The Strangers: Prey at night (The strangers 2)

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Bailee Madison, bertino, Christina Hendricks, Emma Bellomy, Johannes Roberts, Lewis Pullman, liv tyler, Martin Henderson, scott speedman, scream, seguiti, strangers 2, venerdì 13, wes craven

Non sono mai stato un grande fan di The strangers, opera prima di Bryan Bertino, un regista che confermò la sua mediocrità in seguito sia con il bizzarro Mockingbird – In diretta dall’inferno che con il terribile The monster del 2016.

Certo i gusti cambiano, a volte ho amato film in precedenza odiati, e forse dovrei dare una seconda visione all’home invasion con Liv Tyler e Scott Speedman ma all’epoca, nel 2008, scrissi:

“Non si può dire che “The strangers” sia un film riuscito. E’ sì un film ottimamente confezionato, che sa raccontare con stile nervoso una tesa storia di assedio, ma è materia pesantemente deja vu, che arranca asfittico verso il crudele finale, che non riesce a dire nulla di nuovo e forse neanche ci tenta. La storia frulla in maniera spudorata “Ils” di David Moreau e Xavier Palud con “Vacancy” di Nimród Antal aggiungendoci persino una spruzzata di “Funny games” di Haneke. Di spunti non originali alla base di film originali ne è piena la storia del cinema, anzi le filmografie di Lucio Fulci o Brian De Palma (per prendere due esempi eclatanti) sono pieni di opere che saccheggiano a piena mano il lavoro di altri registi (Hitchcock, Romero, Argento) per creare vera fantasia al potere, qualcosa di simile al modello e nel contempo estremamente diverso. Ma qui siamo ad una filosofia un po’ alla Nintendo Ds: non puoi pretendere di diventare un ottimo cuoco copiando perfettamente le ricette di cucina, ogni cosa ha bisogno di fantasia che è l’anima che rende una torta buona ed una ottima. “The strangers” sembra un film zombi, costruito a tavolino per piacere: tutto perfetto, dalla regia ispirata agli attori in pare, ai tocchi surreali nel rappresentare questi villain come creature soprannaturali fino al finale che più gelido e cattivo di così non si può. Quindi ottimo? Non proprio perché manca una cosa importante: l’anima, la scintilla primordiale che rende il film un’opera e non solo un diligente compitino di uno studente svogliato“.

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Quando l’home invasion ha raggiunto il punto più basso

Con gli anni il genere home invasion non si è mai davvero affermato, probabilmente la punta di diamante è stato quel gioiellino di You’re next di Adam Wingard, ma poi abbiamo avuto a memoria soprattutto cose abbastanza imbelli come Jackals di Kevin Greutert, Wolves at the Door di uno dei peggior registi di sempre, J. R. Leonetti,  o Mercy, micidiale produzione Netflix. Certo sarebbe ingiusto dimenticare il tesissimo Secuestrados, il concitato Mother’s day di quella promessa mancata di Darren Lynn Bousman, il primo La notte del giudizio e il recente Better Watch Out di Chris Peckover, ma diciamo che noi umani tendiamo a ricordare, come durante le storie d’amore finite, solo i momenti brutti, e gli indigesti home invasion, anche con le derive incredibilmente action di un film bulgaro con Dolph Lundgren o Scott Adkins, sono davvero una legione.

Come dicevo comunque non mi aspettavo moltissimo da questo The strangers: Prey at night o comunque non mi aspettavo un film di così ampio respiro, sul modello del gagliardo Kristy di Oliver Blackburn, dove la claustrofobia si disintegra in una nuova location simile agli slasher classici alla Jason.

D’altronde la produzione è stata travagliata e il successo del primo capitolo avrebbe dovuto generare subito un seguito (sempre scritto dallo stesso regista) e con ancora Liv Tyler tra i protagonisti, ma qualcosa è andato storto, la produzione non è mai partita e l’ex reginetta degli Aerosmith ha preferito, ai massacri da home invasion, qualche produzione magniloquente di Sarajevo. Così per quasi dieci anni, fino a questo capitolo 2 senza il 2, senza Bertino e senza Miss Tyler ovviamente.

Se i personaggi di Strangers: Prey at night sono assolutamente insapori e basta a caratterizzare una ragazzina ribelle con una maglietta dei Ramones e la sigaretta, motherfucker yeah, in bocca, lo stesso non si può dire della trama che, a metà film, ha un ribaltone notevole trasformando i tre assassini immortali e micidiali del film precedente in tre deficienti con scritto “Uccidetemi”, al pari e più delle loro vittime.

Il lavoro di tensione che svolge Johannes Roberts, uno che nella sua carriera ha girato cose tra l’orribile e l’ancora più orribile, è notevole, non proprio roba che trovi in un prodotto da discount. Il regista non si limita a girare un facile remake del primo film, ma rielabora il plot ampliando, come ogni buon seguito vuole, gli esponenti, dal numero delle vittime, alla quantità di sangue fino alle scene di spavento. Siamo, a differenza dell’opera originale, in un film da spettacolo popolare, un horror slasher vecchio stampo dove il campeggio per ragazzini alla Venerdì 13 si trasforma in un campo caravan e il killer mascherato, come nel classico Soli nel buio di Jack Sholder, si moltiplica in più assassini mascherati.

A fare la parte del leone però è la travolgente colonna sonora del film che musica le scene più concitate con hits anni 80 come Total Eclipse of the Heart di Bonnie Tyler o I Think We’re Alone Now di Tiffany. Il bello dell’opera di Roberts è di non cadere nel facile giochino vintage alla Stranger Things del cinema horror, ma di essere un genuino horror anni 80 girato semplicemente nel nuovo millennio. Molte opere, impresentabili ora come 40 anni fa, si fanno forza di un passato solo ascoltato attraverso playlist di vecchi DJ rincoglioniti, assolutamente imbelli nella loro dimensione carta carbone e dimenticabili, come nel caso della serie Ash vs Evil dead, dopo le grandi risate da riunione di classe, che palle, guarda che botte la figa della classe.

Qui invece quando Tiffany canta a squarciagola in piscina e il sangue colora il cloro in una splendida sequenza di morte, potremmo essere nel Wes Craven più ispirato di Scream, quello a metà tra passato e presente, tra nostalgia e voglia di novità.

E’ vero che i tre villain fanno meno paura della pellicola precedente, ma questa è un’opera proprio in antitesi all’idea intimista di cinema che aveva Bryan Bertino. Il terreno dell’opera di Roberts è quello della multisala, dell’applauso a scena aperta, della ragazzina che abbraccia il compagno di classe tappandosi gli occhi, lo stesso terreno commerciale che baciava l’opera slasher di Sean S. Cunninghan, Venerdì 13. Se si capisce in quale campo di gioco si sta giocando stavolta, il divertimento è sicuramente assicurato.

Come d’altronde potere parlare male ci un horror che finisce citando a piene mani il Texas Chainsaw massacre di Tobe Hooper?

Noi che l’abbiamo visto siamo sazi come dopo una mangiata della pizza di Chicago che qualcuno, magari un campano verace, potrà obiettare che non è la vera pizza, che a Napoli la si mangia meglio, e al quale noi rispondiamo panciuti e soddisfatti, vai a Napoli e non romperci i coglioni.

D’altronde la madre dei criticoni è sempre incinta, no?

Andrea Lanza

The strangers 2

Titolo originale: The strangers: Prey at night

Regia: Johannes Roberts

Interpreti: Christina Hendricks, Martin Henderson, Bailee Madison, Lewis Pullman, Emma Bellomy

Durata 85 minuti.

 

 

 

Revenge

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anni 80, cinema trasgender, Coralie Fargeat, femminista, gregg araki, harmoni korinne, i spit on your grave, Koch media, Matilda Anna Ingrid Lutz, matriarcato, non violentate jennifer, pop, pop gay, Ravenhawk, revenge, Robrecht Heyvaert, spring breakers

Lo dico all’inizio, salvo equivoci: Revenge non è solo un bel film, è una delle cose migliori, più esaltanti e, perché no, divertenti viste in questo placido 2018. Talmente wow che ho abbandonato momentaneamente la recensione del validissimo The Strangers: Prey At Night per parlarvi di questo.

Ho detto divertente, solo a patto che non siate suore di clausura uscite fresche fresche dal convento, non lo siete vero?, perché Revenge parla di stupri e di vendetta e fa così tanto male ai suoi personaggi che la stessa regista ha dichiarato che gli effettisti si sono trovati a secco di sangue artificiale.

Non si parla di un gore o di uno splatter, ma di una pellicola che inizia come un film di Harmoni Korinne, soprattutto il suo Spring breakers, in una magnifica orgia di colori violentissimi e innaturali, gli occhiali a specchio che riflettono il paesaggio, gli orecchini rosa flou, le pareti blu metallico, per poi sporcare il pop gay trasgender alla Gregg Araki di viscere e schizzi di geyser rosso. Tutto stilosissimo senza essere però maniera, tutto così selvaggio senza aver bisogno molte volte del dettaglio anatomico da horroraccio remore del porno, ma che quando deve colpire, come nell’insostenibile sequenza dove uno degli stupratori deve schiacciare il pedale dell’auto con una ferita aperta sul piede, fa male, Dio se fa male.

Non sappiamo nulla dei vari personaggi, se non accenni o deduzioni, tre uomini di successo, francesi forse, che decidono, per esigenza, di dare la caccia alla ragazza di uno di loro, sposatissimo, come nel classico Pericolosa partita (The Most Dangerous Game) o, per noi ragazzacci, Hard target con Van Damme al servizio di sua maestà John Woo. Solo che le cose precipitano e lei non muore: viene buttata da un dirupo, si infilza con un albero e non muore, Il sangue che cola, il dettaglio delle formiche, la ferita che sanguina, ma lei, che fino ad allora era solo la ragazza dal bel culo, diventa l’angelo della vendetta. E sono cazzi per tutti.

Lei muore e rinasce, si fa di peyote e usa, per saturare la sua orribile ferita, una birra messicana in lattina, bollente. Eccola la magnifica revenant che risorge come Cristo dalla grotta con un tatuaggio a forma di fenice nera, inciso nella carne, e la scritta “mexican beer”, armata di fucile, pistole e rabbia in un contesto di serie A che altrove sarebbe stato Ravenhawk di Albert Pyun con la massiccia Rachel McLish.

Si potrebbe assimilare questo bignè, almeno stilisticamente, al recente The Bad Batch, con la variante che il pretenzioso film di Ana Lily Amirpour, sempre coloratissimo come un video anni 80, non era sincero e presto pagava con la noia il suo plot postnucleare di cannibali e vendetta. Si perché è l’effetto Jan Kounen: non puoi affrontare un genere non credendoci, non amandolo e soprattutto cercando di parlare soltanto di altro. Blueberry ne è l’esempio più eclatante e per certi versi Revenge, con il suo viaggio psichedelico tra stupratori iguane, può ricordarcelo, in meglio.

La potenza del film di Coralie Fargeat è di essere sincero, non rinunciare alle ambizioni, riuscendo però a sporcarsi con la materia da film di cassetta, godendone come un bellissimo orgasmo proletario tra servi e padroni. La rivalsa di Jennifer, non a caso lo stesso dell’opera simbolo del genere I spit on your grave, è quello di una donna contro un sistema di uomini predatori, tanto che alla fine il suo ex amore/amante le urlerà contro “Le donne devono sempre affrontare una fottuta lotta“.

D’altronde lo stupro ai suoi danni si è consumato nel più totale disinteresse: uno dei compagni ha alzato la tv, l’altro, quello che doveva essere il suo fidanzato, le offre soldi per stare zitta perché, è sottinteso, che le donne devono subire da sempre e quella non è stata che una bravata. Quello che non sanno i tre è che Jennifer si è rotta, la bambolina Malibu Stacy è ora un delirio di fuoco e cenere di uno scultore punk, una stacazzutissima femmina che perde un lobo di un orecchio ma dilania la carne dei suoi aggressori con coltelli, fa saltare a colpi di fucile spalle dei nemici e ha la sua vendetta in una casa alla quale manca solo il colore rosso che viene schizzato con forza sulle pareti.

I maschi non ci fanno davvero una bella figura in questa pellicola: abietti, animaleschi soprattutto quando abbandonano le vestigia da yuppies di un lavoro imprenditoriale per trasformarsi in uomini delle caverne ai quali manca solo la clava per accentuare l’ovvietà. Così la nostra Jennifer, in mutandine attillate e maglietta inguinale, regredisce allo stato primordiale di un matriarcato stuprato da un mondo di uomini e lo prende a calci, pugni in una rivoluzione non solo narrativa ma storica.

Revenge è baciato da una regia perfetta e da attori in stato di grazia, soprattutto la magnifica Matilda Anna Ingrid Lutz, italianissima, già vista nel mucciniano L’estate addosso e nel terribile Ring 3. Merito grandissimo però della sua riuscita è dato dalla fotografia mozzafiato di Robrecht Heyvaert, una vera gioia per gli occhi.

Da noi uscirà a fine anno per Koch media e il mio consiglio, se potete, è di aspettare di vederlo su grande schermo perché è quella il formato giusto per un film come questo, la dimensione delle grandi opere, quelle che su schermi tecnicolor facevano impazzire i nostri padri mentre James Stewart cavalcava in valli dimenticate dagli uomini.

Andrea Lanza

Revenge

Paese/Anno: Francia 2017

Regia: Coralie Fargeat

Sceneggiatura: Coralie Fargeat

Fotografia: Robrecht Heyvaert

Montaggio: Bruno Safar, Coralie Fargeat, Jerome Eltabet

Interpreti: Guillaume Bouchède, Kevin Janssens, Matilda Lutz, Vincent Colombe Produzione: Charades, Logical Pictures, M.E.S. Productions, Monkey Pack Films, Umedia Durata: 108 min.

 

 

Terrifier

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art il clown, art the clown, damien leone, halloween, mimo clown, morire male, morire malissimo, non aprite quella porta, pagliacci cattivi, ragazze segate in due, terrifier, texas chainsaw massacre

Terrifier è il filmaccio che spegni dopo cinque minuti scegliendo produzioni più importanti, gli squali in CGI brutti di Deep sea blue 2, lo spaventone bubusettete della Blumhouse, l’ennesima patacca uscita al cinema d’estate, e poi, grazie alle notti insonni, lo riprendi e capisci, come il principe di Bel Air, che tanto male non è.

Di Damien Leone, regista indie dall’infama celebrità, uscì un po’ di tempo fa un horror brutto come la morte impestata a Pisa, All Hallow’s Eve: tre episodi poveri, girati col culo, noiosi dove primeggiava soltanto lo spaventoso clown Art. Per noi, fan del cinema bello ma sgarruppato, la carriera del regista poteva soltanto concludersi con una prigionia in Siberia, sotto zero, a cercare per i nazisti la lancia di Longino, in eterno, sotto le frustate di Ilsa la belva umana.

Damien Leone e Art il Clown

E sbagliavamo perché Terrifier è sì un film con i limiti di una produzione girata con i soldi dati dalla mamma per il Buondimotta della ricreazione, ma anche uno dei parti più spaventosi e genuini degli ultimi anni.

Damien Leone capisce che il punto forza del suo precedente lavoro è solo lui, Art il clown, e gli dedica un intero, cattivissimo, sanguinoso film.

Art non è Pennywise, non ha battute, non è simpatico, non ha nessun background triste da empatizzare, è la morte pura e semplice che un giorno di Halloween, come Michael Myers, esce per le strade e richiede il suo pagano tributo di sangue.

Per certi versi Terrifier ricorda, con i dovuti limiti, Inferno di Dario Argento: la sua scatenata danza di morte su scenari che vengono bombardati da luci violente, gli omicidi fantasiosi e quel senso di favola per bambini ormai adulti che è perenne, dappertutto. Certo Inferno è quel capolavoro che Terrifier non sarà mai, ma questo non leva all’opera di Leone di essere altrettanto riuscito nelle atmosfere, una cosa, ricordiamolo, non da tutti con il budget ridotto che si è trovato tra le mani il regista.

Ovviamente Terrifier ha le sue lacune, grandissime, come il ritmo e soprattutto la sceneggiatura che, per forza di cosa, pena il finale dopo dieci minuti, fa fare cose cretine ai suoi personaggi che neppure in Scooby Doo. Vi faccio l’esempio più grande: se siete imprigionati in balia di serial killer che vi sta per uccidere e, per grazia di Dio, riuscite non solo a liberarvi, ma anche a dargli una mazzata bella forte, che fate? Scappate o infierite finché lo stronzo non è a terra in una poltiglia di cervello spappolato? La seconda ovviamente, beh non tanto ovvio perché le vittime di Terrifier scelgono sempre  la via più impervia, danno uno sbuffetto sul coppino del pagliaccio come monellacci e poi corrono verso la futura morte certa perché sai che Art il clown presto o tardi si rialzerà e farà loro molto male.

Gli omicidi nel film di Leone sono davvero tantissimi e tutti fantasiosi: pizzaioli bruciati come la zucca di Jack-o’-lantern, ragazze segate a metà dal pube alla testa con le viscere che cadono, teste riempite di piombo, visi mangiati, donne spellate e indossate come in un capitolo apocrifo di Non aprite quella porta; è una sagra dello splatter più ignorante e genuino. Il bello, quello che fa la differenza però, rispetto a produzioni altrettanto povere e gore come Hazard Jack, è la confezione perché Damien nostro crede al suo film e lo cura con effettacci vecchia scuola ben fatti, quelli che un tempo avresti visto in un film di Joseph Zito con la complicità di Tom Savini.

Non siamo fortunatamente però in un gioco vintage che piange sugli anni 80 come Hatchet, no qui si fa sul serio, si usano i cellulari per chiamare e fare selfie e non c’è spazio, tra una morte e l’altra, per una frase maschia perché quando si muore, qui, si muore malissimo.

Notevole il cast femminile soprattutto la splendida Jenna Kanell, alla quale spetta un ruolo da pseudo protagonista, omaggio questo sì alla struttura di Psycho.

Terrifier, come detto, riesce nel difficile compito di turbare, spaventare e disgustarti, una cosa che in un cinema così laccato e pulito come quello horror americano moderno sembra davvero una specie di miracolo. Per questo benediciamo Damien Leone e vi consigliamo il film, a patto, ovvio, che siate disposti a sporcarvi di sangue e budella calde perché Terrifier è imperfetto ma delizioso, povero ma ricco di idee, non un blockbuster ma forse l’esempio più genuino di bloodbuster nuovo millennio.

Andrea Lanza

Terrifier

Anno: 2017

Regia: Damien Leone

Interpreti: Jenna Kanell, Catherine Corcoran, David Howard Thornton, Margaret Reed, Katie Maguire, Samantha Scaffidi, Pooya Mohseni, Sylvia Ward, Gino Cafarelli, Kamal Ahmed, Michael Leavy, Julie Asriyan, Xiomi Frans-Cuber, Erick Zamora

Durata: 90 min.

 

 

Cold Prey 3 (Fritt vilt 3)

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Arthur Berning, cold prey, Endre Hellestveit, fritt vilt, Geir Olav Brat, Ida Marie Bakkerud, Ingrid Bolsø Berdal, Jannicke, jason vorhees, Julie Rusti, Kim S. Falck-Jørgensen, Michael Myer, Mikkel Brænne Sandemose, Pål Stokka, Sturla Rui

Siamo una nicchia di poche persone forse, ma sicuramente intenditrici, una piccola schiera che adora il cinema del terrore norvegese e gioisce ogni volta può godere di un altro frutto sanguinoso. Dire Fritt vilt significa parlare della saga horror più interessante uscita fuori da questo minuscolo Paese: nulla di così innovativo da far strappare i capelli, ma, come nel nostro bel cinema di genere ormai morto, c’è una tecnica, un senso del ritmo e della suspense da far dimenticare che in fondo in fondo si parla di un ennesimo slasher alla Venerdì 13.

Al terzo capitolo l’esordiente Mikkel Brænne Sandemose (ma ogni film di questa serie porta una firma diversa alla regia) e i due sceneggiatori Lars Gudmestad e Peder Fuglerud cercano una strada nuova per raccontare le gesta di questo misterioso killer, Geir Olav Brat, tornando indietro di quasi trent’anni rispetto ai fatti avvenuti nei primi due capitoli. Fritt vilt 3 è infatti un prequel, usa questo escamotage per districarsi dall’assoluto finale del film precedente così da potere rimettere in piazza il nostro serial killer preferito senza bisogno di resurrezioni occulte alla Michael Myer o Jason Vorhees.

Diciamo subito che questo è sicuramente il capitolo più debole, anche perché manca il personaggio cardine di tutta la serie, quello di Jannicke interpretato dalla straordinaria Ingrid Bolsø Berdal che sta a Fritt Vilt come Sigourney Weaver sta ad Alien. Qui purtroppo non abbiamo un personaggio altrettanto forte ed empatico né sul versante maschile né su quello femminile: alla fin fine i giovani protagonisti fungono da anonima carne da macello senza scossoni neppure nel twist finale.

Però non pensiate che Fritt Vilt 3 sia brutto, no è solo un onesto slasher che non raggiunge mai i livelli aurei dei capitoli precedenti, roba però che Marcus Nispel e compagnia brutta dovrebbero invidiare a vita. La nostalgia abbonda come ogni buon prequel richiede: i walkman che mangiano le cassette, i primi prototipi di telefoni senza filo grandi come cocomeri, poi la musica, norvegese o meno, dal taglio anni 80. Siamo in un viaggio nel tempo che riporta lo slasher alle sue radici quando Sean S. Cunnighan girò quel Venerdì 13 che fu da base (più del riuscito Halloween) per tutte le mattanze future cinematografiche: là come qui i boschi, il senso di pericolo imminente, gli omicidi coreografici e sanguinosi. Nulla di nuovo, ma riproposto con una certa freschezza della messa in scena che è difficile trovare in altri prodotti nostalgia, anche ora che il vintage con Netflix e il suo Stranger Things la fa da padrone.Quello però che rende diverso il film di Mikkel Brænne Sandemose è il suo essere retrò portando in scena un serial killer moderno ed è qui che Fritt Vilt 3 diventa potente: l’assassino non cammina con passo zombesco, ma corre, usa armi da fuoco come fucili, non ha bisogno di maschere, e alla fine non c’è neanche bisogno di un finale consolatorio perché, arrivati al terzo capitolo, sappiamo che la serie deve ancora iniziare e che presto nevicherà .

Avremmo certo sperato in un’umanizzazione maggiore dell’assassino protagonista che non fosse solo un pretesto per rimetterlo in pista, ma probabilmente un capitolo introspettivo sarebbe stato poco apprezzato dai fan. In Fritt vilt 3 ci sono cose notevolissime come gli omicidi dal sapore onirico sotto la luna e altre un po’ tirate via come i soliti echi a Non aprite quella porta con i cadaveri appesi come quarti di manzo, ma c’è soprattutto la voglia di raccontare una storia del terrore, convenzionale che sia, con uno stile, un vigore, un’onestà di essere un prodotto d’intrattenimento che non può non far ricordare i Fulci o i Bava dei tempi passati.

E questo a noi tanto basta per essere sazi e felici.

Andrea Lanza

Cold prey 3

Titolo originale: Fritt vilt III

Anno: 2010 – Norvegia

Regia: Mikkel Brænne Sandemose

Interpreti: Ida Marie Bakkerud, Kim S. Falck-Jørgensen, Pål Stokka, Julie Rusti, Arthur Berning, Sturla Rui, Endre Hellestveit, Terje Ranes

Durata: 90 min.

Jason va all’inferno

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adam marcus, cinema, horror, jason vorhees, sean s. cunningham, venerdì 13

“L’ultimo Venerdì” per modo di dire.

Nei primi anni novanta Sean S. Cunningham tentò di instillare nuova linfa in una serie che non se la passava bene dopo l’insuccesso dell’ottava capitolo di Rob Hedden.

Si può dire di tutto sul parto di Marcus, che sia brutto, inutile, cialtrone, assurdo, ma non si può negare che abbia tentato di percorrere strade alternative. Certo, non si tratta di una rivoluzione sistematica, tipo levare di mezzo Jason come si levò di mezzo Michael Myers in Halloween III-The Season of The Witch, tuttavia il buon Adam Marcus, qualche piccolo cambiamento l’ha pure accennato.

E’ un film molto, molto fumettistico Jason va all’inferno, non a caso conobbe una vita extra-cinematografica con le graphic novels Friday the 13th: Hate-Kill-Repeat e Friday The13: Church of The Divine Psychopath edite dalla Topps Comic e scritte da Andy Angels, che comincia in modo classico, propinandoci uno strip-tease da manuale, con fanciulla sola in quel di Crystal Lake (e dove sennò?) che improvvisamente ma non troppo viene insidiata da Mr. Voorhees con machete alla mano; già tutto visto e rivisto, si, se non per l’irruzione subitanea di una Task Force dell’FBI decisa a fare definitivamente il culo all’assassino mascherato. Un fuoco incrociato proveniente da millanta mitragliatori distrugge il serial killer/morto vivente, anzi, lo riduce quasi in poltiglia. Rimangono pochi pezzi di quella che fu una straordinaria macchina omicida. Ma, attenzione, il Male alberga nel cuore nero e pulsante di Jason. E il Male trova sempre un nuovo corpo/involucro con il quale seminare il Verbo.

Detto così, potrebbe non significare niente. Espedienti di questo tipo sono già stati usati in tempi non sospetti, per rimanere in ambito eighties, basti pensare a L’Alieno di Jack Sholder o a Sotto Shock di Wes Craven, tuttavia, in un franchise fortemente legato alla figura iconica di Jason, il tentativo di “mascherare” il personaggio principale, non di cancellarlo dallo schermo si badi bene, risulta se non altro un tentativo apprezzabile di reinventare una serie costruita su sceneggiature sempre uguali. Uguali perché il successo della serie si costruisce su uno schema collaudatissimo che prevede giovani in fregola uccisi senza pietà da un feroce “censore” di comportamenti osceni. I ragazzi da massacrare diventano, quindi, in Jason Goes To Hell-The Final Friday un contorno e non la prima portata del banchetto, visto che il plot è incentrato sulla ricerca di altri corpi da abitare e , in particolare, di un corpo, quello del legittimo nipote, in cui rinascere.

Un film ibrido, slegato, che frulla slasher e action e ritrova la suo dimensione prettamente horror nel finale, con Jason (il solito, grandissimo Kane Hodder) che rinasce dalla ceneri e si trasforma in personaggio/demonio da fumetto con fuoco infernale a fare da scenografia. La dimensione è quella fumettara, che spiana definitivamente la strada al cross-over con Freddy Krueger non disdegnando riferimenti diretti alla saga Evil Dead con il Necronomicon in bella vista. C’è chi lo odia, chi lo ignora, chi lo apprezza, questione di gusti, tuttavia Jason Va all’Inferno possiede il fascino di quelle produzioni scalcinate fuori tempo massimo che trasudano di passione per la saga. Non tutto funzione nella regia di Marcus, ma un giro su questo tunnel dell’orrore jasoniano è sempre consigliato. O no? E poi un film in cui Steven Williams fa il cacciatore di killer seriali come si fa a non amare. Recuperate la versione uncut, che dura tre minuti in più rispetto a quella uscita nelle sale.

Domenico Burzi

Jason va all’inferno

Titolo originale: Jason goes to hell – The final Friday Anno: 1993

Regia: Adam Marcus

Interpreti: John D. LeMay, Kari Keegan, Allison Smith, Steven Culp, Billy Green Bush, Kane Hodder, Steven Williams, Rusty Schwimmer, Richard Gant, Leslie Jordan, Kipp Marcus, Andrew Bloch, Adam Cranner, Julie Michaels

Durata: 87 min.

 

Grotesque

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1988, grotesque, linda blair, recensione, review

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Linda Blair nel 1988 interpreta ben 4 film, La casa 4 di Fabrizio Laurenti, Assassini silenziosi di Doo-yong Lee e Scott Thomas, Bersaglio sull’autostrada di Marius Mattei e Grotesque di Joe Tornatore, un action e tre horror thriller, quasi tutti orrori immostrabili.

Linda nostra, a fine anni 80, non se la passa bene: è bella ma comincia a sfiorire malgrado i suoi 29 anni, ma soprattutto macina, una dopo l’altra, pellicole tra le più ignobili della sua carriera.

Forse per questo decide di produrre qualcosa di meno becero, questo Grotesque, un film sulla carta pieno di ambizioni, camaleontico nel passare da un genere all’altro, dallo slasher all’home invasion per poi tramutarsi in un film di vendetta.

Linda avrebbe dovuto affidare il timone  però ad un nome valido, non a Joe Tornatore, ex attore stunt con, nel passato e nel futuro, la regia di pessime pellicole tra l’action e l’horror, Grotesque compreso.

Non diamo però la colpa tutta a lui: gli attori sono in gran parte miserabili e questo copione non è che fosse poi David Mamet, così pieno di dabbenaggine incredibile e dialoghi non sense.

Linda Blair è presente si e no metà film, poi scompare, la scopriamo morta senza ragione logica, forse era impegnata su un altro set: 4 film in un anno sicuramente non sono pochi. Anche in Bersaglio sull’autostrada d’altronde appariva per dieci minuti, in una carriera, sul viale del tramonto, piena di cammei spacciati per parti da protagonista.

In Grotesque lei è al minimo sindacale: non si spoglia come vorrebbero i fan rimasti, pubblicizza Burger King in una scena d’incredula sfacciataggine, ma soprattutto sembra sempre assente sia che urli come una forsennata scappando da un gruppo di punk sanguinari sia che beva un semplice caffè.

E’ un problema comunque di un film dove l’imperativo categorico è sorprendere inseguendo spasmodicamente il colpo di scena inaspettato, senza curarsi del resto, trama e attori compresi.

Niente tette o lesbo per la Linda Blair quasi trentenne

La parte del leone la fanno il gruppo di punk capitanati da un Vernon Wells più vicino, come cattiveria, allo Zed di Scuola di polizia che al personaggio psicopatico che interpretava nel secondo Mad Max di George Miller.

Loro sono la quintessenza della stupidità: sono psicopatici senza dubbio, sadici stupratori, assassini feroci, ma quando si tratta di compiere scelte assennate, tipo scappare da un maniaco alla Jason, seguiranno sempre le regole suicide de Il manuale delle giovani marmotte squartate dello slasher!

Il punk più fastidioso è senza dubbio quello interpretato da Nels Van Patten, un energumeno che, per farci capire quanto sia disturbato mentalmente, ride ogni cinque secondi in maniera sguagliata, qualsiasi cosa dica, dal “Passami il tonno“, ahhahahhahhahahahh, testa indietro da malvagio, a “Ti scopo, puttana!“, ahahhhahahhaahha. Roba che, alla terza volta che apre la bocca, lo immagini ucciso nel peggiore dei modi e, quando questo succede, non è comunque abbastanza.

Sottotono invece il magnifico Robert Z’Dar, mascellone abnorme e cattivissimo di cult come Tango e cash, Samurai cop, Maniac cop 3 più altri milioni di Z movie direct to video. Qui lo vediamo triste e mogio sullo sfondo, convinto tanto quanto gli spettatori della cattiva qualità del film.

Gli omicidi sono pochi e realizzati male così come il make up dello specialista John Naulin, incredibilmente sciatto per uno che aveva curato i trucchi di  Re animator e Critters.

Purtroppo Grotesque è un film che ha forse soltanto due momenti decenti (gli zombi umani nel finale e una sequenza dove la bellissima Sharon Hughes di Chained heat indossa una maschera da scheletro durante un amplesso) ma per il resto calma piatta.

C’è l’aggravante oltretutto di una pellicola che parte a tutta birra e, dopo 50 minuti, si impantana con le interminabili battute dei poliziotti, le lunghe riprese di gente che cammina e un finale che infila un licantropo obeso e Frankenstein in un contesto di insulso metacinema.

Linda ma che ci hai combinato?

Andrea Lanza

Grotesque

Regia: Joe Tornatore

Scritto da: Mikel Angel

Anno: 1988

Interpreti: Tab Hunter, Linda Blair, Donna Wilkes, Brad Wilson, Nels Van Patten, Guy Stockwel, Sharon Hughes, Robert Z’Dar

Durata: 80 min.

Hell night

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1981, halloween, hell night, jamie lee curtis, linda blair, recensione, terror train, tom desimone

Un gruppo di studenti, appena entrati in una confraternita studentesca, si ritrova a dover affrontare una prova d’iniziazione: passare un’intera notte all’interno di una vecchia villa abbandonata, teatro un tempo di una strage familiare. Uno dopo l’altro inizieranno ad essere uccisi dall’assassino che non è mai stato arrestato.

Cari vecchi slasher, alla fine anche i più brutti nascondono delle sorprese inaspettate, soprattutto quelli partoriti nella fantastica decade degli anni 80. Figurarsi poi se stiamo parlando di un film spassosissimo come Hell night, piccolo gioiello tra il thriller e l’horror, mai uscito naturalmente nel nostro paese di beoti poco lungimiranti.

Cosa rende questo film irripetibile e diverso dai tanti cloni di Halloween o Venerdì 13?

Per prima cosa una regia sopra la media, poi una fotografia splendida e soprattutto un’atmosfera incredibile che trasporta il cinema gotico nell’horror teen sanguinoso.

Hell night è un film del 1981, uno dei parti più interessanti del genere, ben recitato e organizzato nella suspense abbastanza ingegnosamente, salvo poi cadere, negli ultimi dieci minuti, in un disastroso finale.

Poco male però perché il regista è stato capace, prima del capitombolo, di farci cagare sotto prendendosi tutto il tempo del mondo per imbastire la suspense a base di attese, omicidi e personaggi meno tagliati con l’accetta del previsto.

Diavolo di un Tom DeSimone, regista cresciuto a porno gay e b movie, bravo come pochi altri a portare dignità anche nel miserabile sottogenere dei WIP, i film con libidinose detenute dalla lesbicata facile e dall’ancor più facile ferocia omicida, e qui, nella parentesi slasher, ad insegnare ad illustri colleghi, tipo Sean S. Cunningham, come si costruisce un buon thriller con assassino seriale.

Non fraintendetemi: io adoro Friday 13th, ma, diciamolo pure senza problemi, il primo era girato non così bene, tanto che l’arrivo di Steve Miner nei capitoli 2 e 3, e di Joseph Zito nel quarto sembrava l’avvento del Messia, del Dio Spielberg con la macchina da presa.

Ecco Tom DeSimone gira inaspettatamente bene, così bene che Hell night è soprattutto un piacere per gli occhi, benedetto da una fotografia di Mac Ahlberg (Ghoulies, Re animator, Robojox, From Beyond) magnifica, satura di colori accesi e di scuri improvvisi, che potrebbe uscire da un pittorico Roger Corman degli anni 60.

Anche la sceneggiatura del Randy Feldman di Tango e Cash, al suo esordio, è meno prevedibile della media del genere, soprattutto per quel colpo di genio di descrivere l’assassino (o gli assassini) come creature soprannaturali. Certo, quando la matassa si scioglie rientriamo in pieno Non prendete quel metro o Le colline hanno gli occhi con i freak sanguinari, ma sia la regia che lo script avvicinano come atmosfere Hell night più ad un horror puro che ad un thriller soprannaturale.

Da questo film sono presenti i semi che porteranno alla nascita di cult da drive in come La notte dei demoni di Kevin S. Tenney, una derivazione splatter e ancor più horror della pellicola di Tom DeSimone.

Certo è che uno slasher così ben costruito, così divertente e con dialoghi che non gridano pietà al cielo è raro trovarlo. Dispiace che in Italia, come detto, sia stato snobbato dai nostri distributori, senza neanche il contentino di un’uscita in qualche rete privata, preferendogli immondizie come il tremendo Terror train di Roger Spottiswoode, di un anno precedente, modello che i produttori avevano comunque in mente per Hell Night. Proprio sulla falsariga di questo film, il produttore Bruce Cohn Curtis ha spinto il regista a implementare una sequenza di fuga nel finale, uno dei momenti più terribili e stupidi della pellicola con la protagonista che urla come una scema ogni tre secondi e fa le strade più sbagliate per finire tra le braccia del mostro.

Il film fu girato nella meravigliosa Kimberly Crest Mansion, una tra le ville più belle degli Stati Uniti. Le riprese si protrassero per ben 40 giorni tra il novembre 1980 e il gennaio 1981 con un budget di un milione e 400 mila dollari circa. Chiunque era presente sul set poteva descrivere l’esperienza come estenuante tra il freddo pungente e le riprese infinite che non si fermarono neanche il giorno del ringraziamento.

La Kimberly Crest Mansion non aveva né cunicoli segreti né giardini labirintici, ma, se il secondo elemento fu ricostruito in maniera certosina, un po’ sulla falsariga dello Shining di Kubrick, le catacombe erano in realtà due corridoi molto piccoli, solo grazie all’abilità del regista non percepiamo l’inganno di attori che ripercorrono più volte la stessa strada.

Anche i costumi gotici che i protagonisti indossano sono un’idea di Tom DeSimone che aveva ben in mente di costruire uno dei primi slasher in costume. Infatti come dichiarò all’epoca:

“Non mi piacciono questi film dell’orrore in cui le persone camminano in case stregate con jeans e maglietta, quindi ho pensato che avrei vestito i miei attori con guardaroba di tipo gotico e ci è venuta l’idea di creare una festa in maschera per la festa di Hell night. In questo modo siamo riusciti a farli muovere nel film, vestiti come nel passato, senza che sembrassero cretini“.

Un mistero invece è l’identità degli attori che interpretano mostri killer e che non risultano neppure presenti nei credits finali. Sembra che fossero cittadini tedeschi che parlavano poco o niente inglese, ma di più nessuno pare ricordare.

Tra i produttori figura il futuro regista di Il fluido che uccide e Nightmare 3, Chuck Russel, un talento non ancora esploso come autore: Dreamscape, la sua prima sceneggiatura, sarà del 1984.

Nel film spicca l’ex star de L’esorcista, Linda Blair, all’epoca una splendida ventiduenne con un corpo mozzafiato, un decolletè incredibile e un talento che mai scemerà neppure quando sarà costretta a mediocri, se non pessimi, film. Il suo personaggio, diverso da quello dei tanti slasher del periodo, non è la solita vergine timida, ma una ragazza emancipata che prende l’iniziativa con i ragazzi, ripara l’auto rotta per scappare e, alla prima occasione, cerca di prendere un fucile (chissà perché chiamato gun e non shotgun) per fare il culo al mostro di turno.  Certo poi la Blair viene costretta all’imitazione tendente alla parodia della Jamie Lee Curtis di Terror train con strilli eccessivi e corse chilometriche senza senso, ma il suo è uno dei personaggi che resta più nella mente.

Non che gli altri siano solo carne da macello, anzi. I ragazzi si comportano in maniera credibile, ridono prima di fare l’amore, hanno quei tic che sporcano il personaggio piatto e lo rendono tangibile, vero e umano. Ad un certo punto Seth (Vincent Van Patten) scapperà dalla villa, ma tornerà, non senza fatica a salvare i suoi amici, come magari faremmo noi se ci fossero dei nostri cari in pericolo, un gesto nobile che gli costerà la vita e per questo, anche se non vediamo la morte, ci sembra una fine ingiusta ed orribile perché si è creata empatia col personaggio.

Il resto del cast, non numerosissimo, è ben affiatato e non sembra mai di vedere un low budget improvvisato, cosa prevedibile ma non certa nel mondo dei B movie.

Gli effetti speciali, pochi ma ottimi, sono ad opera di Ken Horn, Pamela Peitzman e Tom Schwartz, conosciuti per i lavori eccellenti in Halloween 4, Scanners e The Hitcher. Certo lo splatter è sotto il livello di guardia, ma si bilancia bene il tutto con la tensione in un’idea di slasher più elegante e meno rozzo.

Sarebbe bello se, a distanza di anni, qualcuno in Italia decidesse di dedicarsi ai grandi inediti come Sleepaway camp (e i suoi seguiti), Madhouse, The burning e questo splendido Hell night, magari con un’edizione blu ray che renda giustizia al lavoro fatto da Tom DeSimone.

Andrea Lanza

Hell Night

Anno: 1981

Regia: Tom DeSimone

Interpreti: Linda Blair, Vincent Van Patten, Peter Barton, Kevin Brophy, Jenny Neumann, Suki Goodwin

Durata: 101 min.

 

Massacre

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andrea bianchi, jack lo squartatore, lucio fulci, massacre

Esistono film che sono brutti, ma anche pellicole che quel brutto lo sublimano, lo esaltano nella loro stessa essenza di bruttezza come farebbe un maiale col muso dentro un trogolo.

Nella mia vita ne ho visti di film pessimi, ridicoli, mal fatti, ma è raro sentirsi addosso lo sporco e l’imbarazzo come davanti a Massacre di Andrea Bianchi, una pellicola che ha regia, interpretazione e sceneggiatura palesemente improvvisati per raggiungere gli 80/90 minuti canonici.

Prendiamo ad esempio l’incipit di questo film: un automobilista si ferma sul ciglio di una strada, una prostituta ammicca e lui la fa a pezzi. Ok, mi direte voi, cosa c’è di sbagliato in questo? Nulla se non che la telecamera si muove a cazzo di cane, i vestiti sono stati approvati da un costumista daltonico (Cinzia Milani, segnatevi il nome e chiedetele se ha bisogno una visita oculistica) e perché diavolo la mignotta quando vede questo sciroccato, con una scure in una mano e uno stiletto nell’altra, non se la da’ a gambe? No, lei urla, “Ti prego non mi fare male“, porge persino una borsetta, “Prendi i soldi se vuoi“, e sta ferma, poi quando ti decapitano, figlia mia, un po’ te lo sei meritato.

Non parliamo degli effetti speciali, ad opera di un Giuseppe Ferranti che con l’età deve essersi un po’ rincoglionito, lui che aveva curato gli ottimi e sanguinosi trucchi di Cannibal Ferox (le zinne di Zora Kerova al sangue) e Incubo sulla città contaminata di Lenzi, Rosso sangue di Aristide Massaccesi, Rats di Bruno Mattei, Aenigma di Lucio Fulci (con le lumacone mangiacarne) e Shark di Lamberto Bava. Certo è anche vero che, poveraccio lui, avendo i soldi delle merendine della mamma come budget, non è che potesse fare poi un miracolo, ma la regia di Bianchi non ha neppure il buonsenso di omettere quando è palese che la scure stia spingendo, non tagliando, una testa di un manichino fintissima.

Comunque nel mondo di Massacre nessuno si difende mai, si prendono solo grandi coltellate senza dire mah o bah. Pensiamo a quando due poveretti vengono uccisi nel finale mentre stanno scendendo delle scale. Strada deserta e, puf, davanti a loro si materializza il killer. Nessuno che scappi, “No ti prego non mi pugnalare”, sciock splash, “Ah marrano!” e giù due cadaveri. Ma come? Ma perché? E da quando il killer ha i poteri di Harry Potter?

Idem l’assassinio della medium Madame Yuric, interpretata dalla pessima Anna Maria Placido con palese accento finto rumeno. La sceneggiatura ci vuole dare a bere che il killer, dopo avere ucciso la donna, abbia trovato il tempo di portarla in paese, oltretutto un paese dove non si vede mai una comparsa neanche di striscio, e sia riuscito ad impalarla come la bambina di Cannibal Holocaust senza che nessuno lo abbia notato. “Che fai buon uomo?” “Sto sistemando un cadavere” “Ok ciao“. I primi a scoprirla sono proprio i due protagonisti principali, Jennifer e il fidanzato poliziotto, per di più a notte fonda. Che culo!

L’assoluta imbecillità nel creare suspense è commovente come se ci trovassimo davanti ad una pellicola sperimentale diretta da un bambino alienato. Io capisco tutto, giuro, ma almeno il buon senso di non mettere in scena un probabile killer, terrorizzante come Enrico Beruschi in Drive In. Eppure, Bianchi, le luci sono giuste, i colori fighissimi, ma come diavolo fai a girare così di merda e a non urlare contro i tuoi attori cani?

Va beh, non tutti possono essere Edgar Wallace quando si tratta di intrighi gialli, ma a dire il vero molti nodi della trama di Massacre sembrano intraducibili. Il canovaccio è il lapalissiano killer misterioso che fa fuori una troupe cinematografica. Però che film nel film stanno girando ? Dalle prime atroci scene sembra un horror con tanto di maschere da zombi, un horror così miserabile che un attore ad un certo punto dice “Che regista di merda“. Povero Bianchi, anche per finta nessuno ti vuole bene! Ad un certo punto il regista della pellicola di finzione sciorina, durante una cena con la troupe, delle frasi senza senso, lunghissime, deliranti, mentre tutti fanno altro piuttosto che ascoltarlo: chi tocca con la stessa libidine di una foca impagliata le gambe della vicina di tavolo, chi fa scenate isteriche, chi si alza e se ne va a dormire. Eppure il poveretto voleva solo dire che gli horror gli fanno schifo, che vuole il neorealismo e ha bisogno di una medium? Ehhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhh? Ma gli zombi? Subito dopo lo vediamo girare un atroce siparietto dove un attore, gay come nei peggiori cinepanettoni con De Sica e Boldi, si traveste da Liza Minelli, Marilyn Monroe e Marlene Dietrich, ma con la stessa capacità recitativa e verve di Pozzetto in Io sono fotogenico. Ancora la domanda che sorge spontanea: che diavolo di film si sta girando? Oltretutto il titolo Dirty blood, come si legge nei ciak, dovrebbe essere appunto di un horror, ma che c’entra la scena di trasformismo? Impossibile capire qualcosa solo che siamo in pieno cortocircuito metacinematografico: un brutto horror con dentro un horror ancora più brutto.

Andrea Bianchi lo conosciamo tutti per quello scult assoluto che è Zombi horror (Le notti del terrore), un film così strampalato, mal realizzato ed assurdo da essere spassoso fino alle lacrime. Nella sua carriera non ci sono mai stati davvero alti, e quando ha toccato il fondo erano proprio pellicole indecenti, tra le più brutte mai girate al mondo. Massacre fa senza dubbio parte di queste.

Dispiace perché si percepisce che Bianchi ogni tanto cerca di alzare la testa e prova a girare qualcosa di più sofisticato, ma è un battito di ciglia e subito dopo si cade nel profondo maelstrom fatto di fango, buio e disperazione.

Non sono disprezzabili le trovate visive di alcuni momenti come le inquadrature ingannevoli dentro gli specchi o l’ombra proiettata dell’assassino come in un film espressionista tedesco, ma, come detto, sono solo istanti e il film prosegue la sua folle corsa verso lo scriteriato abbracciando la cacofilia come massima forma estetica.

Massacre vive situazioni erotiche gratuiti come in un porno, schiavo di dialoghi idioti (“Che frocia quella” “Si dice omosessuale” “Macché omo! A quella le piacciono le donne, non l’hai capito?”) e affollato da personaggi monodimensionali che fanno la faccia truce a comando per aumentare una suspense mai accesa.

In questo senso la sequenza della seduta spiritica incarna l’anima selvaggia e in fondo anarchica della pellicola: la telecamera si muove senza sapere dove essere posizionata, alla medium le si gonfia la faccia così per fare scena e quella che doveva essere una scena di tensione si tramuta in una goffissima parodia di un horror, un po’ alla Scary movie, dove ogni personaggio finisce a gambe all’aria per terra.

D’altronde Massacre è un film neanche così splatter come vorrebbe essere con omicidi molte volte fuori campo. C’è da dire però che la musica di Luigi Ceccarelli  non è così orribile come si legge in giro nella varie recensioni: una melodia sulla falsariga dei Goblin di un certo pregio.

Questo film fa parte della famigerata serie Lucio Fulci presenta: 8 film, per lo più opere mediocrissime e povere, impresentabili anche nel 1988, non solo ora. Fanno parte del ciclo, oltre a Massacre, Non aver paura della zia Marta di Mario Bianchi, Quando Alice ruppe lo specchio (il migliore) e Il fantasma di Sodoma di Lucio Fulci, Luna di sangue di Enzo Milioni, Le porte dell’inferno di Umberto Lenzi, Bloody Psycho di Leandro Lucchetti e Hansel e Gretel  di Giovanni Simonelli.

Molti attori presenti in Massacre, come Paul Muller, Robert Egon, Anna Maria Placido e Maurice Poli, sono presenti in altri film del ciclo, intercambiabili come la natura sciacallesca e senza amore di questi horror ottantini.

Ci manchi, Lucio

Grazie alla supervisione di questo ciclo, la carriera di Fulci, già in fase calante, ebbe una brusca frenata perdendo, per via della cattiva qualità delle suddette opere, l’interesse del mercato orientale per i suoi lavori. Non lo aiutò neanche aver girato in solitario il terribile film collage, Un gatto nel cervello, un no budget realizzato con delle scene estrapolate da queste meraviglie. Fulci fu costretto, pena la cancellazione del progetto, a firmare il suo ultimo lavoro, Le porte del silenzio con lo pseudonimo di H. Simon Kittay. L’assurdo: un film di Lucio Fulci non vendeva più, un nome inventato era più appetibile di lui.

Andrea Bianchi morì anziano nel 2005 a Nizza e il suo ultimo lavoro fu del 1995, l’ambizioso e pessimo Bambola di carne, tratto nientepocodimeno che da Oscar Wilde. Dialoghi a parte, ovviamente.

Andrea Lanza

Massacre

Anno: 1988

Regia: Andrea Bianchi

Interpreti: Gino Concari, Patrizia Falcone, Silvia Conti, Pier Maria Cecchini, Robert Egon, Danny Degli Espositi, Marcello Furgiele, Lubka Lenzi, Anna Maria Placido, Maria Grazia Veroni, Cristina Lynn, Piero Pieri, Paul Muller, Maurice Poli

Durata: 90 min.

NB Anche la copertina, plagiata da Phantasm 2, non è un bel biglietto da visita

 

Neuro Killers

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cattivi caratteristi, david blyth, death warmed up, erezioni imbarazzanti, michael hurst, neuro killers, recensione

TRAMA:

Due scienziati portano a termine una ricerca che ha lo scopo di allungare la vita. Il dott. Tucker, si oppone alla sperimentazione sull’ uomo, Il dott. Howel invece, porta avanti i suoi esperimenti in una clinica situata in un’ isola sperduta, non prima di aver fatto fuori il suo collega per mezzo del figlio di Tucker, Michael che finisce in manicomio. Una volta libero si reca sull’ isola per consumare la sua vendetta.

Eccoci davanti ad uno di quei filmozzi di serie B che affollavano le nostre calde notti di adolescenti anni 80/90 senza ragazze, tra un porno e un gioco a 16 byte.

Alla fine si era persone semplici e non avevamo nessuna forma di razzismo, non esisteva la serie A, la serie B e tutte le varianti fino a quella più evidente, la Z, che aveva nel catalogo film inenarrabili della Troma, Il Bosco 1 e, perché negarlo, pure qualche perla del maestro Lucio Fulci in fase decadente come Un gatto nel cervello, Demonia e Sodoma’s ghost. Per noi tutto era cinema, stop, al massimo ci si divideva in film di merda e film fantastici, ma alla fine non c’era molta differenza, appena inserivi la vhs, tra un Walter Hill e un Enzo G. Castellari postatomico.

Il nostro Walter Hill… o quasi.

Certo Neuro Killers era un horror distribuito dalla Image video e i più sgamati tra di noi sapevano che i film di quest’etichetta erano quasi sempre cagatone, come per l’Antoniana o l’Eureka, il peggio del peggio con in più l’agonia di un doppiaggio demente senza rumori di fondo. A volte andava bene come per l’interessante The Lamp di Tom Daley, a volte decisamente peggio come per Il mistero della foresta maledetta (Evil in the woods) di William J. Oates.

In questo caso siamo in una linea di mezzo, il Purgatorio che separa schifezze da film accettabili.

Prima di Peter Jackson, questo horror neozelandese!

Neuro Killers però ha almeno un primato: è un horror neozelandese ed è stato fatto prima del boom di Peter Jackson e del suo Bad Taste. Personalmente non ho mai particolarmente amato il papà di Splatter gli schizzacervelli anche perché il mix così sfrontato tra parodia e viscere mi annoia, gli esperimenti horror parodistici che mi piacciono sono quelli meno ciociari come Il ritorno dei morti viventi o Ammazzampiri. Insomma per me, come diceva giustamente il mitico Lucio Fulci, “l’horror è una cosa seria”.

Roba seria

Non che di Jackson non sia piaciuto mai nulla, direi una bugia: il delicato Creature dal cielo o lo struggente Amabili resti sono film davvero molto ben riusciti, ma sono territori diversi dal ninja di Dio “Per giove e per Noè vi inchiappetto a tutti e tre” di Braindead. Probabilmente non ho la sensibilità adatta per digerire queste spremute di ketchup neozelandesi.

In Neuro killers il regista David Blyth usa un tono meno più serio, il film non è privo di una certa cifra grottesca nelle recitazioni dei vari villain, ma non si tocca mai, per fortuna, la parodia.

Cominciamo subito dalle note di merito: la pellicola è girata davvero molto bene, con movimenti di macchina azzardati, uno stile schizzato se non schizofrenico, un gusto nelle scenografie, soprattutto all’interno del manicomio, che richiama il freddo glaciale delle architetture cronenbergiane de Il demone sotto la pelle. Certo si ha un accumulo, anche esagerato, di fog e colori saturati, ma siamo negli anni 80 e Neuro killers è in tutto e per tutto figlio di quell’epoca, dai vestiti alla musica fino a toccare i clichè del genere che ogni buon B movie aveva. Su qui nulla da lamentarsi, nessuno si aspetta di vedere un Kubrick, e siamo davanti ad un horror indistinguibile per fattura dagli analoghi girati  in America in catena di montaggio, i vari Empire girati anche con meno estro dell’opera di Blyth.

Se però un film potesse essere solo tecnica allora sicuramente Neuro Killers sarebbe un ottimo prodotto, ma purtroppo bisogna fare i conti con altri aspetti, molto più carenti di quelli appena elencati.

Se Neuro Killers è girato con gusto, lo stesso non si può dire del montaggio tagliato con l’accetta e dei terribili raccordi tra una sequenza e l’altra, davvero raffazzonati. Gli attori sono un altro elemento di demerito: impacciati, poco carismatici e decisamente sullo stoccafisso andante sia nelle scene brillanti che in quelle di paura. Se poi aggiungiamo che uno dei maniaci cattivi dai quali scappano è Michael Hurst ovvero il futuro Iolao di Hercules, il nano biondo amico del semidio interpretato da Kevin Sorbo, trattenere le risate è quasi impossibile!

Il capo dei cattivi

I non 4 attori protagonisti sono inquadrati per buona parte del film in atteggiamenti teneri, scusa per fornire a David Blyth la ghiotta occasione per fare uscire una tetta sbarazzina dal costume a favore dello spettatore voyeur da drive in. In una di queste scene uno dei giovani ragazzi nasconde persino un’imbarazzante erezione nel suo costumino da pornostar anni 80!

La trama è qualcosa di inconcepibile, un pasticcio nonsense inverecondo! Ci sono mille buchi di sceneggiatura che non vengono mai spiegati. Per esempio di che esperimento si sta occupando il diabolico Dr. Archer Howell? Cioè lui parla fin dall’inizio della ricerca dell’immortalità, della sconfitta della morte per la razza umana, poi lo vediamo soltanto trapanare cervelli accompagnato da un paio di infermiere vestite abbastanza succintamente. Boh. In più l’isola dove si svolge la storia ci viene mostrata come una comunità popolata da anziani, da famiglie (come si desume dalla presenza di bambini) o da matti in cura, ma scopriamo che esiste un pub, chissà quale clientela avrà mai, e una specie di rosticceria drugstore con il proprietario che dimostra essere più matto dei matti. Naturalmente tutta questa gente nel finale scomparirà senza lasciare traccia, croaton, lasciando i nostri giovani, soli soletti, a combattere questi fantomatici Neuro Killers che spaziano dall’essere cloni dei cattivi di Mad Max ai mostri dementi che ispireranno il videogame Outcast.

Un bravo caratterista per nulla fuori parte

Per lo meno lo splatter, anche se non abbondantissimo, scorre senza censure, ma sono proprio le meccaniche della trama, dei rapporti tra i personaggi a non funzionare e ad essere stupidi. D’altronde come prendere sul serio un gruppo di ragazzi che si fida di un ex assassino reo di avere ucciso i genitori che dice con voce rassicurante “Bisogna passare per i tunnel della morte“? Poi si lamentano che muoiono male!

David Blyth 5 anni dopo sarà cacciato dal set del discontinuo La casa 7 e la sua carriera non avrà mai quel film eccellente che forse avrebbe meritato. Lo ricordiamo per titolacci come Mio nonno vampiro o la regia corale dello speciale di Natale 1994 dei Power Rangers dove, anche qui, non è stato inserito nei credits. Povero Blyth, il regista più bistrattato della storia del cinema!

Per quanto riguarda il doppiaggio, come giù premesso, il livello è infimo. Comunque al di là del voto negativo, Neuro killers è un onesto prodotto di bassa serie B che regala cazzate a profusione: se non siete alla ricerca del capolavoro può fare per voi.

Occhio però alla vhs italiana che sembra essere epurata delle scene gore, ma, se cercate in rete, circola un bel mux integrale nella nostra lingua. Buona visione!

Andrea Lanza

Neuro killers

Titolo originale: Death Warmed Up

Anno: 1985

Regia: David Blyth

Interpreti: Michael Hurst, Margaret Umbers, William Upjohn, Norelle Scott, David Letch, Geoff Snell, Gary Day, Bruno Lawrence, Ian Watkin, David Weatherley, Tina Grenville, Nathaniel Lees, Karam Hau, Jonathan Hardy, Norman Fairley

VHS: Image video

Auguri per la tua morte

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auguri per la tua morte, christopher landon, copiare la maschera di valentine, killer che uccidono per cazzate, putti assassini

 

Tree Gelbman, é una studentessa del college molto popolare e dal carattere superficiale e sbarazzino, che pensa di ottenere tutto ciò che vuole con la sua bellezza. Il giorno del suo compleanno viene uccisa da qualcuno che indossa una maschera inquietante. Anziché morire però, si risveglia il mattino dello stesso giorno, e così capisce di star rivivendo il giorno del suo compleanno all’infinito. Tree si ritrova a dover capire allo stesso tempo cosa la imprigioni in questo loop temporale e chi sia a volerla uccidere. Ciò darà il via inoltre ad un processo di autoanalisi che porterà Tree a rivedere anche il suo modo di essere e diventare una persona migliore. 

“Durante la preparazione, aspettavo il mio primo figlio. Non so se avessi neonati nel cervello, o se avessi paura di diventare padre, ma quella immagine del bambino, galleggiava nella mia testa. Tony ci ha fatto anche una maschera di maiale, ma quando indossai la maschera in ufficio, e spaventai un mio collega, abbiamo pensato … sì, ci siamo“

(Il regista, probabilmente ubriaco, che parla dell’imbarazzante maschera del film)

Il regista adoraaaaaabileeee

Eccoci davanti ad uno slasherino ino ino che poteva tranquillamente uscire, senza spada ferire, durante il periodo estivo e che invece fa il suo esordio in pieno autunno, spavaldo di fare il culo ai blockbuster più attesi, tipo la Justice League. Sarà che in America è stato un grande successo (5 milioni di budget e quasi 50 di incasso), ma il pericolo è che la pellicola, almeno da noi,  sia presto digerita e dimenticata.

Produce la Blumhouse dei vari Sinister, Insidious e tutti gli spaventi a buon mercato milionari degli ultimi anni, questa volta però pericolosamente a corto d’idee.

L’idea, semplicissima, è quella di girare l’ennesimo Ricomincio da capo, la commedia dove Bill Murray si sveglia tutti i giorni, lo stesso merdoso giorno, quello della marmotta, fastidiosa festività di un paesino sperduto nei boschi americani. Naturalmente l’idea è di declinare quel canovaccio in chiave horror teen alla Scream.

Wow.

Peccato che Christopher Landon, uno che tra errori ed orrori di regia, tra sceneggiature più imbelli che brutte, sia sicuramente il cavallo sbagliato su cui puntare non solo per questo progetto, ma per qualsiasi progetto. Se non ve lo ricordate il nostro Chris ha scritto quella schifezza di Viral, ha girato il terribile capitolo latino di Paranormal activity e rovinato una storia buona in Manuale scout per l’apocalisse zombie. Chris a noi, solo a guardarlo in foto su imdb, fa simpatia, sembra un bambascione, uno che magari inviteresti a poker per spennarlo, ma davvero non è portato per il cinema in nessuna sua declinazione, questo restando fermi sul fatto che Landon ci è simpatico, tipo Simple Jack di Ben Stiller.

In più non dimentichiamo che il Dio del cinema ci ha triturato davvero gli zebedei con questo giorno della marmotta! Negli ultimi vent’anni ne avremo visti a centinaia di rielaborazioni del film di Harold Ramis dalla fantascienza di Edge of tomorrow al pulp alla Tarantino di Lola corre fino ad arrivare alla commedia romantica del disastroso Prima di domani, senza contare naturalmente il remake ufficiale italiano con Antonio Albanese. Cazzo, Albanese al posto di Bill Murray, siate maledetti voi, umani!!!

Albanese e il giorno della cicogna

Christopher Landon stavolta, sia dato Cesare quel che è di Cesare, gira meno a cazzo di cane, ma questo vuol dire solo una regia sonnacchiosa, senza guizzi, il compitino di bhu che permette alla ragazza che hai di fianco al cinema di stringerti più forte mentre sorridi beota. Se vi accontentate…

Quel che è assurdo è che Auguri per la tua morte funziona di più quando si dimentica di essere un horror e diventa una specie di commedia un po’ demenziale dove la protagonista deve capire chi l’ha seccata e il killer che piomba all’improvviso, sempre con una trovata nuova, per ucciderla male. Ecco, devo confessarlo, in questi punti mi sono anche divertito e ho sorriso come ai tempi di Porky’s. Peccato che poi ci sia il resto del film: un  thriller dove il sangue non scorre mai, una storia senza molto pathos e soprattutto la risoluzione più cretina mai vista in uno slasher.

Ecco, permettetemi questa divagazione, ma io sono anni che vedo thriller con maniaci mascherati e tutti, chi più chi meno, ci provavano a buttare una motivazione per gli omicidi: si andava dal classico “Ti ammazzo perchè tua madre è una troia e ha rovinato la mia infanzia” di Scream fino ai vari cocco di mamma di Venerdì 13, magari risultavano alibi di merda, ma ci mettevano un briciolo di fantasia. Qui, e non sto spoilerando, è una cosa tipo “Ah ti uccido perchè mi stai sul cazzo“. Per forza che la protagonista guarda l’assassino con sguardo ebete ed esclama “What? Ma sei serio?“.

Carino però l’ambiente universitario che sembra uscito da un incubo anni 80 stile Le ragazze di Beverly Hills con le studentesse, a cominciare dalla protagonista, molto bitchies e stronzette con frasi come “Non farti venire il pancione da zoccola! Usa il presevativo!“. Oddio, allarme stronzaaaaaaaa!!!

Prontooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooo

Il nostro assassino invece non è molto carismatico, indossa una maschera della mascotte della facoltà, una specie di orribile neonato, che assomiglia pericolosamente in brutto quella già vista in Valentine – appuntamento con  la morte di Jamie Blanks, solo che, non ditelo a voce troppo alta, Valentine era un signor slasher.

Valentine (2001)

Per assurdo la maschera è stata copiata creata da  Tony Gardner, lo stesso di Scream, ma, siamo sinceri, stavolta gli è uscita decisamente peggio.

Il giorno della marmotta di sangue (2017)

Gli attori sono tutti abbastanza carini e insignificanti, perfetto per un film che già domani dimenticheremo sempre che non siamo finiti anche noi nel loop della marmotta, condannati a vedere e recensire nei secoli dei secoli questa cosina teen horror.

Che destino di merda!

Andrea Lanza

Auguri per la tua morte

Titolo originale: Happy Death Day

Regia: Christopher Landon

Interpreti: Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Charles Aitken, Laura Clifton, Jason Bayle, Rob Mello, Rachel Matthews, Ramsey Anderson, Brady Lewis, Phi Vu, Tenea Intriago, Blaine Kern III, Cariella Smith, Jimmy Gonzales

Durata: 95 min.