HazMat è senza dubbio un brutto film, di quelli che trovi nello scaffale del tuo discount preferito a 1 euro e 99 insieme a Ozzy il cucciolo coraggioso o ad un film a scelta con Nicolas Cage. La sua anima povera, miserabile e deprimente la si percepisce fin dalle prime immagini, dalla messa in scena arrabattata, dal suo essere quasi commovente nell’agonizzare un’ora e mezza senza una trama. EppureHazMat alla fine dei conti fa il suo dovere, non annoia mai e regala un paio di sequenze niente male che produzioni ben più ricche si sognano, anche con un budget vero. Certo resta un brutto film per svariati ed evidenti motivi, ma anche un titolo onesto, la serie C divertente che ti rallegra la domenica pomeriggio come una Barbara D’Urso al sangue.
Ho preferito HazMat
La trama è semplice e banale: una troupe televisiva, specializzata in scherzi macabri, si trova a dover fronteggiare un vero serial killer in un edificio abbandonato. E’, per farla semplice, una scopiazzatura del contemporaneo Scare Campaign, da noi uscito in edizione deluxe per la Midnight factory, mischiato a ESP – fenomeni paranormali. Solo che non ha il budget del primo, un pregevolissimo slasher crudele, nè la fantasia del secondo, una sorta di Silent Hill mocku. Siamo in terreno POV con la telecamera di sorveglianza il più delle volte a fungere da occhio divino, ma purtroppo la natura già semi amatoriale dell’opera fallisce nella finzione di realismo del genere, complice anche la cattiva recitazione del cast, il doppiaggio italiano atroce e dialoghi dementi. Non ci si appassiona mai a questi personaggi che fanno cose stupide, dicono cose sceme e vanno incontro alla morte con la prontezza di un kamikazen fiero del suo suicidio.
In cosa funziona allora il film?
Nelle singole scene, nella costruzione della tensione e, perchè no, in un efficace assassino che, memore il minatore di Bloody valentine, spaventa con una maschera semplice ma d’effetto.
Oltretutto il titolo, HazMat, si riferisce proprio all’abbigliamento del killer che si veste con una tuta anticontaminazione usata dai soldati per le fughe di materiali tossici.
Il film cerca ad un certo punto pure una via fantastica con una storia di possessioni appena accennata, ma che ci sia o non sia una spiegazione logica alla follia del cattivo di turno poco importa, HazMat è uno slasher ignorante, puro come pochi se ne fanno in questo nuovo millennio e, nei suoi limiti, un luna park macabro che riesce a creare disagio soprattutto quando il killer si aggira, respiro ansimante, per i corridoi della struttura.
Sia dato atto che la regista Lou Simon, cubana di nascita, sa giostrarsi bene con la materia infima, ha una buona mano e riesce nell’intento disperato di farci sembrare labirintica una struttura che nella realtà aveva poche stanze, come leggiamo su IMDB. Noi di Malastrana VHS poi appoggiamo le donne regista siano la gagliarda Jennifer Chambers Lynch che le gemelle Soska che qualche altra avventuriera del genere, perché l’occhio femminile riesce sempre a portare linfa nuova ad un cinema, come quello horror, che, salvo rari casi, è sempre stato territorio di caccia del maschio.
Noi non possiamo consigliare questo film, ma siate certi che, se darete ad HazMat un’occasione, potrebbe sorprendervi. Non è l’horror di una vita, ma quella serie C da gustarsi a rutto libero soprattutto in queste giornate di afa incredibile.
Andrea K. Lanza
HazMat
Anno: 2013
Regia: Lou Simon
Interpreti Norbert Velez, Aniela McGuinness, Todd Bruno, Gema Calero, Giordan Diaz, Tom Stedham, Reggie Peters, Daniela Larez, Mario Nalini, Dennis Spain, Brandi Rudicil, Massiel Checo
Negli incubi di Nightmare ROBERT ENGLUND era “Freddy”
(Frase di lancio)
Il fantasma dell’opera è sicuramente uno dei romanzi più conosciuti di Gaston Leroux, anche per chi non l’ha mai letto, ma lo conosce attraverso una delle trecentomila trasposizioni cinematografiche, dagli apici di Terence Fisher agli abomini di Dario Argento fino ad arrivare ai musical schumacheriani.
Quello di Dwight H. Little non è uno dei migliori, ma neanche uno dei peggiori, vive un suo stato artistico di mediocrità innocua, qua e là ravvivato da tostissimi momenti splatter, a volte fuori luogo e insensati.
Fantasma dell’opera è sicuramente in primis un film girato intorno a Robert Englund e al suo desiderio di sdoganarsi dal Freddy Krueger che gli ha dato fama rifugiandosi, per assurdo, in un altro Freddy Krueger.
Dwight H. Little non era forse il regista più adatto al servizio di una storia che ha la sua forza nell’alchimia tra amore e repulsione, più che negli omicidi e nele nefandezze sanguinarie del villain. D’altronde si sta parlando di un regista che ha dato il meglio in action testosteronici (il sottovalutato Drago d’acciaio soprattutto) e che, quando si è cimentato nell’horror puro, tipo Halloween 4, è sempre stato sottotono. Non che Little sia un virtuoso della macchina da presa, ma anche nella sua dimensione di puro artigiano, senza toccare gli eccessi anche involontari di un Pyun, di un Wynorski o di un Decoteau, ha quasi sempre portato a casa opere ben confezionate e divertenti.
I momenti migliori del Fantasma dell’opera sono quando la storia svacca completamente negli eccessi, nella pornografia horror che devasta i volti, che sventra gli stomaci e diventa puro veicolo per il gigionismo di Englund che passa senza cognizione di causa dalla recitazione più pacata a quella urlata e fuori controllo. Davanti a questo delirio di overacting anche la graziosa Jill Schoelen, che altrove emergeva anche duettando con ottimi attori come Terry O’Quinn, è spenta, messa nell’ombra, incapace di trasmettere la minima scintilla di vita in un personaggio apatico e bidimensionale.
Non l’aiuta, a lei come al resto del cast, un doppiaggio italiano mediocre quando non fastidioso.
Eppure questa versione dell’opera di Leroux, forse in altri mani, avrebbe potuto essere buona se non memorabile a cominciare dall’escamotage del viaggio nel tempo fino all’epilogo che risistema l’asse dell’azione dal passato al presente. Solo che, come detto, tutto è lasciato allo sbando della fortuna, senza interessarsi di curare i dettagli, i personaggi, solo tentando la strada più facile, quella degli eccessi che rendono questo Fantasma dell’opera un vero horror di serie B come tanti se ne facevano a fine anni 80.
Dispiace ancor di più perché la cornice storica era efficace, con una Londra ottocentesca baciata da una luce iperrealista e da fog innaturali, ma sono i tanti momenti di vorrei ma non posso sacrificati in onore della scelta più commerciale, qui incarnata nella raffigurazione di un Fantasma dell’opera, in alcuni momenti vicino alla follia di un anarchico Dottor Jeckill di Kikoine, imbastardito purtroppo dall’eterna maschera di Freddy Krueger e dalla sua terribile ironia a commento dei troppi omicidi.
Delle puttane che infestano la Londra del 1881, dei suoi topi, del suo demonio nano pronto a stipare poco fruttuosi patti di vita eterna, che importa se scippato dal Fantasma del palcoscenico, resta poco nei ricordi così come di una storia d’amore maledetta che riesce a diventare persino ridicola nell’osceno finale che si vuole a sorpresa.
Questo film non è mai stato pubblicato in dvd, ma solo in vhs e resta una bizzaria da raccontare più che da vedere, qualcosa che puoi arricchire con la tua fantasia nel parlarne all’amico curioso.
Ecco quindi che la poco fruibile vhs diventa, in mancanza di supporti digitali, qualcosa di mitico e miticizzato, al pari dell’arca dell’alleanza del film di Spielberg, qualcosa che in questo caso faremmo meglio a non aprire per scoprirne l’orrore celato.
Andrea K. Lanza
Fantasma dell’Opera
Titolo originale: The Phantom Of The Opera
Anno: 1989
Regia: Dwight H. Little
Interpreti: Robert Englund, Jill Schoelen, Alex Hyde-White, Billy Nighy, Stephanie Lawrence, Terence Harvey
Per i più deboli di cuore: in questo film Shannon Tweed non si spoglia.
Non vedrete mai queste:
Se volete sapere perchè, dopo anni di onorata carriera, questa famosa attrice del thriller scollacciato ha deciso di ritrovare una sua verginità proseguite pure la lettura.
Qualcosa dev’essere andato storto in fase realizzativa con questo Night Visitor, da noi uscito come Testimone poco attendibile in un dvd ai limiti della vhs edito dalla Avo Film.
Eh sì perchè il cast con nomi altisonanti, tra star e starlettes, non solo del cinema horror, lasciava presupporre un’opera meno superficiale, più appassionante e sicuramente realizzata almeno decentemente.
A nulla serve però avere come attori il grande Elliott Gould (da M.A.S.H. a Capricorne One fino ad American History X), il nostro Shaft preferito, Richard Roundtree, e poi il magnifico Michael J. Pollard. l’alcolizzato de I 4 dell’apocalisse di Fulci, e ancora l’Allen Garfield de La conversazione di Coppola, se poi li sprechi al pari dei peggiori caratteristi, che comunque infestano la pellicola, nè più nè meno spaesati delle vere star hollywoodiane.
Basti pensare che la performance di Elliott Gould, per dirne uno, non è migliore nè peggiore di quella di Brooke Bundy, conosciuta ai fan del cinema horror per essere la mamma di Nancy in Nightmare di Craven, e anche qui mamma, in una recitazione catatonica e frastornata, sotto il livello di guardia.
Almeno però a Gould, impacciato detective che muove comunque simpatia qua e là nella pellicola, è andata meglio che a Allen Garfield e Michael J. Pollard, forse nelle loro peggiori interpretazioni di sempre, che si vorrebbero ironiche e che invece sono sempre tra il pecoreccio e l’indecente.
Per i più impressionabili abbiamo optato un Garfield meno imbarazzante vestito da diavolo
Basti pensare alle miridiadi di facce gratuite che i due fanno, alle terribili battute che si trovano a ripetere, ai momenti di imbarazzo per lo spettatore quando simulano un rapporto di coppia incestuoso tra fratelli camuffato da battibecchi alla Robinson.
E poi la tutina rossa da diavolaccio di Garfield presa da Moreno dove tutto costa meno che fa tanto Polselli ma cazzo Polselli almeno due o tre cose carine ce le ficcava dentro nei suoi film…
Davvero vedere Testimone poco attendibile ti insegna l’umiltà, ti fa capire che anche Al Pacino può essere schiacciato attorialmente dal Christian De Sica d’oltreoceano, Adam Sandler, se si muove in un campo non suo, il cinema di merda. Testimone poco attendibile è una dura lezione assestata tra il cuore e lo stomaco, tipo un uppercut di Ryu: gli attori non fanno grande un film, lo fanno anche loro, ma ci vuole un lavoro di squadra che purtroppo qui non c’è.
Colpa principe del non regista, Rupert Hitzig, produttore di cose molto più graziose come Lo squalo 3, Wolfen o il divertente L’ultima sfida con la strafigona Vanity e il grandioso Scott Glenn. La regia , siamo chiari, è qui di più limpido non ci può essere nulla, non è il suo campo, e lo si vede, senza giri di parole, da come mette in scena gli omicidi che dovrebbero essere l’humus di un’opera horror se non sei capace di buttarla in suspense.
Cazzo ti ridi, Rupert?
Ogni tanto un’intuizione buona c’è, qualche luce sparata su scenografie non peregrine, ma poi non esiste un’idea di montaggio, di costruzione del terrore, di neanche il guizzo di buttarla sullo splatter. No solo due schizzi di sangue su un vetro come un eiaculatore precoce di Krypton, tutto qui, checcazzo, Rupert.
Si perchè poi vogliamo parlare del reparto figame? No cioè nel cast c’è Shannon Tweed, una bionda che ha reso grande il thriller/horror/erotico di Olen Ray e tutta la serie B gloriosa americana con le sue belle e sode tette, e tu cosa fai, signor Hitzing, neanche sfrutti l’idea voyeuristica del vicino spione, no tu la mostri sempre vestita e quando la uccidi riprendi le nuvole come uno svitato giovane filmaker con intenzioni. No perchè voglio dirtelo: a me della poesia di un sacchetto di plastica non importa una sega, io voglio le minne di Shannon Tweed!
Anche perchè, mi dico, sarà la censura, magari faccio finta che Testimone poco attendibile sia un film fatto per la televisione, cosa che non è, solo che poi, qualche scena dopo, assisto ad un altro brutto omicidio dove una prostituta viene uccisa e spogliata. Spogliata cazzo. Allora mi sovviene, signor Hitzing, che tu sia un po’ come quel cretino che non ha mai scopato tutta la vita poi si trova una donna, l’unica disperata che gliela da’, con fatica pure perchè è vergine e di sani principi, senza sapere che prima si era passata tutta la città. Ecco, sarò crudele, Shannon Tweed non era vergine e le tette gliele hanno viste tutti. Scusa, Rupert, ma dovevi saperlo. Sei stato l’unico che ci ha creduto.
Shannon che sogna di essere sposata da Rupert Hitzig, produttore/regista di belle speranze
Testimone poco attendibile però mi ha fatto venire pure un dubbio atroce: ma un’anguria può rompere il vetro di un’auto? No cioè io mi immagino che il vetro di un’auto, e qui riemerge tutta la mia ignoranza, non sia semplice da rompere, ci dev’essere un oggetto sparato con grande velocità per creparlo, tipo i famosi sassolini in autostrada, o qualcosa di davvero pesante. Ad un certo punto il protagonista inseguito dal satanista cattivo si difende tirandogli sul parabrezza una grande anguria e gli sfonda il vetro. Ecco questa scena mi ha messo un po’ in crisi perchè non so se catalogarla come cretina o come verosimile, anche se opterei sulla prima ipotesi visto il film.
Torniamo al nostro horror/thriller demoniaco però.
Testimone poco attendibile è figlio di Ammazzavampiri di Tom Holland che a sua volta era figlio de La finestra su cortile di Hitchcock. Stesso plot rivisitato: un ragazzo bugiardo, da qui il titolo alternativo Never cry devil che gioca con il classico “Non gridare al lupo”, spia con un cannocchiale dalla finestra una vicina sexy, solo che una sera un killer vestito da caprone la uccide. Elemento non trascurabile il killer è il professore del ragazzo e nessuno gli crede, neppure i suoi due amici.
Ecco se Holland la butta nei vampiri e crea una storia piena di atmosfera che rilegge tra l’altro il Dracula di Stoker, Hitzing invece sceglie il verismo, il soprannaturale non fa mai capolino, ma l’orrore è il vicino di casa, il professore all’apparenza pacifico che ha dentro di sè la bestia, Satana.
Girato probabilmente da Holland il film avrebbe avuto una chance, ma bisognerebbe anche valutare quanto valida fosse la sceneggiatura di Randal Viscovich alla radice, se Hitzing l’abbia cambiata o no. Certo che così, alla luce di una realizzazione indecente, di attori poco carismatici, di personaggi che nascono e muoiono senza senso, di effetti speciali invisibili, Testimone poco attendibile è un film di rara piattezza.
Ad ampliare il tutto un dvd Avo che, come detto all’inizio, non migliora la qualità dell’opera con un doppiaggio raffazzonato e una fotografia granulosa.
Però qualcuno, almeno in America, ci deve aver creduto perchè Testimone poco attendibile è stato distribuito con il marchio MGM, mica la prima sotto label.
Qualche curiosità:
il film uscì in Italia come Testimone poco attendibile in dvd e, prima ancora, come Il sospiro del diavolo in vhs per la CDI. Non ho idea se il doppiaggio sia lo stesso. Esiste comunque per incasinare le cose un’altra vhs, sempre CDI, dal titolo Testimone poco attendibile con appunto il nostro film.
Il film fu girato a Venice in California negli stessi luoghi di Slumber party massacre.
Uno degli amici del protagonista si chiama Sam Loomis in onore al capolavoro di Carpenter, Halloween.
Andrea Lanza
Testimone poco attendibile
Titolo originale: Never cry devil, Night visitor
Titolo alternativo: Il sospiro del diavolo
Regia: Rupert Hitzig
Sceneggiatura: Randal Viscovich
Interpreti: Derek Rydall, Allen Garfield, Kathleen Bailey, Rupert Hitzig, Derek Rydall, Allen Garfield, Jovanni Brascia, Elliott Gould, Richard Roundtree, Shannon Tweed, Michael J. Pollard
I film di stupri e vendetta sono armi a doppio taglio: in pochi riescono a mantenere un equilibrio tra disgusto per la violenza e il compiacimento di essa. D’altronde alla fine, pur con tutte le giustificazioni del caso, la vittima diventa sempre carnefice.
Il canto del cigno del genere è stato firmato da quel Micheal Winner che divenne famoso per Il giustiziere della notte, con una pellicola che più nera, cupa e disperata non si poteva, Uno sporco Week end, dove il giustiziere Paul Kersey/Charles Bronson cede il posto ad una splendida donna, Lia Williams, dal concetto un po’ distorto di giustizia. Sotto le attenzioni di questo angelo della morte cadono soprattutto innocenti, magari incauti avventori che la avvicinano al bar perchè carina. La vendetta questa volta quindi non è riservata solo al colpevole, lo stupratore che la perseguita all’inizio del film, ma diventa una sorta di castrazione preventiva, attuata con la morte, verso tutto il genere maschile. Quest’idea, già recondita nel primo Giustiziere, dove Bronson attuava una vendetta utopica nei confronti degli aguzzini della figlia e della moglie, è il seme di questo I spit on your grave 3: Vengeance is mine.
Il primo I spit on your grave era un remake aggiornato del classico anni 70 Non violentate Jennifer di Meir Zarchi con la bellissima Camille Keaton. In questo rifacimento Jennifer, interpretata da Sarah Butler, viene ancora brutalmente stuprata da un gruppo di rozzi bifolchi, ma a cambiare stavolta è la vendetta, più complessa ed arzigogolata, fatta di trappole e torture che nulla hanno da invidiare all’Enigmista di The Saw. Il film, comunque bellissimo, è girato con buona mano da Steven R. Monroe, che 3 anni dopo, nel 2013, bissa la storia con un seguito scollegato, altrettanto bello e selvaggio. In I spit on your grave 2 a subire indicibili violenze è stavolta Katie (Jemma Dallender) che viene rapita nel proprio appartamento a New York per essere portata in un paese dell’Est Europa e diventare carne da macello. Quando scappa, la vendetta è terribile tra testicoli fatti esplodere in morse d’acciaio e ferite purulente lasciate a marciare.
Il terzo capitolo vede ancora la Jennifer Hills del remake, interpretata sempre da Sarah Butler, che decide, per superare il trauma passato, di partecipare ad un gruppo di sostegno per vittime di violenza. Qui inaspettamente intreccia un’amicizia con una ragazza, Marla, che la inizia la una strana terapia riabilitativa a base di violenza verso il genere maschile. La sete di vendetta ritornerà più forte che mai quando Marla verrà uccisa brutalmente dal fidanzato violento.
Ora però il dilemma è un’altro: se il colpevole dell’omicidio viene brutalmente ucciso da Jennifer a neanche metà film, come può proseguire la vicenda? La risposta è semplice: I spit on your grave 3 diventa Uno sporco week end e così la protagonista si trasforma in una predatrice sessuale che uccide e tortura ogni probabile stupratore che gli si para davanti. Il problema, non sottovalutabile, è che, dopo un po’, i maniaci scarseggiano e lei prova a scannare chiunque, basta che sia un uomo.
A girare stavolta è R.D. Braunstein, un onesto artigiano che viene dal mondo Asylum, qui alla sua opera migliore. Il passaggio tra il bravo Steven Monroe e il nuovo regista è indolore, a convincere meno è forse la sceneggiatura di Daniel Gilboy, già produttore dei primi due capitoli. Il film pecca purtroppo di intenzioni, cosa abbastanza imperdonabile per un film intitolato “Sputerò sulla tua tomba” e che promette due cose essenziali, sesso e morte. Se in Uno sporco weekend il delirio omicida della mantide Bella aveva un crescendo psicologico che portava lo spettatore a comprendere anche le ragioni della sua immotivata vendetta, qui invece il passaggio tra prima parte e seconda è abbastanza sbrigativo, non ci si sofferma mai realmente sulla psiche di Jennifer e del perchè arriva a sbroccare.
In un contesto così diverso dai primi film, si corre il pericolo di parteggiare per i cattivi perchè Jennifer diventa una sorta di pervertito Jason Vorhees con belle tette al posto dei muscoli. Lo stesso vale per il suo modus operanti che una giustificazione, da legge del taglione, aveva nel primo capitolo, ma che qui risulta gratuita con peni tagliati in due dopo una fellatio e tubi di ferro infilati a colpi di mazza nel culo. L’idea di un Saw mutato nel mondo dei rape and vengeance fallisce perchè fallisce la costruzione dell’intreccio, il parteggiare per la vittima anche quando scanna uno perchè lei poverina e lui bastardo. Qui lei arriva, uccide un cattivone a gratis, senza che questi gli abbia fatto realmente nulla, solo in virtù del fatto che lei è convinta sia uno stupratore, ma, cara mia Jennifer, il mondo è pieno di certezze labili, valgono come le pentole senza coperchi del diavolo.
Daniel Gilboy poi scrive una prima parte verbosa, fatta di dialoghi il più delle volte inutili, e cerca di renderci vicine due psicolabili, Jennifer e Marla, che amano trascorrere la sera a pestare uomini o a fargli scherzi più o meno pesanti. Parteggiare per loro è un po’ come prendersi a cuore la sensibilità di un bullo o di un lupo sanguinario.
Anche il finale scade per eccesso di velleitarismo, con una chiusa onirica un po’ stupidotta che ci insegna che il terapista è già uno stupratore, a cominciare dal nome, therapist – the rapist. L’idea di un numero 4 è francamente spaventosa se queste sono le premesse.
Il film ha forse l’unico pregio nella regia di R.D. Braunstein che riesce a far dimenticare a livello visivo e spettacolare tutto quello che masochisticamente Gilboy ha mal scritto. Il segreto d’altronde per apprezzare I spit on your grave 3 è spegnere il cervello e godersi le belle scene di violenza come si farebbe davanti ad una scopata in un film porno. D’altronde, inutile negarlo, il fruitore del genere torture porn ama il sadismo e le violenza, non che questo sia un male ovviamente, questo sottogenere non è roba per palati fini ma per anime semplici. In questo sbaglia Gilboy cercando una strada intellettuale ad un genere che vive di umori più che di cervello, che richiama la rabbia più atavica, quella della rivalsa e della vendetta.
Sarah Butler si spoglia di meno e tenta rovinosamente di recitare davvero, risultando perfetta solo quando imbraccia il coltello. Il resto del cast è composto da facce anonime e non molto convincenti, a cominciare dal poliziotto interpretato maldestramente da Gabriel Hogan.
Alla fine, se si ama il genere, il film diverte e scorre liscio, ma è uno strano ibrido di rape and vengence senza mai il rape, lo stupro, ad innescare la violenza, sempre che non si voglia infilarlo come fanalino di coda del primo remake, in una sorta di I spit on your grave di 3 ore. Forse così acquisterebbe senso e compostezza.
Se vi volete buttare su un film bello che tratta lo stesso tema, senza essere troppo stupido o gratuito, vi consiglio il bel Reversal – la fuga è solo l’inizio. In alternativa anche Julia, recensito qualche settimana fa, ha il suo perchè.
Questo I spit on your grave 3 è invece solo per completisti.
Andrea Lanza
I Spit on Your Grave 3: The Vengeance is mine Anno: 2015 Interpreti: Sarah Butler, Gabriel Hogan, Doug McKeon, Karen Strassman, Jennifer Landon, Corey Craig, Lony’e Perrine, Joshua Kovalscik, Bobby Reed, Heath McGough, Alissa Juvan, Christopher Hoffman Durata: 90 min./Inedito
Note: l’amico Lucius Etruscus parla di Jennifer 3 con toni meno lusinghieri dei miei già poco lusinghieri. La recensione, con spunti interessantissimi, la potete trovare sul sempre gagliardo Zinefilo, la Bibbia della serie Z
Di slasher se ne sono prodotti una quantità industriale da quando Sir John Carpenter ha girato il suo Halloween. Magari non tutti i film sono stati eccellenti, ma se c’è un genere che riesce a camuffare la mancanza di fantasia con il divertimento è proprio questo.
Blood rage è un thriller violentissimo, ma anche involontariamente demenziale, roba che a vederlo ti sbellichi dalle risate. Non che sia girato male, cioè neanche bene, siamo nella media dei prodotti standard della serie B anni 80, ma la sua forza è di essere un film davvero folle per le idee e lo sfregio del buongusto nella messa in scena.
Immaginate che la ricetta perfetta per buon thriller violento, sul modus che so di Brian De Palma, dovrebbe essere il mix sapiente di suspense e effettacci al servizio di una trama intrigante.
Non però per John Grissmer, regista di Blood rage, alla sua seconda e ultima opera: a lui la cucina sofisticata non piace, a lui piacciono i sapori selvaggi magari mischiati a salse e formaggi, racchiusi nella sapiente cucina da Macdonald texano. Quindi via di sangue, frattaglie, tette e buchi di sceneggiatura. Ecco che il piatto può sembrare orribile alla vista, ma nel gustarlo la varietà di saporacci è quasi paradisiaca. Giuro.
Sembra merda, ma è buonissimo
Tutto comincia in un drive in, dove la mamma dei gemellini di neanche deci anni Todd e Terry decide di darci dentro con l’occasionale amante approfittando che i due pargoletti dormono. Niente di più sbagliato. I due ragazzini sgattaiolano dall’auto girovagando per il cinema all’aperto fino a che, senza un motivo logico se non la follia, Terry, armato di accetta, uccide brutalmente il lui di una coppietta in un’orgia di sangue e tagli. Ora voi giustamente penserete: il bambinetto è sporco da capo a piedi di sangue e lo arresteranno. Macchè, ingenui lettori, ad essere arrestato è Todd perchè lo scaltro Terry, sempre coperto di sangue ovviamente, gli fa una carrezzina sporcandogli un poco il viso, gli cede l’accetta e urla “E’ stato lui”. Al povero Todd in shock spetteranno ben dieci anni di reclusione in manicomio.
Da questo momento le idee purtroppposcarseggiano e al povero John Grissmer non rimane altro che prendere il plot di Halloween e capovolgerlo: Se Michael Myers fosse innocente e nel tornare a casa scoprisse che sua sorella Laurie è il killer?
Così Todd, ormai adulto, scappa dalla casa di cura e, per tre quarti di film, si nasconde, cerca di parlare con della gente che terrorizzata chiederà aiuto a Terry, morendo male ovviamente.
Il modus operanti del maniaco è particolarmente bizzarro, una specie di mossa Kansas city del cinema horror: il più delle volte lui è pacifico, magari passeggia con un’amico, parla male del fratello, poi strabuzza gli occhi e scrutando il vuoto alle spalle della sua vittima dice “Eccolo!!!”. Allorchè l’incauto accompagnatore si volta e ualà Terry lo uccide, ridendo sardonico.
Terry l’amicone
La causa scatenante della Blood rage, rimasta latente per dieci anni, nel cervello del buon Terry non è il ritorno del fratello, ma un più shockante annuncio, durante la festa del ringraziamento: Mammà si sposa! Oddio gli occhi diventano spiritati, lui tace, poi poco convinto fa un brindisi alla novella coppia, ma la prima vittima è proprio il fidanzato della madre, decapitato. Anche perchè, diciamolo, la mamma di Terry e Todd è una gran zoccola, che beve come se non ci fosse un domani e si struscia e bacia i figli in maniera ambigua, anche perchè John Grissmer non è uno da sottigliezze alla Hitchcock.
Il film, girato in gran economia, con effetti rozzissimi ma efficaci di Ed Fench, ha dalla sua un’ambientazione interessante, ovvero un residence popolato dalla peggio gentaglia d’America: ragazzi decelebrati, ragazze madri incerca del pollo da spennare, imprenditori imbranati e così via. Quando Terry li uccide, quasi quasi parteggi per lui, perchè diciamolo il ragazzo è pazzo come un’anguilla sotto crack ma è simpatico forte. Ad un certo punto, dopo aver scannato una delle intercambiabili vittime, assaggia il suo sangue esclamando “Giuro che non è sciroppo di lampone!”
Se gli attori sono scarsini, bisogna dire che Mark Soper, l’interprete dei due gemelli, è scatenatissimo, in pieno over acting sfrenato, fa le facce, gigioneggia monologhi, è tutto ciò che di più sbagliato ci può essere in buon film, ma qui è perfetto forse perchè il film perfetto non è.
Non so se consigliarvi questo filmaccio, come avete capito è brutto forte, ma compensa bene la sua natura deleteria con l’essere involontariamente divertente. Un film così folle da chiudersi in modo inaspettato e quasi tragico, in antitesi con tutto quello che c’era prima.
Il film fu girato nel 1983 con il titolo conosciuto (quello di lavorazione era Slasher), ma non trovò distribuzione fino al 1987 dove rispuntò come Nightmare at Shadow Woods, tagliatissimo e con scene di dialogo extra a tappare i buchi splatter mancanti. L’edizione blu ray della Arrow presenta tutte e due le edizioni, naturalmente in inglese perchè da noi il film è purtroppo inedito.
Andrea Lanza
Blood rage
Regia: John Grissmer
Sceneggiatura: Bruce Rubin (come Richard Lamden)
Stars: Louise Lasser, Mark Soper, Marianne Kanter, Julie Gordon,
Jayne Bentzen, Bill Cakmis, Dana Drescher, James Farrell
Durata: 87 min.
Tra tutti i registi che bazzicavano la serie B americana, horror, thriller o action che fosse, per inventiva e bravura, spiccava senza dubbio Joseph Zito, uno capace di farti piacere un film di Chuck Norris manco fosse un kolossal di Stallone. Zito, nel girare, aveva quella marcia in più, quel senso del ritmo che dev’essere per forza nel tuo DNA, quella capacità di scegiere la musica giusta al momento giusto. I suoi film erano violenti ma non rozzi, sia che si trattasse di un war movie con Dolph Lundgren post Rocky 4 che del capitolo più bello dei Venerdì 13, quello finale anche se finale non fu. Certo erano film fascistoidi, reazionari, soprattutto quelli action girati con la Cannon, ma chissene della direzione politica davanti ad uno spettacolo esaltante e ben girato, davanti ad un B movie fatto come Dio comanda, in quegli iripetibili anni 80 che facevano confondere la serie A con la B a noi ragazzini divoratori di VHS.
Non per nulla Zito era mal visto dai produttori, soprattutto per la sua fama di regista difficilmente arginabile, che sforava i budget imposti con il pericolo di incassi dubbi o comunque minori.
Tra i suoi film meno riusciti c’è di sicuro questo Rosemary’s Killer, che comunque viveva fino a pochi anni fa una fama di culto per tutti i maniaci dello slasher, soprattutto visto la sua natura di oggetto irrecuperabile nel nostro idioma, fino all’avvento di internet e dei mai troppi benedetti mux.
D’altronde Rosemary’s killer non fu un successo in patria, soprattutto quando il produttore declinò l’offerta di 750000 dollari della AVCO Embassy Pictures sui diritti di distribuzione del film, relegandolo ad un destino di autodistribuzione vicino alla morte.
In Italia si sa con certezza di una sua uscita nei cinema, poi forse lo sbarco in tv, ma non approdò mai, stranamente, nel generoso mondo delle vhs prima e dei dvd dopo.
Un peccato perchè Rosemary’s killer, The Prowler in inglese, pur se è uno tra gli slasher più illogici e stupidelli mai girati, ha, dalla sua, una forma impeccabile che lo innalza dalla media del genere, molte volte popolata da film girati con la mano sinistra.
In Rosemary’s killer si nota, fin dalle prime battute, quando le ragazze si preparano alla festa di fine anno scolastico con il parallelo della vestizione del “mostro”, giarrettiere da una parte, il coltello infilato nello stivale dall’altra, che siamo in un terreno diverso dagli spaventelli teen di quegli anni, nati sulla falsariga di Halloween o Venerdì 13, qui c’è una cura non pedestre per i particolari e la costruzione della paura.
Joseph Zito gira non bene ma benissimo, e la sinergia con Tom Savini, mago degli effetti speciali degli anni 80, porta ad una danza di morte tra le più crudeli, cruente e sanguinose viste in un horror adolescenziale di quel periodo.
In più il killer di Rosemary’s Killer è davvero un babau di tutto rispetto con la sua tuta militare a fungere da maschera spaventosa ed efficace nella sua semplicità.
Zito non lesina neppure in nudi spogliando le sue protagoniste/vittime nello stesso modo in cui le ucciderà nelle sequenze successive. E’ un continuo alternarsi tra erotismo e violenza, in una velocità tale da lasciare interdetti, come nel caso della morte della ragazza sotto la doccia, prima ammirata nuda e poi martoriata a colpi di forcone.
Joseph Zito, uno bravo
Se il film ha il suo fascino, anche per via di indovinate sequenze di terrore puro, come la lunga sequenza di inseguimento tra il killer e la protagonista, poco dopo la morte dell’inquilina, come detto, il film cede quando invece cerca di essere plausibile a livello narrativo. D’altronde anche il più cretino può capire chi è l’assassino quando tu sceneggiatore fai sparire un personaggio con la scusa più idiota e credi che il pubblico sia così beota da esserselo dimenticato. Patetici poi gli escatomage di depistaggio che, ad un certo punto, vogliono un vecchio paralitico (il grandissimo Laurence Tierney de Le iene in un ruolo sprecatissimo) essere il probabile assassino, senza d’altronde che nessuno ci creda.
D’altronde è la natura di Giano bifronte di questa pellicola, uno dei milioni di film preferiti da Quentin Tarantino, che vuole fare a cazzotti, come per i migliori Dario Argento peraltro, tra logica e messa in scena. D’altronde è fare gli schizzinosi perchè The Prowler non è più scemo di uno Scream 3 di un quasiasi So cosa hai fatto che funesterà i nostri incubi anni 90. Questo in più è girato pure benissimo e mischia bene il lato splatter con quello più d’atmosfera. Rosemary’s killer d’altronde con i suoi bagni in piscina da versione hardcore di Il bacio della pantera, con le gole infilzate e le tette mostrate un chilo al minuto, con l’assassino che torna alla carica dopo 35 anni senza un vero perchè plausibile, confondendo all’improvviso la protagonista (Vicky Dawson, la più bruttina del cast) con la Rosemary del titolo, salvo dimenticarsene subito dopo, con il finale alla Carrie assolutamente non sense, è pura delizia da cinefilo del cinema horror anni 80. Armato s’intende di pop corn e rutto libero.
Andrea Lanza
Due curiosità sul film:
– Si racconta che Farley Granger, lo sceriffo George Fraser, sia stato scritturato in questo film per puro caso, insegnando recitazione alla moglie di uno dei produttori. Il suo ruolo tra l’altro è quasi un cammeo. Granger e Tom Savini litigarono spesso sul set anche perchè l’attore, claustrofobico, doveva stare una intera giornata con il viso sotto il lattice per creare un calco dela testa. Gli effetti speciali avevano tra l’altro un ruolo importantissimo nel film e Savini definisce The Prowler una delle sue opere più riuscite. Sarà appunto per questo film sfortunato che Joseph Zito verrà scritturato per Venerdì 13 capitolo finale, sempre accompagnato dal fidato Savini che non lo abbandonerà neppure per i suoi action gore come Invasion USA.
– La scena dove il vicesceriffo e la sua fidanzata aprono la tomba di Rosemary’s e la trovano occupata da una sfortunata vittima del killer fu girata in un vero cimitero. Non solo: anche quella cassa da morto era vera e in attesa del suo legittimo proprietario. Roba da fare gli scongiuri, ma niente paragonabile ai 18 calci che l’attrice Cindy Weintraub si prese nel tentativo di girare bene la scena della sua morte in piscina, dove appunto una pedata del killer la ributtava in acqua. Fortunatamente il piede era in lattice.
Rosemary’s killer Titolo originale: The prowler Regia: Joseph Zito Interpreti: Vicky Dawson, Christopher Goutman, Lawrence Tierney, Farley Granger, Cindy Weintraub, Lisa Dunsheath, David Sederholm, Bill Nunnery, Thom Bray, Diane Rode, Bryan Englund Durata: 90 min. Anno: 1981
“Quando gli incubi di un’adolescente diventano realtà”
(Frase di lancio sulla vhs italiana)
Lo slasher è un genere abbastanza semplice. Mettici un assassino, una casa sperduta, qualche giovane incauto, e voilà il gioco è fatto. Se poi, tu regista, sei anche bravo, puoi aggiungere, a mò di condimento, ma non è necessario nella logica del B movie, anche suspense e una risoluzione finale non prevedibile. Lo slasher l’hanno affrontato registi cult come Sergio Martino nel suo mai troppo glorificato I corpi presentano tracce di violenza carnale, Wes Craven con la sua impareggiabile tetralogia di Scream, senza contare un miliardo di registi, o presunti tali, negli anni 80, persino il bravo autore di Porky’s, Bob Clark, e naturalmente John Carpenter, non il primo, ma quello da cui tutto ebbe inizio, con Halloween.
Senza Halloween, non mi vogliano i Martino, i Clark o i Bava che è vero c’erano prima, non ci sarebbero stati i Venerdì 13, i Decoteau frocissimi venduti al supermercato a un euro e 99, gli Scream e tutti i loro figli mongoloidi, il cinema non sarebbe finito, ma il panorama horror sarebbe stato orfano di alcuni assassini che ci hanno fatto da papà nella nostra crescita di appassionati del cinema di paura.
Con Halloween il cinema thriller ha subito una scossa elettrica, ovvio che, visto il clamore e il successo, ci volessero provare tutti, anche perchè gli ingredienti del novello genere,come detto, erano più che semplici e sicuramente riproducibili con facilità. Certo Carpenter era Carpenter, lui faceva venire il brivido sulla schiena anche con una soggettiva di un bambino, ma senza suspense si poteva, per esempio, puntare sulle tette, e, senza musiche d’atmosfera, sul gore. D’altronde le regole dei B movie più scatenati vogliono l’arte dell’arrangiarsi come dogma principe.
Una Lama nella notte arriva nel 1986, quando il genere slasher è già bello che consumato, cercando, a partire dall’idea di farlo dirigere da una donna, di cavalcare il successo di un altro slasher ottantino, The Slumber Party Massacre diretto da Amy Jones.
La regista Carol Frank era stata tra l’altro assistente alla regia proprio di The Slumber Party Massacre, quindi al produttore Roger Corman dev’essere sembrata la declinazione più giusta quella di promuovere la Frank come regista e sceneggiatrice assoluta, nel tentativo di bissare gli elementi del precedente film.
Inutile dire che la carriera di regista di Carol Frank si fermerà giustamente qui.
In The Slumber Party Massacre a farla da padrone erano gli omicidi col trapano elettrico perchè nel cinema horror di serie B è raro che l’assassino trombi, ma col suo trapano grande e grosso come un pisellone da film hard, oh sì!, poteva trapanare tutte e ragazze che voleva. Il sesso visto come pericolo mortale dei vari slasher qui acquistava un’iperbole maggiore di metaforona, un’invenzione non pedestre sia dato tanto di cappello alla Jones.
La Frank non arriva a tanto, all’inizio cerca di confondere le carte con una regia virtuosistica, montaggio azzardato, telecamera impazzita, ma non è nè Sam Raimi nè Kevin S. Tenney, quindi il gioco dura poco, e Una Lama nella notte diventa una milk shake di Halloween con Nightmare on elm street, non avendo nè la genialità nè la suspense di nessuno dei due.
Momenti Nightmare
Dal capolavoro di Carpenter la Frank prende il rapporto di parentela, sorella/fratello, tra la protagonista (un’antipaticissima Angela O’Neill) e l’assassino bietolone, interpretato dallo sfortunato John C. Russell (morì a soli 39 anni nel Marzo del 1997), qui al suo unico ruolo della carriera. Da Nightmare, un po’ come farà La casa al n. 13 in Horror Street di Harley Cokliss, mutua gli aspetti più superficiali: i sogni ad un passo dal dormiveglia, e bambine bianco vestite che avvertono del pericolo imminente, e la bizzaria del mondo onirico (con almeno, sia dato a Cesare, un momento riuscito, ovvero la tavola imbandita con le bambole umane sedute). Il tutto è però un frullato di scopiazzature che, sia chiaro, non fa mai paura.
In più questo assassino, Bobby, non ha neppure una maschera figa, si deve accontentare del faccione da bamboccione di John C. Russel, uno che non farebbe paura neppure alla festa di fine anno dell’asilo, figuriamoci in un thriller.
Sono il killer più carismatico della storia dei thriller
Ci sono però momenti, anzi intuizioni, buone, che però non sono mai sviluppate, lasciate a morire nel breve metraggio della pellicola, 77 minuti, come quando, senza un vero motivo, scopriamo che il killer Bobby vede ogni sua vittima come una bambina. Ok, molto La scala a chioccia, ma perchè?
Per il resto abbiamo un thriller scemo che, girato da una donna, forse si pensava sarebbe stato meno scemo, per lo meno non puntato sulle tette gratuite, invece, a dimostrazione che le vie del Signore sono infinite, Carol Frank ci infila ad inizio pellicola, una scena assolutamente gratuita dove alcune delle protagoniste si spogliano per provare dei vestiti, tutto musicato da una musica anni 80 insostenibile. C’è da dire che Sorority house massacre, questo il titolo originale, nelle mani di un porcone come il grande Jim Wynorski sarà ancora più scollacciato, con tette e docce a gogò nei due seguiti, Sorority house massacre 2 e Hard to die, che girerà negli anni a venire, con risultati di divertimento nerd comunque maggiore. Eh si, perchè Una lama nella notte, siamo sinceri, è una discreta palla.
Momento tette gratuite
Ma vogliamo parlare di come Carol Frank gira gli omicidi? Di quanta disattenzione c’è nei confronti dell’atmosfera che dovrebbe essere parte integrante di un thriller? Bobby arriva e uccide, non sparge molto sangue, le sue vittime muoiono come galline sceme facendo cose sceme come la scena dove una cretina scende le scale e si butta quasi in braccio al killer, innescando una gang incredile dove lei cerca di risalire e l’assassino prova a prenderla per i piedi. Una cosa che neanche Scooby doo!
Essendo poi la Frank una donna ci infila, in una scena di morte, poi un gratuito nudo maschile di un ragazzone che corre nudo come mamma l’ha fatto indossando solo scarpe da tennis e calzini bianchi! Per noi amanti del cinema horror tettuto è, per citare l’immortale poeta J-Ax, “l’equivalente del dito in culo quando scopi”.
Altra cosa implausibile sono i comportamenti dei personaggi davanti agli omicidi: Bobby uccide i loro amici e questi non fanno un ah o un bah, si dimenticano dell’esistenza di quella persona, la danno già morta quando, ad un passo da loro, quella inciampa chiedendo aiuto. Tutto a cominciare da quella palla al cazzo della protagonista, una che non vorreste mai alle vostre feste, ha sempre il mal di testa, non sorride mai, quando si festeggia ha sonno. Che palle!
Stendiamo un velo poi sull’incapacità recitativa di tutto il cast che può sfoggiare non attori capavi, nelle scene di tensione, di ridere sotto i baffi. Una cosa incredibile a vedersi. Non ci si capacita che un film tanto brutto e malfatto sia arrivato da noi in Italia, in un’edizione però giustamente da straccioni, con un doppiaggio da mani nei capelli.
Che dirvi? Una lama nella notte non è ben girato, non è sanguinoso, ha solo due o tre tette buttate nel minestrone qua e là, ma il divertimento è basso. Vi consiglio di recuperare, come già detto, i due seguiti di Wynorski che sono brutti è vero, ma, Madonna, quanto son divertenti! E il divertimento è tutto in un brutto film di Serie B.
Andrea Lanza
Curiosità:
Il film che i ragazzi in tv vedono è The Slumber Party Massacre di Amy Jones
Angela O’Neill, l’attrice protagonista, dopo la figura barbina in questo suo film, si riciclerà come guardarobiera in filmdi un certo pregio come Apollo 13 o Soldato Jane. Il cinema era nel suo sangue, certo, ma non come attrice!
Il film segna il debutto dell’attore/produttore Vinnie Bilancio, noto per cosacce di serie B come Camp Blood o Blood gnome. Ha pure diretto tre misconosciuti horror, brutti come la morte.
La bellissima biondona della copertina non appare nel film, ma trattasi di Suzee Slater, già vista nel capolavoro di Winorsky, Il supermarket dell’horror, e futura interprete di simpatiche zozzerie come Ipnosi morbosa di Fred Olen Ray.
Una lama nella notte Titolo originale: Sorority House Massacre Anno: 1986 Regia: Carol Frank Interpreti: Angela O’Neill, Wendy Martel, Pamela Ross, Nicole Rio, John C. Russell, Vinnie Bilancio, Joe Nassi, Mary Anne, Gillian Frank Durata 77 min. – Videogram – Inedito in sala – Divieto ai minori di 14 anni
Con gli anni, forse perché invecchiati, siamo diventati dei divoratori bulemici di serie tv. Nel tubo catodico (o nella sua reincarnazione a 50 pollici ultra piatta) abbiamo trovato tutto quello che il cinema ci stava negando. E’ un problema di quantità, molte volte, più che di qualità, di accendere la televisione e trovare la tua dose quotidiana di zombi o sozzerie, di intrighi e mazzate all’arma bianca, senza paura che, tra un seguito o l’altro del tuo film preferito, passino anni e i tuoi capelli ingrigiscano nell’attesa. Le tv hanno compiuto persino il miracolo di ridare linfa vitale a generi ormai dimenticati o comunque non più oggetto di interesse vivo da parte di Hollywood: ecco che è arrivato Spartacus con tutta la sua dose di coatteria alla 300 e, subito dopo, Black sails e i suoi pirati sanguinari, declinazione moderna del cappa e spada dei nostri nonni. Ma anche generi più popolari hanno fatto man bassa di share: l’horror con American horror story e la sua deliziosa froceria, Walking dead insieme a mille serie tv sui morti viventi, ma anche il mocku (The river), l’action (Banshee), il dramma (Empire), il biker movie (Son of anarchy), il carcerario (Prison Break e Oz), senza dimenticare i capolavori dei capolavori ovvero I Soprano, Breaking bad e Mad men, che rientrano a volte in uno o cento generi.
Che cazzo dici, Paulie, una serie su Scream???
Capita da sempre che in tv sbarchino , come ultima spiaggia per otarie morenti, alcune pellicole nell’incarnazione di prequel, finti o veri sequel o spin off. In attesa, molte volte, di un seguito ufficiale o perché semplicemente al cinema si è fatto flop. E’ successo con Il pianeta delle scimmie, con Terminator e il suo Sarah Connor cronicles, con Voglia di vincere, in maniera trasversale con Poltergeist e Venerdì 13, e tra poco potremmo ritrovare Ash di Evil dead in una serie tutta sua. Molte volte il gioco riesce bene, soprattutto in questo nuovo millennio, anche perché i ritmi televisivi in tv sono sempre più vicini al cinema, ma altre ti capita di sbadigliare come davanti ai vecchi Manimal, incarnazione di una televisione lontana mille anni luce. E’ allora che si palesa la fallibilità di pellicole che solo su grande schermo avevano il senso d’essere.
Scream la serie tv??? Siate maledetti voi tutti!!!
Screamper tutti noi ragazzacci che negli anni 90 andavamo al Liceo, è stato uno dei film più importanti della nostra adolescenza, al pari del Cruel intenction di Roger Kumble, dei porno di Jenna Jameson o dei Dylan Dog letti sotto il banco in noiose lezioni di matematica.
Scream era un modo di fare horror in maniera moderna guardando al passato. Di slasher ormai non se ne facevano (quasi) più e riproporre un genere morto, su uno schermo gigante, con il dolby migliore a far risaltare le urla degli attori, era vera goduria sparata su pellicola.
Scream ti catturava perché arrivava dove gli horror per ragazzini non osavano mai: non c’era un quaterback a prendere a calci in culo i mostri, era dalla parte dei perdenti, degli emarginati, gli stessi fan del cinema horror che pagavano per vederlo (e vedersi). Sapere chi uccideva nel primo Venerdì 13 ora non era più un’occasione per essere smutantandato dai bulli in cortile o diventare sberleffo della fighetta di turno, ma un vanto, una qualità intellettuale che ti permetteva di sopravvivere al killer di turno.
Scream, quello bello
Craven, da una parte, porta all’interno di Scream il suo universo orrorifico e gira una specie di remake di Nightmare on elm street senza Krueger, ma è solo grazie a Williamson che il miracolo si palesa. Ecco che il vecchio modo di fare cinema del maestro Wes si piega davanti a Dawson’s creek e agli adolescenti problematici degli anni 90, non annullandosi, si badi bene, ma accrescendosi e diventando, come dopo un parto, un figlio di entrambi. Come lo si guardi Scream porta la firma di Craven e di Williamson, indissolubile, un ibrido che proprio nella eterogeneità dei suoi fattori acquista forza, qualcosa che non si sarebbe ripetuto mai più, né con i cloni slasher alla So cosa hai fatto né con l’unica terribile regia di Williamson né con i seguiti a venire della serie.Scream 4 a parte.
Scream 2 era un film delizioso, ma fondamentalmente inutile, e Scream 3, senza più la sceneggiatura di Williamson, un disastro senza ba né ma, girato per di più da un Wes Craven ormai rintronato dall’insuccesso di La musica nel cuore, la sua speranza sfumata di essere un autore al di fuori del cinema horror.
Il discorso Scream 4 invece è diverso perché alla fine abbiamo un film, l’ultimo della serie, ottimo ma disgraziato al botteghino. La serie ormai è ferma da tempo, i fan sono cresciuti e gli adolescenti, che da sempre ne sono i primi fruitori, neanche sanno cos’è Scream. Williamson stavolta è troppo vecchio e i suoi ragazzini, che entrano dalle finestre e sospirano per amore, desueti, roba da museo giurassico. Peccato perché la regia è brillante e la storia tocca toni altissimi di genio, al pari del primo Scream.
Quando Mtv annuncia la produzione di Scream la serie tv, è forte di almeno un altro adattamento, Teen Wolf, che, pur tra alti e bassi, aveva molte qualità.Scream 4 poi era stato un buon apripista per affrontare il genere nell’era di internet, degli iphone e dei selfie usa e getta. Sbagliare era impossibile o quasi.
Le prime notizie scoraggianti arrivano quando si scopre che Wes Craven è stato estromesso dal progetto: non girerà neanche il pilot e sarà presente solo come produttore esecutivo, che poi è come dire tutto e niente.
Leggasi: scelte dubbie in fase produttiva
Da qualche parte sul web nasce la leggenda che Craven il pilot l’abbia effettivamente girato, ma che la rete l’abbia trovato sotto lo standard qualitativo che si aspettava. Perciò via Wes dai giochi, un po’ come quando i tuoi figli chiamano papà uno sconosciuto e tu devi stare zitto.
Non paghi poi, i responsabili della serie annunciano che la maschera di Ghostface sarà cambiata: non più l’urlo di Munch, ma una banale maschera chirurgica che ricorda più o meno quella ufficiale. Un po’ come quando Michael Bay ha deciso che, per amore della verosimiglianza, Freddy Krueger dovesse cambiare make up perché un ustionato non poteva avere il trucco di Robert Englund. Ecco l’aderenza al reale è la chiave che molte volte uccide l’irrealtà del cinema horror. In un attimo l’intuizione di Kevin Williamson viene spazzata: vittima e carnefice uniti dall’urlo, l’ultimo prima della dipartita. Ora l’assassino di Scream con la sua maschera chirurgica è indistinguibile da un Michael Myers qualsiasi.
Poi arriva la prima puntata di Scream la serie tv.
Buum.
Il pilot, scritto purtroppo da Kevin Williamson, è una cosa di incredibile piattezza: non un momento dove ci si emozioni o ci si terrorizzi, neanche il tentativo di scimmiottare il film di Craven nei suoi momenti migliori. No, Scream la serie tv, già dal suo primo episodio, è un disastro, un prodotto pessimo come messa in scena, disgustoso nelle scelte artistiche e inetto nella sua costruzione della suspence. Ogni tanto poi parte una musichetta pop a cazzum di cane con tanto di titolo della canzone da scaricare.
In più, in un modo di fare cinema in tv completamente imbecille, fatto di hashtag e frasette modaiole, di idioti che muoiono senza che te ne accorgi, l’incubo avverato di Brett Easton Ellis, ci sono loro, i non attori. Un gruppo di disastrati che dovrebbero recitare e non lo fanno, si limitano a ripetere le battute e muovere al massimo le tette sotto magliette attillate.
In Scream la serie tv i personaggi muoiono a raffica, ma i compagni, gli amici, le madri se ne dimenticano tre secondi dopo, il tempo di un pianto e via, ultima stella a sinistra, sto bene con questa faccia buffa? Se morisse, per esempio, mio padre non avrei la forza di fare battute cool tipo “Ora ci sono io” alla mia fidanzata che due secondi fa mi accusava di cose immonde. Sta puttana. Ma qui no, nel mondo di Scream la serie tv, le persone sono colpevoli un secondo prima e quello dopo no, con la scusa più cretina del mondo tipo “la signora che ti accusava è cieca, non lo sapevo”. Scuuuuuuuuuuusa? I rapporti interpersonali non esistono, i sentimenti sono emozioni da buttare su tweeter, si vuole uscire al ballo di fine anno dopo che hai visto trucidare con una motosega gigante il tuo ragazzo. Chi sono i veri mostri? L’assassino dalla maschera chirurgica o questa carne da macello pensante?
I non attori
In questa serie poi si perde lo spirito degli Scream di Craven, non più uno slasher moderno, ma un torture porn senza molto sangue, con il killer che diventa negli ultimi episodi un emulo della serie di Saw. E quindi via di trappole elaborate, di giochetti che finiscono con lo sbudellamento di un tuo caro, con la cretineria che per costruire simili trappole ci vuole tempo e forza, soprattutto se tu killer, alla luce della soluzione finale, non potevi fare logicamente quelle cose.
Il prossimo anno Scream tornerà in tv con la nuova serie. Noi saremo qui a parlarne, spero bene, perché la speranza è l’ultima a morire, ma leggere nella puntata di fine stagione “Dedicato alla memoria di Wes Craven” fa un po’ stringere il cuore.
Dopo un fin troppo acceso scontro con Miss Storm, sua insegnante di biologia, Dickens decide di vendicarsi con la complicità dei suoi amici. L’appuntamento è per la notte, ma la notte ha in serbo per loro delle sorprese.
Che belle che erano le vhs! Non per la qualità del supporto magnetico, ma per il catalogo infinito che ti permetteva di scegliere se noleggiare l’ultimo blockbuster o il film più miserabile. Una cosa che il mercato dvd non è mai riuscito davvero a fare e ancora, per fortuna o sfortuna di Malastrana, molti titoli editati nel passato sono purtroppo invisibili.
Le videoteche erano templi coloratissimi, caotici, pieni di ogni genere di film, dagli horror più assurdi ai pornazzi di D’Amato. E c’erano questi raccoglitori di copertine, perchè lo spazio era poco e le vhs non andavano al macero, dove riposavano i film più vecchi che non venivano esposti, gli orrori della Avo o i deliri della Eureka film.
Ecco che un luogo di passaggio diventava quasi una Bisanzio della scienza, con i videotecari che non capivano un cazzo di cinema, ma a te, ragazzino, riuscivano a rifilarti pure un barboso thriller con Liam Neeson in bianco e nero spacciandotelo per un giallo sulla scia di Dario Argento.
Un film palesemente alla “Dario Argento”
Nel mio passato di archeologo delle nefandezze più assurde, la mia arca dell’alleanza, il mio sancho, il mio El Dorado era la videoteca Da Franco di Ponte Tresa con quasi 10 mila titoli in esposizione e ogni domenica ero lì pronto al noleggio. Ecco che in quel caso la scelta del film diventava una ricerca verso non il bello, ma il non visto, e il fatto che esistevano questi faldoni raccoglitori dava uno spessore culturale al tutto. Si perchè l’approccio era da biblioteca, leggevi la trama, toccavi con mano il prodotto e ti immaginavi come poteva essere il film che avresti visto.
Era il sesso telefonico della generazione vhs, l’immaginare l’oggetto del desiderio senza vederlo, e restare, molte volte, come ogni incontro al buio, deluso.
D’altronde il detto “la realtà supera la fantasia” è una stronzata.
Raging fury è stato uno di quei film che mai ho noleggiato.
Magari affittavo un tre o quattromila volte uno Zombi 3, ma mai che mi venisse voglia di prendere un Raging Fury.
Il problema era l‘Eureka video che, tra un assurdo Evil in the woods o un terribile Gli invincibili fratelli Maciste, sapeva essere il peggio del peggio del mercato, grazie anche a queste vhs dalla qualità video penosa. Raging fury però aveva però una bella copertina con questa donna urlante che sembrava sputata dall’inferno e una mano fatta di radici d’albero a tenere stretta una casa.
Eravamo visivamente nel plagio più totale di Evil dead, ma ad impatto visivo era francamente una bella locandina.
Eppure a quattordici anni fiutavo già l’odore di stronzatona.
A chi dici “stronzatona”?
Raging fury lo vidi tempo dopo, su Odeon tv, col titolo Furia incontrollata, credo nel ciclo I bruttissimi e mi sembrò davvero di un brutto totale. Nessun mostro, uno slasherino blando e noiosetto. Peccato.
A rivederlo ora dopo tanto tempo Raging fury è rimasto sì brutto, ma ha acquistato anche una certa bellezza sotterranea, quello che l’occhio di un ragazzino non può vedere.
Diciamo che per tre quarti non succede quasi nulla nel film, scherzi, battute alla Porky’s, tante tette, massaggiate, mostrate, sognate dietro le finestre come in un erotico di Sergio Martino, ma, alla fin dei conti, del sangue, del budello e della tensione, quello che ogni buon horror/slasher dovrebbe vantare, nulla o poco più. Come dei preliminari fantastici finiti in un’eiaculazione di tre secondi.
Le parti horror sono condensate in due tronconi del film.
1 – nel brutto incipit dove una bambina arrabbiata, vestita come una cretina, butta in faccia del fango a due bikers, una ragazza e il suo fidanzato, rei di avere staccato la testa ad una bambola, e causando la loro morte. I due cadono su degli spuntoni di ferro vomitando sangue mentre la bambina corre lontano dopo un’espressione comica che dovrebbe essere di terrore.
2- nel finale, dove a 58 minuti dall’inizio (il film ne dura 85 minuti scarsi) la professoressa di sveglia e decide di farsi giustizia con sassi, matite e coltelli.
Siamo davanti, oltretutto, ad un rape & vengeance senza lo stupro, con solo la vendetta. Anche perchè è vero che il gruppo composto da Dickens e i suoi tre sfigatissimi amici penetra nella casa della povera professoressa, la terrorizza a morte, e gioca con lei sessualmente ma non arriva mai al dunque. Quindi anche la vendetta successiva è un colpo di genio della sceneggiatura perchè assolutamente esagerata al danno.
Non siamo davanti alla violenza animale perpetrata ai danni della Jennifer di I spit on your graves, no qui siamo davanti a quattro deficienti che, per passare la serata, hanno deciso di rompere le palle ad una professoressa, e per questo vengono trucidati.
Si finisce per respirare un’aria ambigua, quasi fastidiosa, perché è difficile parteggiare per queste specie di primati umani ma anche per la povera professoressa che, fin da piccola, non ha mai peccato di eccessiva simpatia.
La sceneggiatura di Leo Evans e dello stesso regista Douglas Grossman non pecca molto di originalità e trasuda demenzialità da ogni poro, soprattutto nel proporre idee da parodia in maniera seriosa.
Le carriere dei due d’altronde non hanno dato altro oltre a Raging Fury, solo Grossman ha avuto un momento di tarda celebrità nerd per aver scritto un filmaccio con qualche idea come Zattere, pupe, porcelloni e gommoni di Robert Butler.
D’altronde come restare seri davanti a dei veri imbecilli che pensano che sia più importante rubare una maglietta di un compagno antipatico per incolparlo di un suicidio/omidicio (in che modo poi visto che il suddetto ha passato la serata con amici in un luogo pubblico???), che preoccuparsi di cancellare le prove, occultare il cadavere e darsela a gambe levate. Invece questi fenomeni della sceneggiatura se ne stanno tranquilli, cercano di pulire sì le loro tracce ma solo per lasciarne di nuove, dormono nella casa del misfatto o piagnucolano frasi cretine. Il ciccione della compagnia dei debosciati d’altronde è un personaggio quasi da commedia dell’arte, presente in centinaia di film americani anni 80, molesto, antipatico, capace solo di mangiare o di lamentarsi imbellamente davanti al pericolo. Forse dovrebbe fare ridere, ma regala agli spettatori solo insofferenza.
Dicesi molesto e fastidioso
Ma parliamo dei quattro antieroi della pellicola.
Il ciccione, ovvero Smiler, è stato già presentato, ma mancano all’appello Dickens ovvero il capo banda, John John, un ex giocatore di football accusato di vigliaccheria dai compagni, e Queenie, la bella della combriccola, dalla natura bicuriosa un po’ perversa.
Difficile che Douglas Grossman abbia visto L’ultimo treno della notte di Aldo Lado, ma il personaggio di Queenie, interpretato dalla bella Millie Prezioso, ricorda a tratti la Macha Méril del rape and vengeance italiano, soprattutto per come, ad un certo punto, cerca di spingere il pedale sullo stupro della professoressa, prendendo lei le redini del gioco. E’ solo un abbozzo della sceneggiatura comunque che cambia repentinamente registro e, come molte volte accade, i rimandi sono solo nella nostra testa di cinefili malati. Curioso però come in un film di basso profilo, girato si racconta in 18 giorni soltanto, per mostrare un nudo della Prezioso ci si sia rivolti ad una controfigura. Più plausibile quando lo si fa con Maureen Mooney, la carnefice/vittima professoressa Brooke Storm, al momento delle riprese con l’inizio di un pancione da mamma futura. Cosa abbia spinto la Mooney, attricetta di fama passata da soap opera, a ritrovarsi in uno slasher senza futuro fa parte comunque dei grandi misteri del mondo.
Per il resto i due personaggi maschili di questa specie di Arancia meccanica dei miserabili sono ancora più incolori del ciccione Smiler. Christopher Stryker si limita a rivestire con apatia il ruolo di un personaggio sulla carta fortissimo, amorale, psicologicamente deviato, che arriva a minacciare con un coltello un giocatore di football infortunato. Peccato che la sceneggiatura non gli dia lo spazio maggiore di una macchietta rendendo il carattere abbozzato solo ambiguo ma anche superficiale, ricordando senza volerlo i personaggi ellisiani di American Psycho e Meno di zero. Christopher Cousin, uno che avrà una certa visibilità con la serie Breaking Bad interpretando l’amante di Skyler White, è l’attore migliore del lotto, anche perché la sceneggiatura da’ più spazio al suo personaggio, il più tormentato del gruppo. E’ in alcuni momenti che il film sembra vertere in una dimensione più profonda, soprattutto quando si concentra sulla noia di una città di provincia americana, con questi ragazzi senza futuro che si trovano a parlare di fianco ai binari di una ferrovia. Così in alcuni momenti, quando Christopher Cousin si confessa alla appena conosciuta Queenie, regalando alcuni dialoghi meno imbecilli del solito, con la musica incalzante azzeccata, che ci credi quasi di stare davanti ad un film che crescerà davvero in qualcosa di buono. Purtroppo poi rientra sul set Douglas Grossman dopo la pausa pranzo, da’ uno schiaffo all’aiuto regista, neanche fossimo in Boris, e dopo la domanda “Cazzo fai, imbecille?”, urla a Millie Prezioso “Su cara ora mostra le tette”. E la magia finisce.
Magia delle tette!
Eppure, sia dato a Cesare quel che è di Cesare, Raging fury non è diretto male, è diretto in maniera distratta che è una cosa diversa. In alcune scene, come quella lunghissima della palude, riesce a trasmettere un po’ di ansia, ma purtroppo è proprio la sceneggiatura ad essere troppo sciatta e uccidere in momenti buoni. Peccato. D’altronde stiamo parlando di un film che cerca di essere la variante slasher di Carrie e cambia il sangue di maiale in fango, mette in scena comunque una perdente con smanie omicida e fa finire il tutto come nel film di De Palma tratto da King. Senza purtroppo essere neanche l’ombra di King o De Palma, s’intende. Anche se in campo slasher cerca di essere a volte dissacrante, magari non riuscendoci, ma avendo il coraggio di ribaltare il genere facendo indossare delle maschere orribili e spaventose non all’assassina effettiva, ma alle sue vittime.
Il reparto effetti speciali purtroppo è disastroso, con scene di morte davvero maldestre, una su tutte la testa di Queenie schiacciata con un sasso, una cosa che non riesci a vedere da tanto male è fatta, ti lascia addosso il disagio tipico dell’amatorialità, una cosa imperdonabile al cinema. Si sprecano anche idee come quella della vivisezione del capo banda da parte della folle professoressa, forse perché non c’erano soldi per gli squartamenti in bella vista.
La vhs Eureka da’ il colpo di grazia con una stessa doppiatrice a rivestire ben tre personaggi (!!!!!) e un adattamento scandaloso dall’inglese. Per farvi capire ad un certo punto arriva Smiler da Dickens urlandogli “John John non c’è! E’ caduto in azione”. Caduto in azione??? Ehhhhhhhh?????
A suo modo comunque Raging Fury è una pellicola maledetta: bloccato per via della morte di Christopher Stryker per AIDS, fu distribuito solo nel 1989, tre anni dopo la fine delle riprese, senza fare un minimo di successo. Un film strambo, orribile, girato in tre licei diversi senza avere nessuna autorizzazione, è l’emblema di un cinema miserabile con punte di sublime, una perla avvizzita di un cinema che non esiste più, quello che poteva essere serie C divertente e incredibile, uno spettacolo medio da drive in fruito in vhs. Senza vhs però si è perso questo gusto ancient, il dvd e la sua perfezione hanno spostato la lancetta verso un cinema di belli e di brutti, dove la via di mezzo non esiste (quasi) più e anche il divertimento nerd è diventato solo acredine hipster che infesta blog, siti e riviste. Hasta la vista alla videoteca Da Franco e alla giovinezza che nessuno ci ridarà più. Nevermore.
Andrea Lanza
Raging fury
Anno: 1986 (distribuito nel 1989)
Regia: Douglas Grossman
Interpreti: Christopher Stryker, Maureen Mooney, Christopher Cousins, Millie Prezioso, Jason Brill
Un gruppo di 9 turisti precipita con l’aereo nella giungla amazzonica. Tre dei passeggeri muoiono sul colpo mentre i 6 superstiti dovranno cercare di mettersi in salvo. Durante il tragitto incontreranno problemi di ogni tipo: animali selvatici, piranha, sabbie mobili, un popolo di feroci cannibali conosciuti come gli “Aquara” e infine dei cacciatori di diamanti con a capo il sadico China. Alla fine soltanto in due scamperanno alla morte e riusciranno a fuggire a bordo di un elicottero.
Non avrei scommesso una cicca su questo Nudo e selvaggio, partendo dal suo regista, il discontinuo Michele Massimo Tarantini, uno capace, è vero, di girare una strafigata come Poliziotti violenti, ma anche abomini di incredibile ignoranza cinematografica. Io ci metto tutta la buona volontà del mondo, ma davanti a cose come Italiani a Rio non rido, mi cadono le palle e vivo una vera esperienza torture porn. Però questo Nudo e selvaggio (all’Estero Massacre in dinosaur valley) è divertente, una tra le visioni più gustose degli ultimi anni, qualcosa che a 14 anni mi avrebbe sicuramente sconvolto ed emozionato, mannaggia agli anni che passano! Nessuno pensi però che sia un capolavoro, mai detto, e neppure un buon film seguendo regole mereghettiane di critica, ma è una pellicola così dannatamente assurda, folle e a suo modo geniale che te ne freghi del bello, di Mereghetti e pure di sticazzi perché sei sul Blue tornado di Gardaland, e fanculo tutto.
Tarantini, come mi faceva notare l’amico Eugenio Ercolani in una dotta metafora, è come un bambino che vuole imitare gli adulti in cucina: cerca di preparare dei manicaretti e perciò mette nella pentola tutto quello che per lui è buono, dal cioccolato al salame, ed è convinto che l’equazione buono più buono dia buonissimo, anche se alla fine quello che ne uscirà sarà di sicuro una schifezza. Però per alcune assurde leggi della natura, sia dato atto che ho visto mangiare cioccolato con la maionese con gusto, a volte capita che quel pastone poco invitante abbia un buon sapore, un po’ come quelle strane carni in scatola al discount, amiche dell’infarto ma porca troia quanto gustose. A Tarantini piacciono le tette e voilà ci mette le tette, a iosa, così come i culi e le belle donne, poi vuole l’avventura ed ecco che ai suoi protagonisti succedono le peggio cose tra piranhas e cannibali, poi ancora la fantascienza e spunta fuori un sacerdote dalle mani di dinosauro, ma non pago vuole pure l’azione rambiana ed ecco che arrivano dei cacciatori di diamanti, poi mischia, assaggia, no ci vuole una scena lesbo, no ora il protagonista deve essere come Terence Hill, riassaggia, fantastico!
Non tutto funziona, e d’altronde come potrebbe essere il contrario, ma nel complesso ci si trova davanti ad un film davvero vivace e divertente, il cazzatone grindhouse ricercato inutilmente da Rodriguez con il suo Machete. Anche perché Nudo e selvaggio è vittima della fortuna, del suo essere perfetto nell’imperfezione, nell’iperbole insistente, nelle immagini sciatte che richiamano le commedie più becere, nel suo ritmo a 300 km all’ora, nel cambio repentino di generi, qualcosa che non nasce tanto dal cervello quanto dalla pancia, e per questo risulta vincente. In questo contesto anche le musiche, all’apparenza azzardate per un film che si vorrebbe drammatico, scippate soprattutto all’inizio da L’allenatore nel pallone, non stonano nel loro connubio dolce-amaro, ritmi allegri a precedere massacri e sbudellamenti, assolutamente speculari alla commistione di generi che il regista mette in scena. Tarantini dimostra di sapersi giostrare bene nei territori del cinema del terrore, soprattutto quando per creare una mattanza mette in scena non due o tre personaggi ma ben nove, capendo una regola ignorata da molti registi, anche più autorevoli, nello slasher, che più morti sono anche più divertimento.
Non c’è un personaggio che sia uno con un minimo di caratterizzazione psicologica, dalla donna rompicoglioni che quando crepa tra le sabbie mobili urli “Alleluja!” al reduce del Vietnam schizzato, probabilmente impotente e, che pur salvando tutti da morte certa, è così antipatico che sembra cattivo. Eppure va bene così, perfetto ognuno degli eroi e delle comparse nel suo ruolo da fumetto, quasi uno Zagor nolittiano in versione sexy horror, chiedere di meglio, in questi territori del bis scellerato, sarebbe per assurdo peggiorare il prodotto, ignorante e godibile nel suo essere miserabile. In Nudo e selvaggio tra l’altro si muore malissimo, dal professore che strabuzza gli occhi e soffoca nel sangue al fotografo con le gambe divorate dai piranhas, grazie anche ad un reparto effetti speciali assolutamente decoroso, soprattutto nel make up. Certo gli attori sono tutti cani, non se ne salva uno, ma almeno la Suzane Carvalho, interprete anche di un altro gustoso Tarantini movie, lo scellerato Women in prison Femmine in fuga, è di un bello che non ci credi. Questo è l’ultimo film italiano tra l’altro di Michael Sopkiw, una delle facce più interessanti nel nostro avventuroso cinema di genere degli anni 80, interprete di pochi ma basilari cult come il 2019 di Sergio Martino, Shark e Blastfighter di Lamberto Bava e, appunto, questo Nudo e selvaggio di Tarantini. Oltretutto dopo questo film, datato 1985, Sopkiw sparirà proprio dalle scene per farci ritorno solo nel 2007 con la commedia indie Bad Dog and Superhero, sua ultima apparizione. La curiosità vuole che ora sia a capo della Miron Violet Glass, azienda specializzata nella creazione di bottiglie di vetro pregiate per la conservazione di vino e cosmetici.
Miron Violet Glass e l’impero di Michael Sopkiw
Il suo personaggio di Nudo e selvaggio, pur rispettando i clichè dell’eroe senza macchia e senza paura, svirgola deliziosamente nel finale, dove lascia la sua povera patner alle voglie malsane di un laido mercante di diamanti, per preparare con calma la sua vendetta, un po’ come farà Sylvester Stallone in John Rambo con un povero bambino. Indignarsi sarebbe più cretino della sceneggiatura che fa sparare ottocento proiettili a Sopkiw senza farlo caricare mai, che ad un certo punto fa spuntare pure un simil dinosauro, che fa amoreggiare i due protagonisti due secondi dopo che lei è stata violentata e ha visto morire atrocemente un’amica: siamo in territori di nonsense estremo, uno spettacolo popolare grandioso e davvero irripetibile dove non trova spazio la ragione. Nudo e selvaggio tra l’altro, pur rientrando nel genere cannibalico che vede come massimi esponenti Deodato e Lenzi, è abbastanza carente di scene di antropofagia, un solo cuore estirpato e divorato, più inaspettatamente figlio, mongoloide s’intende, dello Spielberg di I predatori dell’arca perduta. Sia dato atto che Tarantini gira disinvoltamente male, ma a tratti regala scene di una bellezza estrema, toccando anche non attese corde di poesia nella melma generale. E’ un po’ l’anima di un film a suo modo geniale, che puoi dire tranquillamente che è brutto, ma che potesti portarti nella tomba come il film di tutta una vita, alla faccia dei salotti bene di Marzullo e mummie.
Andrea Lanza
Nudo e selvaggio
Titolo originale: A bavaida dos dinosaurus Anno: 1985
Regia: Michael Lemick (Michele Massimo Tarantini)
Interpreti: Michael Sopkiw, Suzane Carvalho, Milton Rodríguez, Marta Anderson, Joffre Soares, Gloria Cristal, Ibanez Junior, Susan Hahn, Maria Reis, Andy Silas, Leonidas Bayer, Carlos Imperial, Samuka, Ney Pen, Adalberto Silva
