ludlow, lei vuole soldi?”. McCormack/Sizemore è questo; i suoi money: uno che misura ogni cosa col denaro, anche l’educazione dei figli. Un mostro che terrorizza moglie e figli, li tiene sottochiave, un patriarcale tombale. Fa il paio con il Chris Cleek (Sean Bridgers) di The Woman. Il figlio di McCormack, Danny (ormai non più una minaccia ma una tremenda conferma) va a caccia di cervi e il padre ha due trofei alle pareti. Sono ovviamente due poveri cervi. Si è tanto smerdata e rimitizzata la figura del cacciatore di cervi, da Bambi a Cimino, ma quello che viene fuori dopo aver visto Red, è che ormai ogni americano è un cacciatore e ogni ragazzo americano che si rispetti vaga per i boschi con un’arma, in cerca di un animale da accoppare a scopo esclusivamente competitivo. Nessuno parla di alimentarsi. I trofei sono per chi entra e ammira le prodezze venatorie di un vero cacciatore bianco a stelle e strisce. La testa è ciò che serve, il resto del corpo è da smaltire. L’uomo ha accompagnato il figlio a comprare il fucile per i suoi diciotto anni, una specie di iniziazione all’arte venatoria a cui però il cucciolo è del tutto impreparato. Il torto del signor Ludlow è quello di smascherare il ragazzo, già atteggiato a grande cacciatore con jeans e maglietta: neanche un paio di calzoni mimetici o un berretto verde, niente. Questo per dire che in realtà il fucile è ormai una specie di chitarra da portare fino al prossimo bivacco, nella stagione dell’amore per la guerra. Dagli hippies, libido per la pace, agli yuppies, libido per la grana, agli Harmy, libido per i fucili. Altro esempio della mancata preparazione del giovane alla caccia è proprio di aver mirato alla testa del cane del vecchio. La parte del trofeo da usare è così inutilizzabile. Ludlow magari ha immaginato il capo del suo povero Red, appeso in alto, alla sinistra del signor McCormack; “il primo trofeo del mio ragazzo. Glielo dico sempre del resto: figliolo, di qualsiasi cosa si tratti, spara ma non sciupare la testa!”
Riguardo l’attitudine educativa del grande padre, è chiaro da subito che tipo sia, proprio perché il film è scritto bene, quindi è già tutto mostrato in pochi secondi. Appena il vecchio gli chiede un confronto con i figli, Mr. McCormack non si muove dalla sua grande scrivania, si sfrega il naso con la mano, allarga le palpebre per stemperare l’irrequietezza chimica sempre maggiore. La casa è grande, i rapporti tra papa Sizemore e i famigliari talmente gerarchici e distanti che per chiamare i ragazzi, Mister Mister alza il ricevitore che ha di fianco e ordina alla moglie, come fosse una segretaria, di mandar giù i pargoli inquisiti, tipo impiegati da mettere in riga.
Nell’era di facebook, olimpo della solitudine in scatola, i cani e i gatti sono diventati nuove entità sociali degne di premura e attenzione alla pari di figli e nipoti. Cani e gatti sono i pompieri nell’11 settembre infinito delle nostre solitudini. Però ci sono due mondi, a riguardo. Quello in cui gli animali uccisi sono sempre vittime minori (e reati minori da punire) e quello in cui uomini e donne soli, per quegli animali ammazzati darebbero la sedia elettrica agli assassini. Il film mette in contrasto queste due concezioni estreme che girano attorno agli amici a quattro zampe. Attenzione, però. Non c’è bisogno di scivolare nella retorica consueta su uomini e cani che la giornalista passionaria (Kim Dickens) sciorina durante il servizio televisivo dedicato alla vicenda di Red. Quello che Ketchum/McKee/altro tizio sembrano dire è: ogni vita è sacra, uccidere per divertimento, che si tratti di un cane o di un albero è sintomo di una mancanza di umanità. Danny la carogna ammazza il cane e ci ride su e non esita più di tanto quando il padre gli chiede di spappolare anche il cranio del padrone di quel cane. Ovvio, ci sono persone che uccidono animali e che non ammazzerebbero mai un essere umano (vedi i macellai di professione) e ci sono assassini di massa che adorano i cani e i gatti (Hitler) ma statisticamente il teorema del serial killer gioca a favore della tesi di Red: se fai fuori un povero animale, prima o poi alzerai il tiro su un uomo. Decine di perizie psichiatriche lo confermano. I nomi dei soggetti di queste perizie sono Jeffrey Dahmer, Ed Gein, Henry Lee Lucas, Michael Myers…
Ludlow è un brav’uomo americano con la casa piena di fucili, medaglie per aver servito la patria e un gran senso della giustizia e dell’educazione. Ovvio che nel suo armadio, da buon figlio di Sam, c’è uno scheletro formato famiglia e che se prende così di punta una bravata, per quanto crudele, di alcuni pischelli, è perché rappresenta una specie di seconda possibilità per lui di riaversi da uno smacco terribile. Non salvò i suoi di figli e vorrebbe fare qualcosa per questi tre che gli hanno ucciso Red. C’è da intervenire, sensibilizzare i genitori, aiutarli a capire quali cancri gli girino per casa, e tentare di guarirli, umanizzarli, raddrizzarli. Purtroppo gli altri genitori non possono capire che dalle bugie di un figlio ci si può ritrovare cosparsi di cherosene e con il corpo pieno di lividi da non riuscire a camminare più. Ludlow ci prova a dirglielo, ma è dura. O forse i genitori sanno bene che i loro bambini sono dei pezzi di merda irrecuperabili come loro stessi e ghignano delle chiacchiere del vecchio. In ogni caso John Wayne avrebbe tifato per Ludlow fino a perdere la voce. Questo film sarebbe stato perfetto anche per il vecchio mangiafagioli.
La vicenda di Ludlow con i suoi di figli sorprende fino a un certo punto. Quell’uomo ha più di una guerra sul groppone. E la scrittura del film talvolta è davvero subdola, come la vita, del resto. Si muore ogni giorno, con nulla. Pensate al cherosene. Noi non possiamo conoscere tutta la storia nel momento in cui un fatto insignificante si presenta davanti ai nostri occhi e a quelli di Ludlow. Non immaginiamo cosa possa essergli capitato, prima del fattaccio di Red. Vediamo solo che Emma (la donna che aiuta il vecchio in negozio e lo sostituisce quando lui vuol concedersi una “spensierata” mattina di pesca in compagnia del suo cane) dicevo, Emma, viene a sapere che il cane è morto e allora deve fermarsi da quello che sta facendo e tributargli un sospiro di cordoglio. Ha in mano una latta di cherosene a cui probabilmente stava per dare una collocazione sugli scaffali del negozio e la poggia un momento sul banco tra lei e Ludlow. Red è morto, l’hanno ammazzato. Quel cane è stato un araldo di violenza totale. Da quando è arrivato in casa dell’uomo, più di dieci anni prima, regalatogli dalla moglie per le loro nozze d’oro, ha assistito a una serie di orrori incredibili. Alla fine qualcuno massacra anche lui ma non riposa in pace. Torna pieno di vermi, per dare il colpo di grazia definitivo a una situazione degenerata all’inverosimile. Insomma, Ludlow dice a Emma che il cane non c’è più. La donna mette il cherosene sul banco incurante.
Sbam!
C’è tutta una storia sul cherosene che dobbiamo conoscere per notare il particolare. Il figlio maggiore di Ludlow sceglie il cherosene come liquido infiammabile, invece della benzina (errore che non fa chi appicca il fuoco al negozio nella seconda parte del film). La scelta del cherosene è dovuta all’incapacità del figlio di Ludlow di combinarne una giusta. Avrebbe dovuto scegliere la benzina ma non ha mai capito un cazzo di niente e quindi ha usato il liquido sbagliato. Insomma, noi non possiamo saperlo ma quella latta poggiata sul banco da Emma deve dare molto fastidio a Ludlow e non solo noi ma persino la donna non si rende conto dell’enorme stronzo di merda che ha messo sotto al naso del vecchio nel momento in cui lui le dice che anche il cane è andato, unico superstite di una strage impossibile da metabolizzare. Jack Ketchum fa un cammeo, quando comunica al vecchio che il suo negozio è in fiamme. Probabilmente è stato Freddy Krueger. Del resto quel falegname disoccupato (interpretato bene da Robert Englund) è abbastanza uomo di mondo da sapere cosa occorre per fare un bel falò e spazzar via tutto: benzina. Fossero stati quei giovinastri, avrebbero usato il cherosene. Sicuro.
Alla fine arriva il dog ex machina, in un finale in cui Tarantino incontra Walt Disney. Un cane misterioso giunge da chissà dove; sembra essere lì per aiutare il povero Ludlow nel momento di maggior pericolo: coraggio, alzati, sembra dirgli e poi raspando in terra gli mostra la pistola dimenticata dai suoi aggressori. Una specie di solidarietà senza frontiere tra spiriti canini, vivi e morti? “Ti manda Red?” pare chiedergli Ludlow dalle nebbie del suo trauma cranico. Dopo aver svolto l’ambasciata, il bastardello trotta via nel bosco e lascia che l’ex soldato torni ancora una volta per la resa dei conti finale, che è una roba alla Tarantino prima maniera: tutti sparano a tutti e nessuno resta in piedi, chi è vivo non cammina. Striscia.
La dissolvenza è in rosso.
Francesco Ceccamea
Red
Anno: 2008
Regia: Trygve Allister Diesen, Lucky McKee
Interpreti: Brian Cox, Noel Fisher, Kyle Gallner, Shiloh Fernandez, Kim Dickens, Marcia Bennett, Richard Riehle, Tom Sizemore
E’ il 1975 quando Richard Donner gira il film tv per la NBCSarah T. – Portrait of a Teenage Alcoholic. Un anno dopo il regista sfornerà il suo primo cult movie, Il presagio, ma fino ad allora c’era solo tanta televisione, buona tv come Petrocelli o Kojak, un po’ anonima stilisticamente, a dire il vero.
Sarah T. – Portrait of a Teenage Alcoholic è un successo televisivo notevole, la sceneggiatura di Ester Shapiro viene candidata al prestigioso Writers Guild of America Award for Television, poi però sparisce nel nulla, poche repliche, in Italia neanche arriva.
A tutt’oggi, pur essendo un film tv ricordato con nostalgia dagli spettatori dell’epoca, non ha beneficiato in Patria di un’uscita nè in vhs nè in dvd, lo possiamo rivedere solo grazie ad una pessima registrazione circolante in rete, ma, come si dice, meglio poco che nulla.
Eppure Sarah T. – Portrait of a Teenage Alcoholic è un film discreto con il compito nobile di muovere la coscienza di genitori e ragazzi sul difficile tema dell’alcolismo minorile, senza scadere nel patetismo o nel didattico. A volte l’opera di Donner ci riesce, a volte no, ma, grazie anche ad un’ottima performance della Blair, sottovoce e mai sopra le righe come farà spesso in seguito, risulta un buon prodotto televisivo anni 70 che ingiustamente ha avuto un oblio distributivo.
Prendiamo per esempio un altro prodotto tv, The Boy Who Drank Too Much con lo Scott Baio di Happy days nei panni di un atleta con il vizio di bere, regia di Jerrold Freedman, anno 1980: risultato senza dubbio peggiore con l’aggravante della pedanteria da Rai educational che non aiuta a digerire un’opera che vorrebbe essere dalla parte dei giovani, ma è solo un vecchio trombone capace di sentenziare. Terribile.
Sarah T. – Portrait of a Teenage Alcoholic per lo meno non è noioso, ha un buon ritmo e fila liscio fino alla fine in una edulcorata discesa negli abissi di un’adolescente problematica.
A produrre l’opera sono gli stessi autori di Dinasty e I Colby, due tra le maggiori soap opera americane di sempre con Dallas. Il ritratto, fatto da Richard e Ester Shapiro, della famiglia americana è agghiacciante: mostri egoisti che non generano figli, ma vittime da immolare. Al pari di collane prestigiose da sfoggiare nell’alta società, i rampolli moderni di questi ricchi potenti sono accessori, né più né meno dei chihuahua che sfoggeranno in borsetta, anni dopo, le varie Paris Hilton.
Non stupisca che la Sarah T. del film incominci a bere: non ha un supporto genitoriale, solo una madre che la chiama fastidiosamente “Honey“, che la punisce se sbaglia o che cerca, anche alla fine quando l’alcolismo sarà arrivato ad un punto di non ritorno, a minimizzare il tutto con frasi come “Non esiste il problema” o “Cosa penseranno i vicini?“. Non che il padre, un magnifico Larry Hagman pre J. R. di Dallas, sia meglio: compra i vestiti alla figlia per colmare le sue lacune genitoriali, ma soprattutto la abbandona a sé stessa quando lei gli chiede aiuto. In più, in questo film, tutti bevono davanti a questa ragazzina in maniera smodata, a casa, nei party, mentre passeggiano, birra, scotch, whisky ce n’è di tutti i gusti, dai vicini agli stessi genitori.
L’alcol è subdolo, ci dice il film dalla bocca del dottore che cura la piccola Sarah, perché “prima ci fa sentire forti, poi ci butta giù“. La stessa protagonista che, in una riunione di alcolisti anonimi, allunga il caffè con della grappa, non riesce a vedere la dipendenza: “Mica sono un’alcolizzata io. Non sono arrivata al punto di vedere ragni che escono dal muro“, con chiaro omaggio al capolavoro di Billy Wilder,Giorni perduti. I demoni d’altronde devono essere combattuti da soli e la redenzione arriverà solo quando lei dirà la frase “Io sono un alcolista” e si chiederà perché per due anni nessuno l’ha capito.
Sarah T. ha l’unico difetto, ma la matrice tv è la causa principale, di essere blando quando dovrebbe invece picchiare forte sul tema. Si pensi al momento in cui la protagonista arriva a prostituirsi per una bottiglia di alcol, una scena che al cinema sarebbe stata shockante ma che qui, nel suo non mostrarsi, nell’eclissare alla scena successiva, non ha la stessa forza di uno stupro consenziente ai danni di una minorenne come poteva succedere in un Michael Winner sporco anni 70.
La regia di Richard Donner ha più bassi che alti, ma è nel finale, con un magnifico inseguimento a cavallo, concitato e drammatico, che trova finalmente ispirazione in un compitino portato a casa senza colpo ferire. L’assoluta trascuratezza dell’operazione verrà confermata poi da un’intervista fatta al regista, nel 1979, che, non ricordando questo film tv, lo confonderà con un altro, non suo, Dawn: Portrait of a Teenage Runaway di Randal Kleiser. Non proprio un’opera che Donner ha girato col cuore!
Peccato perché, come detto, la Blair è ottima in uno dei suoi tanti ruoli, a cavallo con L’esorcista, di adolescente problematica. La sua carriera, per colpe e vizi personali, non toccherà più i picchi degli anni 70, a livello qualitativo e recitativo, ma è indubbio che Linda non sia stata solo la Reagan di Pazuzu, ma un’attrice versatile con picchi d’eccellenza attoriale.
A farle da spalla un efficace Mark Hamill pre Star wars in uno dei tanti ruoli che non resteranno purtroppo mai nell’immaginario mondiale, offuscati dalla grandezza del film di George Lucas. Come e più che per la Blair, uscire dal ruolo di una vita dev’essere difficile per lui.
Sarah T. – Portrait of a Teenage Alcoholic è un film che meriterebbe di essere visto in una versione migliore e non da cineforum dei pulciari con la voce che va e viene e con la pellicola che sfarfalla i colori come in un porno snuff. Da non sottovalutare poi che questo film tv ha il coraggio di mettere in scena anche un bambino di neppure 10 anni che dichiara di essere un alcolizzato in una scena agghiacciante e disorientante.
Per tutti noi fan di Linda Blair ha comunque il magnifico momento dove canta, momento cult che fa coppia col suo tip tap del sottovalutato L’esorcista 2. Pazuzu comunque aveva l’occhio lungo…
Andrea Lanza
Sarah T. – Portrait of a Teenage Alcoholic
Anno: 1975
Regia: Richard Donner
Interpreti: Linda Blair, Larry Hagman, Verna Bloom, William Daniels, Michael Lerner, Mark Hamill, Eric Olson, Laurette Spang, M. Emmet Walsh, Steve Benedict, Richard Roat, Marian Collier, Hilda Haynes, Jessica Rains, Sheila Larken
Un blog americano, nel parlare di Savage streets, fa presente che è un film che vive di tre B, almeno se si parla inglese perché in italiano la cosa ha meno senso: BEAR (orsi, anzi trappole per orsi, e capirete presto perché), BOOBS (tette) e BLOOD (sangue).
Niente di più vero ed è ironico che il critico parli costantemente, in maniera ossessiva, delle (incredibili) bocce di Linda Blair, aggiungendo alla fine: “And yes, I am gay. Very gay. But Linda Blair and her boobies make me VERY happy, as they should the whole world“. Cioè questo fa capire che Linda Blair e le sue tette sono strepitose, o almeno lo sono state negli anni 80, e solo a guardarle possono metterti di buonumore, l’Ovomaltina sparata in vena col latte, l’Orzobimbo o il Nesquik che da ragazzino fungeva da caffè, e sono universali che tu sia gay, etero o Korang, la terrificante bestia umana!
Savage Streets è un film che, spero qualcuno mi smentisca, non è mai uscito in Italia, come l’altro Linda Blair movie che abbiamo affrontato in questi giorni, Hell night, e come Hell night doveva essere un thriller violento diretto da Tom DeSimone.
Così non è stato e presto la produzione licenziò il primo regista assumendo Danny Steinmann che aveva nel curriculum un divertente porno, High Rise, girato sotto lo pseudonimo di Danny Stone, e un horror di buona fattura, Unseen con Barbara Bach, firmato anche questo con un nom de plume, Peter Foleg.
Strano il destino di Steinmann: discreto regista, ha firmato un ottimo Venerdì 13, uno dei meno amati dai fan, il 5, narrativamente sorprendente per come ribalta le premesse di una serie tutto sommato godibile ma prevedibile. La sua carriera sembrava essere pronta per decollare quando un terribile incidente in bicicletta l’ha costretto a ritirarsi dalle scene per dedicarsi alle cure, molte e dolorose, senza più poter tornare a girare un altro film.
Uno dei pochi ritratti, commoventi e sinceri del regista, lo potete trovare su dreadcentral, quello di un artista sfortunato ma talentuoso, sconosciuto ai più, ma che sembrava dovesse girare grandi cose come il mai concretizzato L’ultima casa a sinistra 2.
Su Savage Streets il defenestrato Tom DeSimone dichiarò:
“Sono stato effettivamente assunto per dirigere Savage Streets e mi sono portato dietro Linda Blair che era una mia amica dopo Hell night. Tuttavia, anche in produzione, la sceneggiatura continuava a essere rielaborata da uno degli investitori che si immaginava uno scrittore. Ben presto mi è stato chiaro che il progetto si stava muovendo in una direzione diversa da quella in cui avevamo iniziato e non ero contento di questo. Frustrato da tutti i cambiamenti che giudicavo orribili, sono uscito dal progetto ed è qui che entra in gioco Danny“.
Dal canto suo Steinmann invece racconta:
” Stavo lavorando ad una miniserie per Playboy Television con Britt Ekland, quando ho ricevuto una chiamata da un mio buon amico, Billy Fine. Era nei guai perché stava producendo un thriller con Linda Blair, le riprese dovevano iniziare letteralmente l’indomani, il problema era che aveva appena licenziato il regista. Verso mezzogiorno, sono andato nell’ufficio di Billy e mi è stata data la sceneggiatura di Savage Streets e, dopo averla letta, ho accettato. Playboy mi diede il permesso di occuparmi di questo lavoro. La notte prima di girare feci tagli seri alla storia e alcune aggiunte, ma non sapevo che lo script sarebbe cambiato più volte nel tempo. Mi sono sbarazzato di intere scene, dialoghi e personaggi. C’era una storia d’amore che coinvolgeva Linda, una sotto trama riguardante la polizia, un sacco di gag che pensavo non avrebbero funzionato, scene che avrebbero rallentato il film. Il mio obiettivo principale era quello di mantenere il pubblico coinvolto e interessato davanti ad un film tutto sommato sciocco e lo feci eliminando dialoghi cretini e molti cliché. A difesa del primo script, bisogna dire che Savage Streets è stato uno dei primi film con protagonista una giovane donna sulla falsariga di Charles Bronson. Il problema era che, se da una parte avevi una banda che violentava brutalmente un’innocente ragazza sordomuta e gettava un’altra ragazza da un ponte, non potevi mantenere un’approccio troppo superficiale e allegro“.
La produzione di Savage Streets, a sentire le persone coinvolte, doveva essere un film nel film: attori che se ne sono andati, registi licenziati e ad un certo punto i soldi finiti.
“Non appena ho iniziato le riprese, le cose stavano, sorprendentemente, andando molto bene. – racconta ancora Steinmann – Linda Blair stava dando una buona prestazione e le cose sembravano buone. Mi stavo divertendo! Poi, dopo due settimane e mezzo di riprese, nessuno pagava nessuno. Le riprese si sono interrotte. Non c’erano più soldi”.
Fatto sta che uno dei produttori, il già citato Billy Fine, entra in conflitto con gli altri soci, esce dal progetto non in maniera felice (qualcuno gli mette una testa di pesce davanti al suo appartamento) ed entra John Strong, un investitore con probabile affiliazione mafiosa. Tant’è però che il film viene terminato anche se il nuovo arrivato aveva non poche velleità artistiche.
“John Strong ha scritto due scene e le ha girate. – precisa Steinmann– La prima è quando i membri della gang vanno a casa di Johnny Venocur per prenderlo. Esce, cambia i vestiti e sale in macchina. La seconda scena è quando Linda va da Johnny Venocur e parla con il padre. Erano comunque entrambe scene fantastiche e sono uscite bene. Il problema è che, poco dopo l’inizio delle riprese, John ha iniziato a far sentire la sua presenza. Il suo ego è stato monumentale e ho faticato a finire il film. Voleva modificare il film con me al suo fianco. Penso che se John fosse stato in grado di scrivere, dirigere, produrre e recitare in un film tutto suo, tutti i suoi sogni si sarebbero avverati“.
Tom DeSimone comunque sembra abbia diretto qualcosa, anche se è difficile capire cosa, ma la sua dipartita dal progetto causa l’uscita dalle scene di almeno un’attrice che lo seguirà, la graziosa Debra Blee, qui una delle amiche della protagonista, Rachel, che da metà film scompare letteralmente.
C’è da dire che Savage Streets è un film costruito per Linda Blair e nessun altro personaggio femminile ha il suo carisma, la sua forza o la stessa importanza. Se i ragazzi, i pervertiti stupratori, gli Scars, sono delineati tutti con una certa importanza e un ruolo ben preponderante all’interno della loro gang, lo stesso non si può dire della banda delle teppiste, le Satans. Se provate ad isolare Linda Blair dal gruppo il film funziona comunque perché è Linda a fare le cose migliori, a pronunciare le battute più epiche, il resto, come in un horror, è carne da macello o comunque corollario.
Savage streets andò incontro a censure soprattutto per il brutale stupro ai danni di Linnea Quigley, futura scream queen di tanti horror a partire dal Ritorno dei morti viventi, l’idolo di tanti adolescenti in preda al testosterone più selvaggio.
Il momento dove gli Scars violentano l’attrice è uno dei più duri della pellicola perché si tratta di una minorenne muta, quindi la scena appare più insostenibile in quanto la poverina cerca di urlare ma le escono soltanto dei gridi strozzati. Certo la censura ammorbidisce la scena soprattutto quando il capo della gang, Robert Dryer, la finisce con un solo calcio sulla testa e non con tre, come nel girato non vulgato.
Linnea Quigley è molto brava nella parte della fragile vittima, un personaggio distante anni luce dalle donne forti e un po’ bitchies che sarà solito interpretare. La Blair, in un’intervista sul film, dichiarerà che sono stati tagliati in fase di montaggio tantissimi momenti che vedono le due sorelle condividere momenti banali di vita quotidiana come ridere appena sveglie o prepararsi per andare a scuola, situazioni che avrebbero ampliato, se è possibile, ancora di più la brutalità dello stupro.
Bisogna dire che Savage streets è un film exploitation nel senso più buono esistente: è intrattenimento popolare a base di sesso e violenza come ogni buon B movie richiede. Ci sono un sacco di momenti frivoli e gratuiti nella pellicola a cominciare da un’incredibile lotta tra ragazze in una doccia fino ad un momento alla Porky’s dove la Blair strappa la maglietta all’antipatica Rebecca Perle. Capisci oltretutto che stai guardando un ottimo film di basso profilo quando nel bagno non si picchiano solo le contendenti, ma pure le nudissime comparse, senza ragione, neanche fossimo in un WIP di Jesus Franco.
In più si cerca di sporcare il personaggio della Blair e portare sullo schermo un personaggio forte come andava di moda al cinema di quell’epoca, sulla falsariga dei vari Stallone o Charles Bronson, declinando lo stereotipo macho in una donna dalla parlata non proprio da cherubino. Sue frasi come “Non lo scoperei neanche se fosse l’ultimo cazzo sulla terra!” o “Fottiti cagna” o ancora il meraviglioso monologo con Robert Dryer “Ti chiedi mai come deve essere un maiale, prima che gli taglino la gola? O quando gli hanno tagliato le palle? Non potrebbe essere peggio di come mia sorella si sia sentita. O Francine. L’avete ammazzata che era incinta. Se pensi che sarà veloce, sappilo, non sarà veloce, Jake“.
Anche se la battuta più becera ed epica spetta al presideUnderwood, John Vernon, altro personaggio ridotto dopo l’arrivo di Danny Steinmann, che, rivolto agli Scars, li invita a “scoparsi un iceberg“. Questa battuta fu improvvisata dallo stesso attore e non faceva parte del copione.
In anticipo di un anno su Rambo 2 la vendetta, Linda Blair si prepara alla guerra vestendosi di latex scuro con una cura dei dettagli che riporta allo Stallone che indossa la famosa benda rossa e infila il coltello nella cintura. Entrambi d’altronde stanno partendo per il proprio inferno, un Vietnam violento nel quale si muovono come fosse la propria casa.
La scena più bella, quella più voyeuristica, precede questa sequenza, dove vediamo l’attrice, mentre la musica rock incalza, farsi un bagno palesando il magnifico corpo, un momento forse gratuito, ma che, grazie al ritmo sempre incalzante della pellicola, acquisisce un tono quasi epico.
La band di stupratori, come detto, è ben bilanciata in caratteri diversi e in ottime interpretazioni, ma vengono tutte offuscate dalla prova di Robert Dryer, un cattivo a tutto tondo, una sorta di trasfigurazione attoriale tra reale e finzione al pari dell’altrettanto grande prova di David Hess in L’ultima casa a sinistra.
Oltretutto, durante lo stupro di Linnea Quigley, un sottotesto omoerotico fa capolino quando, esaltati dai baccanali di sesso, due membri della gang (Dryer e Sal Landi) si baciano appassionatamente neanche fossimo in una scena di Cruising di William Friedkin.
A proposito di questa sequenza Danny Steinmann ha dichiarato: “La scena non era nella sceneggiatura o durante le prove. Era un momento totalmente inaspettato ed ero elettrizzato. Dava un certo qualcosa in più alla sequenza e ha funzionato perfettamente. Sono rimasto molto colpito“.
Linda Blair, novella Giustiziere della notte, non usa pistole, ma balestre, vernice infiammabile e… trappole per orsi. Bisogna dire che la violenza non ha mai quell’impennata che ci sia aspetta, stupro a parte, ma sia la performance dell’attrice nel finale, occhi spiritati e dialoghi deliranti, sia l’inventiva delle macchine di morte, da al film quella dimensione di assoluto cult ignorante che diventa nei ricordi un cult in senso lato.
In più Savage streeets è anche una versione alternativa e deviata di Grease dove i momenti musicali lasciano il passo alla grandissima colonna sonora, le coreografie alle lotte di femmine nude e incazzate, e la liaison amorosa tra Sandy e Danny è la lotta fino all’omicidio tra Brenda e Jake, la faccia violenta delle Pink Ladies e dei Tbirds.
Danny Steinmann morì a 70 anni nel 2012, come detto non fece più niente al cinema dopo il successivo Venerdì 13 parte V, un peccato perché il suo cinema scorretto, sporco e violento poteva lasciarci altre perle al pari di Savage streets, un film che malgrado i mille problemi, o forse anche per quelli, ci continua a piacere come un divertimento vietato che, fanculo tutto, vale più di cento pellicole meglio scritte o dirette.
Linda Blair e le sue tette sono invece leggenda, ma questa, come in Conan di Milius, è un’altra storia che rende meravigliosi anche i suoi (tanti) passi falsi successivi.
Andrea Lanza
Savage Streets
Anno: 1984
Regia: Danny Steinmann
Interpreti: Linda Blair, John Vernon, Robert Dryer, Johnny Venocur, Sal Landi, Scott Mayer, Debra Blee, Lisa Freeman, Marcia Karr, Linnea Quigley, Ina Romeo
Claudio Fragasso mancava nelle nostre visioni dal 2010, anno nel quale uscì Le ultime 56 ore, derivato ma non disprezzabile action fuori tempo massimo. Le ultime 56 ore d’altronde conteneva nel suo DNA tutta la grandezza e la bassezza del cinema fragassiano, la regia potente e la sceneggiatura velleitaria, gli attori che passano dal discreto al pessimo e una certa dose di deja vu guappo e un po’ corsaro che guarda al cinema estero, quello dei John Woo e dei John McTiernan, dei John Wayne e dei Chow Yun Fat. Nel passato c’erano stati grandi successi come Palermo Milano solo andata, personali capolavori non capiti come il testosteronico Coppia omicida e la tv d’azione più stracazzuta del pianeta terra, quella de La banda, di Blindati e di Operazione Odissea, un modo di fare fiction al sangue e piombo che mai verrà ripetuta in nessun altro epigono. Davanti a queste opere Le ultime 56 ore non poteva non apparire stanco e svogliato, una visione che nel 2010 volevi farti piacere per forza, ma che non avrebbe lasciato il segno al botteghino e nel tuo cervello di cinefilo.
Sei belisima!!!
Peggio era stato con la parentesi commedia del regista a base di Jerry Calà e scoregge, di Pannofino e fantasmi alla Scooby Doo, mai divertente e un po’ irritante, un disagio totale quando tu sei cresciuto a pane e After death, un cinema pazzo e coloratissimo che ormai non esiste più.
Quando esce al cinema La grande rabbia è il 2016, un altro film fuori tempo massimo come già Le ultime 56 ore, figlio del neo neorelismo anni 90 che generò i vari Ultrà, Pugni di rabbia e Crack. Le storie erano drammi giovanili che esplodevano nei ghetti e nelle periferie delle città, parlati in dialetto stretto, il più delle volte romanesco, violenti, feroci e disperati, a loro volta storie di vita che guardavano Pasolini e i suoi ragazzi di strada.
Fragasso nel 1993 aveva girato l’efficace Teste rasate con il piglio di un regista horror che arriva al cinema di denuncia, un caleidoscopio di colori e musica tecno, di sangue e pestaggi, di amori interrazziali sullo sfondo di una Roma fascista e confusa come e più del suo antieroe adolescente. Teste rasate era urlato, sbilanciato, ma comunque bellissimo anche nelle sue imperfezioni, un cinema popolare che alza la testa per raccontare il disagio di una generazione che, prima ancora di affacciarsi alla vita, comincia a morire. In Teste rasate filtrava l’entusiasmo di un regista che ora finalmente poteva palesarsi al mondo senza la maschera dei suoi Clyde Anderson e Drago Floydche l’avevano accompagnato nell’universo dei B movie horror più scatenati e folli degli anni 80.
La grande rabbia è in un certo senso un ritorno a quel cinema preistorico ormai estinto e resuscitato nella forma televisiva dei vari Suburra, Gomorra e Romanzo criminale.
Regia: Clyde Anderson
Ancora Roma, a pochi giorni dal Natale 2014, una città scossa da rivolte popolari e dalla paura astratta dello straniero, il baubau stupratore e cattivo. Se in Teste rasate il giovane Gianmarco Tognazzi si rifugiava nel caldo giaciglio di un movimento nazista, qui non c’è neppure più quello: il ritrovo fascista è una cantina dove si balla davanti ad un juke box, dove un nero viene chiamato “Camerata” e i pochi leader appaiono e scompaiono senza dolore. I valori si confondono, l’idea di destra dei due è una sequela di luoghi comuni che partono dalla pancia per esplodere in bocca, i protagonisti sono due fratelli dalla pelle diversa che trovano nell’amicizia una famiglia.
Il bianco e nero aumenta la sensazione di dramma in attesa di scoppiare con le tre storie principali che, man mano, si uniscono sullo sfondo di una città raccontata dai telegiornali, scossa come un terremoto da una rabbia dilagante e senza senso.
Fragasso è bravissimo a citare senza copiare L’odio, anche se in cuor tuo sai che la storia andrà a parare nello stesso crudele finale, spostando il malcontento delle banlieu francesi ai nostri sottoborghi. Roma è fotografata nei suoi angoli meno conosciuti, i suoi lazzaretti da poveri, le discariche, i campi rom, una città dissezionata e mostrata al pubblico nelle sue viscere più putride e nascoste.
Sul piano registico ritroviamo un Fragasso in forma come non si vedeva da quel lontano 2010 con la telecamera che insegue nervosamente i suoi protagonisti riuscendo a rendere adrenalica una storia alla fin fine statica.
Il problema non è tanto suo se il film non è riuscito nè della performance dei due attori protagonisti, bravissimi, l’inaspettato Maurizio Matteo Merli, figlio di quel Merli che segnò il nostro poliziesco anni 70, e l’esordiente Miguel Angel Gobbo Diaz nel ruolo di Benny/Benito, nero romano con nel sangue la stirpe del Duce (“Mussolini ingravidò mia nonna“). Il problema più grande è una sceneggiatura a volte troppo didascalica, con sequenze ottime che sfilacciano in banalità, con un’incapacità di fondo nel non riuscire a creare pathos in una storia che non appassiona mai e invece dovrebbe alla fine generare sdegno o pianto come il capolavoro modello di Kassovitz. Dispiace perché Rossella Drudi è una brava scrittrice, suoi i copioni più convincenti del marito ma ahimè anche quelli più miserabili come Concorso di colpa, un film che condivide con La grande rabbia una superficialità di fondo agghiacciante nel raccontare temi importanti.
La pessima resa del cast di contorno, un gigionesco e poco efficace Flavio Bucci e sua maestà l’ignoranza recitativa made in Cuba, Ydalia Suarez, prezzemolina delle produzioni Paolucci, danno il colpo di grazia ad un film che nei primi 20 minuti ti faceva pensare al capolavoro.
Come guest star troviamo un Giulio Base ai limiti della parodia, nel ruolo rindossato del Fuher di Teste rasate. Lo vediamo in un incontro di lotta clandestina con Miguel Angel Gobbo Diaz, una delle scene peggio coreografate di un film che non riesce nelle sequenze di combattimento, almeno tre presenti, ad essere abbastanza vario e dinamico. Qui si sfiora l’assurdo in un combattimento dove il nostro Fuhrer prima di mollare un cazzotto al suo avversario trova il tempo di limonarsi una spettatrice e di declamare dei versetti biblici. Dispiace perché il nostro Base ha diretto un grandissimo film neo neorealista, Crack, sempre in bianco e nero, sullo sfondo del mondo del pugilato, ma con ben altra sensibilità.
Tra le comparse poi riconosciamo l’affascinante Cinzia Carrea del misconosciuto e bellissimo Colpo di sole, e lo stesso Fragasso in un simpatico cammeo di pensionato un po’ sciroccato.
La grande rabbia, girato nel 2014 e uscito solo nel 2016 in 15 sale per poi sparire ancora, con il suo budget di 300000 euro, con la produzione di Giovanni Paolucci che aveva dato i natali ai film meno efficaci di Bruno Mattei e Dario Argento, è purtroppo un film mediocre e schizofrenico che vorrebbe essere cinema di denuncia e purtroppo sembra solo un brutto film di genere. Dispiace perché Claudio Fragasso fa del suo meglio, ma è quasi tutto il resto a non funzionare. Questo fa davvero uscire la grande rabbia perché le potenzialità c’erano, naufragate con sommo dispiacere in un mare oscuro di tenebre.
Andrea Lanza
La grande rabbia
Anno: 2016
Regia:Claudio Fragasso
Interpreti: Miguel Angel Gobbo Diaz, Maurizio Matteo Merli, Ed Hendrik, Flavio Bucci, Giulio Base, Cinzia Carrea, Ydalia Suarez
So già che questa recensione sarà qualcosa di terribilmente suicida, soprattutto leggendo qua e là i pareri dagli occhi di brace nati dopo la visione del nuovo film di Adam Wingard. Dalle varie critiche, sembra di assistere ad un finale di un horror Universal, quelli dove il mostro di Frankenstein veniva braccato da un gruppo di infoiatissimi contadini armati di forche e bastoni. In questo caso il buon Wingard ha avuto l’ardire di trasporre in un lungometraggio, di poco più di 90 minuti, il manga/anime di culto Death note americanizzandolo, sembra, senza nessun ritegno. Uno stupro, in parole povere.
Adam Wingard, il diavolo
Che Wingard abbia girato un nuovo Dragon ball evolution (povero James Wong), ovvero una pellicola tra le peggiori mai tratte da un fumetto, sembra strano. E’ vero che anche l’appena citato James Wong aveva esordito con uno stupefacente Final destination, ma nessuna sua opera successiva, sia il simpatico The one che il terzo seguito sfigato di Final, erano oltre la sufficienza. Quindi il disastro, se non annunciato, era comunque alle porte. Wingard invece ha messo a segno almeno tre grandi horror/thriller: l’adrenalinico A Horrible Way to Die, il divertentissimo You’re Next e il nostalgico The guest. Certo ha girato anche il reboot di Blair Witch project che è una cazzata di quelle incredibili, ma non è che la materia dalla quale attingere fosse poi Kubrick. In qualsiasi caso brutto o meno il suo Blair Witch è girato mirabilmente, d’altronde, con Mike Flanagan, Wingard è il miglior regista giovane in circolazione. Non conta che Kevin Smith si metta il cappello al contrario e canti “Hanno ucciso l’Uomo Ragno“, lui non è giovane!
To catch a predator
Stupisce quindi leggere, facendo scroll sui vari siti, perdendomi in pseudo recensioni di Facebook, che questo Death note sia così brutto da essere insalvabile: attori penosi, regia disastrosa, non si capisce nulla dopo i primi minuti. Cazzo, mi sono detto, ecco il nuovo Franco Columbu, il mefistofelico Wingard finora ha finto di girare bene ed essere un talentaccio, invece era un cane di quelli più terribili perché capace di mimetizzarsi bene nel panorama horror; se il suo cervello gli diceva di girare così lui girava cosà, e come il Dottor Male ci ha fregato regalandoci ottimi horror che probabilmente a lui facevano schifo. Ecco quindi Death note è il gusto genuino di Wingard per la merda e lui come un maledetto coprofilo ci sta sguazzando peggio di Paperon De Paperoni in versione Babe miliardario.
Un altro Dragonball evolution?
In un’altra realtà però, la Terra 43 della DC Comics, perché, in questo mondo, Death note è un bel film.
Non siamo davanti al capolavoro del nuovo millennio e probabilmente neanche alla migliore produzione Netflix (Seven sisters di Tommy Wirkola è su un altro pianeta), ma ad un dignitosissimo prodotto d’intrattenimento che è sbarcato sul piccolo schermo ma su un IMAX potentissimo poteva anche fare la sua porca figura, meglio dei vari horrorini da uscita estiva che James Wan ha generato.
Non ho letto il manga, non ho visto l’anime, è perciò questa recensione è pura, senza vizi di forma da appassionato fan che si lacera le vesti se un personaggio ha cambiato etnia o il film è ambientato in America e non in Giappone, perché a me importa sega, io sono qui per parlare di Death note come di un prodotto cinematografico con i suoi se e i suoi ma, non delle seghe mentali che mi sono fatto su come l’avrei girato, su come il manga è stato rovinato, bla bla bla. Poi, siamo sinceri, non è che le precedenti trasposizioni di Death note live fossero questi gran capolavori, dai film di Shūsuke Kaneko a quello di Hideo Nakata, ma, si sa, il fascino dell’Oriente è come un pelo di figa con davanti tutti i buoi.
Death note ha ritmo, un ritmo indiavolato, forse proprio per la sua durata breve, e succedono tantissime cose, così tante che sembra di essere su un ottovolante da Luna Park. Si passa da cruente uccisioni alla Final destination ad inseguimenti alla William Friedkin a piedi in una Vancouver magnificamente fotografata fino alla catarsi di una magnifica e crudele storia d’amore sulle note di Feel My Love.
Ecco che Wingard si diverte a dare la sua personale interpretazione di Death note, spostando i caratteri dei vari personaggi, arricchendoli di tic, di un’umanità che la controparte giapponese non aveva, rivelando la fallibilità di un gruppo di ragazzini che giocano a fare gli dei della morte o i grandi detective e poi cadono in un pianto disperato sbattendo i piedi a terra in cerca della mamma.
La cosa migliore del film è però il rapporto tra Light e la sua sua ragazza Mia, una, sorta di attrazione fatale che pesca a pieni mani l’immaginario filmico di pellicole anni 80, le stesse che Wingard ama da sempre citare a piene mani, come la Bella in rosa o meglio, la sua versione pulp, ovvero Schegge di follia. Il rapporto tra i due più che di sesso è costellato di morti, di una visione di giustizia che ad un certo punto, tipo cancro, impazzisce e, come tutte e storie d’amore, si comincia a litigare. Ecco che la sequenza con Feel My Love acquista la potenza romantica di un Fight club dove un attonito Edward Norton stringe innamorato la mano di Helena Bohan Carter davanti all’Armageddon, all’apocalisse, le torri gemelle che cadono. “Mi hai incontrato in un momento difficile della mia vita”. Lacrime.
Stilisticamente Death note è un gioiellino, girato mirabilmente, capace di emozionare grazie alla potenza visiva dell’immagini, ma paga anche una sceneggiatura a volte troppo facilona e caotica. Non ci si preoccupa per esempio che Watari (Paul Nakauchi) chiami il cellulare di Light senza che a nessuno, polizia, FBI, L, venga in mente di tracciarlo, una cosa abbastanza stupida a pensarci. In più, come nota negativa, abbiamo lui, Natt Wolf in pieno overacting, sguaiatissimo tipo checca isterica quando incontra il suo Shinigami Riuk, sempre col piede sbagliato nel ritrarre il suo personaggio, una parodia alla Adam Sandler quando doveva esserci un attore di ben altro spessore.
Attori di spessore
Il resto del cast però non è male, a cominciare dall’ottima Margaret Qualley in un ruolo dalle molteplici sfumature fino al paranoico L di Lakeith Stanfield, divoratore compulsivo di caramelle e insonne cronico. Ottimo anche Willem Dafoe che doppia divertito il Fonzie del film, Riuk, il simpatico Shinigami che vorrei avere a casa per fare bisboccia.
Il simpaticone
Che importa poi se il finale, comunque emozionante, resta aperto in previsione, ma può essere anche no, di un due. D’altronde stavolta sono i fan del Death note originale a marciare contro un film che ha avuto il beneplacito persino dei creatori della serie a fumetti e a non capire che, se si vuole l’aderenza perfetta da un opera letteraria, non bisogna trasporla, mai. Questo Death note è la visione di Wingard del fumetto, un’interpretazione, nè più nè meno di come Christine di Carpenter lo era di Stephen King. Non sono brutti film, sono mondi inconciliabili, per fortuna.
Andrea K. Lanza
Death note: Il quaderno della morte
Titolo originale: Death note
Anno: 2017
Regia: Adam Wingard
Interpreti: Nat Wolff, Lakeith Stanfield, Margaret Qualley, Willem Dafoe (voce di Ryuk), Jason Liles (Ryuk), Shea Whigham, Paul Nakauchi
Immaginatevi un film povero, ma così povero di mezzi che cerca un’idea figa per emergere e fallisce, miseramente. Ecco questo è 400 giorni- simulazione nello spazio, una porcheria con il peggior Superman di sempre, nonché uno degli attori più cagneschi che mente umana possa ricordare, Sir Brandon Routh, il principino della mediocrità recitativa. Cioè voi potete pensare che io, per una qualsiasi ragione umana, sia portato ad odiare Brandon nostro, ma sbagliate perché, anche in cosacce brutte brutte come Dylan Dog, a lui voglio bene, perché è come la Corinna di Boris, una cagna maledetta, un dilettante stonato con la voglia di essere un soprano, una ballerina zoppa, insomma Brandon Routh se non fosse un discreto fico, amico di Brian Singer, sarebbe nessuno, come giustizia divina vorrebbe.
400 giorni è il film indipendente che non vorresti, tu spettatore, mai vedere: velleitario negli intenti e nei risultati, una discreta rottura di coglioni che ti fa lacrimare lo scroto anche quando dovrebbe tirare le somme e non lo fa perché si crede una sotto nolenata senza mai raggiungere Christopher Nolan, figurarsi Jonathan.
400 giorni è la storia di una missione di simulazione nello spazio dove i 4 candidati astronauti sono tra i peggiori elementi papabili per una simile missione, un maniaco suicida, un pazzo, una coppia in crisi. Ad un certo punto sembra di entrare in dimensione Event horizon con gli incubi dei poveri Cristi che irrompono nel reale, il figlio morto di uno dei protagonisti che fa capolino tra i corridoi, la paranoia di un altro che sfocia nel delirio sanguinolente con urla e dolore, insomma una versione Hellraiser nello spazio che potrebbe portare il film in campi interessanti e invece si arena in un delirio senza capo né coda.
Matt Osterman, uno che nel suo curriculum ha due corti e un lungo di fantascienza ignoto ai più, cerca in tutti i modi, grazie ai dialoghi, grazie alla storia, di creare tensione e interesse, malgrado il budget modesto, ma, poverino, non ci riesce, perché la materia è robina, insignificante e non sense, che alla fine irrita perché ha lo stesso mistero di un adolescente che per fare l’interessante ad una festa resta ai bordi della stanza, in silenzio, anche quando le luci si spengono, pace all’anima sua, e le donne se ne vanno, sfigato ma misterioso sempre.
Nessuno spiegherà mai perché i 4 astronauti siano capitati in un’apocalisse post nucleare (una pioggia di comete come dice il gestore del drugstore? Una bomba? Un’altra dimensione?) e non ha senso neppure il finale wow a sorpresa perché è tutto troppo stupidello se ci stai a pensare un po’ su.
Gli attori non fanno molto, anzi si trovano spaesati e spauriti, ad aggirarsi in un set pauperistico che a qualche folle ricorderebbe Mario Bava o Antonio Margheriti, in una storia che vorrebbe essere 2000 maniacs ma non è neppure il seguito di Tim Sullivan, tanto mediocre è.
Dispiace perché 400 giorni è giunto in Italia, non si sa come, non si sa perché, alla faccia dei tremiladuecento film che in Italia non ci giungono mai, una cosa così mediocre da essere ripugnante e non perché sia oscenamente brutta, ma proprio perché non ha il coraggio di esserlo e così resta lì lì tra il bene e il male, ebete, imbelle, come direbbe Shannen Doherty in Generazione X, una cosa senza coglioni.
Andrea K. Lanza
400 giorni – Simulazione spazio
Titolo originale: 400 Days
Anno: 2015
Regia: Matt Osterman
Interpreti: Brandon Routh, Dane Cook, Caity Lotz, Ben Feldman, Tom Cavanagh, Grant Bowler, Dominic Bogart, Fernanda Romero, Sally Pressman, Mark Steger
