Una giovane assicuratrice (Rebecca) viene assunta alle dipendenze di un principe proprietario di una imponente dimora situata nell’entroterra umbro. Il suo lavoro, catalogare libri antichi e pregiati, viene distolto da una scoperta che la porterà a seguire le tracce delle bibliotecarie che l’hanno preceduta ed a conoscere i segreti che si celano dietro l’enigmatica figura del signore della magione.
Alessandro Perella, il regista
Il critico deve essere senza preconcetti? Il suo lavoro non dovrebbe essere quello di “consigliare” il pubblico di lettori alla visione di un film senza vizio di forma? Ecco io ho rimandato la visione di questo horror pensando spesso e volentieri “Chissà che merdata”, “Che schifo”. Faccio perciò il mio personale Mea culpa chinando il capo con stima ad Alessandro Perella, regista di Sinner, gustoso gotico con Robert Englund. Può giocare a mio favore la visione, quella sì terribile e mai digerita, del pessimo Hell’s fever, opera prima horror di questo autore, film dalla trama delirante e dalla messa in scena pedestre. Ricordo che a visione ultimata pensai “Beh forse Perrella dovrebbe tornare a fare porno”. Eh sì perché Alessandro Perrella, attore di cammei in film italiani di ogni genere (da I giochi proibiti dell’Aretino Pietro di Pietro Regnoli a La morte negli occhi del gatto di sua maestà Antonio Margheriti) ha avuto un passato di tutto rispetto nel genere hardcore. Suoi infatti i primi film con Selen, ma anche pellicole di tutto rispetto con Valentine Demy, la statuaria Anita Rinaldi e lo stallone Rocco Siffredi (oltretutto in un hard neanche male, Signore scandalose di provincia).
Il Rocco italiano intento in una difficoltosa e coreografica scena action in Signore scandalose di Provincia
Niente da contestare al porno che reputo un genere sottostimato che tanto ha dato negli anni 70 con autori come il mai compianto Gerard Damiano e in tempi più recenti con artisti del calibro di Andrew Blake, Michael Ninn o Paul Thomas, ma molte volte il passaggio da una cinematografia all’altra non è uno dei più facili (si vedano per esempio gli insulsi filmettini thriller diretti con mano sinistra dal maestro a luci rosse Gregory Dark). Sinner (o Night of the Sinner come recita il titolo internazionale) invece è opera di un certo pregio.
Robert Englund e uno shampoo rituale
Lasciamo da parte le dichiarazioni intellettuali del suo autore (“Presuntuosamente vorrei che fosse intellettuale, concepito da menti con accezioni sociali molto alte, che hanno avuto un passato molto duro, cattivo” ha dichiarato in una recente intervista) perché Sinner è soprattutto un gotico che omaggia a piene mani tanto cinema di genere alto (Margheriti, Bava, Freda), ma anche basso (viene in mente soprattutto il dittico di Sergio GarroneLe amanti del mostro e La mano che nutre la morte). Girato con gusto, è un film che sa prendersi tutto il tempo per terrorizzare senza per questo annoiare. Pieno di grande atmosfera retrò (il vento che muove i tendaggi, le ombre minacciose, le segrete che celano orrori passati, i manichini sepolti come persone) vive la strana dimensione dell’essere figlio di un tempo lontano che non conosceva montaggi subliminali e concitati. Una vera benedizione di questi tempi.
Scuola gotica Margheriti nel 2009
Lo splatter non involgarisce più di tanto una vicenda che vive soprattutto di suspense, anche se i momenti clou rosso sangue sono di quelli che non si dimenticano (l’inizio con lo scalpo di una sventurata e il finale con una bocca cucita). Magnifici anche i flashback che vedono le attrici coesistere in diversi momenti temporali e quasi confessarsi davanti alla macchina da presa. Impreziosito da attori in parte (le belle Ivana Mino e Olga Shuvalova, ma soprattutto un grandissimo Robert Englund) e da una location di un certo pregio (il Castello di Giove di proprietà del produttore americano Charles Band e già scenario di horror gotici come Castle freak di Stuart Gordon) è un film che consigliamo vivamente.
Andrea Lanza
NB
Alessandro Perella raccconta anedotti interessanti su Sinner durante il TOhorror, il festival italiano horror e fantasy più stracazzuto di sempre:
Qui il film completo:
Sinner – Peccato mortale
Anno: 2009
Regia: Alessandro Perrella
Interpreti: Ivana Miño, Olga Shuvalova, Robert Englund, Giannina Salvetti, Antonella Salvucci, Emanuel Colella
Durata: 89 min.
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Umberto Lenzi era molto entusiasta di questo suo Demoni 3. Almeno a parole.
Sulle pagine del fondamentale Spaghetti nightmares di Luca M. Palmerini e Gaetano Mistretta dichiarava:
“Ho lavorato intensamente per tre mesi su Black Demons, un horror che ritengo senza dubbio il mio capolavoro (…) girato in presa diretta americana.Parla di alcuni schiavi negri uccisi un secolo fa in una fazenda i quali, riportati in vita per mezzo di una macumba girata “dal vero”, si vendicano di chi ne causò la morte“.
Quindi un horror con un rito voodoo autentico, una pellicola maledetta, stando sempre a sentire i racconti del suo autore.
“Le riprese sono state abbastanza pericolose (sul set successero anche delle stranezze…) e l’effetto che la macumba provoca sulle nostre coscienze e sulle nostre credenze religiose, pur senza mostrare dettagli “gore”, è molto impressionante“.
Tutte belle parole, senza dubbio, in un periodo, quello d’inizio anni 90, privo di internet, dove molti nostri horror stentavano ad uscire e tutto era lasciato nella leggenda, nelle tv private e nei deliri, un po’ supercazzoloni, dei nostri autori caduti in disgrazia.
Stento a credere, a film visionato, che Lenzi, da giusto rompipalle old school come era, credesse davvero che Demoni 3, o Black demons come recitava il titolo originale, fosse non tanto “il suo capolavoro“, ma anche solo un’opera decente. Erano però quelli gli anni, miserabili e accattoni, che vedevano il cinema del nostro Umberto migrare nel Terzo mondo per una serie di orribili pellicole, soprattutto action avventurose. Alcune di queste, come nel caso del nostro Demoni 3 o di Caccia allo scorpione d’oro, entrambe del 1991, Lenzi le aveva prodotte, a zero budget, con una sua società, quindi parlarne male sarebbe stato sicuramente controproducente.
Inutile poi dirlo, lo sanno anche i sassi ormai, ma ribadiamo l’ovvio: Demoni 3 non è il secondo seguito del meraviglioso Demoni di Bava e Argento, ma un’opera che solo in Italia, nella sua uscita quasi subliminale in vhs per la Center video, si appropriava, alla cazzum, di un titolo che non sarebbe mai stato girato per davvero. Mentre Demoni 3, il vero, aveva preso la forma, diversissima e autorialmente soaviana, de La chiesa, il furbesco mercato home video cercava, grazie ai Black Demons di Lenzi, di accaparrare qualche gonzo per un noleggio. Erano gli stessi che affittavano tutti esaltati il Terminator 2 di Mattei per poi tornare incazzati in videoteca con la rabbia del truffato che non sapeva di esserlo stato.
Ormai era da tempo che il cinema di Lenzi aveva perso non solo la dignità, ma anche la capacità di essere un grandioso, rozzo e spettacolare divertimento popolare come ai tempi, non lontanissimi, di Incubo sulla città contaminata, di Cannibal Ferox o de La casa 3 (Ghosthouse). Il canto del cigno per il regista era stato il meraviglioso (e sfortunato) Hitcher in the dark (Hitcher 2- Paura nel buio) del 1989, ma, prima e dopo, c’erano state solo pellicole misere, miserabili e di rara brutta fattura come il Cop target con Robert Ginty e Charles Napier, o Le porte dell’inferno, sorta di brutto epigono dei resuscitati ciechi spagnoli. Lenzi e il suo cinema erano diventati all’improvviso sciatti e senza nerbo, uno spettacolo umiliante sia per il regista che, soprattutto, per gli incauti spettatori.
Demoni 3 è scritto male, girato peggio e interpretato da cagnacci che si agitano tutto il tempo, un vero incubo su pellicola.
Difficile davvero salvare qualcosa, non i dialoghi che fanno pronunciare ai protagonisti almeno 100 volte la parola “negro”, non la tensione che non esiste e neppure gli effetti speciali, ai limiti dell’amatoriale.
Anche la tanto declamata “macumba ripresa dal vero”, se davvero originale, ma dubitiamo, manca di pathos e di palpabile orrore esotico come invece si percepiva, per assurdo, nei porno horror caraibici di Joe D’Amato.
Lenzi sembra sperduto in un film che non sa come andare avanti e che plagia fin troppo Zombi 2 anche nella riproposta di un finale risolto a colpi di molotov. Il modello Fulci poi è palese negli omicidi con gli occhi che schizzano dalle orbite come succedeva, in meglio ovviamente, con la meravigliosa Olga Karlatos nella pellicola del 1979.
Per il resto Demoni 3 è anche noiosissimo, con un body count di appena 3 persone e l’idea, sciagurata, di una tensione che ricorda tanto i cartoni animati Hanna e Barbera di Scooby Doo con gli zombi che stanno per accoltellare qualcuno alle spalle, silenziosi come ninja, poi al minimo rumore si nascondono, dove ovviamente non si sa. Una sequenza questa, ripetuta più volte, e che, più che accendere la paura, fa nascere un sorrisino spontaneo, la morte per ogni horror.
In più, come tutti i film scemi, i protagonisti, in pieno assedio dei morti viventi incazzati, perdono il tempo a battibeccare tranquilli con dialoghi dementi, a dividersi in una casa che da tre stanze ora sembra un castello, e ad urlare senza motivo al nulla mentre, probabilissimo, gli zombi saranno andati a giocare a briscola.
Lenzi, in complicità con la moglie Olga Pehar, però ci insegna che il Brasile è un posto orribile, nel quale i camerieri vengono pagati per un mese di lavoro 500 cruzeiros, sulle 300000 lire vecchie, tanto quanto una bottiglia di vino pregiato, e, oltre ad essere chiamati “negri”, vengono sfottuti, presi a calci in culo e umiliati anche da quelli che dovrebbero essere, sulla carta, i protagonisti, i buoni. Il livello di razzismo in un film non toccava probabilmente punte così alte dai tempi del Ku Klux Klan.
Si salva il make up degli zombi, minimale ma efficace, e alcune sequenze che, prese a parte, sono potenti come l’evocazione dei morti viventi in un cimitero che prende fuoco. Anche la fotografia di Maurizio Dell’Orco con i colori saturi di un Brasile caldo e umidiccio non è male, mentre le musiche di Franco Micalizzi sono un plagio vergognoso di quelle composte per le case apocrife da Carlo Maria Cordio. In quest’aria di cialtroneria dilagante ci si mette anche la copertina, bellissima comunque, che presenta 7 zombi quando in scena ce ne sono solo sei.
Gli attori, come già detto, sono uno peggio dell’altro, antipatici per di più. Peccato perché altrove, almeno Joe Balogh, in Paura nel buio sempre di Lenzi e nel bellissimo (s)cult Monstruosity di Andy Milligan, si era rivelato un attore tutto sommato capace ed efficace, ma qui, come tutti, sembra sotto l’effetto devastante del valium in una recitazione sempre sottotono e apatica.
Scooby Doo
Non ci sono neanche le tette di rito che avrebbero alzato l’asticella almeno della serie B più cafona. C’è da dire che i 6 “negri” viventi, per dirla alla Lenzi, fanno una certa impressione quando entrano in scena, con le catene ancora ai piedi, armati con oggetti comuni che diventano nelle loro mani strumenti di morte violenta. Peccato che poi, alla fine, anche quest’idea di zombi, un po’ diversificata dai mostri cannibali alla Romero e Fulci, non viene mai sviluppata con convinzione.
Demoni 3 è uno di quei film che nascono e, per fortuna, muoiono in vhs senza possibilità di lasciare un ricordo alle future generazioni. Il (bel) cinema italiano del terrore non è di certo qui di casa.
Andrea Lanza
Demoni 3 (Black Demons)
Anno: 1991
Regia: Umberto Lenzi
Interpreti: Keith Van Hoven, Joe Balogh, Sonia Curtis, Philip Murray, Juliana Teixeira, Maria Alves, Cléa Simões, Justo Silva, Rita Monteiro
Un giovane viene brutalmente ucciso davanti al suo condominio, circondato da testimoni che non fanno nulla per aiutarlo. Un anno dopo, il terrore colpisce ancora una volta il complesso di appartamenti. Il Druido, una spaventosa figura incappucciata, semina la sua orribile scia di sangue.
Il genere slasher è, forse più di ogni altro, adattabile ai canoni seriali della tv: mattanze da scandire ogni puntata e colpo di scena wow, inaspettato, all’ultima. Questo devono averlo capito le alte sfere delle televisioni quando, da un brand morto come Scream, decisero di farne una serie, fallendo su tutti i fronti. Se le 4 pellicole di Wes Craven, pur con alti e bassi, funzionavano sia come thriller puri che come giochi intellettuale alla Nightmare nuovo incubo, la versione MTV, ad uso e consumo del popolo imbecille di ragazzini, invece si era rivelata, nelle sue due stagioni, un guazzabuglio inverecondo di cultura miserabile pop in salsa Scooby Doo. Senza dimenticare l’affronto del violentare qualcosa di così iconico nella mente degli spettatori, come l’aspetto del killer, sostituendo la maschera da urlo di Munch con un’analoga maschera, più brutta, anonima e sticazzi se usata davvero negli ospedali per le riabilitazioni dopo le operazioni facciali. Il disastro poi si completava con l’ammorbamento del sesso e la castrazione della violenza, né più né meno della versione thriller de I ragazzi del muretto.
Slasher arriva invece nel 2016, è una produzione canadese, e dopo la prima stagione, dal sottotitolo L’esecutore, suscita l’interesse di Netflix che decide di distribuirla in diversi paesi con il suo marchio. La serie è incredibile ed è tutto quello che ogni fan del cinema slasher, appunto, ha sempre desiderato vedere: omicidi sanguinosissimi senza nulla lasciare alla fantasia, un serial killer con una maschera accattivante e un ritmo abbastanza indiavolato. Tutto quello che lo Scream di MTV non era e non sarebbe mai potuto essere, un trionfo da parte del Paese dei castori, dell’acero e del lacrosse sull’impero a stelle e strisce dei blockbuster.
Il primo fighissimo killer, l’esecutore
Certo Slasher aveva dei difetti, il maggiore una certa ripetitività della messa in scena a causa di una storia non molto interessante e che viveva, come un film pornografico, soprattutto dei suoi eccessi. Però tirando le somme era comunque divertente ed era una gioia sadica vedere cadere un gruppo di scemi mai così scemi sotto le diavolerie inventate dal mascherato assassino in un tripudio, alla Herschell Gordon Lewis, di sangue a litri, arti che volavano e budella in bella vista, l’equivalente cattivo dei cartoni Warner di Willy il coyote.
Il triste killer del 2
La seconda serie, Colpevoli, cercava di aggiustare il tiro della trama senza preoccuparsi però del creare un’efficace maschera per il suo killer: stavolta uno sciatore assassino con il volto coperto da occhialoni e sciarpa, nulla di inventivo o capace di essere ricordato. Diversa cosa era stata per l’esecutore, mascherato con un cappuccio da boia, terrorizzante e malvagio come pochi altri villain. Per il resto la formula era la stessa: omicidi splatterosissimi, divertimento cattivo, ma anche qui una trama non proprio memorabile anche se più articolata.
Arriviamo quindi alla terza stagione, Solstizio, sbarcata su Netflix due giorni fa, il 23 Maggio, nei suoi canonici 8 episodi e firmata, come tradizione della serie, come fosse un film, da un solo regista, Adam MacDonald, autore degli interessanti Pyewacket e Backcountry. Le altre due serie portavano invece, in ordine, la firma di Craig David Wallace e Felipe Rodriguez, due autori soprattutto votati alla televisione. L’arrivo di un regista “cinematografico” come MacDonald si fa subito sentire grazie ad una regia più virtuosistica con inquadrature azzardate fin dal primissimo omicidio dove la mdp si inclina e viene alternata da riprese verticali di cellulari. Per il resto la serie non delude i fan con la solita festa rosso sangue di omicidi scatenati ai danni di minus habens sempre più antipatici.
La maschera del serial killer stavolta si rifà a quelle analoghe, dotate di neon, viste nel terzo capitolo della saga di The Purge, meno incisiva rispetto all’esecutore della prima ma sicuramente più accattivante di quella della seconda. Le armi usate per i vari delitti poi sono particolarmente originali: si passa da comuni armi bianche a meno usuali tubi di plastica spinti a forza nella bocca dei malcapitati e riempiti di acqua bollente. In Slasher 3 il tasso di violenza, se è possibile, aumenta, e nella prima puntata ci si diverte a veder massacrare ben due personaggi a colpi d’ascia e acido. Solo che questa escalation di morte subisce un arresto negli episodi successivi, dove il druido omicida uccide solo una vittima a puntata creando così una certa noia, la solita del telefilm, in trame inutilmente allungate e ben poco accattivanti. Come in un porno, l’interesse, a volte ricercato attraverso l’abuso di fastfoward, è solo nell’amplesso, anche qui dialoghi non proprio brillanti e rapporti umani mal costruiti sono subordinati ad orgasmi di morte, vibranti ed eiaculatori come soddisfacenti cum shot d’emoglobina.
La trama resta quindi il peggior nemico di Slasher, più dei suoi attori quasi cagneschi, con una storia che, spogliata della sua violenza, diventa solo banale, prevedibile e a tratti cretina. Molte motivazioni del killer restano nell’ombra o non convincenti così anche pretestuoso ai fini della narrazione è la figura del druido, mai realmente spiegata neppure nell’epilogo. Certo ci sono cose molto buone, come il background della protagonista mussulmana o l’idea di mettere insieme un gruppo di mostri come vittime, dalla zoccoletta adolescente stile Scream Queens alla youtuber/influencer senza cuore. Questo ecosistema di brutte persone, manipolatrici, egoiste, terrorizzate come in un incubo leghista dal diverso, in questo caso una coppia di lesbiche con figli, fa parteggiare più col killer che con le vittime. Ci si concentra ad umanizzare un solo personaggio, Amy Chao, interpretata dall’orientale Rosie Simon, una tester di videogames con più di un problema emotivo che sfocia nell’assessualità. La vediamo mentre copula con il fidanzato, l’antipatico Xander Lemmon, talmente interessata all’amplesso da indossare un casco della realtà virtuale caricato su un gioco di zombi. Il segmento dedicata a lei, 15:00-18:00, è il migliore forse del lotto, almeno a livello narrativo, e ci si illude che Slasher 3 abbia preso a modello Lost e gli episodi monografici sui singolo personaggi guadagnando in quell’empatia impossibile da provare finora. Purtroppo è una mera illusione e la serie riprende presto il suo schema di noia e sangue ai danni di Barbie e Big Jim senza nessun background di plausibile vita passata.
Sviluppato in un arco temporale di 24 ore, ogni puntata copre circa 3 ore del giorno del Solstizio, anniversario del primo omicidio del druido, la serie è, come le precedenti, un divertimento spensierato che poteva essere un capolavoro su piccolo schermo ma che riesce ad essere solo discreto. Naturalmente chi si accontenta gode, ma la rabbia di avere tanto buon materiale, comparse illustri come il Bill Moseley di tanti horror cult e i grandiosi effetti speciali di Mark Wotton, lo stesso di Jason X di Isaac e X-men di Singer, è tanta.
Potremmo sperare in un più accorto Slasher 4, ma si sa gli errori sono difficili da non ripetere.
Andrea Lanza
Slasher: Solstizio
Creatore: Aaron Martin
Anno: 2019
Regia: Adam MacDonald
Interpreti: Salvatore Antonio, Baraka Rahmani, Saad Siddiqui, Aidan Chase, Paniz Zade, Mika Amonsen, Isaac Pilozo, Robert Cormier, Genevieve DeGraves, Ilan Muallem, Emma Ho, Lisa Berry, Paula Brancati, Dean McDermott, Erin Karpluk, Paulino Nunes, Joanne Vannicola, Mercedes Morris, Gabriel Darku
Madhouse fa parte di quegli slasher che non si sa perché non sono mai usciti in Italia. Eppure, all’epoca, la pubblicità nostrana avrebbe potuto puntare la sua campagna con titoloni alla Cannibal Holocaust come “L’horror che non vi vogliono fare vedere!” o “Così shockante da essere vietato“, visto che in Inghilterra questa pellicola era stata inserita nei video nasties ovvero quei titoli troppo violenti e disturbanti per essere proiettati nelle sale britanniche.
Invece nulla: nel 1981, anno di Madhouse, abbiamo fatto la figura dei fessacchiotti non distribuendo non solo questo film, ma anche opere notevoli come The Burning di Tony Maylam, Final Exam di Jimmy Huston, Nightmare in a Damaged Brain di Romano Scavolini e naturalmente lo slasher degli slasher, sua maestà Hell Night.
A girare questo feroce slasher è Ovidio Assonitis, produttore tra i più difficili esistenti sul Pianeta Terra, noto per aver diretto più film di quelli effettivi. Infatti era sua consuetudine che, se un regista si dimostrava lento o incapace, lui lo licenziava e finiva il lavoro da solo. Era successo con James Cameron sul set di Piranha Paura (“troppo inesperto e bisognoso di appoggio“), ma la lista è lunghissima, piena di autori rivelatisi meno bravi del previsto. Per lui ovviamente.
Come regista il suo capolavoro è il mefistofelico Chi sei? del 1974, ma è indubbio che il nostro avesse sempre e comunque un occhio particolare nel girare gli horror anche quando erano cose molto brutte come The train del 1989, sulla carta di Jeff Kwintny ma in realtà suo o per lo meno da lui ultimato.
Il cinema di Assonitis è un cinema ambizioso, italiano soltanto nella produzione, ma assolutamente americano nella concezione spettacolare, fatta di cast altisonanti scippati dagli ospizi di Hollywood. Come non ricordare, come summa di questo concetto, il terribile Tentacoli, una velleitaria imitazione de Lo squalo che vantava però interpreti al pari di John Huston, Shelley Winters, Bo Hopkins e Henry Fonda?
Madhouse è, tra i film diretti da Assonitis, uno dei meno sfarzosi, un onesto B movie slasher con un cast semisconosciuto. Lo stesso regista non ne parlava poi così bene. “Si è trattata di una sbrigativa operazione commerciale che ho diretto per la Warner Bros con un budget attorno ai due milioni di dollari. Era un film destinato, oltre al mercato cinematografico, a quello home video e, tutto sommato, ebbe degli incassi discreti” come dichiarò sull’indispensabile tomone di interviste Spaghetti nightmares di Luca M. Palmerini e Gaetano Mistretta.
Madhouse non è un brutto film, solo un film che sarebbe potuto uscire meglio, diviso tra scene ottime ed altre, non solo narrativamente ma anche registicamente, sciatte.
Come slasher è prevedibile: l’assassino lo si scopre quasi subito senza fatica, cosa che per un thriller è la morte assoluta. Se alcuni momenti ti fanno però pensare ad un’opera elegante (l’arrivo della protagonista all’ospedale con un palpabile atmosfera di terrore, un po’ alla Suspiria), altri cadono in eccessive lungaggini. In più è incredibile come la sceneggiatura sia a tratti scadente soprattutto quando, per creare tensione, si inventa escamotage narrativi insensati. Chi sarebbe quel fesso che, avendo la possibilità di scappare da un killer, barricandosi in casa, decide di nascondersi in un altro appartamento, aperto e senza possibilità di essere chiuso? Vale l’immortale regola craveniana di Scream e delle scelte stupide prese negli horror.
Un peccato perché l’idea di un assassino che uccide non solo a colpi di coltello ma soprattutto grazie ad un ferocissimo cagnaccio era di quelle potenti, quelle che fanno la differenza quando, con gli occhi allampanati, racconti il film ai tuoi amici del liceo che pendono increduli ora dalle tue labbra, manco stessi raccontando di una scopata alla God of war. Però anche qui le potenzialità da cinema estremo non vengono sviluppate del tutto: basti pensare alla morte del bambino al parco, momento solo intuito senza essere messo in scena. Una scelta del genere te l’aspetti da un qualsiasi film, non da uno slasher che ha la fama di video nasty, quello che è l’equivalente del pornazzo che guardi con una mano sul joystick nella speranza di non essere beccato dai tuoi.
Sul versante gore ci siamo però: quando il cagnaccio si scatena è un piacere, con il sangue scorre, le gole recise e gli omicidi di una certa presa spettacolare. Certo gli effetti sono quel che sono ed è chiaro, nella scena più estrema, la trapanazione del cranio dell’animale, che siamo davanti ad un pupazzone fatto anche malino. Questo non inficia l’opera ma sicuramente fa crollare la tensione a favore della risata involontaria.
Così come è improponibile, se non si è in una parodia, l’assurda morte di Morgan Most, l’amica della protagonista, che, prima di essere massacrata, inciampa al rallenti almeno tremila volte, sbaglia strada e rimane pure impigliata comicamente con la camicia. Se non fossimo in un horror serio potremmo pensare di essere davanti ad una sequenza di Wacko, uno slasher comico degli anni 80.
Il punto forte dell’opera è sicuramente la performance della protagonista, Patricia Mickey, qui celata sotto il nom de plume di Trish Everly, attrice di cose risibili, per lo più televisive, ma qui ottima, espressiva e convincente. Il resto del cast invece è tra il mediocre e il pessimo con la punta massima nell’atroce interpretazione gigionesca di Dennis Robertson, nei panni dello zio prete.
In fin dei conti Madhouse, conosciuto anche come There Was a Little Girl, si lascia guardare soprattutto per curiosità, ma è una grande occasione sprecata e uno dei titoli più trascurabili di Assonitis, con l’aggravante di un finale che clona l’analogo di Compleanno di sangue, festa e cadaveri compresi. Certo entrambi i film sono dello stesso anno, ma il paragone tra i due è infelice: forse più banale nell’assunto, lo slasher di Jack Lee Thompson risulta più divertente e meglio confezionato.
Un peccato perché come assassina, o probabile tale, Mary Sullivan, faccia sfigurata, risata divertita mentre pugnala le persone e fedele cagnaccio assassino al suo fianco, era davvero efficace.
Andrea Lanza
Madhouse
Titolo originale: There Was a Little Girl (Aka: “And When She Was Bad”; “Flesh and the Beast”; “Scared to Death”)
Anno: 1981
Regia: Ovidio G. Assonitis
Interpreti: Trish Everly, Michael MacRae, Dennis Robertson, Morgan Hart, Allison Biggers, Edith Ivey, Richard Baker, Don Devendorf, Jerry Fujikawa, Doug Dillingham, Joe Camp, Janie Baker, Huxsie Scott
Da vent’anni una casa è abbandonata (ha una fama spaventosa: vari delitti sono stati consumati fra le sue pareti). Ed è proprio lì che un gruppo di ragazze decide di dare la festa annuale degli studenti. Data la nomea della casa, hanno promesso un vero “party della morte”. Ma se ne pentiranno.
Sono da sempre un grande fan degli slasher, soprattutto di quelli anni 80, tutti ragazze seminude e sangue versato da improbabili emuli di Michael Myers. Tra i miei preferiti ci sono senza dubbio, senza scomodare l’inflazionata saga di Jason, il feroce Rosemary’s Killer di Joseph Zito e il cultissimo Hell Night con la meravigliosa Linda Blair.
Lo slasher è un sottogenere semplice ed economico: prendi un gruppo di ragazzotti, li filmi mentre bevono, fumano e a scopano come ricci, poi ti inventi una maschera stramba, la fai indossare ad un killer, e via con la mattanza. Più facile di così? In più la sceneggiatura può essere anche improvvisata, ma quello che non deve mancare, e che rende divertente il tutto, è soprattutto la varietà di omicidi e l’alto tasso di emoglobina.
Questa cosa non dev’essere stata molto chiara alla MGM che, al momento distribuire Killer party, decise di tagliare tutte le scene più sanguinose, inficiando il senso narrativo dell’opera. In parole povere: ora, nel cut vulgato al popolo, non si capisce nulla!
Scena tagliata
Quindi una merda, penserete voi, giustamente. Invece per strane alchimie che solo la serie B possiede, il film è uno spasso, una cosa che la guardi e ti sorprende, ti cade la mascella e, tra un “Ma che cazzo!” di rito, capisci di essere in un luna park del terrore, con quei ribaltoni incredibili di plot che non ci credi ma accadono.
Scena tagliata
Per tre quarti il film è un blando slasher con due morti in croce (una donna presa a martellate e un professore fulminato con la corrente elettrica), oltretutto, per le maglie della censura, tutto fuori campo come in un mondo alla Black Mirror dominato dal MOIGE. Quando però si arriva all’ultima mezz’ora succede l’inaspettato: regista, sceneggiatore e attori giureresti che si sono fatti di droghe pesanti!
Lo slasher, se non ha derive soprannaturali, alla fine è un giallo più hardcore dove sotto la maschera c’è un picchiatello che uccide per le ragioni più varie. In Killer Party questo non succede: ad un certo punto, a tipo trenta minuti dalla fine del film, arriva un omicida vestito da palombaro e comincia in pochi minuti ad uccidere tutto il cast in maniera fantasiosa (chi con un tridente, chi soffocato in una vasca, chi impalato mentre è seduto su una griglia, che poi cazzo ci fa tra l’altro una griglia in una casa?). “Wow!” direte voi, solo che ad un certo punto il palombaro sparisce, nessuno ne parla più e, colpo di scena, la protagonista si trasforma in una sorta di Regan dell’Esorcista con voce gutturale, bava alla bocca, che cammina sul soffitto mentre, meschina e maledetta, ride da sola con la lingua serpentesca.
Killer party è quello slasher anarchico che fa come cazzo vuole, ride delle regole rigide del genere e si permette persino di atteggiarsi alla Alfred Hitchcock trasfigurando la figura della virginea eroina, prima facendola accoppiare con un ragazzo poi tramutandola lei, la figura cardine di ogni slasher, nel mostro, nella bestia sanguinaria, in una maledetta puttana sputata dall’inferno.
Certo la MGM con i suoi tagli ha incasinato il tutto ed è probabile che proprio questi abbiano reso impossibile da comprendere l’intreccio della vicenda. In più nel film regna una confusione incredibile a cominciare dagli abiti dei protagonisti: durante la prima parte siamo, cappotti che lo testimoniano, in autunno, anche quando tutti si stanno preparando per lo scherzo del Pesce d’Aprile.
Su questo horror poi c’è la leggenda, confermata da imdb, che Killer Party fu iniziato nel 1978, si interruppe per motivi di budget, per poi essere ripreso nel 1986. Su un sito internet dedicato interamente alla pellicola questo viene smentito da un’intervista ad una delle attrici protagoniste, Elaine Wilkes, che afferma che il film fu girato senza pause, a metà degli anni 80, con l’unico problema dei cambi incredibili della sceneggiatura. Sembra infatti che una delle ragazze che arriva ai titoli di coda, Sherry Willis-Burch, si sorprese perché la sua Vivia sarebbe dovuta morire all’inizio!
A girare l’opera, con mano sicura, è il William Fruet di alcuni B movie efficaci: suo infatti l’incredibile Spasms con Oliver Reed contro Peter Fonda e un serpentone assassino, ma anche il divertente Il mio scopo è la vendetta con un reduce dal Vietnam che si bomba la Tisa Farrow di Zombi 2 e combatte un cinese killer esperto di kung fu. Robe da cestone da supermercato, senza dubbio, ma girate bene, dannatamente bene.
Colpevole invece del delirio narrativo è Barney Cohen che due anni prima però diede alla luce uno dei copioni su Jason Vorhees più belli di sempre, il capitolo finale, diretto dal sempre mai troppo apprezzato Joseph Zito.
Il cast fa la sua porca figura e abbiamo tutti interpreti efficaci e mai stranamente impacciati anche nell’interpretare un horror da cassetta. Nel cast poi spicca il grandissimo Paul Bartel, regista di cult come Cannonball, Anno 2000 – La corsa della morte e soprattutto Bambole e sangue, nella sua lunga carriera di attore/comparsa divertita (ben 91 ruoli su 14 regie).
La già citata Elaine Wilkes, già conosciuta per ruoli in commedie romantiche come Sixteen Candles – Un compleanno da ricordare di John Hughes e Who’s That Girl di James Foley accanto a Madonna, abbandonò la carriera di attrice nel 1989. Si riciclò come esperta naturologa con libri di grande successo tra le masse come I messaggi segreti della natura, un tomone di 340 pagine arrivato anche da noi. Ma non ha mai rinnegato il suo passato di attrice, cosa che le rende sicuramente onore.
La palma d’oro però di miglior interprete però spetta ad Alice Fleer che riesce ad incutere un certo disagio nel suo passaggio da vittima sacrificale a demonio incazzato, una roba che è seconda solo a Linda Blair in L’esorcista.
Per il resto Killer Party è un’opera sicuramente stramba ma tremendamente divertente che vive lo stato di grazia anche di una magnifica colonna sonora orecchiabilissima anni 80. D’altronde come non volere bene ad un film che presenta ben due intro finti, prima di Wes Craven e Scream 4, dei quali uno è un vivace videoclip dei White Sister, You’re No Fool, con degli zombi assassini che ballano con una ragazza sulla falsariga di Thriller di Landis. Giuro succede anche questo e non solo questo perché ci saranno, durante la visione del film, tante cose che metteranno a dura prova la vostra incredulità come una sequenza dove dei simpatici buontemponi liberano delle api per vedere scappare nude delle ragazze. Gli stessi poi si vestiranno da aponi giganti per essere giustamente uccisi dal palombaro killer che forse passava solo di lì solo per caso.
Girato in Canada con il titolo di lavorazione di April Fool’s Day, come il precedente Jolly Killer di George Dugdale, dovette cedere il titolo all’omonima pellicola di Fred Walton, Pesce d’aprile. Del trietto dei film nati con lo stesso nome però questo è sicuramente quello che preferisco.
Da noi è uscito prima in vhs MGM poi in undvd Quadrifoglio dall’audio italiano ridondante ma dal video perfetto in widescreen. Purtroppo Killer party non ha mai avuto la fama che si meritava: un po’ un cane rognoso che a prima vista non accarezzeresti mai, ma che se impari a conoscerlo ti conquista. Noi gli vogliamo bene.
Andrea Lanza
Killer Party
Anno: 1986
Regia: William Fruet
Interpreti: Martin Hewitt, Ralph Seymour, Elaine Wilkes, Paul Bartel, Sherry Willis-Burch, Alicia Fleer, Woody Brown, Joanna Johnson, Terri Hawkes, Deborah Hancock, Laura Sherman, Jeff Pustil, Pam Hyatt, Howard Busgang, Jason Warren
Gli anni 80 sono stati un periodo di estrema creatività per il cinema fantastico italiano, una decade che ha visto in poco tempo l’ascesa e la caduta di maestri del genere, dai Fulci e Argento migliori e quelli più sbirulini, poi i grandi Mattei che coincidevano nel miserabile, i Lamberto Bava pre Melevisione, senza dimenticare i Lenzi e le tette di Zora Kerowa, e quei nomi che nessuno cita mai come Marcello Avallone e l’immenso Maya.
Il mitico Aristide
Aristide Massaccesi ha girato nella sua carriera milioni di film, stando a imdb ben 197, ma contando le regie non accreditate, quelle incerte come il dubbioso Jailbird Rock del 1988, la lista sicuramente lievita. Il più delle volte dalla critica più nobile viene ricordato solo come un prolifico artigiano, a volte un eccellente direttore della fotografia, di certo non un bravo regista e questo è sbagliato. Non che i suoi film, la maggior parte, non fossero tirati via, con errori, più che di inefficienza, di mancanza di tempo, di frettolosità, una cosa giustificabile quando, come nel 1980, devi portare a casa 8 film. Quello che però differenziava il cinema di Massaccesi era soprattutto la potenza delle immagini, l’anarchia preponderante di un cinema più di pancia che di cervello. Quando mettevi la vhs di un suo film sapevi che sarebbe stato come andare alla trattoria sotto casa, soddisfatto e panciuto alla faccia di Sadler 5 stelle michelin.
Chi lo sa se questo dance movie sporcaccione è di Massaccesi
Massaccesi non era Bruno Mattei che di capolavori ne faceva per i motivi sbagliati, non era certo neanche Lucio Fulci che aveva invece l’aria snob di un cinema popolare alto, ma era senza dubbio bravo. Forse col tempo si era rotto, forse alla fine prevale solo lo stile quando un giorno giri uno sbudellamento e lo stesso giorno un pompino in un altro set, ma nella sua carriera c’era almeno un grande film, elegante, sinuoso, complesso, La morte ha sorriso all’assassino, una ghost story che anticipava Storie di fantasmi di Irving assomigliandogli più del libro omonimo di Straub. Coincidenze sicuramente, allo stesso modo de I guerrieri dell’anno 2072 con L’implacabile di Paul Michael Glaser, certo, ma sono quelle coincidenze che ci fanno sognare che Dan O’ Bannon vedendo Terrore nello spazio abbiano pensato ad Alien. Plausibile ma anche no.
Il suo capolavoro, La morte ha sorriso all’assassino
La morte ha sorriso all’assassino, un insuccesso commerciale purtroppo, è stato l’unico film firmato Aristide Massaccesi. Dopo, il suo nome si è annullato in tanti pseudonimi diversificati per genere: dalla morte di Aristide Massaccesi regista sono nati, come nello Split di M. Night Shyamalan, molti altri Massaccesi registi. Così abbiamo avuto Joe D’amato per l’horror e il porno, David Hills soprattutto per i film fantastici, poi i vari Peter Newton, Michael Wotruba, Alexandre Borsky e persino dell’orientale Robert Yip per le zozzerie cinoromane. Ognuno di questi nome de plume però portava solo e sempre a lui, Aristide Massaccesi, l’uomo che pirandellianamente indossava così tante maschere da poter vantare di non girare nessun film facendone però anche 10 alla volta.
Conan dei poracci
Ho conosciuto Massaccesi attraverso le pagine di Nocturno quando ero ancora un ragazzo e mai avrei pensato che un giorno avrei scritto anch’io per quella rivista che, con la defunta Amarcord, aveva plasmato il cinefilo che sono. Su Nocturno scoprivo un sottomondo incredibile, film così folli da non essere per forza mai girati, come Sbirulino, che però, lovecraftianamente, invece erano esistiti, anche se rari e introvabili. E se qualcosa di Joe D’amatob porno e, nella mia versione AVO FILM, non lo era, ora invece riscoprivo non un singolo film, ma una vera poetica cinematografica, eccessiva e affascinante, anche nei tanti capitomboli.
Oltre Kim Basinger
Massaccesi più di un Fabrizio De Angelis con Il ragazzo dal kimono d’oro faceva un cinema, soprattutto negli anni 80, di contrabbando: per esempio i suoi Eleven night eleven days erano il 9 settimane e mezzo meno patinato e più carnale, con una Jessica Moore/Luciana Ottaviani non bella come Kim Basinger ma di certo più accessibile nell’idea, già qui decantata, di cinema trattoria.
Se La morte ha sorriso all’assassino, come detto, era stato un flop, lo stesso non fu però con Buio Omega, remake di un vecchio thriller con Franco Nero, che lanciò il nome di Joe D’Amato nell’olimpo dei miti horror. Echi a Psycho, un erotismo con toni di necrofilia esasperata, scene trucidissime come le unghie strappate a forza ad una sventurata e le musiche potentissime dei Goblin contribuivano al successo di un film disturbante come pochi nel cinema italiano, terribile e necessario per il nostro orgoglio patriottico di ragazzacci ghiotti di budello e carnazza.
Dio benedica Genova
Non male neanche Antropophagus con la scena cult del feto divorato dal cannibale o Rosso Sangue, firmato però come Peter Newton, che decodificava l’Halloween di Carpenter in una chiave di violenza hardcore. Poi però Aristide si focalizzò in altri generi, i Conan dei poveri, la fantascienza dei Mad Max straccioni, gli erotici e soprattutto i porno che a fine anni 90 lo impegnarono per la maggiore, con film girati questa volta male e distrattamente, divertenti solo per la varietà delle parodie sexy, da Robin Hood a il poco pasolianiano Le 120 giornate di Sodoma. Si percepisce come al regista non fregasse più nulla di quello che stava facendo, perciò, quando girò nel 1991 questo horror, dovette essere per lui la boccata di aria fresca, l’occasione per tornare a fare qualcosa che amava.
Freddy Krueger, un mostro generico,Dracula e la creatura di Frankenstein
Frankenstein 2000, poi reintitolato Ritorno dalla morte, fu presentato in un Fantafestival di inizio anni 90 ma non fu accolto molto positivamente dal pubblico, anzi sembra che gli spettatori accompagnarono la proiezione proprio con fischi e risate. Eppure Massaccesi aveva ambizioni, a cominciare dal titolo originale che echeggiava il capolavoro letterario di Mary Shelley, ma come spesso accade, per milioni di motivi, le aspirazioni non corrispondono alla resa finale.
In un’intervista a Nocturno il nostro dichiarava “Quello doveva essere un Frankenstein (infatti al Mifed lo pubblicizzammo come Frankenstein 2000), poi abbiamo avuto delle remore a chiamarlo così. Però c’erano moltissime citazioni dal romanzo di Mary Shelley che nessuno ha capito. E poi il protagonista, Donald O’ Brien, aveva dato una prova magistrale, anche se io l’avevo scelto un po’ egoisticamente. Mi spiego: lui è caduto in bagno, anni fa, battendo la testa e rimanendo paralizzato nella parte destra del corpo e quindi aveva questo modo innaturale di procedere claudicante e una mano rattrappita. Quando girammo in una discoteca, un ragazzo disse “Ammazza quanto è bravo ‘sto qui! Cammina proprio come Frankenstein!”. Invece poveraccio era proprio così”.
Ritorno dalla morte purtroppo, (mostro di) Frankenstein umano o no, è un brutto film, girato male e noioso. Non si riesce davvero a salvare nulla, a parte una splendida fotografia dai colori saturi (sempre il regista con lo pseudonimo di Frederico Slonisko) e le musiche suggestive di Piero Montanari.
Del Massaccesi elegante de La morte ha sorriso all’assassino non c’è traccia, ma neanche del Joe D’Amato gagliardissimo e trucido dei Buio Omega e Antropophagus: gli effetti speciali cruenti ci sono ma così fatti male da generare solo imbarazzo o risate. Questo è sicuramente tragico per un horror che ricerca l’atmosfera ed è invece solo lento, che si vorrebbe feroce e mette in scena teste di bambolotti poco somiglianti alla controparte umana, un po’ come i film miserabili di Andrea e Mario Bianchi presentati da Lucio Fulci. C’è da dire però che almeno una volta, nell’omicidio del medico legale, Massaccesi alza la testa girando una scena montata discretamente e dalla buona tensione, ma è un istante in un film di un’ora e 33, lento come il valzer delle palle di Fra Giulio.
La sceneggiatura, da un’idea di Michele Soavi, poi è il punto più basso di tutta l’opera, aggiustata malamente da un Antonio Tentori mai a suo agio nei panni di sceneggiatore, che prosegue per accumuli stupidi e insensati (i sogni di Georgia/Cinzia Monreale che non portano a nulla), fino al look del moderno mostro di Frankenstein, di un certo impatto visivo, suture alla testa come il classico Karloff, ma poi ci pensi e ti chiedi perché? Non ha senso che il medico legale gli abbia aperto il cranio e non il ventre nel fargli un’autopsia. Così abbiamo un Frankenstein poser, bello da vedere, inquietante nell’interpretazione non interpretazione di O’ Brien (che si muove uguale anche quando il suo personaggio è vivo però), ma che è forzatamente shelliniano ( o whaliniano) solo per un’idea originale probabilmente tradita da una riscrittura inetta.
Costumi di Laura Gemser
In più Massaccesi si autocastra quando dovrebbe magari calcare la mano come nella sequenza dello stupro della Monreale, casto e senza neanche il nudo di rito, che si vorrebbe rifare ad Arancia Meccanica, come le inquadrature di un poster vorrebbero fare intendere, ma poi il massimo della cattiveria è pestare un bambino con l’effetto audio di una sberla di Bud Spencer in Bomber senza gli Oliver Onions.
La Monreale poi è bellissima ovviamente come moltissime genovesi benedette dal mare e da Dio, ma recita da addormentata anche prima di cadere in un vero coma e citare il suo ruolo regio in Buio Omega che però diviene, in questo caso, una rilettura molesta e fastidiosamente autocelebrativa.
Il resto del cast, ad esclusione di un convincente Riccardo Acerbi, già visto come professore porcone di Aenigma di Fulci, è tra il dilettantesco e l’inappropriato con manzi da monta hardcore che si aggirano imbarazzati sul set. Anche un veterano come Maurice Poli, in quegli anni perso in produzioni italiane miserabili, si limita a strabuzzare gli occhi e pregare di uscire fuori scena il prima possibile.
Nazisti e Rio De Janeiro
Il film poi, pur avendo le “citazioni non capite di Mary Shelley” a detta di Massaccesi, ricorda più che altro il Patrick di Richard Franklin o il già citato Aenigma di Fulci con la vendetta di una persona in coma.
Qui oltretutto la nostra Cinzia Monreale si vendica di tutti, anche di chi non sapeva fosse coinvolto nella sua aggressione.
Il dvd Raro video poi è qualcosa che deprime ancor di più la visione con la scelta di inserire come pista la traccia inglese, recitata sembra da filippini che leggono male il copione, pieno di fuori sincroni col labiale e un accento improbabile e devastante. Così abbiamo frasi come “Help, iu a mosta!” o “Ai loviù” che ti lasciano addosso un senso di disagio e inadeguatezza incredibile.
effetti brutti
Da imdb si legge che i costumi sono curati dall’ex Emanuelle nera, Laura Gemser, ma gli attori sembrano tutti vestiti con il primo capo preso dall’armadio.
Frankenstein 2000, girato non come Joe D’Amato ma come David Hills, è il simbolo di un cinema morente che cercava a tutti i costi di resistere, ma rantolava, agonizzava, fino a cadere cadavere, puzzolente e maleodorante. Da lì a poco i giochi sarebbero finiti per tutti con il bellissimo Dellamorte Dellamore, spartiacque tra il cinema horror italico in pellicola e le produzioni digitali amatoriali. Neanche Massaccesi sarebbe stato più lo stesso: La Iena, girato nel 1997, è altrettanto orribile come lo sarà il Top Girl dello stesso anno o l’ultima opera del 1999, il semi porno I predatori delle antille. Il cinema hardcore, del quale Aristide era stato un pioniere, gli aveva tolto la scintilla artistica, un po’ come quei voyeur che, ossessionati da troppe visioni segaiole, si scoprono impotenti.
Andrea Lanza
Ritorno dalla morte – Frankenstein
Anno: 1991
Regia: David Hills (Aristide Massaccesi)
Interprete: Cinzia Monreale, Donald O’Brien, Robin Tazusky, Riccardo Acerbi, Dun Dustman, Mark Frank, Mark Quail, Maurice Poli, Valter Travor, Massimo Pittarello, Max Tazusky, John Wood, Robert Milton, Susan Baker, Emy Valentino
“In realtà volevo solo fare un film. Un giorno ero fuori casa e ho notato alcuni punti nel cortile dove non cresceva l’erba e mi sono chiesto il perché, poi qualcuno mi ha detto “Ehi, sai, forse succede perché è sepolto qualcosa sotto”. C’era questo mio amico che era un assistente di macchina e conosceva molto il mito e il misticismo indiani, mi ha parlato dei Toltechi che sono vissuti in America Centrale e nel Sud America, ed erano una tribù messicana che esisteva prima degli Aztechi. Mi raccontò di alcuni misticismi e di come [i Toltechi] si seppellivano, da soli, nei quattro angoli del mondo. Pensavo fosse bello, è un buon mito. Così sono andato a cercare un po’ di roba e ho scritto la sceneggiatura in quattro giorni“
(Phil Smoot, intervistato su La Maledizione del cannibale nel 1998)
Noi di Malastrana abbiamo un debole per i perdenti, le persone che sono arrivate per tutti alla fine di una vita, ma ancora lottano e non mollano, malgrado i pugni presi, malgrado nel round dopo ci sarà un pugile ancora più grosso e forte. I nostri perdenti hanno il viso di Mickey Rourke che urla al mondo di fottersi mentre confonde passione e carriera come i romantici di Jean Luc Godard, sono i barboni che guardano il mondo dal basso verso l’alto e tu non li vedi o non vuoi vederli forse per paura che un giorno capiterà anche a te quel giro di ruota sfortunato, sono i gay, le lesbiche, i negri che se non dici negro non ti senti abbastanza bianco, sono gli zombi che invadono Piazza Diaz in Acab per rendere giustizia ad una Genova rosso sangue, è l’urlo di Franco Nero in Vamos a matar companeros perché davvero una rivoluzione non la si vince con bastoni e rastrelli ma insieme forse sì. I nostri perdenti hanno la faccia delle vhs che si impolveravano nelle videoteche, quelle etichette come l’Antoniana che sapevi che producevano solo merda e nessuno noleggiava, forse neppure tu che leggi e che ora avresti voluto farlo, ma, amico mio, il mondo è fatto di scelte, tette o culo, carbonara ignorante o cinque stelle Michelin, Evil dead o Evil in the wood? Ovvio che in questo caso Sam Raimi vince facile, almeno qualitativamente, e tu ti dicevi che avresti noleggiato quel film puzzone dopo, la volta dopo, ma poi sei diventato grande, la ps1 ha fatto spazio alla ps2, i giornaletti porno si sono digitalizzati, poi da Yuppi Du sei diventato altro, i tramonti al mare, le sere d’estate, guardi ora Netflix e pensi alle bollette più che agli occhi di una ragazza, quella che un tempo, sui calci in culo, alle giostre, ti aveva fatto battere forte il cuore. Il tempo è impietoso e molti film si sono persi dal passaggio in alta definizione, ma alcune case come la Storm video o la Quadrifoglio, che poi magari sono la stessa azienda, hanno deciso di prendere quei brutti film e dare a questi perdenti una nuova possibilità di vita buttandoli nel mercato dei dvd con la stessa qualità miserabile dell’epoca. Più grindhouse di così credo non ci sia nulla.
La maledizione del cannibale è uno di questi soldati suicidi, uscito ai tempi per la Roxy video con una copertina indecifrabile che buttava splatter a cazzum e per la Paradise 90 con un’altra ancora più brutta, verde con un volto non meglio classificabile, una di quelle vhs che sembrava dirti “non comprarmi tanto faccio schifo fin dalla locandina“. E così, come detto, è stato, ma, come tutte le cose non viste, probabilmente ha generato un sottobosco di appassionati, coprofili golosi di nefandezze, che negli anni hanno venerato ciecamente questo oggetto del desiderio mai toccato, al pari delle tettone di Jenna Jameson che mai saranno sbattute sulla tua faccia da stallone di quartiere, purtroppo, ma è un mondo difficile, si sa.
Ora il dvd Quadrifoglio di La maledizione del cannibale ha distrutto probabilmente intere esistenze perché qualcuno in più l’ha sicuramente visto, recuperato in autogrill ad un euro, massì tanto che cazzo mai sarà, ma è, è, ripeto è, Cristo.
Ora, caro il mio esteta della merda in vhs, puoi deporre il tuo saio con scritto Dark Power, il titolo originale dell’opera, puoi smettere di pensare che hai perso un capolavoro, puoi spegnere l’audiocassetta che simula la connessione 56k nei rumori, bzzz bzzz, e collegarti al tuo fan club e dirlo, deglutisci prima però perché è la tua vita che dopo il dvd de La maledizione del cannibale è messa in discussione. Scrivilo, ti aiuto io: “Il film fa cagare“. Bravo e ora, come diceva Sharon Stone in Sliver, “Comincia a vivere“.
Mai una visione filmica è stata più sofferente che vedere questo horror di Phil Smoot, un’opera incredibile che rasenta il masochismo, un’esperienza pari al sovradosaggio di Valium mentre dei nani ti infilano spille nelle palle, dormi e ti svegli urlando, così per un’ora e 20 scarsa, sperando di stare sognando ma è il reale, cazzarola.
Da dove cominciare?
Beh il film si apre con una troupe televisiva che riprende un vecchio capo indiano che sta morendo e che, prima di spirare, urla “Toltech!“. Eh sì perché all’inizio una scritta ci ha avvertito che “molto prima che l’uomo bianco venisse in America, anche prima degli Aztechi, esistevano i Toltechi. Si diceva che molti di loro fossero stregoni e che si seppellissero nel terreno vivi! Hanno praticato questo demoniaco rituale su un’altura chiamata “Power spot”. E si nutrivano dei loro simili per sostenere la loro malvagità“. Oddio non sembra una cosa molto intelligente seppellirsi vivi, poi a che pro?, forse solo per ricordare a tutti, nel club dei cattivi, che si è non solo cattivi, ma proprio super cattivi, tipo il Superman dei gaglioffi. Già mi immagino la loggia massonica dei malvagi che si riunisce e vediamo Dracula, lo scienziato pazzo, l’uomo lupo, Jack lo squartatore che se la raccontano, “Oggi ho morsicato una vergine e, ih ih ih, le ho anche palpeggiato il culo” afferma il re dei vampiri, “Io ho rubato la pensione ad una vecchia” declama fiero Mr Licantropus, ma, una voce si fa spazio tra la folla, quello del Gran Maestro dei Toltechi “Io mi sono seppellito vivo” e ride da tenebroso furfante.
Suzie Martin bellissima
Anche la storia del cannibalismo, che viene sfoggiata con vanto fin dal titolo italico, non ha molto senso visto che vediamo una sola volta, nel finale, un tolteco sfilare una freccia dal cranio di una vittima e mangiarlo. Stop. Un po’ poco per essere la maledizione del cannibale quando oltretutto i mostri poi sono quattro non uno!
Aggiungo poi tra i miei dubbi anche il nome “Power spot” che non mi sembra proprio tolteco, ma io ho la mamma greca e che ne voglio sapere di dialetti atavici? Ma non solo perché fa riderissimo l’idea di un posto infestato da morti viventi indiani incazzati che si chiama Totem hill come, che so, comprare una casa in un paese che si chiama Witchville e poi lamentarsi che ci sono delle streghe pronte ad ucciderti.
Comunque i primi 45 minuti del film, dopo la morte del vecchio capo indiano, sono tra i più sconnessi dell’intera storia del cinema: scenette che mai si amalgamano tra di loro con sottofondo di musiche estranianti, più da western che da vero horror, senza dimenticare i dialoghi deliranti e non sense dei vari personaggi (“Fai palestra per rimorchiare Tom Selleck?“). Abbiamo poi un sacco di personaggi inutili, dalla giornalista (una che trova interessante filmare un vecchio che muore per un programma tv) ad un nipote avido del defunto, che appaiono e scompaiono senza nessun motivo apparente. Senza contare molte scenette a vuoto come quella di un operaio con problemi di flatulenza che si fa fregare il camioncino da un bambino. Non preoccupatevi se nel vedere il film vi sembrerà di avere perso un passaggio importante nella storia perché non è così: Dark power è montato e ideato alla cazzo di cane e in questo ha un coraggio sfrontato e invidiabile.
Lui ha il potere di scoreggiare
Prima però che La maledizione del cannibale ci presenti i veri protagonisti, una confraternita di studenti male assortiti che vanno dalla maniaca del fitness a due fratelli razzistissimi che dicono “negro” ogni tre per due e bullizzano una ragazza di colore, facciamo la conoscenza del Ranger Girard, interpretato dall’arzillo (quasi) settantenne Lash La Rue, attore famoso negli anni 40/50 per dei western di serie B di un certo culto. Si pensi che quattro di questi, Billy il mancino (Son of Billy the Kid, 1949), La frusta nera (Outlaw Country, 1949), Le pistole di Zorro (King of the Bullwhip, 1950) e Lo sceriffo dalla frusta d’acciaio (The Vanishing Outpost, 1951), uscirono pure in Italia.
Uno nato con la frusta
Prerogativa dei western di Lash La Rue era di sparare poco e usare molto la frusta, capacità che lo aveva portato ad esibirsi anche in parchi a tema western. L’attore, a fine anni 50, con quaranta e passa anni sul groppone, cominciava ad essere troppo vecchio per i ruoli da protagonista e la sua fama di eroe bizzarro ne risentiva così come gli ingaggi, per lo più in serial tv. Perciò nel 1972, dopo quasi dieci anni di inattività, accettò con entusiasmo il ruolo principale, o almeno così credeva lui, in un nuovo film che avrebbe dovuto rilanciare la sua carriera, Hard on the Trail diretto da Greg Corarito. Non fu così perché il film si rivelò una trappola per l’attore: il regista gli fece credere che si trattasse di un “western con alcuni nudi soft“, ma invece era un vero pornazzo con due set di attori differenti, quelli vestiti intenti a recitare la parte seria e quelli nudi a darci dentro con orge e amplessi poco velati. L’attore, noto sembra per la sua morigeratezza, si vergognò come un ladro e abbandonò le scene chiedendo più volte scusa nelle rare interviste. Questo finché, dopo una piccola parte in Chain Gang del 1984, non incontrò Phil Smooth che lo ingaggiò per due film, questo Dark Power e il folle e altrettanto scalcagnato Alien Outlaw, nei quali avrebbe semplicemente fatto Lash La Rue in un cortocircuito tra reale e fiction.
porno western
Qui, come detto, il suo personaggio si chiama Ranger Girard ma poco importa perché, fin dalla sua entrata, con la musica da western a glorificare le sue gesta, si capisce subito che è solo è semplicemente il vecchio Lash che sta prendendo qualcuno a scudisciate. Lo vediamo arrivare e punire un gruppo di cagnacci, poco feroci, che nella finzione dovrebbero essere invece un branco che vuole sbranare un bambino cicciotto e che invece sono semplici cucciolotti che ovviamente non sono mai in scena con l’attore. Poco importa perché è proprio lui a fare la differenza bizzarra in un film che non ha mai nulla da dire.
Al vecchio Lash poi spettano i dialoghi più bizzarri come le terribili allusioni sessuali sulla lunghezza della sua arma o le frasi ad effetto verso i toltechi assassini, “Ti faccio saltare il naso” o “Assaggia la mia frusta, figlio di puttana” che se non fossimo davanti ad un film miserabile sicuramente applaudiremmo. Non dimentichiamo poi che l’arma del ranger Girard è forgiata “con gli elementi presi dai 4 angoli del mondo“, qualsiasi cosa possa significare questo.
Arriviamo però ora ai mostri, questi stregoni che si sono seppelliti vivi: arrivano durante la seconda metà del film e non si capisce mai perché debbano uccidere questi sventurati ragazzi. Infatti non abbiamo un libro dei morti che li ha riportati in vita, una maledizione, nulla, sembra che escano fuori dal terreno, incazzati a morte, solo perché volevano dormire e sti giovinastri facevano casino. Il corrispettivo del vecchietto vicino di casa un po’ rompicoglioni.
Se la prima parte del film poi è, anche nella sua sciatteria, seria, la seconda invece tende alla parodia insistita con questi toltechi che si ubriacano, sbagliano a colpire le vittime e si feriscono tra di loro, fanno buffe mosse di karatè, una cosa che non può non ricordare il primo Peter Jackson, quello che nel 1987 girerà Bad Taste, soprattutto alla luce di una scena splatterosissima inserita improvvisamente. Ad un certo punto un ragazzo verrà atterrato e uno dei mostri gli dilaterà la pelle della faccia, strappandola, in un tripudio di sangue che culminerà nel cranio fracassato del giovane.
C’è da dire che il film, poverissimo (120000 dollari di budget), è molto buio, ma la scena, almeno questa, sembra realizzata bene, a differenza del make up dei toltechi, quattro scappati di casa con indosso una maschera da Halloween, presa probabilmente dal Moreno dove tutto costa meno degli anni 80. Nel caso di uno di loro poi il reparto costumi gli fa indossare una comune t-shirt bianca ben poco antica. Niente a che vedere, in fatto di cialtronaggine, con il tema musicale che accompagna le loro gesta di morte, il suono di uno xilofono, una cosa più buffa che spaventosa.
Il dvd di Dark Power è oltretutto uscito in America, in una bella edizione dal video pulito, che contiene un divertente commento audio del regista con il montatore Sherwood Jones, durante il quale si racconta che i mostri erano interpretati da attori non professionisti che nella vita facevano altro tipo gli elettricisti. Non stento a crederci.
Lash La Rue arriva, dopo essere scomparso senza motivo, alla fine del film, quando quasi tutti i ragazzi sono stati massacrati, per iniziare un duello con la frusta con uno dei toltechi. Una scena che non puoi credere che esista se non la vedi: il nostro dice al resuscitato “Vieni fuori ad affrontarmi” e quello, che fino a poco prima era un sanguinario morto vivente, fa sì con la testa mogio mogio e lo segue nel cortiletto della casa.
Alla ragazza di colore (una delle due final girl) però spetta l’uccisione definitiva dei morti: proprio lei scopre che l’unico modo per sconfiggere i toltechi è usare, come dei pugnali, delle aquilacce di metallo appese al muro. Ecco che Dark power diventa Evil dead con la faccia dei cannibali poco cannibali che si scioglie peggio del low budget di Sam Raimi.
La maledizione almeno non è parco in nudi e belle ragazze, a cominciare da un bagno generoso di una studentessa per culminare con i vestitini succinti della bellissima Suzie Martin, quasi una versione anni 80 di Denise Richards.
sempre la divina al suo unico film
Per il resto il film, come già detto, è atroce, noioso, montato col culo, con il giorno e la notte che si alternano senza logica, recitato nella media del genere ma che ha una grande forza, il mitico Lash La Rue, in quegli anni oltretutto maestro di frusta per Indiana Jones di Spielberg.
In Italia l’attore non ebbe mai un culto vero e proprio ma ci piace averlo scoperto così, a fine carriera, come un nonno un po’ rintronato di Bruce Campbell, capace di corteggiare belle donne e farsi rispettare sia dagli indiani cattivi degli anni 50 che dai toltechi di 3 decenni dopo.
Non possiamo fare a meno di credere comunque che, come ai tempi di Hard on the Trail, il cinema l’abbia ancora fregato. “Phil sei sicuro sia un western?” “Massì, vecchio mio, sono cheyenne, solo un po’ più brutti”. E intanto dietro, tettine attillate alla camicetta passava, Suzie Martin. Non ti sei voltato, vecchio e morigerato Lash, sei stato forse ingannato, ma alla fine hai fatto la tua porca figura. Sei il nonno che tutti noi amanti dell’horror desidereremmo avere, uno che ci salva la vita, che non scappa davanti al pericolo ma lo affronta, a vent’anni come a cento. “Fatti avanti, figlio di puttana d’un tolteco“.
Vaya Con Dios, Lash.
Andrea Lanza
La maledizione del cannibale
Titolo originale: The dark power
Anno: 1985
Regia e sceneggiatura: Phil Smoot
Interpreti: Lash La Rue, Anna Lane Tatum, Cynthia Bailey, Mary M. Dalton, Paul Holman, Cynthia Farbman, Marc Matney, Tony Shaw, Robert Bushyhead, Suzie Martin, Dean Jones, Steve Templeton, Page Elizabeth Ray, Eric Mikesall, Tony Elwood
Di Trauma avevo letto solo critiche poco lusinghiere: tanti giri di parole per definirlo alla fine una cagata di quelle peggiori, i film pretestuosi. Quanta acredine e ingiustizia: la pellicola di Lucio A. Rojas è girata bene, dal ritmo indiavolato, un horror anche divertente, fermo restante che devi avere uno stomaco di ferro per le varie truculenze presenti. Siamo in puro territorio da exploitation anni 70/80, gli stessi luoghi che abbiamo percorso da cinefili con le famiglie disfunzionali di Tobe Hooper, con i serial killer scalpatori di William Lusting, e con gli stupri selvaggi, senza vasellina, di I spit on your grave, L’ultima casa a sinistra ma anche nel sempre poco citato Death Wish.
supercazzola
Certo Trauma è anche un film che fa incazzare, che non ti permette però, se lo odi, di dichiarare subito che è merda, perché, a suo modo, è un film subdolo e furbo: è come un miserabile mendicante che un giorno tira fuori dal suo sacchetto cencioso un vestito buono, d’alta sartoria, si rade, si fa’ una doccia e si beve un caffè al tuo bar. Cioè tu sai che è Jean Paul il barbone che vive con 44 cani in una catapecchia, che una volta l’hai persino visto mangiare un ratto in un vicolo con un sorriso beato da baubau kinghiano, ma il tuo cervello ora è in corto circuito, i vestiti, il profumo, persino il mignolo alzato mentre dice “C’est magnifique“.
Ecco Trauma è così: un rozzo exploitation dalla confezione ottima che usa una supercazzola qualunque per darsi un tono, in questo caso un contesto storico per giustificare i suoi mostri, la dittatura di Pinochet in Cile. Il problema è che questa cornice impegnata è intercambiabile con altre più futili senza che il risultato cambi di una virgola: che i pazzi cannibali incestuosi di Rojas siano figli della guerra o di una cometa importa poco, tanto ambiziosamente artificiale è l’impegno di denuncia del regista/sceneggiatore.
distogliere l’attenzione
Diverso era il caso di Srdjan Spasojevic: se toglievi al suo A Serbian film tutto il sottotesto politico allora sì che diventava solo un film sadico e non la bomba emozionale che effettivamente è stato. In Trauma con o senza Pinochet invece hai lo stesso identico, buon film sadico. Con la variante che A Serbian film è un capolavoro e Trauma un buon intrattenimento per ragazzacci. Cosa non male comunque. D’altronde questa pellicola, girata con soli 180 mila euro (stando a quello che scrive IMDB) è inaspettatamente stilosa con una fotografia patinata che stride davanti agli ambienti sporchi e malsani, con una regia forse non troppo inventiva ma tremendamente efficace, un piccolo miracolo di tecnica che non è esente da sbavature, ma sono le stesse che potresti trovare in un horror miliardario di Nispel.
Vedendo Trauma mai che ci sia una sola volta che pensi alla miserabilità del budget, anche perché nei momenti evidentemente più pauperistici il buon Rojas è lesto a diventare un mago alla The Prestige. E’ la famosa tecnica delle tette: ad un film noioso o in un deragliamento narrativo bisogna infilarci delle sane bombe mammarie. Così lo spettatore nella sua semplicità si perde, lo inganni, non ha visto l’asso nascosto nella manica, mon ami. Lo stesso qui: : è vero che almeno in un’occasione c’è una sparatoria da Jean Claude Van Damme dei sobborghi di Sofia, ma la dimentichi, non le dai importanza perché il buon Lucio è veloce ad intervallarla con uno squartamento feroce, così distogli lo sguardo e voilà ti ricordi solo dell’effettaccio, questo davvero figo.
Trauma è un film che non punta al corteggiamento da primo appuntamento, ti infila una mano nella patta dei pantaloni e ti sussurra sicuro “Divertiamoci“. Già la prima scena porta gli spettatori in prima fila nell’orrore: una donna dal viso pesto subisce la violenza più infame, uno stupro da parte del figlio adolescente sotto viagra, un atto voluto dal suo stesso padre, un comandante dell’esercito cileno. Rojas si spinge oltre, in una scena già ideologicamente disgustosa, con la testa della donna che viene fatta saltare in aria mentre il ragazzo continua a spingere, spingere con gli occhi assenti e la follia che avanza. Da qui è un luna park di orrori: altri stupri, sperma confuso col sangue, acido che corrode i visi, mascelle strappate, bambini torturati e tanto altro.
Prendere o lasciare sicuramente, ma, nell’ottica di stare vedendo solo un film, Trauma diverte come uno slasher cattivo, è uno spettacolo sadico ma non pedestre, uno splatter che cerca consolazione nel reale per poi rivelarsi tremendamente irreale, un horror di mostri immortali, di situazioni cretine trattate con la stessa serietà né più né meno di un Friday 13th col divieto ai minori di 30 anni.
Meglio di Sendero, l’opera precedente del regista, rozza e a tratti imbarazzanti, che però aveva nel suo andamento zoppicante già i semi inespressi di questo Trauma. Certo è che se prendi la pellicola di Rojas con troppa serietà arrivi a notare il suo tallone di Achille, una sceneggiatura scema, superficiale e irritante come poche che ad un certo punto tenta pure un discorso femminista eleggendo, come in un James Cameron anni 80, una donna a protagonista stracazzuta, ma è come quando si faceva gli intellettuali di sinistra per scopare di più, nessuno davvero ci credeva.
Ora come ora Trauma è un film semi invisibile, almeno in rete, ma su amazon.com si trova senza problemi il blu ray con i sottototitoli inglesi. Non preoccupatevi se masticate poco le altre lingue, i dialoghi alla fine sono pochi e di certo non scritti da David Mamet. Io comunque ve lo consiglio.
Andrea Lanza
Trauma
Regia Lucio A. Rojas
Anno: 2017 (Cile)
Interpreti: Catalina Martin, Macarena Carrere, Ximena del Solar, Dominga Bofill
Un anno dopo il “Ritorno”, arriva puntuale la “Vendetta” di Michael Myers. Salvato da un eremita dopo la sparatoria che chiudeva il precedente capitolo, l’uomo in nero carpenteriano continua implacabile a dare la caccia alla nipote Jaime.
Strano oggetto questo quinto Halloween della svizzero Dominique Othenin-Girard. Sembra percorrere vie note ed arcinote per poi avventurarsi in territori inusuali per il genere, o meglio, per questo specifico franchise. Nessuna rivoluzione strutturale a ribaltare un plot collaudatissimo, questo no, ma difficile non notare come il regista non sia minimamente interessato al lato slasher della pellicola. Il bodycount, pur presente per contratto perché altrimenti un film del genere non avrebbe ragione d’essere, è mero espediente utilizzato da Girard come collante per una versione riveduta e corretta del Frankenstein di Mary Shelley, in cui Michael Myers riveste ovviamente i panni della creatura, mentre il Dott. Loomis (ancora una volta l’immarcescibile Donald Pleasence) è in tutto e per tutto incarnazione vecchia, claudicante, sconfitta dello scienziato “pazzo”.
Già dall’inizio si capisce che le ambizioni di Girard sono, o vorrebbero essere, più alte della media del genere; Michael, colpito a morte dai poliziotti (gli abitanti del villaggio in rivolta contro il “mostro”), finisce per cadere nelle acque salvifiche di un fiume che lo porta dritto nelle mani di un vecchio eremita che vive in una baracca con un pappagallo (omaggio non troppo velato ai film Universal e al capolavoro di Mel Brooks del 1974 con Gene Wilder). Dopo un anno, The Shape sente irrimediabilmente il richiamo della notte di Halloween, uccide il povero vecchio (fu girata effettivamente anche una versione in cui il personaggio in questione era interpretato da un attore più giovane, nel ruolo del “Dr. Death”, con contorno di rune ed altra simbologia esoterica) e fugge in direzione della solita Haddonfield in cerca della nipotina Jaime (Danielle Harris, già giovanissima Scream Queen).
La bambina, che ha perso l’uso della parola in seguito ai tragici fatti dell’anno prima, è ricoverata presso un ospedale psichiatrico, non ancora ristabilitasi dopo l’accoltellamento ai danni della matrigna. Lo script originario di Shem Bitterman prevedeva che la ragazzina diventasse effettivamente un personaggio “cattivo”, soluzione poi accantonata dal produttore Moustapha Akkad (detentore unico dei diritti di sfruttamento della saga) che fece riscrivere il tutto da Micheal Jacobs e dallo stesso Othenin-Girard, scelto da Debra Hill per occuparsi della regia, che optarono invece per una sorta di “collegamento telepatico” tra i due personaggi principali. Grande rilievo viene ancora una volta donato alla figura del Dott. Loomis, ormai totalmente assorbito/ossessionato dalla “sua” creatura tanto da vivere unicamente in funzione della distruzione totale della stessa. A monte di tutto il sub plot con i ragazzi cazzari alla festa e conseguente inseguimento/carneficina, i motivi di interesse della pellicola risultano proprio essere quelli relativi al rapporto-scontro tra Loomis e Michael (interpretato da Don Shanks), attirato dal dottore nella vecchia casa di famiglia e (quasi) convinto a deporre il coltellaccio dopo una scena che sembra davvero essere una versione horror della stessa sequenza finale di Rambo con Sly e il Colonnello Trautman.
Il Dottor Loomis/Frankenstein riuscirà con uno stratagemma (invero prevedibile) ad incatenare il Mostro/Michael nella villa assicurandolo nelle mani della giustizia; ma niente è come sembra. Per tutto il film si è intravista una figura sfuggente e minacciosa in stivali ed abito nero che si trasformerà in realtà mortale alla stazione di polizia dove ucciderà tutti gli sbirri e libererà il Male dalla sua gabbia d’acciaio. Twist finale assurdo e improbabile, tuttavia segno di una volontà di costruire qualche cosa che esuli dallo slasher ottantesco che non può non essere apprezzato. Sicuramente il vecchio Rob Zombie ha raccolto e messo da parte atmosfere e intuizioni di questo piccolo film, non troppo fortunato ai tempi, che merita senza dubbio una riscoperta anche in virtù del fatto che fu l’unico episodio a rimanere inedito nel nostro paese. Effetti speciali del K.N.B EFX Group non troppo in vista, anche per via dei tagli inferti per i soliti problemi di rating, ma godibili nella loro rozzezza artigianale (specialmente il rampino conficcato in testa al tipo nel garage). Non lasciatevi ingannare dalle apparenze, la notte di Ognissanti di Girard (che mise pure le mani in un’altra saga famosa, quella di “The Omen” nel capitolo quarto, che condivise con Jorge Montesi in quanto abbandonò il set) merita sempre e comunque una visione. Incompreso.
Domenico Burzi
Halloween 5 – The revenge of Michael Myers
Anno: 1989
Regia: Dominique Othenin-Girard
Interpreti: Danielle Harris, Don Shanks, Donald Pleasence, Wendy Foxworth (Wendy Kaplan), Jeffrey Landman, Ellie Cornell, Beau Starr, Tamara Glynn, Jonathan Chapin, Matthew Walker, Troy Evans, David Ursin, Max Robinson
Michael Myers è scomparso insieme alla nipotina Jamie. I due sono stati presi segretamente in custodia da una setta misteriosa. Sei anni dopo, Jamie (J.C. Brandy) partorisce e, con l’aiuto di una donna della setta, fugge dalla fabbrica abbandonata dove viveva con Michael. L’assassino la seguirà uccidendo ogni persona sul suo cammino fino alla resa dei conti con la sua nemesi, il Dottor Loomis.
Parlare di Halloween 6 è trattare un film mai vulgato al grosso pubblico, di una serie di idee interessanti stuprate senza pietà, di un capitolo che poteva essere eccezionale e viene ricordato dai più come disastroso. La pellicola di Joe Chapelle arriva subito dopo l’abominio artistico dei precedenti capitoli 4 e 5: difficile sperare in qualcosa per lo meno sufficiente dopo che “L’ombra della strega” è stato relegato al rango di un Jason Vorhees qualsiasi; la fantasia, l’estro, la suspense che sovrasta il sangue hanno ceduto il passo a slasher dozzinali dove i personaggi principali scimmiottano senza verve gli eroi e antieroi carpenteriani. Chapelle, è bene dirlo, gira benissimo, forse con Phantoms, la sua migliore prova prima dell’oblio infernale dei seguiti per dvd e dei telefilm thriller per il pubblico di Italia uno, ma la figura del leone la fa soprattutto lo sceneggiatore Daniel Farrands nel difficile compito di rimettere insieme i pezzi della saga di Michael Myers dopo capitoli staccati e lacunosi nella continuity.
Lo scopo viene raggiunto pienamente: Halloween 6 risulta il capitolo più originale, quello che punta maggiormente la carta dell’esoterismo senza rinunciare, come il sottovalutato terzo episodio di Tommy Lee Wallace, alla sua icona per antonomasia, il gelido assassino dalla maschera del capitano James T. Kirk. Daniel Farrands, da sempre un fan della serie, aveva lo specifico intento per Halloween 6 di colmare ogni buco narrativo, risolvere ogni questione rimasta irrisolta nei precedenti capitoli per far decollare il franchise, ormai agonizzante, verso un futuro nuovo ricco di spunti per i sequel. Per far questo aveva scritto diverse bozze per il film, undici per la precisione, prima di arrivare alla definitiva, originariamente chiamata Halloween 666. L’innovazione più grande, a livello di script, la si ha con la spiegazione esoterica del perchè Michael Myers uccida e della sua immortalità. Ripreso dal quinto capitolo il “Simbolo di Thorn”, un marchio magico, lo sceneggiatore riportava ad esso (e ad una setta di druidi) la furia omicida del nostro assassino. Peccato che questo concetto sia stato incenerito nella versione arrivata in tutto il mondo nelle sale: uno dei produttori, Paul Freeman, decise infatti che lo script non era buono e decise di far rigirare completamente alcune sequenze, cambiare il montaggio, escludere parti fondamentali e, a seguito di uno screener non gradito al pubblico , di uccidere definitivamente il personaggio del Dottor Loomis.
La versione vulgata, pur potendo contare su una fotografia ottima e un’altrettante buona regia di Chapelle, risulta insulsa per la cripticità degli eventi, non ultimo il finale intuito, insoddisfacente, e giocato tutto sulla urla fuori campo. Se qui semplicemente Michael uccide la sua nemesi e si prepara all’ennesimo sequel, nel girato non modificato la storia si faceva più interessante: lo stesso Dottor Loomis, l’uomo che rappresenta il bene, si tinge dei colori più scuri diventando il mentore di un bambino futuro Michael Myers nell’idea di una maledizione che non può morire, ma passa da generazione in generazione.
Non solo: gli omicidi risultano più sanguinosi e meno castrati nella concezione originale di Farrands, ma anche questo dovette essere modificato per non incorrere nella censura. A discapito dei suoi disastri interni di produzione Halloween 6 incassò quasi 15 milioni di dollari costando appena 5. Dopo questo capitolo, con le sue rivoluzioni interne, i simboli magici che muovono astri e omicidi, la strada da intraprendere poteva essere solo quello di tornare nei canoni più classici. Miner con Halloween H20 cancella i capitoli dal 3 al 6 e riparte da capo. Era forse nel destino che Michael Myers dovesse, per il simbolo di Thorn o meno, reincarnarsi più volte, passando dal classico al rock più pesante di un Rob Zombie che sotto sotto non si dimenticherà nel suo insulso Halloween 2 la lezione di Farrands.
Andrea Lanza
Halloween VI – La maledizione di Michael Myers
Titolo originale: Halloween – The curse of Michael Myers
Anno: 1995
Regia: Joe Chappelle
Interpreti: Paul Rudd, Marianne Hagan, Mitchell Ryan, Donald Pleasence, Kim Darby, Bradford English, Keith Bogart, Mariah O’Brien, Leo Geter, J.C. Brandy, Devin Gardner, Susan Swift, George P. Wilbur, Janice Knickrehm, Alan Echeverria, Hildur Ruriks, Sheri Hicks, Tom Proctor
Ecco Trauma è così: un rozzo exploitation dalla confezione ottima che usa una supercazzola qualunque per darsi un tono, in questo caso un contesto storico per giustificare i suoi mostri, la dittatura di Pinochet in Cile. Il problema è che questa cornice impegnata è intercambiabile con altre più futili senza che il risultato cambi di una virgola: che i pazzi cannibali incestuosi di Rojas siano figli della guerra o di una cometa importa poco, tanto ambiziosamente artificiale è l’impegno di denuncia del regista/sceneggiatore.
