Col titolo Danza macabra esistono diversi film: il più famoso è il gotico di Antonio Margheriti del 1964, poi c’è l’horror frankestein del 1968 di Jack Hill e Juan Ibañez con un Boris Karloff subliminale, conosciuto anche come La ballata della morte, per arrivare al titolo alternativi de La sanguisuga conduce la danza, giallo erotico di Alfredo Rizzo di metà anni 70.
Noi non parleremo ovviamente di nessuno di questi, ma di uno slasher debitore di Suspiria, uscito nel 1992, e relegato per sempre nel magico mondo delle vhs.
Con il termine danza macabra si intende “un tema iconografico tardomedievale nel quale è rappresentata una danza fra uomini e scheletri“. Questa idea di ballata tra vivi e morti ha avuto la sua sublimazione a livello musicale con la Totentanz, un brano per pianoforte e orchestra composta tra il 1834 e il 1859 da Franz Liszt. Possiamo trovare tracce di danza macabra nelle magnifiche poesie di Tiziano Sclavi raccolte nell’antologia Nel buio del 1993, e nel Mario Bava di Lisa e il diavolo, 1972, prima che qualcuno lo trasformasse in un Esorcista brutto.
Quando Greydon Clark gira nel 1992 il suo Danse Macabre, è probabile che non avesse in mente nessun parallelo con l’arte, ma semplicemente era un titolo che suonava maledettamente bene per una storia che parlava di ballerine uccise male da un assassino.
Il passo successivo fu scritturare Robert Englund, l’interprete dietro Freddy Krueger, che, da anni, faceva un po’ fatica a trovare un altro ruolo importante senza essere a vita legato alla creatura diWes Craven. Probabilmente quando Rachel Talalay girò Nightmare 6 la fine, per l’attore si concretizzò il sogno di emergere nel mondo horror con ruoli che lo valorizzassero e lo facessero amare ancora di più dal pubblico. Cosa che ovviamente non successe.
Già nel 1989 Englund aveva amaramente sperimentato l’insuccesso con Il fantasma dell’opera, sciagurato slasher che mischiava il romanticismo macabro di Gaston Leroux con il coattismo del teen horror del suo Freddy. 2 milioni di budget e un rientro mondiale di neanche 4 quando Nightmare 5, dello stesso anno, esordiva nel weekend americano con ben 8,115,176 milioni di dollari. Si era fatta avanti l’ipotesi, terribile, che al pubblico non interessava l’attore quanto solo la maschera, chiunque ci fosse sotto.
Dopo il relativo disastro de Il fantasma dell’opera, aperto però ad un seguito, circolò ad Hollywood un copione intitolato The Phantom of the Opera 2: Terror in Manhattan. Sembra, stando anche all’autorevole voce della rivista Fangoria, che da questo script sia nato appunto Danza Macabra.
Nel film di Greydon Clark però non c’è traccia di Manhattan, già terrorizzata nel 1989 da Jason in Venerdì 13 parte VIII, ma l’azione si sposta, nei pochi esterni, in Russia e più precisamente a San Pietroburgo. Abbiamo però Englund sempre sfregiato e sempre dietro un pesante make up in due ruoli.
Produce sempre la 21st Century Film Corporation di Menahem Golan e Harry Alan Towers, specializzatasi per un certo periodo nel trasformare in slasher alcuni racconti di Edgar Allan Poe come Il mistero di casa Usher e La maschera della morte rossa di Alan Birkinshaw, Il gatto nero di Luigi Cozzi e Sepolti vividi Gerard Kikoine.
Danza macabra purtroppo non convince: ha ottimi momenti ma anche tante, troppe, facilonerie narrative e sciattezze stilistiche.
Chi fa la parte del leone è ovviamente Robert Englund ma la sua recitazione indovinata e davvero frastagliata deve fare i conti con una storia che mostra il fianco alla prima, patetica apparizione dell’attore in vesti femminili sotto un parossistico cerone.
Non saremo noi a spoilerare il finale ma ci dev’essere un grande problema se si è pensato di basare un’intera pellicola su un colpo di scena che è palese fin dai primi minuti. Il mistero dell’identità di Madame, l’assassina che stermina giovani ballerine, poteva essere geniale in un mondo distopico nel quale lo Psycho di Hitchcock non è mai stato girato. in più tutti i siti riportano l’attore o l’attrice che interpreta la spietata killer mandando a quel paese il già labile effetto sorpresa.
Englund però è bravo, nei suoi due ruoli, il migliore del cast in un’interpretazione camaleontica che anticipa la Tilda Swinton del Suspiria di Guadagnino. Oltretutto non è l’unico aggancio con il remake non remake di Dario Argento: in Danza macabra abbiamo una scena di morte intervallata da un balletto, un po’ come succedeva con l’esibizione di Dakota Johson ai danni della ribelle Elena Fokina. Certo nel film di Clark nessuna ballerina viene uccisa con arti magiche, ma l’idea della messa in scena è la stessa, solo virata in chiave thriller.
In Danza macabra a convincere sono le morti, baciate dai colori rossi e blu, un po’ a ricordare in piccolo Suspiria del 1977. Gli omicidi, soprattutto il primo in una piscina, con la soggettiva del killer sono di forte impatto. Per il resto comunque abbiamo impiccagioni che riportano a quella di Eva Axén nel film di Argento, molti accoltellamenti e un suicidio simulato di una studentessa di danza. Non troppi ma ben girati e con un ottimo senso del ritmo.
Anche sul piano nudi il film è abbastanza generoso soprattutto quando ci mostra Michelle Zeitlin, dai seni bomba atomica, cavalcare in amplessi focosi il bietolone Alexander Sergeyev, o la bella Nina Goldman in ammollo con le sue belle tettine prima di essere massacrata.
A non funzionare sono le interpretazioni delle attrici, per la maggior parte vere ballerine, tutte abbastanza anonime anche se bellissime, e una storia che prosegue per inerzia fino a diventare, nel finale, anche cretina.
Il meno dotato del cast però è senza dubbio il già citato Alexander Sergeyev, fuori parte e monocorde. L’attore scopriamo da imdb è morto a soli 50 anni nel 2006. Il suo Alex, colpa di una sceneggiatura sciatta, è quasi un personaggio subliminale e senza interesse: appare e viene ucciso senza che allo spettatore freghi davvero qualcosa.
La regia di Clark palesa la povertà del progetto, pecca di scarsa attitudine nel montaggio e ha, nei momenti non puramente horror, un andamento da telefilm anni 80. Di certo il regista non è mai stato un virtuoso della macchina da presa fin dal suo esordio nel genere con Satan’s Cheerleaders del 1977. Il suo momento di bassezza regale l’ha avuta con quella stramberia gore di Uninvited del 1988 con un gattaccio mostruoso a far danni su una barca. Un inedito in Italia che io consiglio sempre: rozzo, scemo, ma da far pisciare dalle risate.
Da noi Danza macabra uscì direttamente in vhs per Multivision con un buon doppiaggio e una qualità video molto buona.
A suo modo, per i fan di Englund e per gli appassionati dei ripoff di Suspiria, resta un oggetto curioso e perché no da recuperare.
Andrea Lanza
Danza macabra
Titolo originale: Dance Macabre
Anno: 1992
Genere: thriller
Regia: Greydon Clark
Interpreti: Robert Englund, Michelle Zeitlin, Marianna Moen, Julene Renee, Nina Goldman, Irina Davidoff, Alexander Sergeyev, Natasha Fesson, Vadim Zajtsev, Alexander Usanov, Irina Sabanova, Nina Ivanovich, Greydon Clark
Da noi Hide and Go Shriek uscì nel 1989, inspiegabilmente al cinema, a Maggio, con un divieto ai 14 anni. Inspiegabilmente perché a tanti horror/slasher del periodo spettava il solo passaggio in vhs, Venerdì 13 compreso, con i capitoli 6, 7 e 8 trattati come fondi di magazzino per videoteche coraggiose.
Invece il film di Skip Schoolnik, futuro produttore per Angel, lo spin off di Buffy l’ammazzavampiri, Sons of anarchy e The walking dead, fu editato persino dalla Columbia home video con un doppiaggio di tutto rispetto.
Certo il titolo italiano, Doppio delitto, non c’entrava una mazza con la vicenda, ti faceva confondere con una pellicola di Steno del 1977 interpretata da Marcello Mastroianni e Ursula Andress, e soprattutto non ti aiutava a capire che si trattava di uno slasher. Così in Italia il film passò inosservato su grande schermo, in vhs prese la polvere, non ne ricordo un passaggio, uno, in tv, e per 22 anni non ambì alla promozione in digitale. Fino all’arrivo della neonata Thunder video.
L’edizione dvd, con un video perfetto che manda in pensione la vecchia e scurissima videocassetta, restituisce dignità ad una pellicola che, di solito quando se ne parla, lo si fa denigrandola.
Rudy Salvagnini nel suo dizionario horror neanche lo cita e Pier Maria Bocchi, sulle pagine dello speciale slasher di Nocturno del 2003, lo liquida con veleno da viperetta “E pensare che questo cesso da noi possiede pure il nulla osta“. Sbaglia liquidando i personaggi come “di un’idiozia da enciclopedia” ma non sul fatto che il prologo, con l’assassino che sventra una prostituta allo stesso modo di Jack lo squartatore, non abbia molto senso col resto della storia.
Hide and Go Shriek arriva dopoSupermarket Horror (Chopping Mall) di Jim Wynorski, del 1986, e Giochi pericolosi (Dangerous Game) di Stephen Hopkins, del 1987, ma anticipa di un anno il capolavoro del sottogenere “chiusi in un grande magazzino in balia di un killer” ovvero Terrore senza volto (Intruder) di Scott Spiegel.
Il film di Skip Schoolnik, pur non calcando la mano sul sangue, è molto piacevole, scorrevole, con nudi gratuiti e deliziosi e una certa abilità nel gestire la suspense.
Certo a fare la parte del leone è soprattutto l’ambientazione, un negozio di mobili pieno di inquietanti manichini sorridenti, ma le scene di morte sono comunque ben girate, crudeli, e l’idea di un serial killer che si veste con i vestiti della precedente vittima per attirare la prossima è di quelle bizzarre ma interessanti.
Bunky Jones RIP
In più abbiamo gli effetti speciali di Screaming Mad George (Society), castrati è vero per non ottenere la X come rating, ma inventivi quanto basta: decapitazioni con ascensori, ventri perforati da braccia di manichini, corpi trafitti da spuntoni e tanto sangue vomitato dalle vittime.
Se si può accusare di qualcosa il film è che fa iniziare la sua danza di morte a più della metà della vicenda e si ferma a solo 3 omicidi su 8 possibili vittime. Per fortuna non ci annoia mai grazie a dialoghi abbastanza brillanti, a dei personaggi simpatici e soprattutto, come detto, alla generosità delle giovani protagoniste.
Il versante nudi e tette è gustoso soprattutto perché le quattro ragazze, Bunky Jones, Brittain Frye, Annette Sinclair e Donna Baltron, oltre a recitare più dignitosamente della media delle scream queen, sono di un bello inimmaginabile. A contrastare ci pensa un reparto maschile un po’ legnoso a livello recitativo e, nel caso del misterioso serial killer camaleonte, pure cagnesco e macchiettistico.
Donna Baltron, ad orecchio doppiata dalla Laura Lenghi di Neve Campbell, è la ciliegina erotica e inaspettata della torta: goffissima nei panni ingombranti della verginella con camicie di tre misure più grandi a coprirle le grazie, si lancia in uno scatenato spogliarello. “L’ho imparato guardando i porno” afferma e tutte le Demi Moore del mondo zitte.
Hide and Go Shriek, un po’ sulla scia di Nightmare 2 di Jack Sholder, è attraversato da una latente vena omosessuale con personaggi maschili che fanno allusioni sessuali mangiando languidamente banane o toccando il petto degli amici mentre discutono di ragazze. A difesa di questa tesi poi ci sono le motivazioni del killer, che non riveleremo ovviamente, e la sua tenuta da sadomaso alla Cruising nel finale. In più uno di questi ragazzi, Scott Fults, il più efebico, sembra ben poco interessato al sesso con la disponibile Ria Pavia.
Hide and Go Shriek, o Doppio delitto, con le sue luci alla Dario Argento, è un prodotto curioso, sconosciuto e sicuramente da recuperare ora che sta rivivendo una seconda, migliore vita in dvd.
Scopriamo purtroppo che la bellissima Bunky Jones, vista anche in Grotesque con Linda Blair, che all’epoca del film aveva appena 22 anni, morì, alle soglie dei 50, per cause ignote. Doppio delitto fu l’ultimo lavoro di una carriera di appena sei titoli. A noi piace ricordarla così, splendida ed eterna, in quella magia che solo il cinema possiede.
Andrea Lanza
Doppio delitto
Titolo originale: Hide and go shriek Aka “Close yor eyes and prey”
Anno: 1988
Genere: horror/slasher
Regia: Skip Schoolnik
Interpreti: Bunky Jones, Brittain Frye, Annette Sinclair, George Thomas, Donna Baltron, Scott Fults, Ria Pavia, Sean Kanan, Scott Kubay, Jeff Levine, Michael Kelly
Grazie a case come la Home video o la Shockproof possiamo ammirare perle dell’infima serie B americana come ai tempi delle vhs. I fratelli dvd sono sempre stati un po’, a dirla tutta, un formato più fighetto: più dettagli, pieni di extra e soprattutto titoli più mainstream dimenticando capolavori sotterranei tipo Il soffio del diavolo oLa notte dei demoni. Certo ci sono state mosche bianche come la Storm video che ci hanno trasportato in un mondo di gioielli e patacche, un tanto al kg, magari ignorando la qualità del formato proposto e avvicinandosi al vecchio nastro magnetico. Da un po’ però nessuno allietava il nostro famelico appetito da cinefili mannari. Ben venga quindi la nascita della Thunder video, una collana che ci offre alcuni film misconosciuti a stelle e strisce, miserabili a volte, deliziosi altre, ma sempre con l’idea un po’ corsara di stare assistendo ad un grande spettacolo popolare tipo cinema Grindhouse, un biglietto per due spettacoli.
I primi titoli usciti sono Doppio delitto di Skip Schoolnik, pregevole slasher del 1988 editato da noi in vhs dalla Columbia, Psychos in Love di Gorman Bechard, folle storia d’amore sanguinosissima a suo tempo sotto etichetta Skorpion, poi tre film girati da Rick Sloane, Hobgoblins, un classico del cinema povero ad imitazione Gremlins buttato in videoteca per la Avo film, The visitants visto per la Antoniana, Blood Theater per la DB video, e per finire ciliegina sulla torta, l’inedito Splatter University di Richard W. Haines.
Proprio su quest’ultimo film ci concentreremo ma sia dato atto che le confezioni della Thunder video, vintage come delle vecchie videocassette, sfondo nero con le magnifiche copertine d’epoca, sono da orgasmo. In più la qualità video e gli extra mandano proprio in pensione i nastri magnetici di storica memoria. E’ vero che siamo su un blog che si chiama Malastrana vhs ma fanculo, scusate il francesismo, se devo mangiare brutti film preferisco che la qualità sia ottima senza perdere diottrie.
Tra l’altro mai capiti i catecumeni del vintage. Io per esempio adoro i vecchi film, ma non sono un feticista del formato nostalgico. Per me un film in vhs è uno stato mentale, è uno spettacolo popolare grandioso che esiste anche in alta definizione, sono tutti quei film che sanno emozionare, sorprendere nel bene o nel male e che, negli anni 80, avremmo trovati in polverose videoteche nel fascicolo dei film di catalogo. Però se devo scegliere se vedermi, che so, il magnifico Sotto shock in videocassetta per la Penta film o nel blu ray dettagliatissimo, con 90 ore di extra, della Midnight factory, beh, amici miei che vi masturbate con i videoregistratori, io scelgo il formato moderno. E mi dispiace per gli altri, come diceva il sommo Adriano Celentano.
Splatter university è un film Troma, ma senza quel gusto insistentemente trash che farà la fortuna della casa di Lloyd Kaufman a partire da quel The Toxic Avenger – Il vendicatore tossico che, dal 1984, aprirà le danze, non solo per una serie di film sciaguratamente folli ma, soprattutto, per una vera poetica della filmografia infima, la scuola Troma.
Non che in Splatter university non ci siano delle cadute di tono o una cattiva recitazione in generale, ma si percepisce, a differenza della seconda (co) regia di Richard W. Haines, Class of Nuke ‘Em High, una certa cura nel gestire la suspense senza cadere nella parodia un po’ cretina a tutti i costi.
Si respira un’aria di povertà estrema: nel 16 mm gonfiato a 35, negli omicidi goffi e gratuitamente sanguinosi, nella frettolosità di uno script che cerca soprattutto di depistare lo spettatore in una risoluzione non così geniale. Però poi si scopre su imdb che il film è costato solo 26 mila dollari quando un low buget come Evil dead ne è costato dieci volte tanto, quindi un po’ cerchi di chiuderlo un occhio per un horror che, nonostante le difficoltà, si lascia guardare.
Ci sono poi cose che sono anche molto carine: alcuni omicidi, soprattutto quello di Kathy LaCommare in un drive in spettrale, sono filmati con un gusto invidiabile anche alle grandi produzioni. Il problema è che, per tener fede al proprio titolo, Splatter university si butta a mostrare troppa trippa e sventramenti senza curarsi della logica della narrazione. Le attrici, la rossa Denise Texeira in primis, sono solo belle a vedersi ma non provano neanche per sbaglio a recitare. Tolta la componente sporcacciona, che è assente, il film le riprende come manichini urlanti in attesa di essere scannate brutalmente. In Splatter university, come un film cinese sottototitolato in croato, ti confondi con i vari ruoli, chi sia chi, chi è stato ucciso, chi fa cosa, in un cortocircuito di assenza emozionale che ti rende partecipe con l’unica persona che dovrebbe essere invece la più spregevole, l’assassino.
Racconta Richard W. Haines, negli extra del dvd, che Splatter university fu trasmesso in un cinema grindhouse insieme ad Un lupo mannaro americano a Londra.
“Erano cinema fatiscenti con il soffitto che perdeva molte volte l’intonaco. Potevi trovarci tossici, puttane, rapinatori ma il rischio rendeva bello lo spettacolo. Sceglievi una sedia, magari non squarciata da un coltello a serramanico, e ti godevi questi film, a volte magnifici, a volte orribili, ma sempre divertenti. Ricordo che per il mio Splatter university il pubblico si alzò urlando, nel finale, e urlava rivolto all’assassino – Uccidila! Uccidila!“
L’unica attrice che davvero ci prova a recitare è Francine Forbes che, leggenda vuole, accorgendosi che il regista non si curava molto della continuity, cominciò ad etichettare i suoi vestiti così da non indossare abiti diversi in una stessa sequenza. Lei è sicuramente la migliore del cast, quella che non strilla solo come una disperata ma ha un’approccio da professionista anche nei momenti puramente da scream queen.
Il colpo di scena migliore però è nel finale, che non riveleremo, ma che ribalta in maniera anarchica le regole dello slasher. Questa sì una sorpresa inattesa, più del prevedibile assassino, rivelato tra l’altro già dal trailer originale.
Il film originale durava solo 65 minuti e Richard W. Haines dovette tornare a rigirare 10 minuti per rimpolpare il tutto. Probabilmente tra queste scene c’è anche il prologo e l’epilogo in manicomio che sembrano sequenze estemporanee attaccate con lo sputo al resto della vicenda.
La terribile ma bellissima Denise Texeira posò con altre attrici anche per i cartelloni promozionali del film. In questi scatti il killer indossa una tonaca da laureato che nel film non vedremo mai. A non apparire in Splatter university è però la bionda Elizabeth Kaitan, interprete del gustoso scifi horror Necromancer, presente però in queste foto.
Lei non c’è
Il film fu girato nel 1981, ma uscì solo nel 1984 quando la Troma ormai stava diventando leggenda con il suo Vendicatore tossico armato di scopettone del cesso. Di certo non abbiamo un capolavoro, ma un film un po’ improvvisato che si lascia guardare senza pretese. Una perla comunque per tutti gli amanti dello slasher più misconosciuto che, con la frase di lancio “Quando i colori della scuola sono rosso sangue“, accendeva la nostra fantasia di speranze, forse disattese. Era anche quella la cifra stilistica del cinema miserabile che amiamo da sempre e che da anni rimpiangiamo.
Andrea Lanza
Splatter University
Anno: 1984
Genere: horror
Regia: Richard W. Haines
Interpreti: Francine Forbes (Forbes Riley), Ric Randig, Dick Biel, Kathy LaCommare, Laura Gold, Ken Gerson, Sal Lumetta, Clifford Warren, Noel Stilphen, Mary Ellen David, Jane Doniger Reibel, Dan Eaton, John Michaels (John Elias Michalakis), George Seminara, Joanna Mihalakis
Black Christmas (1974), da noi Un natale rosso sangue, è uno degli horror, se non l’horror, che ha dato il via al fortunato genere slasher ovvero quel filone che mette in scena un omicida, di solito, mascherato, bramoso di fare a pezzi giovani studentesse. Non famoso come il successivo Halloween di John Carpenter, il film di Bob Clark, futuro regista del cult assoluto Porky’s – Questi pazzi pazzi porcelloni!, è qualcosa di ancora modernissimo: tensione alle stelle, omicidi fantasiosi, belle ragazze in pericolo e un serial killer che terrorizza anche solo con una telefonata. Tutti elementi che, negli anni, diventeranno cliché del genere, ma che qui sono raccolti e raccontati con uno stile unico e che non risulta mai datato.
Certo Bob Clark nel genere horror non era un novellino: suoi i gagliardi L’assedio dei morti viventi (Children Shouldn’t Play with Dead Things) del 1972 e, soprattutto, La morte dietro la porta, del 1974. E’ però con Black Christmas che arriva a girare un vero capolavoro, imitato, parodiato, scimmiottato negli anni, anche solo nell’influenza dell’altrettanto ottimo Halloween.
C’è da dire, ad onor del vero, che il primato per il genere slasher, anche se ancora ancorato alle logiche del thriller di matrice argentiana, la dobbiamo al nostrano I corpi presentano tracce di violenza carnale (1973) di Sergio Martino, che sublima le regole di body count mostrate dal complesso Ecologia del delitto (1971) di Mario Bava. Senza dimenticare poi lo strano western In nome del padre, del figlio e della Colt diretto da un Mario Bianchi con lo pseudonimo di Frank Bronston, sempre del 1971, che mette in scena un assassino mascherato in vena di omicidi ad Halloween.
In nome del padre, del figlio e della Colt
Nessuno di questi esperimenti però, figli di altri generi, ha avuto la forza e la capacità di imporsi e far nascere, anche senza volerlo, un genere nuovo che anche oggi, nel 2020, è vivo e vegeto.
Per anni però di Black Christmas se ne perdono le tracce: nessun seguito in vista, mentre di Halloween, Venerdì 13 e dei loro figli belli e meno belli ne vediamo uscire a bizzeffe, numeri 2, 10, uno contro l’altro, nello spazio, ma nulla del povero killer appassionato di Natale. Nel 2006 si decide finalmente di resuscitareil thriller di Clark con uno sfavillante remake diretto da Glen Morgan, produttore e sceneggiatore famoso per X-files, reduce come regista dal flop commerciale di Willard il paranoico, sua opera prima. Produzione canadese, come per il film originale, il vecchio regista alla produzione, un cast di bellissime ragazze e una violenza esasperata che sfocia nello splatter più selvaggio. Il film è fantastico ma non ottiene né il plauso della critica né pareri buoni dagli spettatori che, a tutt’oggi, bollano la pellicola su imdb con 4, 6 di votazione. Un thriller forse non capito, o troppo serio per la generazione che non distingueva Scream da Scary movies: incassò nel mondo solo 21 milioni a fronte di un budget di 9. Di Glen Morgan, al cinema, non se ne sentirà parlare più.
13 anni dopo è la Blumhouse, casa famosa per i suoi low budget di successo miliardario, come Insidious o Conjuring, a resuscitare ancora il marchio Black Christmas con un’opera bizzarra, castrata e dalle tante, troppe ambizioni.
Del film originale di Clark, intanto defunto, in questo nuovo remake neozelandese, resta ben poco: qualche omicidio che occhieggia al prototipo, il titolo e poco altro. Un’operazione per certi versi simile all’assurdo Che la fine abbia inizio (Prom night) di Nelson McCormick, ispirato ma non ispirato a Non entrate in quella casa (sempre Prom Night), classico slasher canadese con Jamie Lee Curtis.
Brittany O’Grady as Jesse in Black Christmas, co-written and directed by Sophia Takal.
Dietro la macchina da presa abbiamo Sophia Takal, attrice e apprezzata regista, nota per i suoi personaggi femminili interessanti e poco stereotipati. Il suo primo contatto con la Blumhouse è l’episodio New Year, New You della serie horror antologica Into the dark, un gioco al massacro tra amiche interpretato con partecipazione da Suki Waterhouse, Carly Chaikin, Williams Kirby Howell-Baptistee Melissa Bergland. Abbiamo qui, come in tutte le opere della Takal, il limite di una storia non eccelsa, troppo didascalica e urlata. Così anche una regia ispirata, si perde in un pasticciaccio indigesto e velleitario.
Non dissimile è questo Black Christmas: personaggi anche interessanti, temi lodevoli come la violenza contro le donne, ma un totale disinteresse per la storia a favore di un messaggio sbandierato all’esasperazione, quello del girl power, dell’emancipazione femminile e della grettezza del (porco) genere maschile.
In Black Christmas gli uomini sono degli stronzi, vogliono sottomettere le donne, trattarle come oggetti sessuali, farle stare zitte e, nel caso si ribellassero, massacrarle. Non c’è pietà per il mondo maschio né per le “sorelle” che tradiscono scegliendo di essere schiave, magari mogli e fidanzate, in un universo fallocentrico: si muore e male.
Si salva un uomo è vero ma è anche il personaggio peggio scritto, assolutamente assessuato in un horror che affronta il tema dello stupro ma cerca di essere il meno morboso possibile e soprattutto cerca di non parlare mai di sesso.
Ne esce un film tagliato più di 10 minuti, esangue, con delle morti che sulla carta sono carine ma che si concludono prima dell’atto come quei porno che uscivano censurati di cazzi e sborra, perdendo la poesia orgiastica di un Rocco Tarzan contro Jane l’assatanata.
Questo perché alla Takal importa una sega del genere horror, di Black Christmas, di Bob Clark, degli omicidi come forma d’arte, a lei interessa solo il metaforone che vuole la donna prendere a calci in culo l’uomo e fargli pure malissimo.
Così ad un certo punto la storia prende una tangente strana: subentra il satanico a favore del thriller, si perde il maniaco che chiamava le studentesse per preferire una coscienza maschile totalitaria, da insetto, che muove i membri di una confraternita ad essere un unico cervello per più killer.
Certo anche le protagoniste si definiscono “formiche” ma per evidenziare il loro essere unite, non depersonalizzate, mentre gli uomini, dietro una maschera da Dottor Destino, sono solo una massa stupida, mossa dalle pulsioni più semplici, riprodursi e ammazzare.
La Takal loda i tagli perché così, PG13, il film potrà essere visto da un pubblico vasto, da ragazzine che sapranno quali pericoli possa riservare il mondo maschile e riprendersi il proprio ruolo di donne, giovani donne del domani. Così la battuta “Succhiami il cazzo” prima di bruciare un cattivone, detto dalla stracazzutissima Aleyse Shannon, si tramuta senza senso nella monca “Succhiami il…”, tanto per non offendere nessuno in sala.
Peccato perché è proprio nel finale, quando le donne ribaltano la situazione da vittime a cacciatrici, che il film prende una strada deliziosamente exploitation alla Jonathan Demme con femmine incazzate armate di arco. “Hai scelto la puttana sbagliata” esclama la sorella nera e la freccia viene scoccata contro il maschio bastardo. Solo che tutto viene annacquato, anche un’idea concettualmente potente, da questa patina Disney Channel sfoggiata con vanto.
Il cast è formato da anonime attrice, bravine e insipide, un po’ come il film, a cominciare dalla graziosa Imogen Poots (Green Room), classe 1989, nei panni della protagonista Riley. Gli interpreti maschili invece sono per la maggior parte bistecconi inespressivi senza nessuna battuta memorabile perché in Black Christmas anche l’ironia, l’arguzia e l’intelligenza appartengono alle donne.
C’è da dire che l’opera della Takal è girata con perizia anche se sembra in più momenti di stare assistendo ad unDecoteaumeno frocio e misogeno, meno sciatto e senza uomini in mutande. Per intenderci una cosa alla Brotherhood glorificata però da un budget più ricco ma da una sceneggiatura ugualmente orribile con l’aggravante della metaforona che, se non sei Bong Joon-ho, magari lascia stare.
Leggenda racconta che la Takal volesse girare un nuovo I spit on your grave, ma non riuscendo ad avere i diritti, si è buttata su questo Black Christmas. Dio a volte è saggio e ci scampa dai Non violentate Jennifer in versione metoo alla Non fate incazzare Hannah Montana.
Comunque il film ha incassato meno del previsto con buona pace della sua regista, del girl power, del povero Bob Clark che mai è stato tanto insultato, e pure della co-sceneggiatrice April Wolfe che dichiarava tutta felice ” L’ho scritto col pensiero di indottrinare le adolescenti sull’horror”. Da noi, per colpa della pandemia e dei cinema chiusi, è arrivato diretto in canali streaming come Chili. Oddio per colpa, magari è stata una fortuna.
Black Christmas versione 2019 ci fa rimpiangere l’orribile Una lama nella notte (Sorority House Massacre) del 1986, diretto sempre da una donna, Carol Frank, divertente, scemo come un orso down che balla al circo, ma anche sincero nel suo essere exploitation senza ambizioni. Ecco il cinema che davvero ci manca”
Andrea Lanza
Black Christmas
Anno: 2019
Regia: Sophia Takal
Scritto da: Sophia Takal e April Wolfe
Interpreti: Imogen Poots, Aleyse Shannon, Lily Donoghue, Brittany O’Grady, Caleb Eberhardt, Cary Elwes, Simon Mead, Madeleine Adams, Nathalie Morris, Ben Black, Zoë Robins, Ryan McIntyre, Mark Neilson, Lucy Currey, Jonny McBride
Negli anni 70 in Italia i generi più prolifici erano, senza molti dubbi, il thriller argentiano, il poliziesco alla Maurizio Merli e l’erotico perché si sa che il pelo non fa mai male alle visioni cinefile. Quindi non stupisca che nella vicina Spagna venissero prodotti dei film ad imitazione di quelli, la maggior parte coproduzioni col nostro Paese, con titoli però gagliardi come Quel ficcanaso dell’ispettore Lawrence (Los mil ojos del asesino) interpretato da Anthony Steffen, Le calde labbra del carnefice (La muerte llama a las 10) e La signora ha fatto il pieno (Es pecado… pero me gusta) con Carmen Villani e Carlo Giuffrè, tutti e tre tra l’altro diretti da Juan Bosch, uno tra i più prolifici imitatori della nostra gloriosa serie B, sia si trattasse di un western che di una sporcellata alla Sidney Rome.
I più riusciti tra questi tarocchi però sono, a parer mio, i gialli: il mix sesso/morte d’altronde ben si adattava ai registi iberici che, da quel lontano 1968 con Le notti di Satana di Enrique L. Eguiluz, avevano spalancato i cancelli a vampire nude e licantropi porconi, non senza un certo clamore in tutto il mondo. D’altronde, come ho detto in altre recensioni, il cinema del terrore spagnolo era uno dei più inventivi e scatenati di sempre.
Questo Il giustiziere sfida la polizia è girato da uno dei registi migliori in piazza, l’argentino León Klimovsky, talento visionario al servizio dei più disparati generi, capace di rendere oro anche i più miserabili film di guerra o i western più straccioni. Senza contare che il nostro aveva all’epoca di questa pellicola, il 1975, ben 64 anni, ma con la forza e la passione di un ragazzino tanto che, per prenderlo in giro, l’amico Jorge Luis Borges l’aveva ribattezzato “la corazzata Klimovsky“.
Il titolo italiano, più da poliziesco alla Michael Winner, è meno incisivo di quello spagnolo, Una libélula para cada muerto, Una libellula per ogni morto, occhieggiante invece la trilogia zoofila argentiana fatta da uccelli dalle piume di cristallo, gatti a nove code e mosche di velluto grigio.
Il film, ambientato in una Milano fotografata di sfuggita, consegna al pubblico uno spettacolo deliziosamente popolare fatto di morti crudeli e belle donne svestite. Se l’intreccio è farraginoso, ma è un difetto anche dei nostri originali gialli argentiani, Il giustiziere sfida la polizia si riscatta con un ritmo scatenato e con un body count di tutto rispetto, ben 9 omicidi.
Il divertimento per ragazzacci è servito grazie ad un assassino talmente slasher, volto nascosto e ascia alla mano, che lo slasher neanche esisteva. Non male neanche Paul Naschy in formissima recitativa che carica il suo commissario violento di un furore recitativo inaspettato, un personaggio di chiaroscuri che commenta gli omicidi del killer quasi con ammirazione: “Alla fine ammazza puttane, pederasti, tossici, ci sta solo facendo un favore“. La sceneggiatura di Ricardo Muñoz Suay e dello stesso attore, poi non è pedestre e regala al protagonista quei tic da grande film pulp, il sigaro in bocca perenne anche quando cucina o abbraccia la sua donna.
Anche la coprotagonista femminile, una bellissima Erika Blanc, è stranamente ben caratterizzata: non una figura accessoria dell’eroe, ma un personaggio vivido e pensante, ironico e capace di risolvere il caso prima del suo stesso fidanzato. “Cos’è ti scoccia che una donna capisca chi è il killer prima di te?” urla a Naschy che la taccia di fantasie senza senso sull’identità dell’assassino, fantasticherie, sia ben inteso, che la porteranno faccia a faccia con la morte nel concitato finale.
La libellula del titolo originale, lasciata vicino ad ogni cadavere, purtroppo non trova la sua ragione d’essere in una soluzione non molto ingegnosa, con un assassino un po’ incolore, dal movente labile. Peccato perché ad un certo punto salta fuori un libro “I delitti fra i caldei” e si racconta di come questa popolazione della Mesopotamia usasse uccidere i depravati con varie e fantasiose torture per poi appoggiare sul loro corpo, appunto, questo insetto alato. L’idea quindi di un nuovo L’etrusco colpisce ancora si fa spazio tra gli spettatori, ma l’idea viene presto abbandonata a favore di un killer che non disdegna un arredamento gotico stile La notte che Evelyne uscì dalla tomba.
In qualsiasi caso Una libélula para cada muerto è un film molto divertente e da riscoprire, capace di filmare anche uno tra i più assurdi inseguimenti della storia del cinema: uno spacciatore per salvarsi dalla polizia decide di salire sulle montagne russe di un luna park, una cosa senza senso, una fuga presto terminata con Naschy che spegne la giostra.
L’attore interpreterà altri due pseudo spaghetti thriller, il delizioso 7 cadaveri per Scotland Yard (Jack el destripador de Londres) di José Luis Madrid e il tetro Gli occhi azzurri della bambola rotta (Los ojos azules de la muneca rota) di Carlos Aured. Dei tre il mio preferito ovviamente è l’opera di Klimovsky.
Andrea Lanza
Il giustiziere sfida la polizia
Titolo originale: Una libélula para cada muerto
Anno: 1974
Regia: Leon Klimovsky
Interpreti: Paul Naschy, Erika Blanc, Maria Kosty, Ricardo Merino, Susana Mayo, Eduardo Calvo, Anne Marie, Maria Vidal
Luigi Cozzi è uno di quei registi che, nel parlato comune cinefilo, denigriamo sempre con neologismi come “cozzata” per indicare un brutto film, magari di fantascienza o horror. Che Cozzi, scrittore, archeologo e studioso del fantastico, abbia girato pellicole non memorabili è vero, ma è altrettanto vero che, come il diavolo nei dettagli, ogni sua opera, nel bene o male, è adorabile anche nella sciagura. Per spezzare una lancia in suo favore è innegabile che un film come Hercules, con il suo cast all italian star da Richard Donner dei poveri, era (ed è) qualcosa di incredibilmente unico nel panorama italiano, pieno sì di un’ingorda sovrabbondanza di effetti alla Ray Harryhausen, a volte ottimi, molte volte no, ma anche forte di un’idea gagliarda: rileggere i miti greci come un’opera sci-fi. La sua (brutta) fama da regista “trash” la si deve però all’onesto Scontri stellari oltre la terza dimensione(Starcrash), rilettura, un po’ come farebbe un’Asylum non lobotomizzata, del classico Guerre stellari di George Lucas, con tutti i deliri del caso, un gruppo di interpreti già (s)cult a fine anni 70 (David Hassellhoff, Caroline Munro mezza nuda e Nadia Cassini regina delle Amazzoni), ma soprattutto l’invidiabile stoltezza di stare girando un capolavoro assoluto del cinema di fantascienza. Inutile dire che il film fu spernacchiato ovunque e con gli anni fu ribattezzato come Star Trash, giocando col titolo internazionale, o Cozzi Stellari, pur ritagliandosi una certa fama di culto tra i coprofili del cinema orfanello e sfortunato.
Come però il regista arrivò a fine anni 80 a girare Paganini horror fu un’incredibile coincidenza di fattori astrali, gli stessi che muovono come pedine gli eroi di tante sue opere. In questo caso la causa scatenante fu il capriccioso divo Klaus Kinski in una parentesi a Venezia come un Nosferatu senza dentoni e con una zazzera da rockstar, ben diverso da quello interpretato per Herzog.
E’ innegabile che la carriera di Cozzi vada pari passo con quella dell’amico Dario Argento per il quale collaborò ai copioni di Quattro mosche di velluto grigio e Il gatto a nove code, fece da seconda unità per La sindrome di Stendhal e Due occhi diabolici, curò gli effetti ottici per Phenomena e girò una serie di prodotti in tv e al cinema che omaggiavano il maestro, primo il sottovalutato L’assassino è costretto ad uccidere ancora del 1975. Non stupisca quindi che Paganini horror sia influenzato, come sarà il successivo The back cat (De profundis), dagli horror argentiani, Suspiria in primis ma anche Inferno.
Abbiamo parlato però di Klaus Kinski, una star internazionale con la fama di “testa di cazzo”, tanto poco interessato alla qualità dei copioni proposti quanto capriccioso e irascibile sui set. Di questo ne aveva parlato lungamente la rivista Nocturno nelle parole di Joe D’amato/Aristide Massaccesi che lo descrisse come “un marchettaro, (uno che) faceva tutto per soldi, andava dove meglio lo pagavano, però era un professionista eccezionale”.
non proprio Herzog
Quando arriva sul set di Nosferatu a Venezia, prodotto da Augusto Caminito, Kinski ha probabilmente in mente solo la sua regia, Paganini, tanto da fare vero terrorismo sul set rifiutandosi di indossare i canonici denti da vampiro e di rasarsi la testa come il suo personaggio, da Murnau ad Herzog, richiedeva. Il regista, Mario Caiano, stufo ed esasperato, se ne va (ma prima di lui avevano dato forfait Maurizio Lucidi e Pasquale Squitieri), la sceneggiatura non viene rispettata, il divo impone intere e deliranti sequenze di monologo su una barca, le attrici vengono molestate sessualmente dall’attore, insomma il caos più completo che fa naufragare il tutto, un pretestuoso seguito del cult del 1979 con la bella Isabelle Adjani, in un pasticciaccio senza capo né coda, mortificato da un montaggio inverecondo frutto degli stravolgimenti di trama improvvisi. In mezzo a questa confusione chi termina l’opera è proprio Luigi Cozzi che, nel bene o nel male, salva un’opera accreditata nei credits è al solo produttore Caminito.
Il passo successivo, come detto, per Kinski è Paganini, sulla carta un successo annunciato, con l’attore divenuto regista assoluto di un’opera grandiosa sulla scia dell’Amadeus di Milos Forman. L’unica cosa che purtroppo si ripete è invece lo stesso caos artistico del precedente Nosferatu a Venezia con il pubblico disorientato, la critica inacidita e un film immontabile e scalcagnato, pretestuoso e farraginoso storicamente. Cozzi però questo ancora non lo sa, assapora il successo dell’opera kinskiana e pensa prima ad un altro biopic sul musicista per Nat Wachsberger (cfr. Roberto Curti – Italian Gothic Horror Films, 1980-1989) , lo stesso di Stacrash, poi, naufragato quel progetto. ad una versione sci-fi/horror di quello, appunto Paganini horror. Anche se, stando ad un ‘intervista, sul portale close up Cozzi fa risalire l’idea del film a molto tempo prima : “Paganini Horror è stato concepito e scritto da me intorno al 1985, sceneggiato poi con la collaborazione dell’attrice Daria Nicolodi. Il copione piacque a diverse società, che lo opzionarono nel corso degli anni, senza che nessuna riuscisse però a realizzare il progetto”.
A produrre questo strano horror con forti dose di fantascienza, come solito del regista, dovrebbe essere Ugo Valenti, produttore associato per uno dei migliori lavori di Cozzi, Contamination – Alien arriva sulla Terra, buonissimo sci-fi del terrore girato in Colombia, la stessa location che si sceglie appunto per Paganini horror. Si chiama quindi Enzo Sciotti per disegnare una splendida locandina da portare nei vari mercati del cinema per trovare finanziatori e il progetto sembra lì lì per nascere. Qualcosa comunque non funzionò: la sceneggiatura non piaceva a Valenti che presto abbandonò il progetto, lasciando dietro di sè, oltre alle buone premesse, soltanto il magnifico poster con un efficace Paganini zombi intento a suonare, davanti a due spaventati ragazzi, una melodia che si immagina diabolica.
la copertina fighissima
Cozzi, con l’aiuto Daria Nicolodi, ex compagna del regista Dario Argento, rivede lo script che fino ad allora parlava di una casa capace di alterare il tempo con tutti i paradossi del caso, una storia simile al contemporaneo lavoro tv di Lucio FulciLa casa del tempo. L’apporto al copione dell’attrice/sceneggiatrice sembra si limitasse alle “scene esoteriche”, qualunque esse in un film che probabilmente non rende atto alla sceneggiatura. Oltre alla Nicolodi comunque la sceneggiatura passa nelle mani sia dello sceneggiatore di fiducia di Lucio Fulci, Dardano Sacchetti, che del regista Raimondo Del Balzo, famoso più che altro per melodrammi strappalacrime come L’ultima neve di primavera e Bianchi cavalli d’agosto. Fatto sta che il progetto ottiene la luce verde solo quando ad interessarsene è il produttore di Zombi 2, Fabrizio De Angelis: nelle sue idee iniziali il film dovrà essere un megasplatter sulla scia dei successi fulciani de L’aldilà e Quella villa accanto al cimitero.
Via però la Colombia e, dopo qualche giorno a Venezia, ci si trova a girare a Roma in una villa diroccata ma suggestiva. Nel cast viene ingaggiata anche la star hollywoodiana Donald Pleasence, già Dottor Loomis per gli Halloween, e al lavoro in quel periodo su molti set italiani. Come protagonista viene scelta Jasmine Maimone, già interprete per Cozzi del corto sulla Rai, La casa dello Stradivari, opera che molti punti in comuni con Paganini horror, a partire dal nome della location, la suggestiva Casa del Sol. Altri attori sono la stessa co-sceneggiatrice Daria Nicolodi, il Pascal Persiano di Voci dal profondo di Fulci, poi nomi non molto conosciuti come Maria Cristina Mastrangeli vista in Mery per sempre di Marco Risi, il Pietro Genuardi di Killer Crocodille sempre di De Angelis, più la figlia del regista Giada in un cammeo e un paio di bellissime ragazze messe solo per essere presto massacrate nella finzione.
Quando il film però deve iniziare il budget cala pericolosamente e De Angelis da’ indicazione a Cozzi di eliminare tutte le scene splatter sul copione e magari riciclare qualche idea dal vecchio copione fantascientifico. Cozzi ne esce frustrato anche ora ricordandolo “Ero lì con questa bella sceneggiatura ambiziosa e loro mi consegnarono una videocamera da 16 mm, mi diedero una villa per iniziare a girare e dissero ‘Inizia a girare’! In condizioni come queste, nemmeno il miglior regista del mondo avrebbe potuto fare di meglio“.
Paganini horror è un’opera confusa, un film che vive momenti di regia azzeccata ad altri più tirati, un prodotto sicuramente ben confezionato sul piano tecnico ma mortificato da pessimi effetti ottici ed una recitazione che definire atroce è un complimento.
Le sue interpreti principali, senza contare una Daria Nicolodi svogliata e in perenne trance, sono oltre l’umana concezione: urlano ad un metro di distanza manco fossero in un incubo di Gabriele Muccino, fanno le facce per camuffare una scarsa espressività e moltiplicano il disagio di un copione recitato probabilmente lì lì sul momento. Jasmine Maimone, ragazza da una sega e vai dei vari giornalini semi porno anni 80 Blitz o Gin Fizz, era apparsa in piccole parti in Demoni di Lamberto Bava, Poliziotto senza paura di Stelvio Massi e Scandalosa Gilda di Gabriele Lavia, senza mai convincere nessuno sulle sue doti attoriali. Bella ma non bellissima, dalla faccia un po’ spigolosa e il corpo perfetto come la bellezza dell’asino adolescenziale impone, la sua carriera aveva avuto una bella impennata grazie alla vittoria nel 1983 del titolo di Miss Roma, ma wikipedia descrive, con una crudeltà di cronaca mai così sincera, il suo fallimento nel mondo del cinema:
“Ha tentato senza successo di apparire a Hollywood. Ha partecipato alle audizioni per i principali ruoli femminili in All’ultimo respiro (1983) e Il sole a mezzanotte (1985), che alla fine è andato a Valérie Kaprisky e Isabella Rossellini. Non è riuscita a vincere il ruolo di protagonista in Emmanuelle IV (1984). Dopo il ruolo nel film horror ” Paganini Horror (1989), Luigi Cozzi ha pianificato di lanciare l’attrice nel suo prossimo film. Tuttavia, il progetto non è mai stato implementato a causa della mancanza di fondi, il che significa che Jasmine ha rinunciato alla sua carriera di attore e si è concentrato sul lavoro come istruttore di danza. 100.000 dollari che ha raccolto per il suo ruolo nel film Paganini Horror assegnato per l’apertura di una scuola di danza“
Accanto a lei non sfigura in “cagneria” Maria Cristina Mastrangeli, un’altra banshee urlante e fastidiosa che inficia il valore di un film scalcagnato ma tutto sommato godibile, salvato dal mestiere del regista. Di lei si può leggere una biografia su internet che ci preoccupa non poco. “Studia recitazione alla Fersen di Roma, ottiene il diploma di qualifica professionale della Regione Lazio presso la scuola Mario Riva, ma è fondamentale nella sua formazione l’incontro con vari membri dell’Actors Studio. Dal 1985 al 1990, è al Duse Sudio di Francesca de Sapio, poi segue l’insegnamento di Susan Strasberg e Geraldine Baron. È attrice all’Argentina, Teatro di Roma dal 1986 al 1991. In quell’ambito lavora con Nikita Michalkov, Marcello Mastroianni, Maurizio Scaparro, Roberto Guicciardini“. Non vogliamo mettere in dubbio il suo percorso artistico importante, l’actor studio e bla bla bla, ma in Paganini horror la Mastrangeli non risalta sul resto del cast, anzi primeggia come peggiore attrice, superata solo dalla oscena performance di Jasmine Maimone che non esagero a definire una delle attrici più insulse mai viste nel nostro cinema horror, una spanna sopra le già atroci Coralina Cataldi Tassoni di Il bosco 1 e Lara Wendel di Killing Birds Raptor.
In questo orrore attoriale, mandato in pasto al pubblico senza pensare ad un doppiaggio salvifico, risalta facilmente il buon Donald Pleasence che, in quelle poche pose, grazie anche all’azzeccata voce prestatagli da Dario Penne, ci regala una performance diabolica di tutto rispetto. La scena nella quale getta una valigia piena di soldi dal campanile di San Marco a Venezia declamando “Volate miei piccoli diavoli” è forse la migliore a livello concettuale di una pellicola dagli umori inespressi.
Peccato perché Paganini horror, se si passa oltre l’illogicità degli eventi, ha davvero dei momenti molto buoni ed un uso delle luci colorate suggestivo e affascinante. Certo non bisogna crucciarsi a chiedersi come faccia un membro di una band a comprare uno spartito dal valore inestimabile né soffermarsi sui dialoghi che mettono in bocca ai personaggi la ridondanza di dover riempire il giusto silenzio che la situazione richiederebbe. D’altronde che senso ha che una persona commenti “Stiamo per entrare in una stanza” o “Ora faccio un gradino” quando lo vediamo già sullo schermo?
Però, come detto, sono l’atmosfera e la regia di Cozzi a fare la differenza e conferire a Paganini horror un gusto terribilmente agrodolce, un po’ come un sacco di spezie per mascherare un piatto rancido. Così il primo omicidio con il violino che cela una lama ai danni della pancia nuda della bellissima Luana Ravegnini, showgirl di quegli anni, o la mutazione, per via di alcune muffe del 700 (“Si proliferavano all’interno degli Stradivari“), di Michele Klippstein, prima valletta de La corrida, in uno zombi di pus e sangue, sono momenti felici di un’opera sicuramente infelice.
Cozzi fa del suo meglio per salvare un film che non richiede più lo splatter necessario per piacere ai fanatici del genere, ma che si ricorda soprattutto per le sue sterzate feroci come un muro invisibile che fa letteralmente esplodere Maria Cristina Mastrangeli. Sprecato in questo senso il lavoro, ottimo nella povertà del budget, di Rosario Prestopino e Franco Casagni nelle poche scene sanguinose. Dimenticabili invece gli effetti di luce blu per simulare la corrente come nella “memorabile” sequenza di apertura che vede una bambina (Giada Cozzi) uccidere con un phon la madre. E’ bene dire che molte idee del regista finirono tagliate dal montaggio, soprattutto un calcare l’apporto degli astri sui paradossi temporali, più un finale alternativo nel quale Pleasence indossa il costume del musicista assassino e suona il suo violino.
Le musiche di Vince Tempera sono sotto lo standard del compositore ( Ecco noi per esempio…, Sella d’argento, Goldrake,Ape Maia, Capitan Harlock, Daitan III) e si limitano a scimmiottare hit di successo pop rock come You give love a bad name dei Bon Jovi. In più non si capisce come una canzone atroce tipo quella cantata da Jasmine Maimone all’inizio (Stay The night) sia peggio della paganiniana (solo nella fantasia degli autori) The winds of time (“Questo pezzo scalerà la hit parade!“). Aggiungiamoci l’imbarazzo di un brutto videoclip, un omaggio a Charlotte sometimes dei The Cure, girato nella fantasia della trama dal “miglior regista horror sulla piazza“, in realtà un pazzo con in mano una telecamera che riprende culi e urla “Fantastico!” mentre le attrici commentano “E’ un genio!“. Ad essere sinceri però la sciaguratezza degli elementi (la donna con la maschera da faust, il Paganini killer) rendono simpatica questa parentesi di brutta musica trash pop/rock.
Da noi questo Cozzi dalle tinte musicali uscì in vhs e poi ebbe un’edizione, sempre per la Avo film, in dvd d’identica qualità audio e video. All’estero è bene segnare diverse uscite, migliori, tra i quali le recenti in blu ray per la Severin con ben 8 minuti di scene tagliate (ma con la regione A che rende impossibile vederlo nei nostri apparecchi) e quella per la 88 films inglese con un altrettanto nutrito carico di extra (scene tagliate escluse). Entrambi i dischi sono anche in italiano.
A Paganini horror seguirà lo sfortunato The black cat (De profundis) del 1989, terza parte non ufficiale della trilogia iniziata con Suspiria e proseguita con Inferno, una chiusa certamente più dignitosa di quella vera, La terza madre, girata distrattamente da Dario Argento nel 2007. Anche qui abbiamo l’idea delle stelle capaci di influenzare il destino degli esseri umani, ma l’opera, scritta ancora con l’aiuto di Daria Nicolodi, risulta più compatta e affascinante di questo Paganini (fanta)horror.
Paganini horror comunque non è un bel film, ma sa intrattenere, non annoia e, se non si hanno grandi aspettative, ci fa respirare l’aria migliore dei nostri amati B movie del terrore italiani. Non male alla fine.
Andrea Lanza
Paganini horror
Anno: 1988
Regia: Luigi Cozzi
Interpreti: Daria Nicolodi, Jasmine Main (Jasmine Maimone), Pascal Persiano, Donald Pleasence, Giada Cozzi, Maria Cristina Mastrangeli, Michel Klippstein, Pietro Genuardi, Luana Ravegnini, Roberto Giannini, Elena Pompei, Perla Costantini
Alla fine degli anni 90 le videoteche di tutta Italia furono bombardate da una serie di titoli horror e action (ma non solo), distribuiti dalla Cecchi Gori sotto l’etichetta Giglio verde. Molti di questi film oltretutto erano seguiti di successi cinematografici caduti purtroppo in disgrazia di soldi, idee e fama. Tra le varie vhs si poteva “ammirare” Classe 1999 parte 2: the substitute di Spiro Razatos, Scanner cop 2 di Pierre David e Scanner 3 di Christian Duguay, tutti titolacci di cattiva fattura ai quali facevano eccezione solo alcuni titoli, curiosamente non sequel, come il cupo vampirico Blood ties di Jim McBride o il discontinuo, ma interessante, Popcorn di Mark Herrier (e Alan Ormsby). Probabilmente erano pellicole restate sul groppone della Cecchi Gori, impossibili, visto la bassa qualità, da mandare al cinema, ma fruibili tranquillamente nel mare magnum degli inediti per l’home video.
Tra questi c’era anche Psycho cop 2, conosciuto anche col titolo di lavoro di Psycho Cop Returns, un seguito di uno slasher del 1989, da noi mai arrivato. Non stupisca perché l’Italia è sempre stata la patria delle distribuzioni strane e arbitrarie, come per Fear 2, uscito in vhs come L’urlo del male, o per Bloody Murder 2, entrambi con un primo capitolo inedito.
Psycho cop 2 fortunatamente non è collegato al precedente episodio, a parte il villain principale, lo sbirro satanista Joe Vickers. Siamo oltretutto davanti ad un horror sì scadente, tanto quanto il primo film, ma anche con un genuino ritmo scatenato, uno splatter abbastanza tosto, e una dose abbondante, tipo pecorino sui bucatini all’amatriciana, di tette, culi e belle donne. Un tipico film, per intenderci, da corona ghiacciata e patatine 2 kg del discount.
La vhs Giglio Verde/Cecchi Gori lancia la pellicola con questa frase “Agente di polizia Vickens, professione serial killer… Signori, la festa è finita” e prosegue sul retro “Sarà una lunga notte: alcool, marijuana e sesso facile… e un ospite inatteso che aggiungerà gli ultimi ingredienti: sangue e terrore“.
Per farla breve, la trama è semplicissima: due completi idioti vogliono organizzare un festino a base di cocaina e puttane nel palazzo dove lavorano, ma vengono ascoltati dallo Psycho cop che, senza ragione logica, decide di seguirli e massacrarli. Stop, niente di più o di meno.
Siamo davanti, come già detto, ad un film che prosegue a suon di tette e sangue, uno Z movie pieno di battute cretine recitate dall’atroce Robert R. Shafer, roba del tipo “Hai il diritto di stare in silenzio da morto” detto ad un cadavere. Però stavolta c’è il rischio di divertirsi perché il film è così folle e scemo, al pari di un amico molesto, nel suo non sense quasi hellzapoppiniano da festaiolo ignorante.
L’agente di polizia Joe Vickens è una variante degenere del Maniac cop di Lusting, una versione più da slasher puro, deviata però nella sciagurata formula degli splatter post Nightmare 2, costruiti soprattutto sulle tanti frasi ad effetto demenziali del cattivo. Figura che però stavolta non spicca, non è simpatica e non ha nulla di interessante. Forse per questo la serie, già narrativamente col fiato corto, si fermerà qui.
Se poi, come detto Robert R. Shafer è davvero inguardabile, c’è da dire che tutto il cast si affanna a dare pessime performance, nel pieno overacting di facce buffe alla Jim Carrey anche quando si tratta di morire, manco fossimo in Troll 2.
Tra gli interpreti spicca però la statuaria Julie Strain, corpo perfetto da valchiria, già vista sotto il pesante e castrante make up di The Unnamable II: The Statement of Randolph Carter e qui in tutta la sua fulgida bellezza, per fortuna, al naturale. Non recita meglio dei suoi colleghi, ma, come si dice, anche l’occhio vuole la sua parte.
Meno male che il regista, lo sconsiderato Adam Rifkin sotto lo pseudonimo di Rif Coogan, glorifica appunto l’aspetto cochon della vicenda con queste striptease sempre a culo nudo anche mentre scappano dal maniaco. Tra l’altro due comparse, Brittany Ashland, attricetta hard, e Sara Lee Froton, leggenda racconta, furono reclutate mentre facevano uno spogliarello ad un party di Charlie Sheen. L’attrice però che si mostra di più è la pornostar Carol Cummings nel ruolo dell’arrapata collega ninfomane che si scopa a sangue il collega fedifrago Tony nella stanza delle fotocopie, luogo adorato da Joe Vickens tra l’altro.
Psycho cop 2, girato in una sola settimana, abbastanza di fretta, ha però dalla sua un messaggio potente nel finale con la gente comune che si arma e massacra a sprangate il poliziotto satanico, quasi un ribaltamento del genere in chiave progressista, una chiusa pregna della rabbia mai placata per il pestaggio di Rodney King.
Psycho cop 2 non beneficiò mai dello sbarco su dvd, restando esclusiva del mondo magico e oscuro delle vhs, un bene forse ma anche un male, soprattutto se vi sentite cattivi ragazzi e avete voglia di un brutto film divertente.
Andrea Lanza
Psycho Cop 2
Titolo originale: Psycho Cop Returns
Anno: 1993
Regia: Rif Coogan (Adam Rifkin)
Interpreti: Robert R. Shafer, Barbara Niven, Rod Sweitzer, Miles Dougal, Nick Vallelonga, Dave Bean, John Paxton, Julie Strain, Melanie Good, Maureen Flaherty, Justin Carroll, Carol Cummings
Malastrana appoggia completamente il progetto Notte horror, un tributo settimanale dove i blog di cinema più gagliardi recensiscono i film apparsi sul mitico ciclo di Zio Tibia. Stasera per esempio si affronteranno il malsano American Gothic e, su queste pagine, il terribile Trucks, la versione scema di Brivido di Stephen King. Intanto noi di Malastrana abbiamo deciso di iniziare parallelamente una rubrica a cadenza settimanale a tema horror: Le notti mai viste di Zio Tibia, ovvero film horror inediti su ogni supporto che avrebbero potuto essere pane per i denti delle notti d’estate di Italia uno. Stasera tocca ad uno slasher fantastico, Dark ride.
Via con la sigla, in questo mondo alternativo di film mai trasmessi è Alice Cooper che canta Identity crisis, uno dei guilty pleasure di Malastrana vhs, Monster dog, ma cambierà ogni settimana
Dieci anni dopo aver brutalmente ucciso due giovani fanciulle, un pericoloso serial killer riesce a fuggire dall’istituto psichiatrico dove era stato rinchiuso, per tornare nel suo macabro covo, il Dark Ride, una sorta di tunnel dell’orrore dove si è divertito a trucidare decine di vittime. La fortuna vuole che proprio in quel momento un gruppo di giovani studenti in vacanza, decida di fare una visita al Dark Ride, elettrizzati dall’idea di addentrarsi in quel luogo ancora avvolto dal terrore.
Di Craig Singer conoscevamo un solo film: Perkins’14, una pellicola cupissima, creata grazie ai consigli dei fan raccolti via internet. Caso più unico che raro e, forse anche per questo, esempio di cinema irripetibile che spezza il velo di maia tra autori e spettatori.
Dark ride è l’opera precedente, un omaggio al Tobe Hooper de Il tunnel dell’orrore, un film splatter vecchia maniera come se ne giravano nei gloriosi anni 80, senza incursioni nel comico, un’opera talmente tesa e grondante sesso e sangue che quasi non ci si crede.
Dark ride con i suoi colori accesi da vero luna park dell’orrore, con la sua straordinaria atmosfera e le budella mostrate senza paura, è una boccata d’aria fresca ai vari teen movie con ragazzi urlanti o alle masturbazioni mentali meta horror di vecchi tromboni alla Wes Craven.
Dark ride è un horror con tutti i crismi, un perfetto B movie del terrore che non ha alcuna pretesa che non sia quella di intrattenere in maniera onesta per un’ora e trenta.
C’era il pericolo di un prodotto estremamente banale, pieno di apparenti eterni cliché (ragazzi in fregola chiusi in un luogo isolato alla mercè di un maniaco deforme e mascherato), ma
1) il film non risulta mai, grazieiddio, noioso, anzi il ritmo concitato lo rende scorrevole e avvicente
2) la sceneggiatura di Robert Dean Klein, autore di almeno un capolavoro, Heart of America di Uwe Boll, riesce ad rielaborare il deja vu con colpi di scena frequenti e non banali.
Dark ride, rispetto a tanti altri film con maggiori pretese, fa la sua porca figura di prodotto di cassetta riuscendo ad anticipare persino umori futuri del cinema horror, come il più recente The Hills Run Red, mettendo in scena una maschera se non uguale, molto simile al villain Babyface.
Siamo davanti ad una perfetta opera grindhouse senza i trucchetti di sgranatura o perdita di pellicola dei vari Rodriguez e Tarantino, un atto d’amore sincero verso il cinema del terrore passato.
Tanto di cappello a Craig Singer per questo. Consigliato.
Andrea Lanza
Dark ride
Regia: Craig Singer
Interpreti: Jamie Lynn-DiScala, Patrick Renna, Clayton Rogers, Alex Sorowitz
Una giovane assicuratrice (Rebecca) viene assunta alle dipendenze di un principe proprietario di una imponente dimora situata nell’entroterra umbro. Il suo lavoro, catalogare libri antichi e pregiati, viene distolto da una scoperta che la porterà a seguire le tracce delle bibliotecarie che l’hanno preceduta ed a conoscere i segreti che si celano dietro l’enigmatica figura del signore della magione.
Alessandro Perella, il regista
Il critico deve essere senza preconcetti? Il suo lavoro non dovrebbe essere quello di “consigliare” il pubblico di lettori alla visione di un film senza vizio di forma? Ecco io ho rimandato la visione di questo horror pensando spesso e volentieri “Chissà che merdata”, “Che schifo”. Faccio perciò il mio personale Mea culpa chinando il capo con stima ad Alessandro Perella, regista di Sinner, gustoso gotico con Robert Englund. Può giocare a mio favore la visione, quella sì terribile e mai digerita, del pessimo Hell’s fever, opera prima horror di questo autore, film dalla trama delirante e dalla messa in scena pedestre. Ricordo che a visione ultimata pensai “Beh forse Perrella dovrebbe tornare a fare porno”. Eh sì perché Alessandro Perrella, attore di cammei in film italiani di ogni genere (da I giochi proibiti dell’Aretino Pietro di Pietro Regnoli a La morte negli occhi del gatto di sua maestà Antonio Margheriti) ha avuto un passato di tutto rispetto nel genere hardcore. Suoi infatti i primi film con Selen, ma anche pellicole di tutto rispetto con Valentine Demy, la statuaria Anita Rinaldi e lo stallone Rocco Siffredi (oltretutto in un hard neanche male, Signore scandalose di provincia).
Il Rocco italiano intento in una difficoltosa e coreografica scena action in Signore scandalose di Provincia
Niente da contestare al porno che reputo un genere sottostimato che tanto ha dato negli anni 70 con autori come il mai compianto Gerard Damiano e in tempi più recenti con artisti del calibro di Andrew Blake, Michael Ninn o Paul Thomas, ma molte volte il passaggio da una cinematografia all’altra non è uno dei più facili (si vedano per esempio gli insulsi filmettini thriller diretti con mano sinistra dal maestro a luci rosse Gregory Dark). Sinner (o Night of the Sinner come recita il titolo internazionale) invece è opera di un certo pregio.
Robert Englund e uno shampoo rituale
Lasciamo da parte le dichiarazioni intellettuali del suo autore (“Presuntuosamente vorrei che fosse intellettuale, concepito da menti con accezioni sociali molto alte, che hanno avuto un passato molto duro, cattivo” ha dichiarato in una recente intervista) perché Sinner è soprattutto un gotico che omaggia a piene mani tanto cinema di genere alto (Margheriti, Bava, Freda), ma anche basso (viene in mente soprattutto il dittico di Sergio GarroneLe amanti del mostro e La mano che nutre la morte). Girato con gusto, è un film che sa prendersi tutto il tempo per terrorizzare senza per questo annoiare. Pieno di grande atmosfera retrò (il vento che muove i tendaggi, le ombre minacciose, le segrete che celano orrori passati, i manichini sepolti come persone) vive la strana dimensione dell’essere figlio di un tempo lontano che non conosceva montaggi subliminali e concitati. Una vera benedizione di questi tempi.
Scuola gotica Margheriti nel 2009
Lo splatter non involgarisce più di tanto una vicenda che vive soprattutto di suspense, anche se i momenti clou rosso sangue sono di quelli che non si dimenticano (l’inizio con lo scalpo di una sventurata e il finale con una bocca cucita). Magnifici anche i flashback che vedono le attrici coesistere in diversi momenti temporali e quasi confessarsi davanti alla macchina da presa. Impreziosito da attori in parte (le belle Ivana Mino e Olga Shuvalova, ma soprattutto un grandissimo Robert Englund) e da una location di un certo pregio (il Castello di Giove di proprietà del produttore americano Charles Band e già scenario di horror gotici come Castle freak di Stuart Gordon) è un film che consigliamo vivamente.
Andrea Lanza
NB
Alessandro Perella raccconta anedotti interessanti su Sinner durante il TOhorror, il festival italiano horror e fantasy più stracazzuto di sempre:
Qui il film completo:
Sinner – Peccato mortale
Anno: 2009
Regia: Alessandro Perrella
Interpreti: Ivana Miño, Olga Shuvalova, Robert Englund, Giannina Salvetti, Antonella Salvucci, Emanuel Colella
Durata: 89 min.
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Umberto Lenzi era molto entusiasta di questo suo Demoni 3. Almeno a parole.
Sulle pagine del fondamentale Spaghetti nightmares di Luca M. Palmerini e Gaetano Mistretta dichiarava:
“Ho lavorato intensamente per tre mesi su Black Demons, un horror che ritengo senza dubbio il mio capolavoro (…) girato in presa diretta americana.Parla di alcuni schiavi negri uccisi un secolo fa in una fazenda i quali, riportati in vita per mezzo di una macumba girata “dal vero”, si vendicano di chi ne causò la morte“.
Quindi un horror con un rito voodoo autentico, una pellicola maledetta, stando sempre a sentire i racconti del suo autore.
“Le riprese sono state abbastanza pericolose (sul set successero anche delle stranezze…) e l’effetto che la macumba provoca sulle nostre coscienze e sulle nostre credenze religiose, pur senza mostrare dettagli “gore”, è molto impressionante“.
Tutte belle parole, senza dubbio, in un periodo, quello d’inizio anni 90, privo di internet, dove molti nostri horror stentavano ad uscire e tutto era lasciato nella leggenda, nelle tv private e nei deliri, un po’ supercazzoloni, dei nostri autori caduti in disgrazia.
Stento a credere, a film visionato, che Lenzi, da giusto rompipalle old school come era, credesse davvero che Demoni 3, o Black demons come recitava il titolo originale, fosse non tanto “il suo capolavoro“, ma anche solo un’opera decente. Erano però quelli gli anni, miserabili e accattoni, che vedevano il cinema del nostro Umberto migrare nel Terzo mondo per una serie di orribili pellicole, soprattutto action avventurose. Alcune di queste, come nel caso del nostro Demoni 3 o di Caccia allo scorpione d’oro, entrambe del 1991, Lenzi le aveva prodotte, a zero budget, con una sua società, quindi parlarne male sarebbe stato sicuramente controproducente.
Inutile poi dirlo, lo sanno anche i sassi ormai, ma ribadiamo l’ovvio: Demoni 3 non è il secondo seguito del meraviglioso Demoni di Bava e Argento, ma un’opera che solo in Italia, nella sua uscita quasi subliminale in vhs per la Center video, si appropriava, alla cazzum, di un titolo che non sarebbe mai stato girato per davvero. Mentre Demoni 3, il vero, aveva preso la forma, diversissima e autorialmente soaviana, de La chiesa, il furbesco mercato home video cercava, grazie ai Black Demons di Lenzi, di accaparrare qualche gonzo per un noleggio. Erano gli stessi che affittavano tutti esaltati il Terminator 2 di Mattei per poi tornare incazzati in videoteca con la rabbia del truffato che non sapeva di esserlo stato.
Ormai era da tempo che il cinema di Lenzi aveva perso non solo la dignità, ma anche la capacità di essere un grandioso, rozzo e spettacolare divertimento popolare come ai tempi, non lontanissimi, di Incubo sulla città contaminata, di Cannibal Ferox o de La casa 3 (Ghosthouse). Il canto del cigno per il regista era stato il meraviglioso (e sfortunato) Hitcher in the dark (Hitcher 2- Paura nel buio) del 1989, ma, prima e dopo, c’erano state solo pellicole misere, miserabili e di rara brutta fattura come il Cop target con Robert Ginty e Charles Napier, o Le porte dell’inferno, sorta di brutto epigono dei resuscitati ciechi spagnoli. Lenzi e il suo cinema erano diventati all’improvviso sciatti e senza nerbo, uno spettacolo umiliante sia per il regista che, soprattutto, per gli incauti spettatori.
Demoni 3 è scritto male, girato peggio e interpretato da cagnacci che si agitano tutto il tempo, un vero incubo su pellicola.
Difficile davvero salvare qualcosa, non i dialoghi che fanno pronunciare ai protagonisti almeno 100 volte la parola “negro”, non la tensione che non esiste e neppure gli effetti speciali, ai limiti dell’amatoriale.
Anche la tanto declamata “macumba ripresa dal vero”, se davvero originale, ma dubitiamo, manca di pathos e di palpabile orrore esotico come invece si percepiva, per assurdo, nei porno horror caraibici di Joe D’Amato.
Lenzi sembra sperduto in un film che non sa come andare avanti e che plagia fin troppo Zombi 2 anche nella riproposta di un finale risolto a colpi di molotov. Il modello Fulci poi è palese negli omicidi con gli occhi che schizzano dalle orbite come succedeva, in meglio ovviamente, con la meravigliosa Olga Karlatos nella pellicola del 1979.
Per il resto Demoni 3 è anche noiosissimo, con un body count di appena 3 persone e l’idea, sciagurata, di una tensione che ricorda tanto i cartoni animati Hanna e Barbera di Scooby Doo con gli zombi che stanno per accoltellare qualcuno alle spalle, silenziosi come ninja, poi al minimo rumore si nascondono, dove ovviamente non si sa. Una sequenza questa, ripetuta più volte, e che, più che accendere la paura, fa nascere un sorrisino spontaneo, la morte per ogni horror.
In più, come tutti i film scemi, i protagonisti, in pieno assedio dei morti viventi incazzati, perdono il tempo a battibeccare tranquilli con dialoghi dementi, a dividersi in una casa che da tre stanze ora sembra un castello, e ad urlare senza motivo al nulla mentre, probabilissimo, gli zombi saranno andati a giocare a briscola.
Lenzi, in complicità con la moglie Olga Pehar, però ci insegna che il Brasile è un posto orribile, nel quale i camerieri vengono pagati per un mese di lavoro 500 cruzeiros, sulle 300000 lire vecchie, tanto quanto una bottiglia di vino pregiato, e, oltre ad essere chiamati “negri”, vengono sfottuti, presi a calci in culo e umiliati anche da quelli che dovrebbero essere, sulla carta, i protagonisti, i buoni. Il livello di razzismo in un film non toccava probabilmente punte così alte dai tempi del Ku Klux Klan.
Si salva il make up degli zombi, minimale ma efficace, e alcune sequenze che, prese a parte, sono potenti come l’evocazione dei morti viventi in un cimitero che prende fuoco. Anche la fotografia di Maurizio Dell’Orco con i colori saturi di un Brasile caldo e umidiccio non è male, mentre le musiche di Franco Micalizzi sono un plagio vergognoso di quelle composte per le case apocrife da Carlo Maria Cordio. In quest’aria di cialtroneria dilagante ci si mette anche la copertina, bellissima comunque, che presenta 7 zombi quando in scena ce ne sono solo sei.
Gli attori, come già detto, sono uno peggio dell’altro, antipatici per di più. Peccato perché altrove, almeno Joe Balogh, in Paura nel buio sempre di Lenzi e nel bellissimo (s)cult Monstruosity di Andy Milligan, si era rivelato un attore tutto sommato capace ed efficace, ma qui, come tutti, sembra sotto l’effetto devastante del valium in una recitazione sempre sottotono e apatica.
Scooby Doo
Non ci sono neanche le tette di rito che avrebbero alzato l’asticella almeno della serie B più cafona. C’è da dire che i 6 “negri” viventi, per dirla alla Lenzi, fanno una certa impressione quando entrano in scena, con le catene ancora ai piedi, armati con oggetti comuni che diventano nelle loro mani strumenti di morte violenta. Peccato che poi, alla fine, anche quest’idea di zombi, un po’ diversificata dai mostri cannibali alla Romero e Fulci, non viene mai sviluppata con convinzione.
Demoni 3 è uno di quei film che nascono e, per fortuna, muoiono in vhs senza possibilità di lasciare un ricordo alle future generazioni. Il (bel) cinema italiano del terrore non è di certo qui di casa.
Andrea Lanza
Demoni 3 (Black Demons)
Anno: 1991
Regia: Umberto Lenzi
Interpreti: Keith Van Hoven, Joe Balogh, Sonia Curtis, Philip Murray, Juliana Teixeira, Maria Alves, Cléa Simões, Justo Silva, Rita Monteiro
