Alec Mills era principalmente cameraman, un bravo cameraman in produzioni di una certa importanza come Octopussy – Operazione piovra, Il ritorno dello Jedi, Solo per i tuoi occhi, Alla 39ª eclisse e Moonraker – Operazione spazio. Ad un tratto però, non si sa come o perché, diventò anche regista in due produzioni australiane, questo Riflessi di sangue e un poco appassionante Sonno senza fine con una Linda Blair in fase annoiata.
Riflessi di sangue non ha una bella fama, tanto da non essere presente neppure all’interno dell’essenziale Dizionario dei film horror di Rudy Salvagnini, eppure siamo davanti ad una pellicola di medio livello, quei prodotti ben confezionati ma che tendi presto a dimenticare. Di certo si è visto di peggio, ma ovviamente anche di meglio.
Di questo film avevo un ricordo confuso, credo di non averlo neanche visto finire all’epoca della mia fama bulimica di cinema durante l’adolescenza. Rimembro la copertina e l’idea, falsata dagli anni, che si trattasse di un horror sui licantropi, nel quale il mostro, al posto di azzannare le vittime, massaggiava le loro tette. Detto così sembra un capolavoro dell’infimo, ma, in realtà, vedendolo non c’è traccia di uomini lupi con la mano lunga. Esiste, ad onor del vero, una sequenza di seni giocherelloni ma relegata in un normalissimo amplesso tra future vittime in fregola.
Alec Mills fa quello che meglio gli riesce: confezionare un horror visivamente interessante. E’ la sceneggiatura a non essere all’altezza: confusa, indecisa se intraprendere la strada del soprannaturale o del thriller, finisce per accumulare finti colpevoli, inquadrati poi con la faccia truce durante il film, quando anche il più beota degli spettatori ha capito, anni luce prima, chi è il killer.
Anche sul piano dello splatter non andiamo bene: omicidi fuori campo che inficiano il lavoro delle luci, innaturali e fiabesche, tendenti al blu metallico, che si proiettano nel bosco, scenario dei vari omicidi. Eppure in almeno un momento, quando l’assassino viene scoperto a metà pellicola, che il film ha un’impennata di ferocia deliziosa: il bruto spacca la testa ad una studentessa, sbattendole la capoccia, più e più volte, contro un banco.
Non voglio dire che il gore sia necessario in un thriller/horror, ma lo è quando non si riesce a creare la minima empatia con i personaggi e si scarseggia di suspense, essenziale per non creare una sequela di sbadigli alla Yorick con la ganascia spalancata in rigor mortis.
Alec Mills è più interessato a spogliare le sue belle vittime, a mostrare agli spettatori le loro favolose grazie che ad ucciderle in modo creativo. Purtroppo però non siamo davanti ad un film erotico e, anche in quel caso, il regista non calca abbastanza la mano per accendere davvero la nostra fama di impenitenti voyeur come invece faceva un filmaccio come I morti viventi sono tra noi (Revanche des Morts Vivants) di Pierre B. Reinhard.
In più ad un certo punto, si tenta una sterzata alla teen movie anni 80, con gli scherzi tra un gruppo di studenti viziati ed altri di ceto più modesto (chiamati nella versione italiana “Burini”). Durante il ballo della scuola, sembra di assistere ad un’imitazione di Karate Kid , con tanto di inseguimento tra il protagonista e i riccastri che finisce però non a colpi di arti marziale, ma più goliardicamente in quello che sembra un geyser di piscio e merda. Naturalmente questa sottotrama non viene approfondita e presto finisce nel dimenticatoio.
Ad onor di cronaca, proprio durante questa sequenza, ascoltiamo la metal Keep Holding On, interpretata live dai Vice. Potrei fare il figo e dire “Grandi Vice” ma ignoro chi siano e internet, di solito pozzo di scienza per pigri, tace.
I vice, il gruppo più cool dell’Australia
C’è da dire che, se si sorvola all’accento smaccatamente australiano, si può pensare di stare assistendo ad un B movie adolescenziale americano, parente povero del Phenomena di Dario Argento o del Cosa avete fatto a Solange di Massimo Dallamano, con le sue ninfette sempre nude pronte ad essere uccise brutalmente.
Curioso lo strumento che usa il killer per uccidere le sue vittime, una specie di collare fatto di filo spinato, sulla carta probabilmente un richiamo alla luna piena, ma che il film non spiega né motiva mai.
Riflessi di sangue uscì da noi sia incredibilmente al cinema che in una vhs Penta video molto buona. Una visione, come detto, la vale, anche solo per l’ottimo commento musicale ad opera di Brian May, ma non aspettatevi, purtroppo, lupi mannari palpeggiatori.
Andrea Lanza
Riflessi di sangue
Titolo originale: Bloodmoon
Anno: 1990
Regia: Alec Mills
Interpreti: Leon Lissek, Christine Amor, Ian Williams, Helen Thomson, Craig Cronin, Hazel Howson, Suzie MacKenzie, Anya Molina, Brian Moll, Stephen Bergin, Christophe Broadway, Samantha Rittson, Tess Pike, Jo Munro, Michelle Doake, Christopher Uhlman, Justin Ractliffe, Damien Lutz, Warwick Brown, Gregory Pamment, Sueyan Cox, Narelle Arcidiacono, Michael Adams, Sue Lawson, Jonathan Hardy
E se un aborto rifiutasse di morire? E se un fanatico religioso lo portasse via con se e a forza di preghiere e frustate lo facesse crescere fino a trasformarlo nella rossa mano della vendetta di Dio? Il film di Craig Arderson è inverosimile, folle, ma si rifiuta di averne la consapevolezza, neanche per un secondo. A realizzare un film come Red Christmas bisogna essere momentaneamente tutti folli e guardare solo al traguardo. Giusto così è possibile raccontare una storia tanto scema e rischiare persino di commuovere lo spettatore.
L’arrivo di Cletus sa tanto di fantasma dei natali passati. Si presenta con il look di un Nazgul e l’andatura claudicante di un lebbroso, è anche coperto di bende e parla come un mago saggio di qualche allucinante programma TV per bambini degli anni 80. Lui va dalla sua famiglia e la sua famiglia è non meno stramba di lui. In effetti Red Christmas sorprende per l’ottima scrittura dei personaggi. C’è la pregnant girl allupata e il prete guardone e onanista, c’è la passionaria che nonostante l’età si ostina a volere un figlio secondo i precetti cristiani e non usufruendo della gravidanza assistita, c’è il ragazzo down in fissa con Shakespeare e un vecchio zio abbastanza passivo, fatto e torvo che è impossibile non volergli bene. Su tutti la regina indiscussa della casa: la matriarca Dee Wallace.
Autentica scream-mom fin dai tempi in cui poteva anche permettersi il ruolo di finale-girl, la signora Wallace ha difeso la propria famiglia da gente come il piccolo e insopportabile E.T., i Critters, Alligator II, Cujo e se l’è vista brutta anche con i licantropi di Joe Dante e Rob Bottin. Cletus è con lei che ha un conto in sospeso. Lui del resto non vuole vendetta. Non siamo davanti al classico slasher in cui l’assassino arriva e non ha altro in testa se non uccidere e farla pagare a tutti. No, lui vuole soltanto il posto che gli spetta, essere riammesso in famiglia, perché tutti possono sbagliare. Una madre magari decide di abortire e poi se ne pente. Pensate che bello se l’aborto tornasse adulto a casa e offrisse (e chiedesse) un’altra possibilità per tutti.
Purtroppo per lui mamma Dee non vuole saperne e caccia il povero mostro da casa intimandogli di non tornare più. Gli lancia in testa persino un grosso barattolo di vetro pieno di noccioline (tanto le noccioline che in casa non possono stare perché una delle figlie è allergica). A quel punto però Cletus prima si rifugia nel bosco d’intorno a piangere come una riedizione miniata di Grendel. Poi torna indietro e inizia a uccidere tutti, inarrestabile quanto un Jason Voorhees diretto da James Cameron.
Gli omicidi sono la cosa più surreale che ci sia. Somigliano a quelli del film Killer Clown From Outer Space e in un certo senso Cletus è una specie di finta mammoletta come i pagliacci marziani. Tutti lo dileggiano. Un tipo oltre a insultarlo e percuoterlo finisce per urinargli pure addosso. Quando però lui poi attacca, spolpa, spezza, sventra ed evira alla grandissima, allora non ride più nessuno. Se il bodycount è quasi comico, bisogna che vi prepariate all’altalena straniante degli attori. Talvolta sembra che la loro recitazione sia diretta da Lloyd Kaufman e a un certo punto invece sembra che subentri Wes Anderson. A momenti si ghigna davanti agli scherzi e i bisticci tra figli e quando meno lo si aspetta ecco la tragedia. Allora cazzo, questi fanno sul serio, non si stava ridendo? No, perché se una madre trova il cadavere della figlia, sebbene sia quella adottiva, è sempre una mamma che ha perso una bambina e allora giù, lacrime e urla, con la musica scritta da Helen Grimley a mettere un’enfasi degna di un Padrino. Quindi, non c’è un cazzo da ridere e non solo noi siamo seri, ma nemmeno voi riderete!
Cletus rifiuta di morire e basta. In fondo ha una tenacia quasi divina, come tutti i serial killer super-dopati degli anni 70/80 e nonostante la signora Dee cerchi di eliminarlo ancora e ancora, lui torna a battere cassa, anzi carezze. La donna non vuole saperne del povero aborto. Ribadisce l’odio e il rifiuto. Ecco che dai e dai viene fuori però una verità ben più cupa sull’affettuosa e indefessa casalinga capace di badare a tutto e tutti. E come per lei, ne vengono fuori un po’ per tutti, di verità imbarazzanti e indecenti. In fondo il Natale è la festa che rende tutti peggiori, almeno per un giorno. Quante scene madri, litigate sanguinarie e scannamenti imbarazzanti ha portato Babbo Natale sotto l’albero! Red Christmas è rosso sangue ma prima che tutto sia sbudellato a dovere, il Natale fa il suo dovere di festa delle verità scomode e delle ipocrisie svelate.
Il film non vuole convincere gli abortisti a cambiare idea. In fondo si tratta di un horror con elementi da comedy dosati benissimo seguendo gli insegnamento della vecchia e grande scuola canadese degli slasher anni 80. Però quando il ragazzo down offre il fucile a sua madre e gli dice di ucciderlo perché in fondo era quello che voleva fare all’inizio, sapendo che sarebbe venuto fuori anormale come Cletus, eccoci davanti a uno spot pro-life di rara efficacia.
Resta da svelare il misterioso finale; con la scelta di inquadrare solo i piedi di tutte le vittime in un silenzio pesante che riporta alla mente la chiusa di un altro natale, che in quel caso era inghirlandato a nero.
Francesco Ceccamea
Red Christmas
Regia: Craig Anderson
Interpreti: Dee Wallace, Geoff Morrel, David Collins, Sarah Bishop
Nel 2018, superati i 40 anni, non pensavo di sorprendermi più di nulla. Eppure ho visto davvero tantissime cose bizzarre, dalle vagine dentate di Teeth (Denti) passando per il preservativo assassino di Killer condom fino ai pompini killer di The Killer Tongue, ma questo One-Eyed Monster arriva davvero inaspettato, una pellicola del 2008 della quale non sapevo nulla.
La trama è più o meno la solita dello slasher: un pazzo uccide un gruppo di malcapitati in uno chalet. Scusate ho scritto male: non un pazzo, un cazzo. Sì un pisello assassino lungo 25 cm, quello del pornoattore Ron Jeremy, che si stacca di netto impossessato da un alieno malvagio e va in giro a scopare a morte le donne o ad infilarsi tra le natiche delle sue vittime per muoverle come marionette. Brr.
Il bello è che, se pensate di trovarvi davanti ad un film parodistico, sul modello Troma, vi sbagliate perché One-Eyed Monster è serissimo anche nelle sue evidenti cazzate. Il ritmo è teso, le battute più cretine sono recitate con la convinzione di stare facendo un grande horror (“Aiuto la mia amica ha un cazzo in bocca?” “E qual è la novità?”) e la fattura è professionale, lontano dallo scherzone amatoriale.
E’ evidente che il regista stia facendo una grande supercazzola allo spettatore: le scene demenziali, i momenti assurdi non si contano così come i tanti personaggi stralunati, su tutti Charles Napier, il Murdock di Rambo 2 – La vendetta, che ci regala il momento più cult della pellicola, un assurdo monologo sul vietnam dove racconta le origini del pene killer.
“Una notte io e il comandante eravamo al posto di guardia, e ci stavamo facendo una canna… roba thai. Sto totalmente fatto e, d’improvviso, vediamo un raggio di luce… E sembrò come atterrare a, forse, a circa due Km, a nord-est del campo. Allora il capitano dice: “Vado a controllare”. “Vai avanti amico!”, più erba per me, capisci? E così se ne va. Ah… possono essere passati dai dieci minuti alle due ore. Non saprei, ero fatto. Ma torna indietro e mi accorgo che è strano. E ora, beh… nessun problema, è solo quella roba thai che fa effetto. Beh, amico, in un attimo comincia a saltare dappertutto come se i suoi pantaloni fossero in fiamme. Non ti sto prendendo per il culo, sai. E poi… gli esce dalle mutande. Le strappa. Strappa via le sue mutande. E così mi ritrovo col capitano in piedi, di fronte a me tutto nudo dalla cinta in giù. E poi è successo qualcosa percui, amico, non mi hanno preparato al campo di addestramento. L’uccello del tipo, il suo cazzo, si è strappato dal corpo, e si è indirizzato ai tendoni. Così il capitano comincia a strillare come un pazzo! Presto non lo sento più perché le urla ora vengono dai tendoni. Vuoi sapere cosa diavolo sentivo? Sentivo come… trenta uomini massacrati da un cazzo! E così mi sono nascosto dietro una roccia per circa un’ora e ho dovuto ascoltare il mio intero plotone venire ucciso. Ed ho sentito un tipo sparare un colpo, ma poi ho sentito che veniva ucciso. Così, dopo, tutto tacque. Sono entrato con cautela, credimi, nel tendone per chiedere soccorsi via radio, e… vedo il cazzo, sdraiato lì sulla branda. E sembra come mi stia guardando anche lui. Ma ti guardava come, sai, come se fosse stanco, amico. E se ne stava tutto così, accartocciato, e avrei potuto ucciderlo lì, ma ero così fatto da aver paura di mancarlo. E, d’altrocanto, sapevo che era soltanto questione di tempo, prima che tornasse di nuovo in azione. Così, senza togliergli gli occhi di dosso, prendo una radio e chiedo di spedire in elicottero due troie di Saigon. Così, nella mezz’ora successiva, tengo sotto mirino questo cazzo. Ora, pensavo che non sapesse che ero fatto, così non mi salta addosso. Così l’elicottero atterra appena in tempo, grazie a Dio, perché ora il cazzo stava per tornare grande e duro. Così ho detto alle due troie: “Guardate, farò di tutto, cavolo, vi porto in America, qualsiasi cosa se solo ve ne state lì sdraiate e aprite le vostre gambe per me.” Beh, credo che America fosse la parola magica, perché non ho mai visto due zoccole levarsi di dosso le mutande così in fretta. Ora, il cazzo deve aver odorato la cena perché… si precipita sulle due troie. E così io guardo. E aspetto, e guardo. Finalmente… finalmente esplode il suo carico… L’ho afferrato e sono andato fuori, e l’ho lanciato in un bunker. Dio, Gesù Cristo… Circa dieci secondi dopo rincorre quindici musi gialli! E avrei potuto fotterli uno per uno ma… no: ho preso una decisione prioritaria, lanciare una granata! Fuoco nel buco! Ba-booom… Sta piovendo cazzi…. Sì, sta piovendo cazzi. Sono strisciato dentro una bottiglia di whiskey una volta tornato in America, e ci sono rimasto da allora…“
Come detto però è l’approccio a spiazzare, il camuffare la comicità involontariamente volontaria dietro un cotè da fantahorror cupo, nel quale il cazzo assassino si muove e agisce come il più furbo e spietato degli Alien.
Situazioni grottesche come la macchina cattura peni si intervallano a momenti trucidissimi come un uomo tagliato a metà dal fallo o la soggettiva di una testa forata dopo un mortale blow job. Senza dimenticare gli ammiccamenti ai classici del genere come Lo squalo (“Serve un tampone più grande” al posto della barca più grande) che rinforzano la consapevolezza che la sceneggiatura sia meno abborracciata di come sembri a prima vista.
Per assurdo One-Eyed Monster è un film che puoi apprezzarlo solo quando non lo prendi però sul serio, quando lo vivi come un B movie parodistico di tanti B movie della fantascienza del terrore, sulla scia più degenere del metacinema craveniano. A suo modo è un divertissement, una satira non solo dello scifi ma anche del porno che ad un certo punto fa dire a Ron Jeremy che interpreta Ron Jeremy frasi amare sulla degenerazione del settore hardcore (“Un tempo avevo battute, ero un attore, ora sono costretto a recitare banalità e puntare sulla scopata“).
Il regista Adam Fields, più famoso come compositore di colonne sonore, da Dawson’s Creek a Buffy l’ammazzavampiri, al suo primo lungometraggio, è discretamente bravo, non inquadra quasi mai il micidiale ammennicolo ma ci regala raccapriccianti dettagli e soggettive suggestive, sfruttando intelligentemente il poco budget a disposizione.
Tra gli attori, tutti dignitosi, spiccano le due star del porno anni 70, la Veronica Hart di tanti porno anni 70, qui visibilmente sciupata dall’età, e Ron Jeremy, l’anti John Holmes, sempre panciuto e fuoriforma ma dal pisellone celebre. D’altronde come dice l’hacker serissimo “Ogni giorno nello spazio gli alieni captano segnali e il 70 per cento di quelli è pornografia, ma quei film sono per la maggior parte interpretati da Ron ovvio che il suo cazzo sia per loro l’arma più micidiale“.
In un ruolo minore troviamo un’altra attrice hardcore, la giovane Carmen Hart di “capolavori” come Big Cocks in Her Little Box e I Love Big Toys 2: prima di essere uccisa, la vediamo arrabbiarsi perché non si ricorda le battute del porno che dovrà recitare da lì a poco, frasi come “Oh yeah” o “Fuck me” ma affrontate con la dedizione di un Orson Wells con Shakespeare.
I fan di Buffy l’ammazzavampiri riconosceranno nel cast Amber Benson, famosa per aver interpretato Tara, la fidanzata di Willow, uno dei primi ruoli dichiaratamente omosessuali della tv per adolescenti.
One-Eyed Monster è un film molto divertente, a suo modo intelligente e che si lancia in letture non banali sull’industria del sesso filmato, risultando a tratti un amaro ritratto di un settore che baratta la calda pellicole di capolavori come Devil in Miss Jones per il digitale usa e getta di youporn. Se non ci fosse un pene assassino che diventa vulnerabile solo quando è moscio, penseremmo persino ad un docufilm sulla scia di After Porn Ends.
Andrea Lanza
One-Eyed Monster
Anno: 2008
Regia: Adam Fields
Interpreti: Amber Benson, Jason Graham, Charles Napier, Jeff Denton, Caleb Mayo, Bart Fletcher, Jenny Guy, Veronica Hart, John Edward Lee, Carmen Hart, Frank Noel, Ron Jeremy
Se esistessero i Razzie Award di Malastrana, Romina avrebbe sicuramente fatto man bassa di premi in questo 2018 non ancora finito. E tutti voi lettori sapete quanto noi di Malastrana siamo a volte generosi con i brutti film, ma esiste un brutto che piace e un brutto che fa schifo, Romina è il secondo caso.
Uscito a sorpresa direttamente sulla piattaforma Netflix, in Italia come in tutto il mondo, il film girato con mano sifulina dallo sconosciuto Diego Cohen è qualcosa di incredibilmente insensato, gratuito e stupido.
Peccato perché il film parte bene, la regia non sembra neanche malvagia quando mostra, su una partitura classica, i corpi orribilmente devastati di un gruppo di ragazzi, e una giovane che, coperta di sangue, ferma un’auto.
Sono i restanti 75 minuti a non funzionare con una storia che non sa che strada prendere, piena di colpi di scena prevedibili, aggravata da un gruppo di attori che non fanno altro che urlarsi contro le peggio cose e dovrebbero essere amici. Aggiungiamo poi tanto scenario naturalistico ripreso solo per fare metraggio e l’inserimento come colonna sonora dell’aria Lascia ch’io pianga di Händel come presupponente omaggio a Lars Von Trier.
Ad un certo punto c’è persino uno stupro che dovrebbe essere il motore della vendetta della Romina del titolo, ma non lo è: succede e basta. In più quella è una scena girata con tutta la miserabilità del mondo: telecamera fissa da lontano, tenda che si muove, urla di protesta della ragazza e stop. Sì ma stop anche l’empatia per la vittima, stop il dramma di un atto così becero come succede invece nel film di Wes CravenL’ultima casa a sinistra, in Non violentate Jennifer, ma anche in un qualsiasi B movie sciacallo sul tema! Lo vediamo il messicano Diego Cohen che insegue le farfalle, si rotola nella merda come un cane randagio e poi, occhi da pazzo, dice alla troupe “Giriamo una scena di violenza ma come gireremmo il volo dello struzzo del Perù“. I tecnici si guardano sconcertati e uno osa “Maestro, ma nella sua magistrale sceneggiatura, questi due sacri fogli scarabocchiati, non c’è nessuna sequenza di stupro, e poi che senso ha?“. Diego ride, unico depositario di un sapere assoluto, poi tace, alza la mano e sussurra “Lo sentite? Questa è la ragione, esta è la razón”. Si, amici miei, la razón, qualunque cosa essa sia.
Il maestro
Leggendo un intervista al regista ci viene spiegato che Romina è tratto da un fatto di cronaca: un gruppo di ragazzi di buona famiglia messicana, chiamati Los Porkys sui social network, stuprarono una minorenne in un campeggio. Il problema è che se l’intento di Cohen era quello di analizzare quell’atto bestiale, di sensibilizzare il pubblico, non ci riesce mai e questo spunto ai fini della trama è influente perché, come già detto, nulla della mattanza finale ha correlazione con esso.
Il maestro ancora che imita lo struzzo del Perù
Romina sembra un film suicida, capace di scontentare tutti: è uno slasher dove la maggior parte degli omicidi sono fuori campo, senza ritmo, con protagonisti oltre l’antipatico, con effetti scadenti e una trama che fa acqua da tutte le parti anche quando tira le somme.
In più il maestro Diego decide di ambientare le vicende del suo capolavoro al Crystal Lake di Venerdì 13 senza che ci sia una ragione oltre la sua assoluta razón di folle.
L’unica a sopperire ad una scarsa recitazione con una prorompente fisicità è Francisca Lozano, la folle Romina del titolo, ma è la sola cosa, e le sue tette non salvano stavolta il tutto, di un film che dura 77 minuti e sembra una Quaresima.
Tette ma riprese da lontano, non sia mai
Romina è per i catecumeni delle frustate sui coglioni, i fedeli chierichetti della Santa Chiesa della merda cinematografica. Per tutti gli altri anche un video su youtube di un comico francese che imita un T-Rex è meglio.
Andrea Lanza
Romina
Regia, soggetto e scenegiatura: Diego Cohen
Messico, 2018
Interpreti: Francisca Lozano, Roberto Beck, Walter Berch
L’episodio più odiato e meno apprezzato di tutta la saga kruegeriana, è girato nell’ormai lontano 1985 da Jack Sholder e scritto da David Chaskin.
Ai due citati autori non fregava assolutamente niente del Freddy Krueger “personaggio” né della sua mitologia, ma solo la possibilità di imbastire un horror duro e puro che incassasse almeno quanto il precedente capitolo di Craven, ai tempi non interessato allo sfruttamento commerciale della sua creatura. Missione compiuta perché, al di là delle lamentele dei fans, la pellicola in questione è un ottimo horror, senza ammiccamenti, battutine e imborghesimento del villain ustionato che rimane ancora figura inquietante e minacciosa. Un orco vero e proprio che elegge cantine, caldaie e fabbriche dismesse a sua dimora, con l’unica intenzione di uccidere e “collezionare” anime (ora siete tutti figli miei dice alle sue potenziali vittime durante la grande scena della piscina).
Jesse (Mark Patton) si trasferisce con la famiglia nella casa che fu di NancyThompson, ereditando sia gli incubi terribili sia la presenza ossessionante di Krueger che, in una bellissima scena, vedrà di soppiatto dalla finestra della cantina mentre brucia degli oggetti nella caldaia. Siamo quasi dalle parti di Amityville Horror (o Possession) per molti versi, la casa sembra posseduta, fa un caldo infernale, i pappagallini in gabbia impazziscono e muoiono per combustione spontanea, e poi, Jesse sogna, ha degli incubi spaventosi in cui si materializza la figura dell’uomo nero con il cappellaccio. In più, cominciano le morti, inspiegabili, tanto che Jesse comincia a credere di essere pazzo, non aiutato nemmeno da una delle famiglie più odiose e disfunzionali mai apparse sugli schermi. Plot classico, nessuna concessione all’ironia per un film che sembra viaggiare anche in territorio slasher regalando al pubblico grandi scene d’omicidio come quelle della morte sadomaso del coach Schneider (MarshallBell) o la già citata mattanza in piscina, con un RobertEnglund in gran spolvero, torreggiante, a dispetto della bassa statura, in mezzo al gruppo di teen-agers festaioli (Anthony Hickox questa sequenza l’ha vista sicuramente, guardate un po’ il massacro discotecaro di Pinhead in Hellraiser 3-Hell on Earth).
Forse gli appassionati della saga non hanno mai perdonato a Sholder il fatto di aver mostrato poco l’uomo nero di Elm Street, praticamente assente per tutta la prima parte. Vero, ma bisogna pur ammettere che tutte la apparizioni di Freddy sono straordinarie e centellinate in vista del twist finale in cui il Nostro si materializza nella “realtà” dei personaggi messi in scena letteralmente facendosi strada tra la carne del protagonista principale, ragazzo complessato in odor di omosessualità che non consuma il rapporto con la ricca fidanzata perché in simbiosi con il terribile Krueger. Scena grandiosa, orchestrata dall’effettista Mark Shostrom, regista non accreditato di tutta la sequenza di trasformazione, mentre il make-up di Englund fu affidato al bravo KevinYagher, destinato a divenire uno dei professionisti più apprezzati e richiesti in ambito orrorifico (la creazione di Chucky in Child’s Play su tutte). Una leggenda metropolitana, o presunta tale, vuole che il guanto artigliato sia stato rubato sul set, motivo per il quale, in alcune immagini, le lame fuoriescono direttamente dalle dita di Freddy.
Curiosità a parte, il film di Sholder(regista pure di un gioiello dimenticato come L’Alieno) è girato e fotografato in modo splendido, Jacques Haitkin fu il direttore della fotografia del capostipite, ed è un peccato relegarlo nel limbo dei seguiti indegni, non solo perché fu un buon successo al botteghino, ma perché è una pellicola in grado di camminare sulle proprie gambe. Dopo il buon Craven prenderà in mano le redini del franchise, ma questa è un’altra storia. E poi, ci sia concesso di dire che ANightmare on Elm Street 2: Freddy’s Revenge sfodera l’incipit forse più fenomenale dell’intera serie, con la folle corsa dello schoolbus, guidato da un Robert Englund senza trucco, in una landa desolata e quasi preistorica che avrà portato all’innamoramento subitaneo una legione di giovani amanti del cinema horror. Non è poco. Da riscoprire.
Domenico Burzi
Nightmare 2 – La rivincita
Titolo originale: A nightmare on Elm Street 2 – Freddy’s revenge
Anno: 1985
Regia: Jack Sholder
Interpreti: Mark Patton, Kim Myers, Robert Englund, Clu Gulager, Hope Lange
Durata: 90 min.
NOTA:Ogni curiosità sulla serie di Nightmare vi rimando sia all’articolo su Malastrana sulla serie https://malastranavhs.wordpress.com/2017/08/06/la-saga-di-nightmare-on-elm-street/ che al sommo blog di Lucius Etruscus (uno dei suoi tantissimi blog) https://ilzinefilo.wordpress.com/2018/06/22/nightmare-1-1984/
Di questo film non conoscevo nulla se non i feroci commenti degli utenti che se lo sono visti caricare gratis su youtube. Ne prendo uno tra i tanti:
“Mammamia…come si fa a recensire una ciofeca simile? A me mancano le parole…. Una delle schifezze più assurde viste negli ultimi anni, peggio ancora di un film dell’Asylum che, in confronto, è arte pura. L’unica cosa positiva sono a/v assolutamente perfetti. Che orribile spreco. Non classificabile, manco una stella gli dò. Vade retro“. Il resto sono giudizi più o meno dello stesso tenore con la punta apice del fantasioso “Questo film e come quella volta che tra i DVD di mio padre trovai dentro la custodia di Matrix un certo CD dal nome Buchi Sfondi…terribile” con buona pace della grammatica.
Tette!!!
Mi sono oltretutto accorto che lo spettatore medio, quello dei film scaricati su cb01, non comprende la differenza tra i vari generi. Tante volte leggo commenti come “Ma non è un horror” magari davanti ad Evil dead 2, ma il fatto non cambia: spiritoso, parodistico, ma sempre horror resta, La casa 2. Questi utenti usa e getta, disabituati al cinema, capaci di spegnere un film di Michael Bay dopo 5 minuti perché noioso, non hanno le basi per scrivere una recensione, sono la versione di carne delle scimmie volanti del Signor Burns, poverini.
Hack! non è un brutto film, anzi. E’ una pellicola terribile se la affronti in maniera sbagliata: prendendola sul serio. Il regista Matt Flynn gira una parodia del genere horror sulla scia di Wes Craven e del suo Scream, a volte centrando l’obiettivo, a volte no, ma con un risultato finale più di alti che di bassi. Un film che non puoi credere sia stato scritto senza intenti caricaturali a cominciare dalla scelta dei nomi dei vari personaggi: il signor Bates, il professor Argento, lo sceriffo Stoker o la zia Mary Shelley!
Certo Hack! non fa paura, ma quello non era il suo scopo, è più che altro una satira sul cinema del terrore, dai suoi classici, Gli uccelli di Hitchcock ma anche Hellraiser, Venerdì 13 e Non aprite quella porta, fino alle derive torture porn a base di snuff su super8. Matt Flynn mette in scena non personaggi ma cliché viventi, la cheerleader, l’atleta, il nero, la secchiona, il gay checcosissimo, in balia di altri cliché del genere sotto forma di cattivi, una famiglia, guarda caso, incestuosa e sadica.
La forza di Hack! è di proporre situazioni stupide senza mai essere davvero stupido, non scadere nello Scary movie surreale mantenendo un rigore narrativo logico anche nell’illogicità di un B movie.
La confezione non è da produzione amatoriale: la recitazione è buona così come gli effetti speciali splatter e vari, dal sapore di vecchia scuola ottantina. A patto ovviamente di vederlo in lingua originale perché il nostro doppiaggio è abbastanza terribile, figlio di un’uscita dvd made in “Enrico Pinocci presenta” che non ha scappatoie dall’inferno dell’amatoriale.
Hack! è un’opera moderna che regala uno spettacolo passato a base di tette (stupende quelle di Gabrielle Richens) e omicidi sanguinosissimi, un film che a prima vista potresti pensare sia solo cretino ma che stai solo sottovalutando. Per chi scrive è stata una bella sorpresa, un horror oltretutto con un inaspettato colpo di scena nel finale. Stiamo parlando di una pellicola che mette in scena due serial killer con ambizioni da grandi registi, due inetti come pochi. Una critica ai tanti filmakers che si improvvisano autori dall’oggi al domani. Ad un certo punto un personaggio non riesce a trattenersi e urla loro “Questo film fa schifo e lei recita di merda!“. La risposta della prima attrice è una fucilata ai danni del critico: “Solo recensioni positive!“
Hack! è un horror che trasuda amore per la settima arte, che mostra con orgoglio le locandine del Porcile di Pasolini e del Mondo Cane di Jacopetti, Cavara e Prosperi, modello assurdo per questi assassini della settima arte.
In ruoli minore segnaliamo Burt Young, l’immenso Paulie di Rocky, e Kane Hodder senza la maschera di Jason Vorhees.
Hack! è una pellicola divertente, sanguinosa e scorretta, capace di intrattenere più di tanti horror, seri e seriosi, che ci propongono al cinema con frasi come “Dal genio malvagio di”.
Andrea Lanza
Hack!
Anno: 2007
Regia: Matt Flynn
Interpreti: Danica McKellar, Jay Kenneth Johnson, Sean Kanan, Juliet Landau, William Forsythe, Justin Chon, Burt Young, Kane Hodder
Che piccolo casino che dev’essere stato questo sequel. In primis alla regia doveva esserci ancora Stan Winston, ma, per motivi sconosciuti, l’effettista lasciò all’ultimo il progetto gettando la produzione nel caos. A questo punto si cercò inutilmente un sostituto finché non si fece avanti lui, l’uomo che ha dedicato una carriera ai sequel di film altrui, Jeff Burr.
Pumpkinhead 2: Blood Wings fu girato in 4 settimane nel 1993, uscì direttamente in home video il 19 Ottobre dell’anno successivo e fu demolito dalla critica più del suo predecessore. Il budget si aggirava sotto il milione di dollari, ben più misero (e miserabile) dei 3 del precedente capitolo.
Per resuscitare il terribile mostro dalla testa macrocefala, i produttori ci misero ben 5 anni, tanti erano passati da quel 1988 che vide un rozzo Lance Heriksen sacrificarsi per fermare la vendetta della creatura. Anzi, siamo più precisi, 5 anni non bastarono perché, che ci crediate o no, in un film chiamato Pumpkinhead 2, Pumpkinhead non c’è!
Siamo in quel mondo strano dei sequel anni 80/90, i numeri 2 disprezzati dagli attori protagonisti che venivano sostituiti dai cugini, un po’ sulla scia di Bo e Luke e i non proprio famigerati Vance e Coy Duke, i vari Voglia di vincere 2 dove di punto in bianco arrivava il clone di Michael J. Fox in un sicuro insuccesso disperato.
Qui abbiamo un seguito che sembra un capitolo spurio in tutto e per tutto: la città dove si svolge il tutto ora ha il nome di Ferren Woods, c’è sempre una strega collegata con Pumpkinhead che però scopriamo chiamarsi Osie e non Haggis come quella del film di Winston, nessuno cita la storia precedente e soprattutto scopriamo che il nostro mostro della vendetta piace alle donne visto che, all’apparenza piallato tipo Big Jim, deve avere invece sotto un bel pisellone!
Pumpky Jr ce l’ha più grosso
Infatti questo numero 2 ha come protagonista il figlio di Pumpkinhead come una tarda produzione Universal su Frankenstein o Dracula, un ragazzo deforme ucciso da una banda di teppisti negli anni 50, frutto dell’amore tra la creatura zuccona e una donna dai gusti non proprio sopraffini. Oh non voglio mettere in dubbio che il nostro Pumpky nella vita di tutti i giorni, quando non è intento a squartare cattivoni, sia un simpaticone, uno che si mette la giacca da Tony Manero e fa impazzire le pupe con balli caraibici, ma io non me lo vedo al ristorante con la sua fidanzata, la mamma del Tommy di questo film, che chiede al cameriere “Buon uomo, ci porti il vino migliore della casa” e poi con gli occhioni languidi guarda la sua bella, “Ti amo” le sussurra mentre la vie en rose aumenta il volume. Cioè nella vita si può tutto, bisogna amare l’anima e non l’aspetto, ma qui siamo in una dimensione di devianza mentale al pari di quelli che escono solo con le mutilate perché più sexy o gli etero che si fanno frustare il culo dai negroni pittati per passare il tempo. Facciamocele due domande per favore.
Comunque in questo strano mondo il figlio di Pumpky, il buon Tommy che sappiamo ha avuto comunque una vita non facile oltre al viso da demone kandariano, deriso da tutti e con la passione per i trenini da pompiere, è stato ucciso male e ora il capo dei suoi assassini è un pezzo grosso di Ferren Woods, un giudice in odore di corruzione. Eppure a Tommy neanche la strega Osie doveva volere molto bene visto che all’epoca la donna non mai ha pensato di riportarlo in vita per avere la giusta vendetta, ma si è limitata a seppellirlo in quello che sembra la versione cheapy di Pet Sematary. Il ragazzo, uno che veniva nutrito con piatti lasciati fuori dalla porta della megera come fosse un gatto, era comunque un pasticcione: lo vediamo, in un altro flashback, mentre sta goffamente per cadere in un pozzo, ma viene salvato da un ragazzino che poi crescendo sarà lo sceriffo di Ferren Woods, l’eroe di questa pellicola.
Pumpkettino è in tutto e per tutto simile al padre, a parte gli occhi più iniettati di sangue, ma mentre papà era praticamente immortale e per fermarlo esistevano solo due modi, o finiva la sua vendetta o bisognava uccidere chi l’aveva evocato, il figlioletto è più gracilino: si può ferire e ammazzare con un colpo di fucile. Facile no? Non proprio perché è una creatura il mostrino corre non solo come un dannato, ma soprattutto si materializza, senza nessuna logica spiegata, davanti alle sue vittime. Quello che lo frega però è il buon cuore, questi giovani!, e, caso unico nei 4 film del ciclo, arriva persino a risparmiare una ragazza per sdebitarsi con l’amico sceriffo che gli aveva salvato la vita.
Pumpkinhead 2 mostra anche alcuni tra gli adolescenti più scemi degli anni 90 che, complice una sceneggiatura inetta, fanno cose da vera parodia del genere: per passare il tempo picchiano la strega ma soprattutto, con frasi come “Usiamo la magia nera!”, riportano in vita il bambino zucca che, a dire il vero, è più interessato a fare il culo a chi l’ha ucciso che a questi sciroccati. Roba che si accorge di loro solo perché i cretini si nascondono nel covo dei suoi ex assassini, ma che probabilmente non avrebbe cagato di striscio in nessun altra occasione. Oltretutto questi dementi si gettano tra le braccia della creatura quasi fossero vincolati da un patto suicida, una cosa che se non la vedi non ci credi.
Se da un lato abbiamo un attore in gamba come Andrew Robinson, il papà della Kristy di Hellraiser, dall’altro abbiamo una sequela di attoracci allo sbando con una recitazione tra l’amatoriale e il distruttivo. Si salva anche Amy Dolenz, la bionda di Spiritika 2, Tricks – larve di sangue e soprattutto il cult teen Giù le mani da mia figlia, ma anche il suo ruolo da giovane ribelle ingenua e virginea è tra il cretino e l’insopportabile con battute oltretutto da tortura di Guantanamo.
Noto che i gli spettatori e i critici americani citano con ammirazione anche Soleil Moon Frye, famosa sembra per il suo ruolo nella sitcom Punky Brewster dove interpretava la protagonista bambina. Io però sinceramente non la conosco e la ricito solo per onor di cronaca visto in Pumpkinhead 2 è un cagnaccio terribile come tutti gli altri.
Fanno un cammeo invece divertente sia Linnea Quigley che l’unico Jason del nostro cuore, Kane Hodder. La nostra Linnea naturalmente appare in un ruolo nudissimo e urlante, una performance che è presente persino su pornhub. Nulla però di tanto culto come l’apparizione improvvisa di nei panni del fastidioso sindaco di Ferren Woods. Sì Robert, il fratello scemo di Bill.
Sornione, Robert
Il film alla fine com’è?
A parte la confusione di una sceneggiatura scema che ha richiesto per essere aggiustata uno sceneggiatore per sistemare i brutti dialoghi e un altro per ulteriori elementi di trama, è sottostimato un discreto seguito, molto movimentato, sanguinoso e soprattutto mai noioso.
Gli effetti speciali della KNB per la creatura sono davvero molto buoni e sopperiscono un make up facciale non altezza come nel caso della strega Ossie ai limiti dell’amatoriale. Si cita tra l’altro uno dei più celebri lavori degli effettisti, L‘armata delle tenebre, con il famoso Necronomicon in bella vista nella baracca della megera.
Le scene di morte sono abbastanza notevoli con persino il nostro Pumpky Jr. che stacca una testa dal tronco di un malcapitato o che, sul modello di Friday 13 th, impala una coppia di piccioncini. Certo il film è pieno di cliché come la ragazza che nel fuggire inciampa ogni tre per due o lo sfigato che viene mandato da solo ad accendere un auto, ma nel complesso, nell’ottica della serie B, sono sequenze che ci stanno pure.
Ad un certo punto poi in una sequenza d’omicidio Jeff Burr si inventa un insolito motivo country ad accompagnare le immagini, siparietto che accende il sorriso sulle labbra, forse l’unico momento d’umorismo volontario in tanti attimi d’ironia involontaria.
Rispetto all’opera di Winston, qui finalmente abbiamo un vero regista che non si limita ad inquadrare innamorato un mostro, ma usa la telecamera con la stessa vivacità dei grandi horror anni 80 in una dimensione purtroppo di basso profilo che non rende giustizia al suo lavoro.
Jeff Burr ha sicuramente fatto cose migliori nella sua carriera, primo tra tutti il sempre sottostimato Il villaggio delle streghe, ma, anche al timone di un’opera poco solo di cassetta, si rivela un ottimo esecutore.
Il sottotitolo Blood wings si riferisce alla firma che lascia Pumpky Jr. dopo ogni delitto: un paio di ali rosso sangue, le stesse sfoggiate dai teppisti durante il suo omicidio. Un’idea buona ma lasciata morire così come tante cose nel film.
La cosa più assurda però è che Pumpkinhead 2 non finisce qui, ma continua in un videogioco in prima persona. L’opera si chiama Bloodwings: Pumpkinhead’s Revenge, brutto come la morte, uno sparatutto con il mostro zuccone che balla quando lo aiuti a riposare in pace. Giuro balla!
Andrea Lanza
Pumpkinhead 2 – Blood Wings
Anno: 1993
Regia: Jeff Burr
Interpreti: Ami Dolenz, Andrew Robinson, J.Trevor Edmond, Soleil Moon Frye, Hill Harper
Ed Harley è il proprietario di un piccolo negozio. Dovendo svolgere una commissione, Ed è costretto a lasciare il giovane figlio Billy da solo. Durante la sua assenza un gruppo di campeggiatori adolescenti (Chris, Joel, Kim, Steve, Tracy, Maggie) si diletta in motocross e involontariamente feriscono mortalmente Billy. Steve resta con il ragazzo fino al ritorno del padre mentre gli altri si allontanano. Nel loro capanno discutono se sia il caso o meno di chiamare la polizia ma Joel, il responsabile dell’incidente, è in libertà vigilata per un incidente simile e mette gli amici in condizione tale che non possano farlo. Harley, con il suo cane Gypsy, si reca da una presunta strega, la quale gli dice che non può riportare in vita suo figlio. In realtà Harley desidera solamente vendicarsi. La strega accetta di aiutarlo e lo avverte che la vendetta avrà un prezzo terribile. Su ordine della strega, Harley si reca in un vecchio cimitero di montagna, riesuma un cadavere sfigurato e lo porta in casa della donna, la quale, usando il sangue del padre e del figlio, riporta in vita il cadavere, che assume l’aspetto di un’esile creatura demoniaca. La vendetta è incominciata.
Pumpkinhead è una delizia degli anni 80, uno splatter rurale che i nostri ciechi distributori hanno deciso, al’epoca delle vhs, di non importare né al cinema né tantomeno su nastro magnetico. Così, col passare degli anni, è diventato un film di culto, ma non così tanto da essere riscoperto o recuperato, un po’ il destino del Frankenhooker di Henenlotter e di tanti sfortunati horror rimasti ingiustamente orfani nel nostro Paese. Almeno parzialmente: in Italia Pumpkinhead fu distribuito in dvd dal terzo capitolo, senza preoccuparsi bellamente dei primi due film.
Sugli scaffali delle videoteche, nei primi anni del 2000, spuntarono Ceneri alle ceneri (Pumpkinhead 3) e Faida di sangue (Pumpkinhead 4), discreto il primo, mediocre il secondo, con frasi di lancio come “Lui è tornato per vendicarsi“.
Pensate alla faccia del signor Giulio, uno pazzo per i film di paura, ma non tanto da leggere i vari Nocturno o Fangoria ovviamente, la sua cultura si ferma a Notte horror di Italia uno, ma, credetemi a lui piace il genere, tanto che aspetta ancora che facciano La casa 6 e nessuno ha il coraggio, né quella buona donna di sua moglie, la Marta, né Osvaldo, l’amico di una vita, pazzo per i porno, scapolone impenitente dalla battuta pronta, a dirgli la verità. Eccolo però una sera d’Estate Giulio, 60 anni, birrozza vicino al tavolino mentre sua moglie è dalle amiche a giocare all’italianissimo bridge, che accende la tv, sfarfallio e il titolo Pumpkinhead 3 che appare a tutto schermo. Non solo: ci sono persino personaggi che esclamano “Ti ricordi di quando…“, “Eccolo è tornato il mostro“, “Quei ragazzi vent’anni fa se lo sono meritati“.
Giulio blocca e pensa “Ma chi? Chi è tornato? Chi se l’è cercata” e decide il giorno dopo di tornare in videoteca, l’unica forse esistente in Italia.
Si avvicina al commesso e chiede un po’ sommessamente “Mi puoi noleggiare Pumpkinhead, il primo, e magari anche il secondo“. Il ragazzo, Gimbo, uno che ha la simpatia di chi si farebbe tua madre, lo guarda e aprendo la bocca, quasi a far cadere la mascella, esclama “Ehhhhhhhhhh????” con quel fare amichevole che, se tu avessi un problema a parlare, tipo la balbuzia, prenderesti il fucile a pompa per girare, restando in tema, il terzo capitolo di Videoteca di sangue senza che nessuno sappia dei primi due. Giulio però non si scoraggia e mostra vedere il titolo e lo legge pure piano, come se parlasse con una scimmia con un grave ritardo mentale, “Pumpkinhead, è il numero 3“. Gimbo si gratta le palle, con la stessa mano si scaccola il naso e poi in silenzio finisce l’opera pulendo i padiglioni auricolari, tutto mentre il ragazzo sembra imprigionato in una qualche poesia di Edgar Allan Poe sull’ineffabile romanticismo della morte, stesso sguardo perso in procinto di dire “Nevermore“. La risposta di Gimbo arriva come doccia gelata per Giulio “No, non esiste. Hanno fatto solo il tre” e dietro di lui, sornione, il faccione di Pumpkinhead 4.
Dietro il tre si cela il quattro, caro Giulio.
Giulio non saprà mai dell’esistenza di Pumpkinhead di Stan Wiston e spesso racconterà alla moglie e all’Osvaldo di come il cinema sia strano: non hanno fatto ancora un La casa 6 ma la 7 sì, e poi comincerà a parlare di questo film, bellissimo, con un mostro dalla testa di zucca che uccide cattivoni. ” Hanno girato solo numero 3” esclama agitando le mani. Se solo avesse letto quest’articolo ora lo saprebbe come saprebbe della tresca tra la Marta e l’Osvaldo perché, non è pubblicità, ma Malastrana vhs apre la mente e blocca sul nascere le corna, a parte che non siate la donna cervo di Landis, in quel caso chiedetemi il numero. Comunque se Il Giulio sapesse tutte queste cose, ora potrebbe andare a resuscitare il suo personale Pumpkinhead e vendicarsi dell’Osvaldo e di quella troiona non più brava donna della Marta, ma è un buono il Giulio, ride giulivo, un po’ come l’Aretino Pietro, quello che scappava con una mano davanti e con l’altra dietro. D’altronde chi cazzo gioca a bridge in Italia?
Essere cervi senza leggere Malastrana
Pumpinkhead è uno dei due film girati dietro la macchina da presa da Stan Wiston, mago degli effetti speciali in film leggendari come Aliens, Terminator, Predator, Leviathan e persino Congo con le scimmione che volevano essere, e non erano, i T rex di Jurassic Park. In questo campo, quello dei trucchi, Stan Wiston era uno dei migliori, ma in quello della regia, beh, non era così bravo. Lo dimostrerò con quella cosa incredibile che è Lo gnomo e il poliziotto, un cult scult che girava spesso sulle reti private e, se lo raccontavi al bar, la gente ti guardava strano come se avessi visto un UFO con indosso un cappello di carta stagnola.
Pumpinkhead non è girato male, non fraintendetemi, è girato anzi con tutti i sacri crismi del manuale del perfetto filmaker e come tale è privo di personalità. Sul piano tecnico è un compitino ineccepibile certo ma senza coglioni: lo stile, le bizzarrie anche visive che hanno le opere prime horror, da Sam Raimi a Peter Jackson, qui non ci sono. Questo d’altronde distingue i bravi tecnici dai bravi artisti: il codin della volpeta, l’ingrediente segreto che trasforma un banalissimo piatto di pasta in WOW CHE ORGASMO!
Prendiamo, per esempio, un film per certi versi simile, il Rawhead Rex di George Pavlou, sicuramente inferiore qualitativamente all’opera di Stan Wiston eppure con quella regia unica e particolare, anche nei difetti, che non ha Pumpinkhead.
E’ un peccato perché il mostro dalla testa di zucca è fighissimo, le sue uccisioni sono sanguinose al punto giusto, l’ambientazione sporca e provinciale, che ricorda gli Hooper o i Craven, è efficace, ma c’è sempre quest’aria, un po’ da telefilm anni 80, che inficia molte delle cose buone presenti. La cosa che manca è il senso di tragedia che l’ottima sceneggiatura invece possedeva: Pumpinkhead diventa così un divertente e un po’ gratuito gioco al massacro, un fumettone senza il controllo di una mano abile dietro la macchina da presa. Manca l’empatia del pubblico per i vari personaggi, per una volta interessanti in un teen horror che non richiede solo tette nude. Stan Wiston purtroppo non lavora sugli attori e si concentra solo sulla parte tecnica fallendo in un film che richiederebbe quel quid in più per emergere dalla media del genere, uno sforzo anche minimo per dare una scintilla d’anima alla sua opera. Si salva solo Lance Henriksen, ma anche la sua è una performance troppo stralunata per un ruolo che dovrebbe essere intenso
Siamo in un anomalo slasher dove le vittime sono colpevoli di avere commesso (o nascosto) un omicidio e vengono trucidate da un altro assassino. Un killer vs killer d’impianto fantastico. Nella mattanza, la cosa più divertente,è che il primo a morire è però un ragazzo che con la morte del figlio del protagonista, causa scatenante della vendetta della creatura, non c’entra nulla, anzi si è pure fermato a soccorrere il bambino morente.
L’opera nasce stranamente da una poesia, una lirica scritta da Ed Ustin dallo stesso titolo ma non collegata al film:
“Keep away from Pumpkinhead, Unless you’re tired of living, His enemies are mostly dead, He’s mean and unforgiving, Laugh at him and you’re undone, But in some dreadful fashion, Vengeance, he considers fun, And plans it with a passion, Time will not erase or blot, A plot that he has brewing, It’s when you think that he’s forgot, He’ll conjure your undoing, Bolted doors and windows barred, Guard dogs prowling in the yard, Won’t protect you in your bed, Nothing will, from Pumpkinhead!“
(traduzione italiana mia a cazzum:
Stai lontano da Pumpkinhead,
A meno che tu non sia stanco di vivere,
I suoi nemici sono per lo più morti,
È cattivo e implacabile,
Ridi di lui e sarai sconfitto,
In modo terribile,
La vendetta per lui è divertimento,
E la pianifica con passione,
Il tempo non cancellerà
la trama che ha preparato,
È quando pensi che si sia dimenticato,
Evocherà la tua rovina,
Porte e finestre serrate,
Cani da guardia che si aggirano nel cortile,
Non ti proteggerà stare nel tuo letto,
Niente fermerà
Pumpkinhead!)
Poesia tra l’altro molto evocativa: già da queste poche strofe si intravedono i semi di un film che comunque fa il suo sporco lavoro di serie B regalando sequenze interessanti di morte, inaspettatamente splatter ed efferate. Interessante anche l’intuizione di contaminare l’horror con la mitologia indiana, non un’idea nuova ma dall’indubbio fascino. Pumpkinhead riesce ad essere un cult anche per i suoi difetti, ma soprattutto per una vena cinica e disperata che attraversa tutto il film e che porterà il plot verso un plumbissimo finale.
L’effetto speciale più azzeccato, e di sicura presa spettacolare, è senza dubbio la mutazione del mostro dalla testa di zucca in un simile Lance Henriksen così da assottigliare il legame tra creatore e mostro, entrambi carnefici ed entrambi legati dallo stesso peccato, la rabbia, la vendetta, il desiderio insano di una giustizia divina quando ci si deve affidare agli uomini. Così, al pari di un fruitore di porno, un voyeur desideroso di amplessi altrui, il protagonista vivrà gli omicidi attraverso occhi non suoi, quelli della creatura, annientando l’idea che un peccato non vissuto non sia peccato, malgrado i calli sulle mani o il sangue sulla pelle.
Pumpkinhead genererà un buonissimo seguito nel 1993, Pumpkinhead: Blood wings, disprezzato dai più ma dalla regia più efficace di questo primo capitolo. Il terzo e quarto segmento si concretizzeranno, come già visto, nel nuovo millennio, grazie al mercato dei tanti film usa e getta buttati in videoteca, un destino certo infame per un personaggio dalla grande efficacia scemica come il nostro mostro zuccone.
Fangoria però inserì Pumpkinhead come uno dei migliori horror mai fatti: sicuramente è un film divertente da guardare. Una delle sfortune di quest’opera è di essere stato un discreto fallimento al botteghino, causa probabile del non interesse dell’opera in Italia. Forse nel 1988 il pubblico affezionato di splatter cominciava a stancarsi del genere.
Pumpkinhead momentaneamente senza vita al cinema, trovò linfa vitale nel mondo dei comics. La prima serie a fumetti che lo vede protagonista è Pumpkinhead: The Rites of Exorcism, pubblicato dalla Dark Horse Comics nel 1993. La storia ruota intorno alla giovane Mariah, innamorata del figlio di un dottore, David, ma destinata ad essere l’apprendista di una strega indiana, la stessa che, nel primo film, aiutò Henriksen a richiamare in vita il mostro. Il secondo volume è stato scritto da Mark Patrick Carducci, lo stesso sceneggiatore del film di Winston e penna brillante dietro il non proprio brillante Neon maniacs. Il suo albo è il migliore, il più inquietante, con personaggi interessanti e quel gusto di splatter beffardo e crudele che aveva reso grande la pellicola al cinema. Purtroppo la serie non ebbe il successo sperato e non vennero mai dati alla luce gli ultimi due capitoli, anche se fu anticipato l’arrivo di un Pumpkinhead alato, come ogni buon sequel numero 3 vuole dai tempi di Robocop che vola.
Doveva essere così il Pumpkinhead volante
Proprio quest’anno lo scrittore Cullen Bunn ha scritto per la Dynamite Entertainment una miniserie di 5 numeri, molto bella tra l’altro, che vede il mostro zucca tornare, stavolta non da solo, a vendicare la morte di due bambini perpetrata da una famiglia di psicopatici. Il primo albo ha una bellissima copertina di Kelly Jones, fumettista, per noi di Malastrana, eccezionale e particolare, famoso per i suoi lavori in Batman e nella miniserie di Aliens Alveare, tra i più dark e astratti delle collane.
Cullen Bunn ha dichiarato prima dell’uscita l’amore per il primo film di Stan Wiston:
“Ho visto Pumpkinhead alla serata di apertura in un piccolo teatro a due schermi fuori dal Berkeley Mall a Goldsboro, Carolina del Nord. Dire che ha contribuito a cementare il mio amore per l’orrore (e, in particolare, per l'”horror rurale “, genere per cui scrivo molto di questi tempi) sarebbe un eufemismo. Posso recitare la poesia a memoria. Ascolto anche la colonna sonora mentre scrivo le mie storie. Il ritmo, il senso di mistero che evoca, gli strani giochi di luce e d’ombra. Questi sono tutti elementi che spero di catturare nel fumetto. Come fan dell’horror di lunga data, io tengo questo film in grande considerazione, e non potevo essere più entusiasta di contribuire al mito del Demone della vendetta“.
Notizia recente è che Pumpkinhead avrà un nuovo reboot, ma a scriverlo sarà il ben poco rassicurante Nathan Atkins, già autore di un dimenticabilissimo sequel, S. Darko, un film capace di ipnotizzarti, tipo Sir Bis, solo con l’aiuto della patata presente, Daveigh Chase e Briana Evigan.
Briana, mon amour
Noi intanto ci teniamo stretti sia Pumpinkhead che i suoi seguiti, riusciti o sgarruppati che siano. Se poi l’uomo zucca ritornerà in splendida forma, noi saremo i primi ad esserne felici.
Andrea Lanza
Pumpkinhead
Anno: 1988
Regia: Stan Winston
Interpreti: Lance Henriksen, Jeff East, John D’Aquino, Kimberly Ross, Joel Hoffman, Cynthia Bain, Florence Schauffler, Brian Bremer, George ‘Buck’ Flower, Matthew Hurley, Lee de Broux, Peggy Walton-Walker, Chance Michael Corbitt, Dick Warlock
Shallow Ground di Sheldon Wilson più che un film è una trappola. Non vi sto dicendo che sia un capolavoro incompreso, avete ragione se dopo averlo visto vi riprometterete di non farlo più per il resto della vostra vita, anche su un’isola deserta con un lettore DVD a pile e solo questo horror a disposizione. Eppure c’è molto di curioso in Shallow Ground e vi invito a fargli attenzione. Non si tratta di un film normale.
Secondo me è un esperimento sulla paura alla stregua di Suspiria, con le debite proporzioni. Come nel film di Argento non conta la coerenza narrativa, la storia, ma le sensazioni che dalle immagini, i suoni si diffondono all’epidermide, ai nervi, al cuore. Gli attori si guardano in giro, spaventati da cose che vedono solo loro e tutto sembra colto dal morbo dell’isteria, al punto che delle normali piante e auto ci sembrano bestie minacciose.
Il film di Wilson è in questo senso assolutamente folle, tesissimo, caotico. I protagonisti non vedono l’ora di squagliarsela da Shallow Valley ma nessuno ha il coraggio di esporre i motivi oltre la spiegazione ufficiale. C’era una diga da costruire e ora è finita. Non c’è più motivo di star lì. Però la strana smania con cui i poliziotti cercano di infilare gli scatoloni nelle jeep e partire non ha nulla di dolce e amaro, remissivo, come durante l’addio ai monti manzoniano. Qui se la squagliano tutti e fanno a gara a chi ci riesce prima. Sono successe diverse tragedie a causa di quei lavori alla diga, tanto per cominciare. Da quelli, anche se nessuno ha avuto il coraggio di fare collegamenti, sono seguite una serie di strane sparizioni. Sembra tutta una maledizione di quei fottuti pellerossa, tanto più che proprio il giorno della partenza il bosco vomita direttamente nell’ufficio dello sceriffo in smantellamento un ragazzo muto e ricoperto di sangue. A questa cosa si aggiungono dei flashback in stile primo Non aprite quella porta, di particolari su cadaveri in decomposizione. E da qui bisogna puntualizzare che Shallow Ground è davvero zeppo di citazioni.
I corpi divorati dai vermi sembrano sia gli stessi con cui l’autostoppista della famiglia Sawyer si dilettava a profanare che le vittime torturate dai Cenobiti, visto che sui loro volti ci sono degli uncini da pesca che gli tendono la pergamena. Poi c’è un altro flashback ricorrente sin dai primi minuti ed è nella testa dello sceriffo Shepard divorato dai sensi di colpa: una ragazza è appesa a un albero e implora pietà. Lui la trova e riesce a tirarla giù ma dopo si allontana per cercare l’assassino e lei muore massacrata, si suppone. Non è solo il poliziotto a rivivere quel fatto ma anche il maniaco misterioso, visto che Shepard non è presente nel momento in cui un tipo col cappuccio e un grosso coltello sevizia senza fare una piega la povera fanciulla prima di trascinarla via con sé. Può essere lo sbirro a immaginarlo ma poi scopriamo che non è così, il serial killer veste sul serio con quegli indumenti e per quanto non sia lo stesso Shepard il bastardo (possibile causa della mancata presenza di entrambi sul luogo del delitto) ma vi svelo che così non è.
Direte che faccio spoiler però vi assicuro che i colpi di scena di Shallow Ground sono tanto ricchi e incasinati che non vi sto togliendo quasi nulla. Lo faccio per dirvi che il flashback non è volutamente ambiguo. Si tratta solo di un casino, un pasticcio. Uno dei tanti combinati da Wilson. Però aspettate. Gli sbagli del regista (e sceneggiatore) sono utili a un risultato ben preciso, probabilmente non voluto ma che è un fatto. Il fatto mi conduce a parlare di questo film in modo quasi entusiasta e tanto basta.
In Shallow Ground c’è un personaggio da non sottovalutare: il bosco. Non è un’entità assassina come in Evil Dead, però è infido, imperante e descritto con la stessa minacciosità di Raimi. Non attacca mai i personaggi stuprandoli o conducendoli verso il muro del suono ma digrigna i rami tutto il tempo e non è piacevole, in ogni caso. Le scritte col sangue, le ondate di ottoni e violini, aggiungono rimandi a La casa. E l’arrivo della notte, il timore del buio che si avvicina non fanno che aumentare la tensione e l’ineluttabile degenerazione verso il caos.
Sheldon Wilson però gioca più sporco di Raimi, Argento e Hooper. Lui fa il buffone, l’incapace (e forse lo è) ma questo suo pasticciare è un guaio per noi che guardiamo, siamo in balia di un apprendista stregone che gioca con il nostro sistema nervoso.
Prendete il vento, per dire, è extradiegetico. Non fa parte della realtà del film. Si sente fischiare tra gli infissi dell’ufficio dello sceriffo e Shepard lo ascolta muggire tra i rami, nella notte. Fuori però le piante, e si vede, sono perfettamente ferme. Errore, sicuro, uno dei tanti elementari che si susseguono senza sosta, ma occhio perché tutti questi sbagli destabilizzano comunque. Sono troppi. Vistosi, sembrano usati per ottenere un qualche strano effetto. Come se il regista volesse farci abbassare la guardia per colpirci con una trama che invece è di grande originalità e senza dubbio costruita in modo da tenerci inchiodati fino alla fine. Sheldon Wilson ha tipo una duplice personalità: quando è al pc che butta giù lo script è una specie di genio e quando passa dietro la cinepresa è un coglione assoluto. Il risultato però dimostra quello che ha sempre detto Hitch: “una sceneggiatura fatta bene ti para il culo”.
Ci sono un sacco di cose insensate di cui non sappiamo davvero cosa farne. Lo sguardo del cacciatore girovago, sempre alle prese con qualche strano traccheggio che poi si rivela nulla, è ancora sabbia lanciataci in fretta negli occhi. Nel cinema americano tutto deve avere una ragione. Se c’è un tipo strambo che si aggira sui luoghi dell’orrore, magari alla fine si assommerà al bodycount come l’ennesimo corpo innocente di chi si è trovato nel posto sbagliato al momento sbagliato, ma così non è. Non si sa più che cazzo di fine faccia e punto. Sta in mezzo alle palle per tre quarti del film con l’aria apparentemente innocua e alla fine è davvero solo uno de passaggio!
Il serial killer incappucciato uccide la biologa in un modo fisicamente impossibile: spingendola in terra e tirandola sotto al furgone per i piedi, ma non è una creatura soprannaturale, non può farlo ma questo Wilson ci mostra. Ci sono creature chiaramente fuori dalle leggi fisiche però non centrano con questa aggressione: è solo un umano che fa ‘sta cosa e non ha le capacità extra-umane di Mr. Fantastic. Eppure chissenefrega, la scena c’è ed è uno schiaffo in più che riceviamo sulla fronte. E ce ne sono tanti altri. La mente reagisce con mille obiezioni e il corpo si frastorna nella confusione incessante. Eccovi un altro esempio: Timothy V. Murphy (figlio non dichiarato di Rutger Hauer e Gabriel Byrne), ha il nome cazzuto di Jack Shepard. Lui rivive l’incubo della ragazza nel bosco che non è riuscito a salvare; il flashback già citato sopra ci viene presentato con un’ellissi davvero stramba: dall’impronta digitale sanguinante su una foto iniziano le urla e i muggiti. Shepard non è presente in centrale, non è ancora entrato in scena e dopo questo stacco, vederlo in giro per i boschi, fa pensare che sia un evento reale, contemporaneo a ciò che sta avvenendo nell’ufficio dello sceriffo. E invece è un flashback. Questi colpi bassi ci portano a non mollare il film. Sentiamo che è un pericoloso masso che rotola giù da una montagna e nulla può fermarlo tranne la nostra testa, forse. Lo vediamo arrivare e sentiamo l’istinto di spostarci ma qualcosa ci ipnotizza lì.
Una volta visto Shallow Ground fino alla fine, e messomi lì con carta e penna a segnare tutti i fatti, è possibile ricostruire la trama che è contorta ma audace. È però il modo come è raccontata, con troppi indizi e nemmeno una prova, false piste a chili, a rendercela suggestiva. Al punto che passiamo indenni oltre tante di quelle scemenze pur di capire dove Wilson voglia andare a parare, sopravviviamo persino a frasi tipo questa: “La situazione peggiorerà ancora prima di migliorare, vero?” Ma che cazzo vuol dire? Pensateci, che senso ha chiedere una cosa del genere a qualcuno? La scrivo di nuovo: La situazione peggiorerà prima di migliorare. Anche qui, sbam, annichilimento.
Il punto è che in Shallow Ground è dannatamente sbagliato. Persino il doppiaggio fa schifo, sotto vuoto come neanche un film trasmesso su Italia 7 Gold nel 1997. Gli attori hanno tutti la stessa espressione smarrita, para come quella di noi spettatori perché nonostante continuiamo a ricevere sferzate sulla schiena dal nostro smaliziato gusto, alla fine ce ne stiamo lì incastrati a finire il film. Ad un certo momento su una porta dell’ufficio dello sceriffo appare una scritta col sangue: Nessuno se ne andrà! E la cosa si riferisce anche a chi guarda, sappiatelo. Sembra la versione horror bmovie di Candle Cove. Nel senso che c’è qualcosa di sinistramente inarrestabile. Per esempio l’attrice Patty McCormack e la sua inquietante somiglianza con Baby Sinclair della serie I Dinosauri. Guardatela al minuto 19:39, quando in primo piano dice “L’ultima volta che l’ho vista viva” e ditemi se non è uguale.
Francesco Ceccamea
Shallow ground – Misteri sepolti
Titolo originale: Shallow ground
Anno: 2004
Regia: Sheldon Wilson
Interpreti: Timothy V. Murphy, Stan Kirsch, Lindsey Stoddart, Patricia McCormack, Rocky Marquette, Natalie Avital, Chris Hendrie, Tara Killian, Myron Natwick, Steve Eastin, John Kapelos, Christine Avila, Ori Pfeffer, Victor Campos
Non sono mai stato un grande fan di The strangers, opera prima di Bryan Bertino, un regista che confermò la sua mediocrità in seguito sia con il bizzarro Mockingbird – In diretta dall’inferno che con il terribile The monster del 2016.
Certo i gusti cambiano, a volte ho amato film in precedenza odiati, e forse dovrei dare una seconda visione all’home invasion con Liv Tyler e Scott Speedman ma all’epoca, nel 2008, scrissi:
“Non si può dire che “The strangers” sia un film riuscito. E’ sì un film ottimamente confezionato, che sa raccontare con stile nervoso una tesa storia di assedio, ma è materia pesantemente deja vu, che arranca asfittico verso il crudele finale, che non riesce a dire nulla di nuovo e forse neanche ci tenta. La storia frulla in maniera spudorata “Ils” di David Moreau e Xavier Palud con “Vacancy” di Nimród Antal aggiungendoci persino una spruzzata di “Funny games” di Haneke. Di spunti non originali alla base di film originali ne è piena la storia del cinema, anzi le filmografie di Lucio Fulci o Brian De Palma (per prendere due esempi eclatanti) sono pieni di opere che saccheggiano a piena mano il lavoro di altri registi (Hitchcock, Romero, Argento) per creare vera fantasia al potere, qualcosa di simile al modello e nel contempo estremamente diverso. Ma qui siamo ad una filosofia un po’ alla Nintendo Ds: non puoi pretendere di diventare un ottimo cuoco copiando perfettamente le ricette di cucina, ogni cosa ha bisogno di fantasia che è l’anima che rende una torta buona ed una ottima. “The strangers” sembra un film zombi, costruito a tavolino per piacere: tutto perfetto, dalla regia ispirata agli attori in pare, ai tocchi surreali nel rappresentare questi villain come creature soprannaturali fino al finale che più gelido e cattivo di così non si può. Quindi ottimo? Non proprio perché manca una cosa importante: l’anima, la scintilla primordiale che rende il film un’opera e non solo un diligente compitino di uno studente svogliato“.
Quando l’home invasion ha raggiunto il punto più basso
Con gli anni il genere home invasion non si è mai davvero affermato, probabilmente la punta di diamante è stato quel gioiellino di You’re next di Adam Wingard, ma poi abbiamo avuto a memoria soprattutto cose abbastanza imbelli come Jackals di Kevin Greutert, Wolves at the Door di uno dei peggior registi di sempre, J. R. Leonetti, o Mercy, micidiale produzione Netflix. Certo sarebbe ingiusto dimenticare il tesissimo Secuestrados, il concitato Mother’s day di quella promessa mancata di Darren Lynn Bousman, il primo La notte del giudizio e il recente Better Watch Out diChris Peckover, ma diciamo che noi umani tendiamo a ricordare, come durante le storie d’amore finite, solo i momenti brutti, e gli indigesti home invasion, anche con le derive incredibilmente action di un film bulgaro con Dolph Lundgren o Scott Adkins, sono davvero una legione.
Come dicevo comunque non mi aspettavo moltissimo da questo The strangers: Prey at night o comunque non mi aspettavo un film di così ampio respiro, sul modello del gagliardo Kristy di Oliver Blackburn, dove la claustrofobia si disintegra in una nuova location simile agli slasher classici alla Jason.
D’altronde la produzione è stata travagliata e il successo del primo capitolo avrebbe dovuto generare subito un seguito (sempre scritto dallo stesso regista) e con ancora Liv Tyler tra i protagonisti, ma qualcosa è andato storto, la produzione non è mai partita e l’ex reginetta degli Aerosmith ha preferito, ai massacri da home invasion, qualche produzione magniloquente di Sarajevo. Così per quasi dieci anni, fino a questo capitolo 2 senza il 2, senza Bertino e senza Miss Tyler ovviamente.
Se i personaggi di Strangers: Prey at night sono assolutamente insapori e basta a caratterizzare una ragazzina ribelle con una maglietta dei Ramones e la sigaretta, motherfucker yeah, in bocca, lo stesso non si può dire della trama che, a metà film, ha un ribaltone notevole trasformando i tre assassini immortali e micidiali del film precedente in tre deficienti con scritto “Uccidetemi”, al pari e più delle loro vittime.
Il lavoro di tensione che svolge Johannes Roberts, uno che nella sua carriera ha girato cose tra l’orribile e l’ancora più orribile, è notevole, non proprio roba che trovi in un prodotto da discount. Il regista non si limita a girare un facile remake del primo film, ma rielabora il plot ampliando, come ogni buon seguito vuole, gli esponenti, dal numero delle vittime, alla quantità di sangue fino alle scene di spavento. Siamo, a differenza dell’opera originale, in un film da spettacolo popolare, un horror slasher vecchio stampo dove il campeggio per ragazzini alla Venerdì 13 si trasforma in un campo caravan e il killer mascherato, come nel classico Soli nel buio di Jack Sholder, si moltiplica in più assassini mascherati.
A fare la parte del leone però è la travolgente colonna sonora del film che musica le scene più concitate con hits anni 80 come Total Eclipse of the Heart di Bonnie Tyler o I Think We’re Alone Now di Tiffany. Il bello dell’opera di Roberts è di non cadere nel facile giochino vintage alla Stranger Things del cinema horror, ma di essere un genuino horror anni 80 girato semplicemente nel nuovo millennio. Molte opere, impresentabili ora come 40 anni fa, si fanno forza di un passato solo ascoltato attraverso playlist di vecchi DJ rincoglioniti, assolutamente imbelli nella loro dimensione carta carbone e dimenticabili, come nel caso della serie Ash vs Evil dead, dopo le grandi risate da riunione di classe, che palle, guarda che botte la figa della classe.
Qui invece quando Tiffany canta a squarciagola in piscina e il sangue colora il cloro in una splendida sequenza di morte, potremmo essere nel Wes Craven più ispirato di Scream, quello a metà tra passato e presente, tra nostalgia e voglia di novità.
E’ vero che i tre villain fanno meno paura della pellicola precedente, ma questa è un’opera proprio in antitesi all’idea intimista di cinema che aveva Bryan Bertino. Il terreno dell’opera di Roberts è quello della multisala, dell’applauso a scena aperta, della ragazzina che abbraccia il compagno di classe tappandosi gli occhi, lo stesso terreno commerciale che baciava l’opera slasher di Sean S. Cunninghan, Venerdì 13. Se si capisce in quale campo di gioco si sta giocando stavolta, il divertimento è sicuramente assicurato.
Come d’altronde potere parlare male ci un horror che finisce citando a piene mani il Texas Chainsaw massacre di Tobe Hooper?
Noi che l’abbiamo visto siamo sazi come dopo una mangiata della pizza di Chicago che qualcuno, magari un campano verace, potrà obiettare che non è la vera pizza, che a Napoli la si mangia meglio, e al quale noi rispondiamo panciuti e soddisfatti, vai a Napoli e non romperci i coglioni.
D’altronde la madre dei criticoni è sempre incinta, no?
Andrea Lanza
The strangers 2
Titolo originale: The strangers: Prey at night
Regia: Johannes Roberts
Interpreti: Christina Hendricks, Martin Henderson, Bailee Madison, Lewis Pullman, Emma Bellomy
