Time Walker

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Al cinema alcuni mostri funzionano più di altri. Dracula è stato protagonista di un bel centinaio di film, ed è riuscito, tra un morso e l’altro, ad avere spose, amanti, figli e combattere persino contro i leggendari 7 vampiri d’oro. Anche per Frankenstein la vita è stata lunga con nel curriculum anche una commedia teen dove, tutto fiero, mostrava il suo poderoso ammennicolo alle ragazze intrippate di un college. Solo che la vita non è stata così generosa con tutti i mostri.

Io ho scopato

Il mondo dei cattivi, si sa, è spietato: né l’uomo lupo né le streghe sono mai riusciti ad avere una filmografia lunghissima, ma la più sfigata resta la mummia. A lei nessuno vuole bene. Se esistono fan club per licantropo, uno che sotto sotto quando non sbrana ha la libido di Rocco, e le streghe piacciono alle ragazzine goth, la mummia invece non ha presa per nessuno. Brutta è brutta, sexy non è sexy, oltre a puzzare è un mostrone non molto inventivo neanche nelle sue gesta malvagie: quando uccide, si limita a strozzare. Che noia, che barba. Per questo hanno cercato di svecchiarla con gli avventurosi di Brendan Fraser o Tom Cruise, ma non era più lei, c’era al suo posto un pelatone muscoloso o una figa incazzata. L’unica mummia, non si scappa, è quella avvolta in bende vecchie che sembrano carta igenica sporca di merda. Con un curriculum così non è che fai molta strada.

Pose da mummie

Certo in passato c’è stata la Hammer e prima ancora la Universal a dare il lustro a questo vecchio mostro, muto e lento più degli zombi, ma, siamo sinceri, a a parte i capolavori di Karl Freund e Terence Fisher, il resto era tra il mediocre e il pessimo. I più potranno dire “Ma c’è Exorcismus – Cleo, la dea dell’amore (Blood from the Mummy’s Tomb) che è bello!” è vero, poi io sono un fan delle tettone di Valerie Leon, ma nessuna mummia claudicante, solo maledizioni egizie, un altro campo da gioco.

Tette e mummie

Gli anni 80 poi ci hanno provato a farla resuscitare ma le produzioni erano scalcagnate, Scuola di Mostri a parte. D’altronde come non pensare di avere toccato il fondo davanti ad una cosa come Dawn of the mummy del 1981, una coproduzione tra Italia e USA, così brutta che da noi, pur avendoci messo i soldi, non è mai uscita. Il regista Farouk “Frank” Agrama, uno che aveva girato il King Kong degli scemi, Queen Kong (non quello con la Nappi), durante la visione di Zombi di Romero, aveva sicuramente avuto l’idea di una vita, quella che ti porta nell’Olimpo dei grandi, spostati Carpenter. “Perché non girare un film simile con le mummie al posto dei morti viventi?“. Risultato: un pasticcio gore girato col culo, con una perenne musica fastidiosa a cazzum, una cosa che sembra uno scherzo brutto alla Conte Mascetti più che un film.

Le mummie più brutte di sempre

Time Walker, girato col titolo di lavorazione di Pharoah, arriva un anno dopo, nel 1982, a dire la sua sulle mummie. Da noi ha persino una distribuzione limitata, in vhs per la Antoniana/DB Video, con un doppiaggio allucinante che traduce l’intraducibile. Così abbiamo giochi di parole tra mummy e mommy (mamma) riproposti tali e quali in italiano dentro frasi senza senso come “Scomparve una ragazza, restò per 9 mesi in una tomba e la scoprirono mummia“. Ehhhhhhhhh??????

Forte delle frasi di lancio “Nulla può fermarlo neppure la storia” o “Per milioni di anni attraversarono le Galassie: Per secoli uno di loro è rimasto intrappolato nella tomba di un faraone. Ora è libero” ci si aspetta un bell’horrorazzo archeofantascentifico con un alieno mummia incazzato che fa stragi a destra e pure a mancina, manco fosse Svicolone. Si e no, più no che sì, soprattutto perché il film è di una mosceria incredibile.

Time Walker non calca mai la mano sul sangue, i nudi sono pochissimi (una ragazza che si spoglia) e non riesce ad essere mai troppo spaventoso, un disastro per un film che vanta una sceneggiatura di rara dabbenaggine e non può contare neanche sul divertimento coatto.

Si aprono mille sottotrame, amori tra i personaggi, un giro di merce rubata all’università e soprattutto una muffa assassina che fa marcire gli arti. Solo che, con lo scorrere dei minuti, nessuno di questi spunti viene portato a termine, con il risultato che anche anche il tocco della mummia, mortale come l’ebola fino ad un secondo prima, verso l’epilogo non fa più nulla, solo perché il regista, anche inetto sceneggiatore, probabilmente se l’è dimenticato.

Io poi voglio dire: ma, Tom Kennedy, vuoi girare un film horror su una mummia al college, sei negli anni 80, l’epoca dello splatter, ma mettici due morti, dico, due almeno che mi fai dire, a me spettatore, wow, che cazzo, non ci credo. Invece la mummia arriva su dei pattini, o almeno l’effetto è quello, e tocca le sue vittime, puf, morte, e poi se ne va. Ma che diavolo, è come se, in un porno vintage con Ginger Lynn, ad un certo punto la musica è quella giusta da porcone, cia cia cia, ma gli attori al posto di darci dentro, di fare vedere la mercanzia e cominciare la danza degli assatanati, oh yeah, fuck me, bitch, si danno solo due bacini e poi a nanna, tutti a casa propria, domani ci si alza presto. Come come come? Tom Kennedy, già stai girando un film di merda, ma almeno fai merda divertente!

Forse si tromba, forse no

Gli attori sono o improponibili o sprecati in ruoli subliminali, a cominciare dalla Shari Belafonte di La notte di Halloween, anche bravina, ma inserita a forza nel contesto. Ad un certo punto salta fuori il grande James Karen de Il ritorno dei morti viventi, un vero attore in mezzo a tanti cani. Peccato che per lui valga la stessa storia di Shari: il suo personaggio dice due frasi di circostanza, batte i pugni sul tavolo, ghigno di repertorio e poi scompare per riapparire solo nel finale. Tempo sullo schermo: 5 minuti scarsi. Oh my god!

Cani più attore bravo in mezzo

Time Walker poi vorrebbe essere più ricco di quello che è, ma, col suo budget esiguo, non ha la possibilità di girare neanche un finto intro in Egitto. Quindi due immagini di repertorio delle piramidi e voci fuoricampo di due archeologi che affrontano il pericolo. L’effetto è comicissimo e poverissimo nel contempo, un cinema mai così vicino alla radio.

Non voglio poi fare il pretestuoso, non ho mai studiato archeologia, ma non mi sembra la cosa più furba del mondo quella di aprire un sarcofago chiuso da millenni senza neanche una mascherina protettiva. Oltretutto dove vai a trafugarlo? Dalla celeberrima e maledettissima tomba di Tutankhamon. Cioè con questo faraone si muore dal 1923! Non lamentarti poi delle conseguenze!

Time Walker cerca, fallendo, una certa originalità nel riproporre il solito canovaccio sulle mummie assassine con innesti di fantascienza, ma non riesce mai ad essere né convincente né davvero innovativo. Nel finale poi tenta una corrispondenza delirante con il quasi contemporaneo ET di Spielberg, soprattutto quando capiamo le ragioni dell’alieno/mummia: vuole solo tornare a casa. Cioè fatemi capire, questo EBE dagli occhioni grandi sotto le bende, che uccide con il tocco muffoso la gente, che ha nel petto una pietra lunare accecante, che insegue sui pattini ragazze terrorizzate, che sfonda tetti di un’ascensore e che ha la visione verde come un cazzo di Predator salviniano, era bravo???? E che cazzo ho visto prima?

Alieni bravi

Micidiale poi il “TO BE CONTINUE” prima dei titoli di coda, nell’idea assassina di un Time Walker 2 che, grazie a Dio, non si farà mai.

Giustamente Tom Kennedy firmerà qui la sua prima e unica regia, anche se il film incasserà abbastanza a livello regionale.

Time Walker fu distribuito negli USA dalla New World Pictures, la stessa di Slumber party massacre, uno slasher dello stesso anno nettamente superiore. 

Che dire d’altro di un film soporifero, stupido e poco divertente? Nulla a parte che siete stati avvertiti, se volete vederlo e vi fa schifo non prendetevela poi con noi!

NB Il film fu al centro di un episodio della serie Mystery Science Theater 3000 che proponeva film brutti con il commento dissacrante dei protagonisti, un astronauta e due robot. La conclusione del trio era che Time Walker fosse uno dei film più brutti mai visionati, per essere precisi più terribile dei già terribili ” Il terrore viene d’oltretomba, The Side Hackers, Ator 2 – L’invincibile Orion, Catalina Caper, Visitors – -I nuovi extraterrestri, The Hellcats, Daddy-O, Rocket Attack U.S.A., La vendetta del ragno nero, Ring of Terror, Il conquistatore del mondo, Il continente scomparso, Luna zero due, Le donne del pianeta preistorico, Time of the Apes, Wild Rebels, Stranded in Space, King Dinosaur, Mighty Jack, RX-M Destinazione Luna, Santa Claus Conquers the Martians, The Unearthly, Adolescente delle caverne, Soyux 111 Terrore su Venere, Abbandonati nello spazio, The Giant Gila Monster, I cavalieri del futuro, War of the Colossal Beast, I giganti invadono la Terra, Fugitive Alien, Star Force: Fugitive Alien II, Master Ninja I, Gamera, Il ritorno di Godzilla, Gamera vs Zigra, Gamera vs Barugon, and Gamera vs Guiron” e persino dell’imbattibile franchiano “Il castello di Fu Manchu“. Comunque, nella versione Mystery Science Theater 3000, Time Walker è spassosissimo. 

Andrea Lanza

Time walker

Anno: 1982

Regia: Tom Kennedy

Interpreti: Ben Murphy, Nina Axelrod, Kevin Brophy, Robert Random, James Karen, Sam Chew Jr., Melissa Prophet, Austin Stoker, Gerard Prendergast, Shari Belafonte, Antoinette Bower, Darwin Joston, Greta Blackburn, John Lavachielli, Clint Young, Ken Gibbel, Gary Dubin, Greta Stapf, Michelle Avonne, Vanna Bonta, Warrington Gillette, Alan Rachins, Allene Simmons, Jason William

Durata: 83 min.

Trauma

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cile, lucio a. rojas, pinochet, torture porn, trauma

Di Trauma avevo letto solo critiche poco lusinghiere: tanti giri di parole per definirlo alla fine una cagata di quelle peggiori, i film pretestuosi. Quanta acredine e ingiustizia: la pellicola di Lucio A. Rojas è girata bene, dal ritmo indiavolato, un horror anche divertente, fermo restante che devi avere uno stomaco di ferro per le varie truculenze presenti. Siamo in puro territorio  da exploitation anni 70/80, gli stessi luoghi che abbiamo percorso da cinefili con le famiglie disfunzionali di Tobe Hooper, con i serial killer scalpatori di William Lusting, e con gli stupri selvaggi, senza vasellina, di I spit on your grave, L’ultima casa a sinistra ma anche nel sempre poco citato Death Wish.

supercazzola

Certo Trauma è anche un film che fa incazzare, che non ti permette però, se lo odi, di dichiarare subito che è merda, perché, a suo modo, è un film subdolo e furbo: è come un miserabile mendicante che un giorno tira fuori dal suo sacchetto cencioso un vestito buono, d’alta sartoria, si rade, si fa’ una doccia e si beve un caffè al tuo bar. Cioè tu sai che è Jean Paul il barbone che vive con 44 cani in una catapecchia, che una volta l’hai persino visto mangiare un ratto in un vicolo con un sorriso beato da baubau kinghiano, ma il tuo cervello ora è in corto circuito, i vestiti, il profumo, persino il mignolo alzato mentre dice “C’est magnifique“.

Ecco Trauma è così: un rozzo exploitation dalla confezione ottima che usa una supercazzola qualunque per darsi un tono, in questo caso un contesto storico per giustificare i suoi mostri, la dittatura di Pinochet in Cile. Il problema è che questa cornice impegnata è intercambiabile con altre più futili senza che il risultato cambi di una virgola: che i pazzi cannibali incestuosi di Rojas siano figli della guerra o di una cometa importa poco, tanto ambiziosamente artificiale è l’impegno di denuncia del regista/sceneggiatore.

distogliere l’attenzione

Diverso era il caso di Srdjan Spasojevic: se toglievi al suo A Serbian film tutto il sottotesto politico allora sì che diventava solo un film sadico e non la bomba emozionale che effettivamente è stato. In Trauma con o senza Pinochet invece hai lo stesso identico, buon film sadico. Con la variante che A Serbian film è un capolavoro e Trauma un buon intrattenimento per ragazzacci. Cosa non male comunque. D’altronde questa pellicola, girata con soli 180 mila euro (stando a quello che scrive IMDB) è inaspettatamente stilosa con una fotografia patinata che stride davanti  agli ambienti sporchi e malsani, con una regia forse non troppo inventiva ma tremendamente efficace, un piccolo miracolo di tecnica che non è esente da sbavature, ma sono le stesse che potresti trovare in un horror miliardario di Nispel.

Vedendo Trauma mai che ci sia una sola volta che pensi alla miserabilità del budget, anche perché nei momenti evidentemente più pauperistici il buon Rojas è lesto a diventare un mago alla The Prestige. E’ la famosa tecnica delle tette: ad un film noioso o in un deragliamento narrativo bisogna infilarci delle sane bombe mammarie. Così lo spettatore nella sua semplicità si perde, lo inganni, non ha visto l’asso nascosto nella manica, mon ami. Lo stesso qui: : è vero che almeno in un’occasione c’è una sparatoria da Jean Claude Van Damme dei sobborghi di Sofia, ma la dimentichi, non le dai importanza perché il buon Lucio è veloce ad intervallarla con uno squartamento feroce, così distogli lo sguardo e voilà ti ricordi solo dell’effettaccio, questo davvero figo.

Trauma è un film che non punta al corteggiamento da primo appuntamento, ti infila una mano nella patta dei pantaloni e ti sussurra sicuro “Divertiamoci“. Già la prima scena porta gli spettatori in prima fila nell’orrore: una donna dal viso pesto subisce la violenza più infame, uno stupro da parte del figlio adolescente sotto viagra, un atto voluto dal suo stesso padre, un comandante dell’esercito cileno. Rojas si spinge oltre, in una scena già ideologicamente disgustosa, con la testa della donna che viene fatta saltare in aria mentre il ragazzo continua a spingere, spingere con gli occhi assenti e la follia che avanza. Da qui è un luna park di orrori: altri stupri, sperma confuso col sangue, acido che corrode i visi, mascelle strappate, bambini torturati e tanto altro.

Prendere o lasciare sicuramente, ma, nell’ottica di stare vedendo solo un film, Trauma diverte come uno slasher cattivo, è uno spettacolo sadico ma non pedestre, uno splatter che cerca consolazione nel reale per poi rivelarsi tremendamente irreale, un horror di mostri immortali, di situazioni cretine trattate con la stessa serietà né più né meno di un Friday 13th col divieto ai minori di 30 anni.

Meglio di Sendero, l’opera precedente del regista, rozza e a tratti imbarazzanti, che però aveva nel suo andamento zoppicante già i semi inespressi di questo Trauma. Certo è che se prendi la pellicola di Rojas con troppa serietà arrivi a notare il suo tallone di Achille, una sceneggiatura scema, superficiale e irritante come poche che ad un certo punto tenta pure un discorso femminista eleggendo, come in un James Cameron anni 80, una donna a protagonista stracazzuta, ma è come quando si faceva gli intellettuali di sinistra per scopare di più, nessuno davvero ci credeva.

Ora come ora Trauma è un film semi invisibile, almeno in rete, ma su amazon.com si trova senza problemi il blu ray con i sottototitoli inglesi. Non preoccupatevi se masticate poco le altre lingue, i dialoghi alla fine sono pochi e di certo non scritti da David Mamet. Io comunque ve lo consiglio.

Andrea Lanza

Trauma

Regia Lucio A. Rojas

Anno: 2017 (Cile)

Interpreti: Catalina Martin, Macarena Carrere, Ximena del Solar, Dominga Bofill

Durata: 106 min.

Tau

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film, gary oldman, netflix, recensioni, tau

Opera prima del regista uruguaiano Federico D’Alessandro  e distribuita da Netflix, Tau è una godibile pellicola di fantascienza in bilico tra omaggio al passato e  messinscena moderna.

Un prodotto in cui la confezione molto curata serve per donare al pubblico una storia tipicamente horror anni 30/40 con tanto di scienziato pazzo, una creatura che si ribella al suo creatore e naturalmente la bella in pericolo. Ovviamente la sostanza della storia viene rielaborata e filtrata attraverso altri omaggi a generi e sottogeneri, cercando di offrire al pubblico dei “cinefili de internet”, incapaci di accontentarsi di una storiella ben narrata, delle immagini suggestive, eleganti, con un lavoro sulle luci che cerca di rimandare a Neon Demon ma è chiaro che non siamo nemmeno nei paraggi di un Refn.  Tuttavia questo contrasto tra narrazione e messa in scena genera un certo interesse intorno alla pellicola. Uno scontro/incontro tra decenni di cinema di genere, un discorso a volte frammentario e subliminale, col fine di lasciare spazio all’idea centrale, non originalissima a dire il vero, che ha il merito però di rendere godibile un film altrimenti confuso.

Ancora una volta è il come e il chi porta in scena un’opera. La fissazione per una narrazione originale o, peggio ancora, alternativa alle regole del genere ha – di fatto- creato una serie di critici che vedono il cinema come prodotto tecnico fine a sé stesso e di spettatori che -ahimè e mortacci loro- si reputano troppo intelligenti e furbi, per poter star in silenzio e godersi uno spettacolo. No, ma che scherziamo? Così devono parlare di montaggio, di long take,  e far parallelismi inopportuni. Costoro vi diranno che Tau è robetta da poco, un filmino davvero pleonastico e poi prenderanno l’occasione per parlare male di Netflix, madre di ogni sciagura che si abbatte sull’industria cinematografica.

Tau è un filmino, segue strade già battute e ha forse dei problemi in fase di scrittura che son ben evidenti in alcune scene, a volte è inverosimile con qualche forzatura narrativa di troppo, tuttavia ha dalla sua un ottimo Gary Oldman che dona a Tau una toccante e a tratti commovente potenza e credibilità. Il film diviene la scoperta del mondo, della vita,  da parte di un’intelligenza artificiale, ma non solo questo: Tau diventa cosciente di essere vivo. Certi tentennamenti. stupori, suppliche al padrone mostrano una fragilità infantile, da parte di questa intelligenza artificiale, verso la quale ci è impossibile rimanere indifferenti.

Il rapporto tra Julia e Tau è ricco di sfumature. C’è alla base la manipolazione da parte della donna, che scopre la curiosità di quella intelligenza artificiale per il mondo e la vita fuori dalla casa in cui entrambi sono “prigionieri”, che man mano la pellicola procede diventa anche un rapporto di amicizia e sostegno. L’evoluzione del progresso scientifico- tecnologico è talmente avanzata che, forse, un domani sarà difficile dire con sicurezza cosa è umano e cosa no. Quanto contano i sentimenti, le sensazioni, le emozioni in un essere umano? Per me moltissimo. Sono tutti quegli elementi che ci rendono vivi e perciò anche imperfetti. Eppure senza di essi saremmo solo dei robot, automi che ripetono gesti e vivono attraverso delle formule, razionalmente ma senza sporcarsi e mettersi in gioco.  Tau è il fratello ottimista di Her.  D’Alessandro non è Refn ma nemmeno Spike Jonze e dove questi autori mettono dubbi, dolore,  riflessioni anche alte, egli normalizza attraverso il genere puro. Pur giocando attraverso la mescolanza di generi passati e presenti ( si parte dai classici Mad Doctor Movies ad accenni di torture porn fino alla fantascienza legata alla scoperta della vita da parte delle macchine, fino al cinema di sequestro e quello di fuga) il discorso non diventa mai una riflessione profonda sul genere, la contaminazione, la ricerca di elementi classici dietro un modo moderno di far cinema.

Tau è un semplice film su un’intelligenza artificiale che scopre cosa sia la vita. Per farlo c’è bisogno che esista uno scienziato folle- il quale vista la nostra epoca tecnologica e computerizzata è una sorta di Steve Jobs diabolico, feroce, disumano, uno di quei cattivi puri e anche tanto pirla, che mancavano da un po’ di tempo nel cinema di genere- il quale rapisce delle persone per sottoporle a un esperimento che sovvertirà il mondo. No, non è vero. Non sovvertirà nulla. Ma a esser sinceri la parte in cui il film diventa un po’ l’Hostel dei poveracci è francamente dimenticabile. Come gran parte delle scene che vedono all’opera il cattivissimo anche cretinissimo e Julia, il personaggio principale, una donna dalla vita difficile ( si lascia intuire un passato di violenze e soprusi) che vivacchia facendo la borseggiatrice. Un brutto giorno viene rapita da Alex, mi par si chiami così il cattivo di questo film,  per essere sottoposta a un brutale esperimento. La ragazza non si dà per vinta e insieme ad altri prigionieri cerca di evadere. Ovvio che il piano finisca in una carneficina ad opera di un robot che pare uscito da Robocop o un film anni 80. Da questo momento fino alla conclusione, Julia cerca in tutti i modi di evadere da questa casa-prigione gestita da un’intelligenza artificiale: Tau. La donna intuendo che esso è interessato alle cose del mondo, all’arte e alla cultura -ed è convinto di essere “vivo” nello stesso identico modo di Julia-  sfrutta questa debolezza della macchina per poter fuggire. Nondimeno tra i due nasce una tenera amicizia.

In conclusione: Tau è un film assai godibile, un puro prodotto del cinema medio, ostenta un estetica fin troppo legata a un certo modo di far cinema ma questo non impedisce al film di esibire la sua natura di puro B movie. Concentratevi sulla performance di un ottimo Oldman e gustatevi l’evoluzione della storia d’amicizia tra Julia e Tau. Poi andate a ripescare i classici con gli scienziati pazzi e il cinema di prigionia.

Per quanto mi riguarda attenderò di valutare meglio il lavoro di D’Alessandro con la prossima pellicola. Per me, ora, è un buon regista. Spero possa migliorare nelle sue prossime opere.

Davide Viganò

Tau

Anno: 2018

Genere: fantascienza

Regia: Federico D’Alessandro

Sceneggiatura: Noga Landau

Interpreti: Maika Monroe, Ed Skrein, Fiston Barek, Ivana Zivkovic, Sharon D. Clarke,Ian Virgo, Paul Leonard Murray

Note: La voce di Tau è di Gary Oldman

Durata: 97 min.

Terrifier

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art il clown, art the clown, damien leone, halloween, mimo clown, morire male, morire malissimo, non aprite quella porta, pagliacci cattivi, ragazze segate in due, terrifier, texas chainsaw massacre

Terrifier è il filmaccio che spegni dopo cinque minuti scegliendo produzioni più importanti, gli squali in CGI brutti di Deep sea blue 2, lo spaventone bubusettete della Blumhouse, l’ennesima patacca uscita al cinema d’estate, e poi, grazie alle notti insonni, lo riprendi e capisci, come il principe di Bel Air, che tanto male non è.

Di Damien Leone, regista indie dall’infama celebrità, uscì un po’ di tempo fa un horror brutto come la morte impestata a Pisa, All Hallow’s Eve: tre episodi poveri, girati col culo, noiosi dove primeggiava soltanto lo spaventoso clown Art. Per noi, fan del cinema bello ma sgarruppato, la carriera del regista poteva soltanto concludersi con una prigionia in Siberia, sotto zero, a cercare per i nazisti la lancia di Longino, in eterno, sotto le frustate di Ilsa la belva umana.

Damien Leone e Art il Clown

E sbagliavamo perché Terrifier è sì un film con i limiti di una produzione girata con i soldi dati dalla mamma per il Buondimotta della ricreazione, ma anche uno dei parti più spaventosi e genuini degli ultimi anni.

Damien Leone capisce che il punto forza del suo precedente lavoro è solo lui, Art il clown, e gli dedica un intero, cattivissimo, sanguinoso film.

Art non è Pennywise, non ha battute, non è simpatico, non ha nessun background triste da empatizzare, è la morte pura e semplice che un giorno di Halloween, come Michael Myers, esce per le strade e richiede il suo pagano tributo di sangue.

Per certi versi Terrifier ricorda, con i dovuti limiti, Inferno di Dario Argento: la sua scatenata danza di morte su scenari che vengono bombardati da luci violente, gli omicidi fantasiosi e quel senso di favola per bambini ormai adulti che è perenne, dappertutto. Certo Inferno è quel capolavoro che Terrifier non sarà mai, ma questo non leva all’opera di Leone di essere altrettanto riuscito nelle atmosfere, una cosa, ricordiamolo, non da tutti con il budget ridotto che si è trovato tra le mani il regista.

Ovviamente Terrifier ha le sue lacune, grandissime, come il ritmo e soprattutto la sceneggiatura che, per forza di cosa, pena il finale dopo dieci minuti, fa fare cose cretine ai suoi personaggi che neppure in Scooby Doo. Vi faccio l’esempio più grande: se siete imprigionati in balia di serial killer che vi sta per uccidere e, per grazia di Dio, riuscite non solo a liberarvi, ma anche a dargli una mazzata bella forte, che fate? Scappate o infierite finché lo stronzo non è a terra in una poltiglia di cervello spappolato? La seconda ovviamente, beh non tanto ovvio perché le vittime di Terrifier scelgono sempre  la via più impervia, danno uno sbuffetto sul coppino del pagliaccio come monellacci e poi corrono verso la futura morte certa perché sai che Art il clown presto o tardi si rialzerà e farà loro molto male.

Gli omicidi nel film di Leone sono davvero tantissimi e tutti fantasiosi: pizzaioli bruciati come la zucca di Jack-o’-lantern, ragazze segate a metà dal pube alla testa con le viscere che cadono, teste riempite di piombo, visi mangiati, donne spellate e indossate come in un capitolo apocrifo di Non aprite quella porta; è una sagra dello splatter più ignorante e genuino. Il bello, quello che fa la differenza però, rispetto a produzioni altrettanto povere e gore come Hazard Jack, è la confezione perché Damien nostro crede al suo film e lo cura con effettacci vecchia scuola ben fatti, quelli che un tempo avresti visto in un film di Joseph Zito con la complicità di Tom Savini.

Non siamo fortunatamente però in un gioco vintage che piange sugli anni 80 come Hatchet, no qui si fa sul serio, si usano i cellulari per chiamare e fare selfie e non c’è spazio, tra una morte e l’altra, per una frase maschia perché quando si muore, qui, si muore malissimo.

Notevole il cast femminile soprattutto la splendida Jenna Kanell, alla quale spetta un ruolo da pseudo protagonista, omaggio questo sì alla struttura di Psycho.

Terrifier, come detto, riesce nel difficile compito di turbare, spaventare e disgustarti, una cosa che in un cinema così laccato e pulito come quello horror americano moderno sembra davvero una specie di miracolo. Per questo benediciamo Damien Leone e vi consigliamo il film, a patto, ovvio, che siate disposti a sporcarvi di sangue e budella calde perché Terrifier è imperfetto ma delizioso, povero ma ricco di idee, non un blockbuster ma forse l’esempio più genuino di bloodbuster nuovo millennio.

Andrea Lanza

Terrifier

Anno: 2017

Regia: Damien Leone

Interpreti: Jenna Kanell, Catherine Corcoran, David Howard Thornton, Margaret Reed, Katie Maguire, Samantha Scaffidi, Pooya Mohseni, Sylvia Ward, Gino Cafarelli, Kamal Ahmed, Michael Leavy, Julie Asriyan, Xiomi Frans-Cuber, Erick Zamora

Durata: 90 min.

 

 

The Zero boys

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action, film di culto, nico mastorakis, slasher, the zero boys

Gli zero boys sono tre amici appassionati di guerra simulata. Insieme a due amiche più una ragazza “vinta” per scommessa, decideranno di festeggiare la vittoria di una partita in un cottage sperduto nel bosco. Scelta sbagliata perché quello è il rifugio di alcuni maniaci assassini.

Esistono film di pancia che arrivano a colpirti ed appassionarti senza una ragione davvero logica, senza che la trama sia scritta da uno sceneggiatore abile, eppure, sarà per la regia gagliarda o l’atmosfera, ma i difetti si annullano davanti alla potenza delle immagini.

The Zero boys ne è l’esempio più eclatante: battute che sembrano gridare pietà al Dio dei dialoghisti, una storia che prende almeno due strade senza svilupparne davvero nessuna, ma, in compenso, anche un’opera che possiede una tale freschezza nel mettere in scena gli eventi, un uso virtuosistico della telecamera e suspense, tanta e buonissima, non male per un B movie dal titolo (e le premesse) di un film di guerra alla Bruno Mattei o Ciro H. Santiago.

Strano come The Zero boys non abbia avuto davvero la sua meritata fama di cult: in Italia per esempio è uscito prima in una vhs Domovideo poi in un dvd a bassa definizione, meglio all’estero dove brilla l’edizione Arrow che riporta in vita gli splendidi colori della fotografia di Steven Shaw.

Il sito americano Wicked horror intitola così un suo articolo “Perché The Zero Boys è quasi perfetto” e la giornalista, Michele Eggen, spiega “Sono sinceramente scioccata che non avessi mai sentito parlare di questo film. Non ne ho mai visto nemmeno una casuale menzione in nessuna di quelle top ten di film horror o film slasher meno noti, anche se dietro c’è un culto. Ci sono molti film sconosciuti, soprattutto anni 80, ma questo dovrebbe davvero essere portato all’attenzione di tutti. The Zero Boys vanta alcune grandi interpretazioni da parte dell’intero cast, rielabora con invenzione il sottogenere slasher, ed  è un precursore di molti altri film che verranno dopo“.

Zero boys è un film slasher più bizzarro di altri, più noti e anche meno validi, come il terribile Terror train di Roger Spottiswoode. Forse per la sua natura camaleontica e pulp, capace di passare ad un genere ad un altro con grande scioltezza, è un oggetto non proprio etichettabile in un filone, non troppo d’azione, non troppo di guerra, non troppo sanguinoso per un horror alla Venerdì 13. Eppure la bravura di Nico Mastorakis, che diamolo pure è un ottimo regista ma dalle scelte artistiche dubbie, è di riuscire ad essere superiore in ogni sua azzardata sterzata a qualsiasi altro concorrente del genere, forse non il migliore ma uno dei migliori e più esaltanti B movie del terrore degli anni 80.

Quello che alla fine non convince è la sceneggiatura, firmata a tre mani dal regista, dal suo collaboratore di fiducia Fred Perry e da Robert Gilliam: troppo col fiato corto per  un film che sarebbe dovuto durare tre ore per le tante idee presenti. Così Zero boys è un action horror dalla trama superficiale che si scontra contro la regia ottima, male ma non malissimo, per fortuna.

Le intuizioni presenti anticipano un certo torture porn a base di snuff che furoreggerà ad inizio nuovo millennio con gli Hostel ma soprattutto il Vacancy di Nimrod Antal. Se si esclude l’ottimo e misconosciuto Special Effects di Larry Cohen del 1984, il tema dei filmati di morte e sadismo non era proprio notissimo al pubblico, e The Zero boys lo mette in scena con una certa efficacia.

In generale questo è un film studiato meglio di tanti teen movie del terrore, dalle interpretazioni del convincente cast alle reazioni dei personaggi davanti ad eventi orribili e spaventosi. Per fare un esempio ad un certo punto Kelli Moroney, interprete tra l’altro degli ottimi La notte della cometa e Supermaket horror, apre un baule e dentro ci trova un cadavere. Non la vediamo liquidare la cosa bruscamente ma i suoi occhi e la sua espressione sono di credibile terrore così come la risposta della sua amica che corre a vomitare nel lavabo. Magari sono piccolezze, ma sono i dettagli a rendere grande l’opera del diavolo.

In più Mastorakis riesce a rendere adrenalinico un film che ha come body count una sola persona, cosa non da poco di sicuro. La parte slasher, quella più convincente, finisce a neanche mezz’ora dalla fine per lasciare spazio ad un survival di guerra sulla falsariga di Un tranquillo weekend di paura dove stavolta però lo scontro è tra soldati di guerra simulata con assassini veri.

The Zero boys è un film stilosissimo, dalla fotografia elegante, dalle invenzioni potenti, emozionante e veloce come solo uno spettacolo popolare da vhs potrebbe essere.

Tra gli attori salta all’occhio la presenza di Joe Estevez, soprattutto perché, appena arriva, balzi dalla poltrona esclamando “WTF, com’è possibile che sia come cattivo ci sia Martin Sheen?”. No, bro, non è lui ma il somigliantissimo fratello.

In Svezia il film ebbe problemi con la censura che tagliò l’intero finale rendendo incomprensibile la vicenda.

Nico Mastorakis con The Zero boys firma una delle sue regie più riuscite, un autore da riscoprire sia nei suoi alti come Destination – Il leggero fruscio della follia che nei suoi bassi di fine carriera tipo l’incredibile Top model per uccidere. Non gira più dal 2002, anno del pregevolissimo serialkiller.com con una sciupata ma bellissima Nastassja Kinski, peccato perché questo regista greco col pallino per i film d’azione e del terrore era uno degli autori più sottostimati ma validi della storia dei B movie, quelli che non sono serie A solo per il budget, ma che urlano “Fantasia al potere!”.

Immaginate che, in Zero Boys, Mastorakis crea, durante i primi minuti, un inaspettato e lungo piano sequenza, una roba che ti aspetti, che so da Brian De Palma, non da un autore di un teen horror!

Voi, se avete voglia recuperatelo questo film, e, mi raccomando, fateci sapere se vi è piaciuto.

Oltretutto ci dispiace che non sia mai stato fatto un capitolo 2 alla luce di un finale aperto, ma forse meglio così: la cosa accresce di più l’unicità del prodotto.

Andrea Lanza

 The zero boys

Anno: 1986

Regia: Nico Mastorakis Interpreti: Daniel Hirsch, Kelli Maroney, Nicole Rio, Tom Shell, Jared Moses, Crystal Carson, Joe Estevez

Durata: 90 min.

 

Non aprite quella porta 2

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faccia di cuoio, letherface, non aprite quella porta 2, texas chainsaw massacre 2, tobe hooper

Scrivevo questa recensione nel 2012 in uno speciale sulla saga di Non aprite quella porta per il portale horror.it. A distanza di 5 anni la ripropongo qui sulle pagine del mio/vostro blog Malastrana in un’occasione spiacevole, la morte di Tobe Hooper, uno dei grandi maestri dell’horror americano che si fa compagnia a chi l’ha preceduto negli ultimi anni, mesi, settimane, Wes Craven e George A. Romero su tutti. Ripropongo questa mia recensione perché affrontavo uno dei film più incompresi e belli di Tobe Hooper, quel secondo capitolo di Non aprite quella porta che sarebbe stato forse il punto più alto e mai più raggiunto della filmografia del regista. Noi lo salutiamo così ringraziandolo per i sogni e gli incubi che ci ha fatto fare in questi anni tra vampire spaziali, famiglie cannibali e poltergeist nascosti nella tv. RIP.

Diavolo d’un Tobe Hooper! Ora, nel 2012, dopo tanti brutti horror, te lo immagini rincoglionito sulla sedia a dondolo a guardare ebete i tramonti del Texas. Magari un fan si avvicina e gli fa una domanda su Letherface, il gigante con la motosega in mano del suo film più famoso, e lui pulendosi la bocca dalla bavetta risponde con frasi del tipo “Bello il sole eh?” o “La mamma non è ancora tornata”. Non puoi biasimarlo neh, anche alla mente più brillante sarebbe successo.

Non si può girare fettecchie come Mortuary o, in tempi non sospetti, robacce come Night terror con un attempato Robert Endgund che cavalca a petto nudo un cavallo fingendo di essere un sex simbol bello e dannato dell’horror, senza perdere il senno. Anche voi, amici miei, anche voi sareste crollati e il sole del Texas ora vi apparirebbe come la Madonna di Lourdes. Ma nel 1985 Tobe era un talento in massima espressione artistica: aveva alle spalle almeno due cult, Non aprite quella porta e Quel motel vicino alla palude, aveva girato un ottimo tv movie tratto da Stephen King, Le notti di Salem, ed era reduce da un campione di incassi come Poltergeist.

Ovvio quindi che quando bussano alla porta di casa Hooper, Menahem Golan e Yoram Globus, i famigerati padroni della casa di produzione più stracazzuta dell’universo, la Cannon, artefice di tamarraggini di grande successo come Invasion USA con Chuck Norris, il duo pensa di avere trovato nel regista la classica gallina dalle uova d’oro da spremere. Niente di più sbagliato e sciaguratamente avventato.

Con loro il buon Tobe gira il magnifico Space Vampires su sceneggiatura di Dan O’ Bannon, l’insipito Invaders e l’allucinante Non aprite quella porta 2. Risultato? Il primo è un flop che fa quasi fallire la Cannon, il secondo è tanto brutto che non se lo fila nessuno e il terzo incassa meno di quanto si pensava. Dopo questi insuccessi la carriera di Hooper sarà un continuo di alti e bassi fino alla calma piatta degli ultimi lavori. Ma mi immagino un fan del primo Non aprite quella porta accingersi a vedere questa seconda parte: sono passati più di 10 anni, è un horror che ha cambiato nel bene o nel male la storia del cinema del terrore, c’è ancora lo stesso regista al timone, ovvio che sarà un altro capolavoro.

E capolavoro Non aprite quella porta 2 lo è, ma è anche qualcosa che va assolutamente controcorrente rispetto alle aspettative di qualsiasi appassionato del genere. Hooper aumenta sì il sangue, la violenza, ma è tutto così grottesco, così esagerato, baracconesco da generare confusione ed essere qualcosa di difficilmente etichettabile. Facile, e probabilmente avrebbe portato qualche soldo in più, sarebbe stato il battere la strada della copia carbone come tanti seguiti, ma no, Hooper colora tutto con luci da luna park, rinuncia agli spazi angusti di una casa per portarci nel Texas a cielo aperto dove gli omicidi si compiono per strada, porta i suoi freaks nei dedali di un ex mattatoio dalle pareti grondanti budella umane, ripete scene clou del primo film in una chiave talmente stralunata da risultare genio e… delude i suoi fan.

Ovvio che ci sia stato un passaparola negativo e il film con gli anni abbia avuto a nomea di seguito scadente, ma è anche questo un segno di grandezza, la confusione con la bassezza parlando di sublime cinema, il non essere capito per poi magari essere riscoperto dopo anni e anni. Non aprite quella porta 2 usa il grottesco fin dalla copertina: una versione horror di quella del successo romantico The Breakfast club.

Hooper butta nel suo film gli umori politici di un decennio di transazione, gli anni 80, il reaganismo, l’eco mai spento del Vietnam, si fa berlina della moda delle varie palestre, del culto del corpo devastando quella carne e facendola spezzatino per altri corpi da appendere come quarti di bue, i Sawyer diventano ancora più ferocemente la parodia di una famiglia di media borghesia americana, con le sue regole di bon ton deviato e l’amore per il nucleo familiare. Letherface arriva ad innamorarsi, ed è questa una delle trovate più grandi del film, e lo fa con l’impacciataggine di un adolescente psicopatico davanti al sesso, il suo desiderio di uccidere diventa libidine che ha la catarsi con il transfert pene/motosega nella scena di seduzione ai danni di una dj terrorizzata.

Il trucco di Tom Savini sulla maschera del gigante cannibale è così esagerato da renderlo quasi, con l’abbinamento del vestito elegante da matrimonio o da funerale che indossa, una sorta di trasfigurazione di Charlot, uno strano, feroce, buffo Charlot del cinema horror passato sotto l’alba dei morti viventi. Altra intuizione poi è di mettere in scena un eroe, vestito da cowboy texano, completamente fuori di testa, che parla con i morti, che per uccidere la famiglia della motosega si arma anch’egli di motosega, lunghissima, in una sorta di gara alla virilità dove si sfoggia il membro più virile. Impossibile affezionarsi al personaggio di Dennis Hooper che arriva in ritardo a salvare la bella in pericolo, che si veste di bianco per non essere confuso col nero del male, che alla fin fine sembra pazzo come tutti i membri della famiglia che odia e vuole sterminare.

Interessante poi il finale, dove tutti gli uomini sono destinati a perire e, forse, il testimone della motosega passa ad una donna, simbolo di un sesso desiderato e rifiutato, ma dal quale tutti siamo stati generati. La Dj attraverso un utero di terra e umori, lotta con un’altra donna, la vera matriarca, quella che vive in cima a tutti e tutti vigila, sorta di Mater Sospirorum hooperiana, per prenderne poi il posto. Il gesto di Letherface scimmiottato porta a pensare che un’altra generazione di mostri è lì lì per venire. Grande, grande Tobe Hooper.

Tobe Hooper sul film:

“E’ pazzesco come l’inferno, un film talmente fuori di testa. Con Non aprite quella porta 2 ho avuto la possibilità di fare una commedia, una commedia molto triste, che non è piaciuta a tutti, ma ha i suoi fan. E’ un film molto del suo tempo, con tocchi di satira politica sull’America capitalista degli anni ’80. Per i miei film mi guardo sempre intorno e cerco di cogliere alcuni aspetti della politica e dell’economia. Sono un drogato di CNN“

Curiosità:

Abbiamo confrontato la versione vulgata del film con la workprint ovvero al copia lavoro di Texas chansaw massacre 2, mai vista dal pubblico, e abbiamo trovato con sorpresa l’inserimento di una scena priva ancora degli effetti speciali, ma molto interessante. Per anni tra appassionati si è parlato dei tagli all’opera di Hooper e visionare l’opera in versione totalmente integrale è stata esperienza non priva di un certo fascino che ha saputo accrescere già l’alto valore dell’opera. La workprint dura 1 ora e 51 minuti contro l’ora e 35 della versione più lunga vulgata da noi in dvd, contiene scene di dialogo in piu’ e una maggiore crudezza nelle scene di omicidi. Non solo però perché contiene soprattutto una scena mancante che andiamo a spiegare nel dettaglio. La qualità della workprint è bassissima, ma rende benissimo la follia anarco-sanguinaria che Texas massacre part 2 incarna poeticamente.

La famiglia di cannibali è in viaggio su di un furgone, mentre la dj si aggira tra le anguste segrete del loro mattatoio. C’è il dettaglio di Testa di latta che cuce il burattino visto all’inizio del film. Arrivati ad un parcheggio sotterraneo trovano dei disordini: un gruppo di adolescenti sta rompendo tutte le auto con grosse mazze. I ragazzi si avvicinano con fare minaccioso al furgone, ma ecco che appare dal retro del mezzo Leatherface la sua motosega. E’un’orgia di sangue: teste decapitate, braccia, piedi che volano da tutte le parte, una mano mozzata che alza il dito medio. Poco dopo due ragazze e un uomo scendono le scale per andare al parcheggio e vengono uccisi da Letherface.

Andrea K. Lanza

Non aprite quella porta 2

Titolo originale: The Texas Chainsaw Massacre part 2

Regia: Tobe Hooper

Interpreti:Dennis Hopper, Caroline Williams, Bill Johnson, Bill Moseley

Durata: 95 min. 

Testimone poco attendibile

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Attenzione prima di cominciare la lettura.

Per i più deboli di cuore: in questo film Shannon Tweed non si spoglia.

Non vedrete mai queste:

Se volete sapere perchè, dopo anni di onorata carriera, questa famosa attrice del thriller scollacciato ha deciso di ritrovare una sua verginità proseguite pure la lettura.

Qualcosa dev’essere andato storto in fase realizzativa con questo Night Visitor, da noi uscito come Testimone poco attendibile in un dvd ai limiti della vhs edito dalla Avo Film.

Eh sì perchè il cast con nomi altisonanti, tra star e starlettes, non solo del cinema horror, lasciava presupporre un’opera meno superficiale, più appassionante e sicuramente realizzata almeno decentemente.

A nulla serve però avere come attori il grande Elliott Gould (da M.A.S.H. a Capricorne One fino ad American History X), il nostro Shaft preferito, Richard Roundtree, e poi il magnifico Michael J. Pollard. l’alcolizzato de I 4 dell’apocalisse di Fulci, e ancora l’Allen Garfield de La conversazione di Coppola, se poi li sprechi al pari dei peggiori caratteristi, che comunque infestano la pellicola, nè più nè meno spaesati delle vere star hollywoodiane.

Basti pensare che la performance di Elliott Gould, per dirne uno, non è migliore nè peggiore di quella di Brooke Bundy, conosciuta ai fan del cinema horror per essere la mamma di Nancy in Nightmare di Craven, e anche qui mamma, in  una recitazione catatonica e frastornata, sotto il livello di guardia.

Almeno però a Gould, impacciato detective che muove comunque simpatia qua e là nella pellicola, è andata meglio che a Allen Garfield e Michael J. Pollard, forse nelle loro peggiori interpretazioni di sempre, che si vorrebbero ironiche e che invece sono sempre tra il pecoreccio e l’indecente.

Per i più impressionabili abbiamo optato un Garfield meno imbarazzante vestito da diavolo

Basti pensare alle miridiadi di facce gratuite che i due fanno, alle terribili battute che si trovano a ripetere, ai momenti di imbarazzo per lo spettatore quando simulano un rapporto di coppia incestuoso tra fratelli camuffato da battibecchi alla Robinson.

E poi la tutina rossa da diavolaccio di Garfield presa da Moreno dove tutto costa meno che fa tanto Polselli ma cazzo Polselli almeno due o tre cose carine ce le ficcava dentro nei suoi film…

Davvero vedere Testimone poco attendibile ti insegna l’umiltà, ti fa capire che anche Al Pacino può essere schiacciato attorialmente dal Christian De Sica d’oltreoceano, Adam Sandler, se si muove in un campo non suo, il cinema di merda. Testimone poco attendibile è una dura lezione assestata tra il cuore e lo stomaco, tipo un uppercut di Ryu: gli attori non fanno grande un film, lo fanno anche loro, ma ci vuole un lavoro di squadra che purtroppo qui non c’è.

Colpa principe del non regista, Rupert Hitzig, produttore di cose molto più graziose come Lo squalo 3, Wolfen o il divertente L’ultima sfida con la strafigona Vanity e il grandioso Scott Glenn. La regia , siamo chiari, è qui di più limpido non ci può essere nulla, non è il suo campo, e lo si vede, senza giri di parole, da come mette in scena gli omicidi che dovrebbero essere l’humus di un’opera horror se non sei capace di buttarla in suspense.

Cazzo ti ridi, Rupert?

Ogni tanto un’intuizione buona c’è, qualche luce sparata su scenografie non peregrine, ma poi non esiste un’idea di montaggio, di costruzione del terrore, di neanche il guizzo di buttarla sullo splatter. No solo due schizzi di sangue su un vetro come un eiaculatore precoce di Krypton, tutto qui, checcazzo, Rupert.

Si perchè poi vogliamo parlare del reparto figame? No cioè nel cast c’è Shannon Tweed, una bionda che ha reso grande il thriller/horror/erotico di Olen Ray e tutta la serie B gloriosa americana con le sue belle e sode tette, e tu cosa fai, signor Hitzing, neanche sfrutti l’idea voyeuristica del vicino spione, no tu la mostri sempre vestita e quando la uccidi riprendi le nuvole come uno svitato giovane filmaker con intenzioni. No perchè voglio dirtelo: a me della poesia di un sacchetto di plastica non importa una sega, io voglio le minne di Shannon Tweed!

Anche perchè, mi dico, sarà la censura, magari faccio finta che Testimone poco attendibile sia un film fatto per la televisione, cosa che non è, solo che poi, qualche scena dopo, assisto ad un altro brutto omicidio dove una prostituta viene uccisa e spogliata. Spogliata cazzo. Allora mi sovviene, signor Hitzing, che  tu sia un po’ come quel cretino che non ha mai scopato tutta la vita poi si trova una donna, l’unica disperata che gliela da’, con fatica pure perchè è vergine e di sani principi, senza sapere che prima si era passata tutta la città. Ecco, sarò crudele, Shannon Tweed non era vergine e le tette gliele hanno viste tutti. Scusa, Rupert, ma dovevi saperlo. Sei stato l’unico che ci ha creduto.

Shannon che sogna di essere sposata da Rupert Hitzig, produttore/regista di belle speranze

Testimone poco attendibile però mi ha fatto venire pure un dubbio atroce: ma un’anguria può rompere il vetro di un’auto? No cioè io mi immagino che il vetro di un’auto, e qui riemerge tutta la mia ignoranza, non sia semplice da rompere, ci dev’essere un oggetto sparato con grande velocità per creparlo, tipo i famosi sassolini in autostrada, o qualcosa di davvero pesante. Ad un certo punto il protagonista inseguito dal satanista cattivo si difende tirandogli sul parabrezza una grande anguria e gli sfonda il vetro. Ecco questa scena mi ha messo un po’ in crisi perchè non so se catalogarla come cretina o come verosimile, anche se opterei sulla prima ipotesi visto il film.

Torniamo al nostro horror/thriller demoniaco però.

Testimone poco attendibile è figlio di Ammazzavampiri di Tom Holland che a sua volta era figlio de La finestra su cortile di Hitchcock. Stesso plot rivisitato: un ragazzo bugiardo, da qui il titolo alternativo Never cry devil che gioca con il classico “Non gridare al lupo”, spia con un cannocchiale dalla finestra una vicina sexy, solo che una sera un killer vestito da caprone la uccide. Elemento non trascurabile il killer è il professore del ragazzo e nessuno gli crede, neppure i suoi due amici.

Ecco se Holland la butta nei vampiri e crea una storia piena di atmosfera che rilegge tra l’altro il Dracula di Stoker, Hitzing invece sceglie il verismo, il soprannaturale non fa mai capolino, ma l’orrore è il vicino di casa, il professore all’apparenza pacifico che ha dentro di sè la bestia, Satana.

Girato probabilmente da Holland il film avrebbe avuto una chance, ma bisognerebbe anche valutare quanto valida fosse la sceneggiatura di Randal Viscovich alla radice, se Hitzing l’abbia cambiata o no. Certo che così, alla luce di una realizzazione indecente, di attori poco carismatici, di personaggi che nascono e muoiono senza senso, di effetti speciali invisibili, Testimone poco attendibile è un film di rara piattezza.

Ad ampliare il tutto un dvd Avo che, come detto all’inizio, non migliora la qualità dell’opera con un doppiaggio raffazzonato e una fotografia granulosa.

Però qualcuno, almeno in America, ci deve aver creduto perchè Testimone poco attendibile è stato distribuito con il marchio MGM, mica la prima sotto label.

Qualche curiosità:

• il film uscì in Italia come Testimone poco attendibile in dvd e, prima ancora, come Il sospiro del diavolo in vhs per la CDI. Non ho idea se il doppiaggio sia lo stesso. Esiste comunque per incasinare le cose un’altra vhs, sempre CDI, dal titolo Testimone poco attendibile con appunto il nostro film.
• Il film fu girato a Venice in California negli stessi luoghi di Slumber party massacre.
• Uno degli amici del protagonista si chiama Sam Loomis in onore al capolavoro di Carpenter, Halloween.

Andrea Lanza

Testimone poco attendibile

Titolo originale: Never cry devil, Night visitor

Titolo alternativo: Il sospiro del diavolo

Regia: Rupert Hitzig

Sceneggiatura: Randal Viscovich

Interpreti: Derek Rydall, Allen Garfield, Kathleen Bailey,  Rupert Hitzig, Derek Rydall, Allen Garfield,  Jovanni Brascia, Elliott Gould, Richard Roundtree, Shannon Tweed, Michael J. Pollard

Durata: 90 min.

Tekken 2 – Kazuya’s Revenge

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cary-hiroyuki tagawa, gary daniels, kane kosugi, kazuya's revenge, recensioni, steven paul, tekken, tekken 2, wych kaosayananda

Siamo onesti, quanto impegno bisogna metterci per sbagliare completamente un film tratto da un videogioco? Ve lo dico io: un enorme, mastodontico impegno. Perché, obiettivamente, è già tutto lì, in quella cartuccia o in quel disco, ogni cosa serva alla buona riuscita di un’opera ispirata al videoludico è già stata scritta. E questo vale non solo per i giochi più complessi e sfaccettati, come le vecchie avventure grafiche o i moderni Assassin’s Creed, bensì anche per quel genere che, apparentemente, di trama ne ha ben poca: i picchiaduro. Ebbene sì, i beat’em up offrono numerose possibilità di utilizzo, ma al contempo ti impongono un certo tipo di percorso, una strada fiancheggiata da guard rail. L’immediata riconoscibilità di ogni personaggio e il background non sempre innovativo o particolareggiato, permette a un autore intelligente di sfogare la propria creatività in narrazioni fantasiose, purché si ricordi di cos’ha per le mani: storie di lotta e combattenti. In fondo è tutto qui, a un fan di Mortal Kombat o di Fatal Fury non interessano pellicole allo stato dell’arte, ma solo vedere sangue, ossa rotte e soprattutto rispetto. Quel rispetto che unicamente chi ha speso vagonate di gettoni ai cabinati, quand’era ragazzo, può avere, e solo chi ha assaporato lo sconcerto furioso di un genitore all’ennesima paghetta spesa a spuma e Street Fighter può comprendere. E adesso, a causa di questo discorso, mi sento vecchio e molto meno avvezzo a smussare le lame d’acciaio che andrebbero scagliate con un lanciarazzi su Steven Paul e Wych “Kaos” Kaosayananda.

Adattare su schermo un picchiaduro non è diverso dal girare un porno. Ve lo immaginate un film con Faye Reagan che invece di mostrare le sue grazie ci intrattiene due ore filosofeggiando? Al sesto minuto stareste usando il dvd come paletta per scrostare il grasso dalla cucina e avreste ragione a farlo. Similmente, in che modo vedreste un film intitolato Tekken 2 dove i combattimenti sono girati male, durano poco e tutto quanto è scritto come se nessuno sapesse cos’è Tekken? Intendiamoci, gli scontri ci sono, ma è il modo scialbo e annoiato con cui sono diretti e presentati che ci fa pentire del momento in cui abbiamo iniziato a vedere il film. E questo non è un buon biglietto da visita per l’adattamento di uno dei beat’em up più famosi di tutti i tempi. Per chi non lo sapesse, infatti, la saga videoludica di Tekken nasce in Giappone nel 1994 e l’anno successivo sbarca in tutto il mondo, riscuotendo un enorme successo e divenendo uno dei giochi che più contribuirono al successo della console targata Sony. Immancabile, quindi, l’incontro con la settima arte nel 2009, a opera di Dwight H. Little, regista di Programmato per Uccidere e Drago d’Acciaio. Senza infamia né lode, il film di Little poteva vantare una certa attinenza, perlomeno estetica, rispetto al materiale originale e senza ombra di dubbio consegnava un prodotto onesto e visibile per quello che era: un umile tentativo. Tekken 2, con il fantasioso sottotitolo di Kazuya’s Revenge, premonitore di una vendetta che assolutamente non vedrete mai, è invece l’insulsa manovra commerciale per dissanguare malamente un brand che non si conosce. Steven Paul, produttore e scrittore di film come Un genio in pannolino e rispettivi seguiti, ha chiaramente voluto sfruttare i diritti acquistati in precedenza, producendo un action che avrebbe rovinato vite anche negli anni ’90, e appioppandoci poi nomi e riferimenti legati a Tekken. Come facilmente intuibile, quest’operazione è un colpo basso all’anima non solo dei fan, ma anche di chiunque ami un certo tipo di cinema. E lo so, sembra incredibile e lascia esterrefatti pensare che un simile risultato sia opera dell’uomo che ha immaginato e scritto una bellezza epifanica quale Karate Dog. Come sarà mai potuto accadere?!

L’approssimazione selvaggia della sceneggiatura è già di per sé un reato punibile con la gogna, se poi si aggiungono momenti di totale inutilità, quando non imbarazzo, il disagio è completo. Ecco quindi che Paul ci catapulta in un distopico futuro, dove il mondo è dominato da super corporazioni che fanno il bello e il cattivo tempo, relegando la gente comune in quartieri poveri e malridotti, un mix tra una comunità hippie e la favela più tranquilla del mondo. E tutto questo si evince da un’introduzione al fulmicotone, dove il cinema ridiventa pure immagini in movimento, in un ritorno alle origini che ha il sapore commovente di una ritrovata e magica visionarietà.
No, dai, sto scherzando, l’utopistico tentativo di capirci qualcosa può riuscire solo grazie alla visione del primo film o, forse, al sermone annoiato di un Rade Serbedzija che solo il cielo sa come ci è finito qui dentro. Mancanza di decenza a parte, è in questo contesto che si risveglia il nostro innominato protagonista, totalmente ignaro di chi sia e del perché improvvisamente tutti ambiscano a vederlo morto. K, questo il nome che gli daranno, è costretto a collaborare con il misterioso Ministro, capo di una setta di assassini il cui compito è quello di minare e far crollare il sistema corrotto che governa il Paese. O almeno credo, visto che tutto è costruito in modo così svogliato e stereotipato da spedirti il cervello in un altro piano dell’esistenza. Dove sicuramente stanno trasmettendo un film migliore di questo.
Persino Cary-Hiroyuki Tagawa è schifato da quello che sta facendo, aggirandosi sulla scena, fortunatamente per pochissimi minuti, con la professionalità data dalla disperazione e dal desiderio di essere da un’altra parte più velocemente possibile.

Tutto è spento, senza fascino, vivacità, forza narrativa, senza uno straccio di coerenza, anche minima, con la saga ispiratrice. Una saga che risulta stuprata selvaggiamente e senza ritegno persino nella scelta del protagonista, un Kane Kosugi certamente formidabile a livello marziale, ma totalmente inadeguato in ogni altra cosa. Sembra che Steven Paul abbia ricercato con il lanternino la dovizia di scempiaggini inserite e aver affidato la direzione al regista del mostruoso Ballistic affossa definitivamente il lavoro. Kaosayananda è la prova che non hanno realmente tentato di fare alcunché di buono, limitandosi a produrre qualunque cosa venisse in mente prima di perdere i diritti. La sua regia non è elementare, ma dilettantesca, fastidiosa nell’incapacità di valorizzare tanto un combattimento quanto una scena di sesso. Definirla imbarazzante è usare eufemismo.

Inutile e disastroso, Tekken 2 – Kazuya’s Revenge si piazza tra l’insulto all’intelligenza e la voglia di morire, novanta minuti di povertà e tristezza condensati in una sceneggiatura criminale. Più che Tekken questa è la sagra del becero e a meno che non siate alla ricerca di un modo doloroso per porre fine alla vostra infanzia, dimenticatevene e andate avanti. La vita vi ringrazierà.

Manuel “Ash” Leale

Tekken 2 – Kazuya’s Revenge

Anno: 2014

Regia: Wych “Kaos” Kaosayananda

Interpreti: Kane Kosugi, Rade Serbedzija, Kelly Wenham, Gary Daniels, Cary-Hiroyuki Tagawa

Durata: 90 minuti

Tekken

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corey yuen, Dwight H. Little, programmato per uccidere, recensioni, tekken, videogame

Eccoci con un bel film spensierato (leggasi orribile per il mondo snob da festival) fatto di pugni, trame risibili e belle donne con vestiti striminziti. Siamo in quel sotto genere che plasma carne ai pixel, manco fossimo in un delirio cronenberghiano, quel mondo sublime di inenarrabili pasticci tratti dai videogame, gli Streetfighter con Van Damme in pilota automatico di edonismo, i Super Mario bros che distruggono carriere onorevoli, sia si parli di Bob Hopkins che di Dennis Hooper, i Mortal Kombat pre rincoglionimento Milla Jovovich per il bravo Paul W. S. Anderson.
Di pellicole che salveresti davvero in un ipotetico giudizio universale monda peccati passati ce ne sono davvero poche, forse il Silent Hill di Christopher Gans, di certo non i deliri di follia bolliana tra zombi al rallenti e alieni alle porte di questo mondo. Il problema è sempre quello: l’aspettativa. Lo ignorano (purtroppo) i più, ma il mondo dei videogiochi non è più roba per adolescenti brufolosi, si è evoluto dai vari bip bip boing boing, il tempo dei pacman ha lasciato il posto a trame complesse, a inquadrature così virtuosistiche da sfidare l’estetica di ogni buon regista. Prendiamo per esempio il  bellissimo Heavy rain, uscito anni fa su PS3: la storia, la struttura del gioco è quanto di meno fanciullesco possa esistere, si spezza il velo di Maia tra spettatori e visione, l’idea dei fratelli Lumiere di cinema come intrattenimento ludico si estremizza, ora il lieto fine o quello più nero è dato dalle nostre scelte.

In parole povere: diventiamo il Deus ex machina assoluto, il Dio sceneggiatore che sceglie chi fare morire o meno. E’ questo il mondo che abbiamo richiesto a gran voce quando Carlito è morto ad un passo dalla luce? Quando Mickey Rourke apre gli occhi senza Kim Basinger? In questa strana dimensione tutto (o quasi) può essere possibile e le forme assottigliandosi si assomigliano, cinema come videogame e di conseguenza videogame come cinema.

Per questo, in un ipotetico mondo perfetto, un film tratto da un videogioco dovrebbe essere strepitoso.
Ma, lo sappiamo, cacca al diavolo fiori a Gesù, che non è un mondo perfetto.

Tutti mi hanno odiato ne Il corvo 2, ma mi ameranno nel videogioco.

Lo sappiamo da sempre, noi che giochiamo, che niente è peggio dell’ultimo blockbuster, Iron man 2, Indipendence day, Van Helsing, buttati in pasto alle varie console casalinghe. Tasti incerti, grafica scadente, divertimento pari a zero. Idem i film tratti dai videogiochi, pretesti per trame stupide che sfociano nella vera incazzatura profana segno di una cultura che non capisce un’altra, mondi diversi che non possono incontrarsi mai davvero.

Il problema come dicevo è l’aspettativa, il pretendere un’inutile aderenza totale alla materia, un po’ come illudersi possa esistere una donna che ragioni completamente come un uomo. A questo punto l’iniziale gioia di ripercorrere paesaggi intravisti in un film o di assistere, con attori in carne ed ossa, alle stesse avventure giocate su console, non può che sfociare nella delusione più assoluta, perchè niente è così perfetto come l’abbiamo immaginato noi, dagli attori alla trama. Non solo: l’interattività a livello cinematografico deve per forza annullarsi e creare quindi l’effetto di una noiosa partita giocata da altri. Alone in the dark di Uwe Boll ne è la prova più lampante: ottima tecnica al servizio di una trama sterile e lacunosa.

Meno male che Tekken è un picchiaduro senza molta trama, importa alla fine solo l’aderenza ai costumi dei personaggi poi uno si può anche sbizzarrire. Oddio magari non troppo visto i disastri con Street fighter, altro caposaldo del genere mazzate potenti, svilito due volte in due decadi diverse da orribili film in pilota automatico di imbellità cinematografica. La lezione di come si dovrebbe trattare un picchiaduro, in maniera spensierata, è data dal delizioso Dead or alive, una passerella per fighe maestose e combattimenti che sfidano la forza della gravità. Non per niente il regista è il grandissimo Corey Yuen, uno che ha fatto grandi coreografie per film di arti marziali e ha saputo farsi perdonare delitti come No retreat no surrender. Ecco quindi che la chiave per un piccaduro trasposto su grande schermo è senza dubbio la spensieratezza.

Questo Tekken non sarà mai un bel film, ma è deliziosamente spensierato. Botte da orbi, budget poverello senza che lo noti con fastidio, ma soprattutto culi e tette come se non ci fosse un domani. A girare una sceneggiatura tendente alla scemeggiatura un veterano del genere action, Dwight H. Little, uno che ha dato ai posteri grandi tamarrate al pari di Drago d’acciaio con Brandon “diol’abbiaingoria” Lee e Programmato per uccidere con uno Steven Seagal pre pancione da cicciobello.

Qui tutto diventa un pretesto, a cominciare dalla trama fantascientifica dal vago sapore politico, per essere gustata con ingordigia coatta, le mosse, le battute cretine, il prurito dei vestiti sempre più aderenti mentre ragazze combattono con molossi incazzati, le psicologie tagliate con l’accetta dopo aver letto un bignami su Freud. Ma chissene. Tutto è fatto con i controcoglioni, le luci, le coreografie, i rallenti d’imitazione, persino i costumi dei combattenti.

Pretendere di più sarebbe non comprendere le diverse esigenze di ogni film, una maggiore maturità narrativa sarebbe come il Thor di Branagh, un pretestuoso cinecomix camuffato da vecchio filmaccio Cannon. Mica vogliamo fare la figura di quello che vedendo al cinema un film con Boldi e De Sica esclamò “Beh le commedie di Germi erano migliori”. Grazie al cazzo.

Andrea Lanza

Tekken

Anno: 2010

Regia: Dwight H. Little

Interpreti: Jon Foo, Kelly Overton, Cary-Hiroyuki Tagawa, Darrin Dewitt Henson, Luke Goss, Candice Hillebrand, Ian Anthony Dale, Marian Zapico

Durata: 90 min.

Tepepa

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giulio petroni, orson welles, tepepa, tomas milian, tortillas western

Nel vastissimo e variegato panorama del western italiano esiste un noto sotto-filone, spesso chiamato sbrigativamente “tortilla-western”, dedicato alla Rivoluzione Messicana. Non solo il celeberrimo Giù la testa di Sergio Leone, ma anche altre pellicole di egual valore – seppure meno conosciute: Tepepa di Petroni, Quien sabe? di Damiani, Vamos a matar compañeros e Il mercenario di Corbucci, Corri uomo corri di Sollima, Requiescant di Lizzani (un po’ sui generis, a dire il vero) sono gli esempi più illustri. Si tratta di western molto particolari, spesso ambientati nei primi anni del Novecento con un piacevole effetto straniante: armi insolite e qualche automobile spuntano di tanto in tanto nel deserto oppure nei piccoli villaggi, i classici pistoleri sono sostituiti da peones e banditi col sombrero, le giacche blu lasciano il posto alle divise grigie dei rurales. È un modo rivoluzionario di interpretare il western, che pure ha sempre saccheggiato nell’affascinante territorio messicano: qui il Messico diventa però il vero protagonista delle vicende, lui e soprattutto i suoi abitanti, con il loro desiderio di libertà contro gli oppressori, configurandosi spesso come opere dal forte messaggio politico di sinistra (in Requiescant recita anche Pasolini, per esempio).

Con Tepepa (1969), il genere si incontra con un grande cineasta italiano, Giulio Petroni. Autore a 360 gradi (non solo regista, ma anche giornalista e documentarista), affronta vari generi e tocca il western in cinque film completamente diversi l’uno dall’altro: oltre al suddetto sulla Revolucion, il classico Da uomo a uomo (solida storia di vendetta e formazione), …E per tetto un cielo di stelle (nostalgico e crepuscolare, con una punta di ironia), La notte dei serpenti (curiosa contaminazione col thriller) e La vita a volte è molto dura, vero Provvidenza? (western comico). Petroni, intellettuale dalla grande sensibilità politica (girò, per esempio, il documentario L’arte della Resistenza), frutto anche della sua esperienza di partigiano, realizza con Tepepa uno dei più grandi western italiani, un vero e proprio kolossal ad alto budget, imponente già a partire dal cast. Co-protagonista insieme a Tomas Milian è infatti uno dei giganti per eccellenza della cinematografia mondiale, Orson Welles: un’impresa che fa onore non solo al regista, ma anche a tutto il cinema italiano. Welles ha una presenza mastodontica nel film, definisce il sadico personaggio con la consueta maestria e si impone nelle scene: non solo fisicamente, con la sua mole corpulenta, ma soprattutto con la recitazione e con l’aura di monumento del cinema che porta giustamente con sé. Una presenza di questo spessore rischierebbe di offuscare il resto del cast, ma sia Milian che John Steiner hanno la personalità giusta per tenergli testa e offrono tutti una superba recitazione collettiva.

Scritto e sceneggiato da Franco Solinas (un altro nome storico del cinema italiano), Tepepa è un western corale di ampio respiro, una vera e propria epopea – a cominciare dalla durata notevole di 126 minuti, che scorrono però piacevolmente grazie alla maestria del regista, che orchestra nel modo migliore una vicenda complessa, ma anche ai dialoghi appassionanti, alle sequenze avventurose e alle coinvolgenti interpretazioni. Protagonista è appunto Tepepa (Milian), un peone che negli anni attorno al 1910 combatte per la Rivoluzione Messicana. Suo acerrimo nemico è il crudele colonnello Cascorro (Welles), che lo sta per fucilare dopo aver ucciso tutti i suoi compagni: Tepepa viene salvato dal medico inglese Henry Price (Steiner), che in realtà lo sequestra per poterlo uccidere a sua volta, ritenendolo responsabile di aver violentato e spinto al suicidio la fidanzata durante un’azione rivoluzionaria. Dopo una serie di avventure in cui Tepepa e Price si separano e si re-incontrano, il peone si riunisce ad altri rivoluzionari per continuare a combattere contro la dittatura e anche contro il presidente Madero, che aveva promesso libertà per il popolo per poi vendersi ai governativi. Le vicende di Tepepa, Cascorro e Price si incrociano nel lungo e amaro finale, dove ognuno avrà la sua vendetta e la rivoluzione continuerà.

Grande merito di Tepepa è innanzitutto quello di mescolare abilmente le innovative vicende rivoluzionarie con uno dei temi più classici del western, la vendetta. Con un andamento epico e quasi leoniano in certi momenti, Petroni focalizza l’attenzione di volta in volta sulle azioni corali oppure sulle storie dei singoli personaggi – ciascuno dei quali è delineato in maniera certosina e mai banale. La Revolucion è sviscerata nei suoi meccanismi interni – per quanto è possibile fare con un evento storico così complesso – ed è qui che emerge tutta la sensibilità e cultura politica del regista. Da un lato il popolo, sfruttato e voglioso di lottare per la libertà, dall’altro il governo tiranno rappresentato dall’esercito; ma anche personaggi di confine, come il presidente Madero che si riempie la bocca di promesse per poi fare il gioco della dittatura, oppure la figura del Piojo (José Torres, celebre caratterista del western italiano) che per denaro tradisce i suoi compagni di lotta. Un’idea della rivoluzione che va oltre i singoli individui, come simboleggiato dalla poetica e commovente sequenza finale in cui i guerriglieri cavalcano e in trasparenza appare l’immagine dell’ormai defunto Tepepa, diventato un simbolo della lotta per la libertà. Significativo anche il personaggio del piccolo Paquito (Luciano Casamonica), che contiene già in nuce i caratteri del futuro uomo rivoluzionario. Un discorso politico che può essere interpretato anche come metafora di tutte le guerre contro le dittature.

Naturalmente, in Tepepa c’è ampio spazio per l’avventura, in cui si incastra la vicenda politica: possiamo dire che Petroni fa con il western un po’ quello che Damiani fa con il poliziesco, cioè coniuga nel migliore dei modi impegno e spettacolo – riuscendo in tal modo ad appassionare lo spettatore trasmettendo al contempo precisi messaggi. Avventura, azione e violenza abbondando nel film. Ricordiamo alcune scene particolarmente crude, come l’eccidio dei peones ad opera di Cascorro, Tepepa frustato a sangue, le numerose uccisioni a sangue freddo, senza dimenticare la crudele e beffarda morte del protagonista. La scena d’azione più lunga e spettacolare è quella che porta verso la resa dei conti finale, cioè l’agguato dei rivoluzionari nel canyon dove passa l’esercito al comando di Cascorro, che si conclude con un massacro a base di proiettili e dinamite. Ma anche quando non si spara, Tepepa è un film all’insegna dell’avventura: in certi momenti richiama un po’ il carattere picaresco di altri “tortilla-western” come Vamos a matar compañeros e Corri uomo corri, eliminando però il carattere volutamente grottesco e umoristico di tali film. A questo contribuiscono in maniera determinante anche le ricche location: deserti, villaggi arsi dal sole e luride prigioni, il tutto valorizzato dalla fotografia di Francisco Marin e dall’utilizzo del Technicolor e Techniscope, che rendono al meglio i colori forti e le inquadrature di ampio respiro (Tepepa è giocato infatti su molti campi lunghi, contrapposti di frequente ai primi piani). Completano il quadro estetico le sempre ottime musiche di Ennio Morricone, che realizza una colonna sonora lirica e poderosa e dall’andamento tipico delle ballate messicane.

Strepitose infine le recitazioni sanguigne di Milian, Welles e Steiner, ciascuno con le sue peculiarità fisiche e psicologiche: Milian (che si doppia da solo) interpreta uno dei suoi personaggi più classici, il peone rivoluzionario vestito di stracci oppure con sombrero e cartuccere a tracolla; il corpulento Welles, sempre in divisa da colonnello, dà vita magistralmente al sadico e laido generale Cascorro; Steiner, che entra in scena vestito elegante e a bordo di un auto, è un personaggio complesso e subdolo, animato da una continua voglia di vendetta e che risulta fondamentale nello sviluppo della vicenda.

Davide Comotti

Tepepa

Regia: Giulio Petroni

Sceneggiatura: Giulio Petroni , Franco Solinas , Ivan Della Mea

Fotografia: Francisco Marin

Musica: Ennio Morricone

Interpreti: Tomas Milian , Orson Welles , Jhon Steiner , Luciano Casamonica , Jose Torres

Durata: 136 min.

Titoli esteri: Blood and Guns / Long Live the Revolution