Testimone poco attendibile

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Attenzione prima di cominciare la lettura.

Per i più deboli di cuore: in questo film Shannon Tweed non si spoglia.

Non vedrete mai queste:

Se volete sapere perchè, dopo anni di onorata carriera, questa famosa attrice del thriller scollacciato ha deciso di ritrovare una sua verginità proseguite pure la lettura.

Qualcosa dev’essere andato storto in fase realizzativa con questo Night Visitor, da noi uscito come Testimone poco attendibile in un dvd ai limiti della vhs edito dalla Avo Film.

Eh sì perchè il cast con nomi altisonanti, tra star e starlettes, non solo del cinema horror, lasciava presupporre un’opera meno superficiale, più appassionante e sicuramente realizzata almeno decentemente.

A nulla serve però avere come attori il grande Elliott Gould (da M.A.S.H. a Capricorne One fino ad American History X), il nostro Shaft preferito, Richard Roundtree, e poi il magnifico Michael J. Pollard. l’alcolizzato de I 4 dell’apocalisse di Fulci, e ancora l’Allen Garfield de La conversazione di Coppola, se poi li sprechi al pari dei peggiori caratteristi, che comunque infestano la pellicola, nè più nè meno spaesati delle vere star hollywoodiane.

Basti pensare che la performance di Elliott Gould, per dirne uno, non è migliore nè peggiore di quella di Brooke Bundy, conosciuta ai fan del cinema horror per essere la mamma di Nancy in Nightmare di Craven, e anche qui mamma, in  una recitazione catatonica e frastornata, sotto il livello di guardia.

Almeno però a Gould, impacciato detective che muove comunque simpatia qua e là nella pellicola, è andata meglio che a Allen Garfield e Michael J. Pollard, forse nelle loro peggiori interpretazioni di sempre, che si vorrebbero ironiche e che invece sono sempre tra il pecoreccio e l’indecente.

Per i più impressionabili abbiamo optato un Garfield meno imbarazzante vestito da diavolo

Basti pensare alle miridiadi di facce gratuite che i due fanno, alle terribili battute che si trovano a ripetere, ai momenti di imbarazzo per lo spettatore quando simulano un rapporto di coppia incestuoso tra fratelli camuffato da battibecchi alla Robinson.

E poi la tutina rossa da diavolaccio di Garfield presa da Moreno dove tutto costa meno che fa tanto Polselli ma cazzo Polselli almeno due o tre cose carine ce le ficcava dentro nei suoi film…

Davvero vedere Testimone poco attendibile ti insegna l’umiltà, ti fa capire che anche Al Pacino può essere schiacciato attorialmente dal Christian De Sica d’oltreoceano, Adam Sandler, se si muove in un campo non suo, il cinema di merda. Testimone poco attendibile è una dura lezione assestata tra il cuore e lo stomaco, tipo un uppercut di Ryu: gli attori non fanno grande un film, lo fanno anche loro, ma ci vuole un lavoro di squadra che purtroppo qui non c’è.

Colpa principe del non regista, Rupert Hitzig, produttore di cose molto più graziose come Lo squalo 3, Wolfen o il divertente L’ultima sfida con la strafigona Vanity e il grandioso Scott Glenn. La regia , siamo chiari, è qui di più limpido non ci può essere nulla, non è il suo campo, e lo si vede, senza giri di parole, da come mette in scena gli omicidi che dovrebbero essere l’humus di un’opera horror se non sei capace di buttarla in suspense.

Cazzo ti ridi, Rupert?

Ogni tanto un’intuizione buona c’è, qualche luce sparata su scenografie non peregrine, ma poi non esiste un’idea di montaggio, di costruzione del terrore, di neanche il guizzo di buttarla sullo splatter. No solo due schizzi di sangue su un vetro come un eiaculatore precoce di Krypton, tutto qui, checcazzo, Rupert.

Si perchè poi vogliamo parlare del reparto figame? No cioè nel cast c’è Shannon Tweed, una bionda che ha reso grande il thriller/horror/erotico di Olen Ray e tutta la serie B gloriosa americana con le sue belle e sode tette, e tu cosa fai, signor Hitzing, neanche sfrutti l’idea voyeuristica del vicino spione, no tu la mostri sempre vestita e quando la uccidi riprendi le nuvole come uno svitato giovane filmaker con intenzioni. No perchè voglio dirtelo: a me della poesia di un sacchetto di plastica non importa una sega, io voglio le minne di Shannon Tweed!

Anche perchè, mi dico, sarà la censura, magari faccio finta che Testimone poco attendibile sia un film fatto per la televisione, cosa che non è, solo che poi, qualche scena dopo, assisto ad un altro brutto omicidio dove una prostituta viene uccisa e spogliata. Spogliata cazzo. Allora mi sovviene, signor Hitzing, che  tu sia un po’ come quel cretino che non ha mai scopato tutta la vita poi si trova una donna, l’unica disperata che gliela da’, con fatica pure perchè è vergine e di sani principi, senza sapere che prima si era passata tutta la città. Ecco, sarò crudele, Shannon Tweed non era vergine e le tette gliele hanno viste tutti. Scusa, Rupert, ma dovevi saperlo. Sei stato l’unico che ci ha creduto.

Shannon che sogna di essere sposata da Rupert Hitzig, produttore/regista di belle speranze

Testimone poco attendibile però mi ha fatto venire pure un dubbio atroce: ma un’anguria può rompere il vetro di un’auto? No cioè io mi immagino che il vetro di un’auto, e qui riemerge tutta la mia ignoranza, non sia semplice da rompere, ci dev’essere un oggetto sparato con grande velocità per creparlo, tipo i famosi sassolini in autostrada, o qualcosa di davvero pesante. Ad un certo punto il protagonista inseguito dal satanista cattivo si difende tirandogli sul parabrezza una grande anguria e gli sfonda il vetro. Ecco questa scena mi ha messo un po’ in crisi perchè non so se catalogarla come cretina o come verosimile, anche se opterei sulla prima ipotesi visto il film.

Torniamo al nostro horror/thriller demoniaco però.

Testimone poco attendibile è figlio di Ammazzavampiri di Tom Holland che a sua volta era figlio de La finestra su cortile di Hitchcock. Stesso plot rivisitato: un ragazzo bugiardo, da qui il titolo alternativo Never cry devil che gioca con il classico “Non gridare al lupo”, spia con un cannocchiale dalla finestra una vicina sexy, solo che una sera un killer vestito da caprone la uccide. Elemento non trascurabile il killer è il professore del ragazzo e nessuno gli crede, neppure i suoi due amici.

Ecco se Holland la butta nei vampiri e crea una storia piena di atmosfera che rilegge tra l’altro il Dracula di Stoker, Hitzing invece sceglie il verismo, il soprannaturale non fa mai capolino, ma l’orrore è il vicino di casa, il professore all’apparenza pacifico che ha dentro di sè la bestia, Satana.

Girato probabilmente da Holland il film avrebbe avuto una chance, ma bisognerebbe anche valutare quanto valida fosse la sceneggiatura di Randal Viscovich alla radice, se Hitzing l’abbia cambiata o no. Certo che così, alla luce di una realizzazione indecente, di attori poco carismatici, di personaggi che nascono e muoiono senza senso, di effetti speciali invisibili, Testimone poco attendibile è un film di rara piattezza.

Ad ampliare il tutto un dvd Avo che, come detto all’inizio, non migliora la qualità dell’opera con un doppiaggio raffazzonato e una fotografia granulosa.

Però qualcuno, almeno in America, ci deve aver creduto perchè Testimone poco attendibile è stato distribuito con il marchio MGM, mica la prima sotto label.

Qualche curiosità:

• il film uscì in Italia come Testimone poco attendibile in dvd e, prima ancora, come Il sospiro del diavolo in vhs per la CDI. Non ho idea se il doppiaggio sia lo stesso. Esiste comunque per incasinare le cose un’altra vhs, sempre CDI, dal titolo Testimone poco attendibile con appunto il nostro film.
• Il film fu girato a Venice in California negli stessi luoghi di Slumber party massacre.
• Uno degli amici del protagonista si chiama Sam Loomis in onore al capolavoro di Carpenter, Halloween.

Andrea Lanza

Testimone poco attendibile

Titolo originale: Never cry devil, Night visitor

Titolo alternativo: Il sospiro del diavolo

Regia: Rupert Hitzig

Sceneggiatura: Randal Viscovich

Interpreti: Derek Rydall, Allen Garfield, Kathleen Bailey,  Rupert Hitzig, Derek Rydall, Allen Garfield,  Jovanni Brascia, Elliott Gould, Richard Roundtree, Shannon Tweed, Michael J. Pollard

Durata: 90 min.

Tekken 2 – Kazuya’s Revenge

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Siamo onesti, quanto impegno bisogna metterci per sbagliare completamente un film tratto da un videogioco? Ve lo dico io: un enorme, mastodontico impegno. Perché, obiettivamente, è già tutto lì, in quella cartuccia o in quel disco, ogni cosa serva alla buona riuscita di un’opera ispirata al videoludico è già stata scritta. E questo vale non solo per i giochi più complessi e sfaccettati, come le vecchie avventure grafiche o i moderni Assassin’s Creed, bensì anche per quel genere che, apparentemente, di trama ne ha ben poca: i picchiaduro. Ebbene sì, i beat’em up offrono numerose possibilità di utilizzo, ma al contempo ti impongono un certo tipo di percorso, una strada fiancheggiata da guard rail. L’immediata riconoscibilità di ogni personaggio e il background non sempre innovativo o particolareggiato, permette a un autore intelligente di sfogare la propria creatività in narrazioni fantasiose, purché si ricordi di cos’ha per le mani: storie di lotta e combattenti. In fondo è tutto qui, a un fan di Mortal Kombat o di Fatal Fury non interessano pellicole allo stato dell’arte, ma solo vedere sangue, ossa rotte e soprattutto rispetto. Quel rispetto che unicamente chi ha speso vagonate di gettoni ai cabinati, quand’era ragazzo, può avere, e solo chi ha assaporato lo sconcerto furioso di un genitore all’ennesima paghetta spesa a spuma e Street Fighter può comprendere. E adesso, a causa di questo discorso, mi sento vecchio e molto meno avvezzo a smussare le lame d’acciaio che andrebbero scagliate con un lanciarazzi su Steven Paul e Wych “Kaos” Kaosayananda.

Adattare su schermo un picchiaduro non è diverso dal girare un porno. Ve lo immaginate un film con Faye Reagan che invece di mostrare le sue grazie ci intrattiene due ore filosofeggiando? Al sesto minuto stareste usando il dvd come paletta per scrostare il grasso dalla cucina e avreste ragione a farlo. Similmente, in che modo vedreste un film intitolato Tekken 2 dove i combattimenti sono girati male, durano poco e tutto quanto è scritto come se nessuno sapesse cos’è Tekken? Intendiamoci, gli scontri ci sono, ma è il modo scialbo e annoiato con cui sono diretti e presentati che ci fa pentire del momento in cui abbiamo iniziato a vedere il film. E questo non è un buon biglietto da visita per l’adattamento di uno dei beat’em up più famosi di tutti i tempi. Per chi non lo sapesse, infatti, la saga videoludica di Tekken nasce in Giappone nel 1994 e l’anno successivo sbarca in tutto il mondo, riscuotendo un enorme successo e divenendo uno dei giochi che più contribuirono al successo della console targata Sony. Immancabile, quindi, l’incontro con la settima arte nel 2009, a opera di Dwight H. Little, regista di Programmato per Uccidere e Drago d’Acciaio. Senza infamia né lode, il film di Little poteva vantare una certa attinenza, perlomeno estetica, rispetto al materiale originale e senza ombra di dubbio consegnava un prodotto onesto e visibile per quello che era: un umile tentativo. Tekken 2, con il fantasioso sottotitolo di Kazuya’s Revenge, premonitore di una vendetta che assolutamente non vedrete mai, è invece l’insulsa manovra commerciale per dissanguare malamente un brand che non si conosce. Steven Paul, produttore e scrittore di film come Un genio in pannolino e rispettivi seguiti, ha chiaramente voluto sfruttare i diritti acquistati in precedenza, producendo un action che avrebbe rovinato vite anche negli anni ’90, e appioppandoci poi nomi e riferimenti legati a Tekken. Come facilmente intuibile, quest’operazione è un colpo basso all’anima non solo dei fan, ma anche di chiunque ami un certo tipo di cinema. E lo so, sembra incredibile e lascia esterrefatti pensare che un simile risultato sia opera dell’uomo che ha immaginato e scritto una bellezza epifanica quale Karate Dog. Come sarà mai potuto accadere?!

L’approssimazione selvaggia della sceneggiatura è già di per sé un reato punibile con la gogna, se poi si aggiungono momenti di totale inutilità, quando non imbarazzo, il disagio è completo. Ecco quindi che Paul ci catapulta in un distopico futuro, dove il mondo è dominato da super corporazioni che fanno il bello e il cattivo tempo, relegando la gente comune in quartieri poveri e malridotti, un mix tra una comunità hippie e la favela più tranquilla del mondo. E tutto questo si evince da un’introduzione al fulmicotone, dove il cinema ridiventa pure immagini in movimento, in un ritorno alle origini che ha il sapore commovente di una ritrovata e magica visionarietà.
No, dai, sto scherzando, l’utopistico tentativo di capirci qualcosa può riuscire solo grazie alla visione del primo film o, forse, al sermone annoiato di un Rade Serbedzija che solo il cielo sa come ci è finito qui dentro. Mancanza di decenza a parte, è in questo contesto che si risveglia il nostro innominato protagonista, totalmente ignaro di chi sia e del perché improvvisamente tutti ambiscano a vederlo morto. K, questo il nome che gli daranno, è costretto a collaborare con il misterioso Ministro, capo di una setta di assassini il cui compito è quello di minare e far crollare il sistema corrotto che governa il Paese. O almeno credo, visto che tutto è costruito in modo così svogliato e stereotipato da spedirti il cervello in un altro piano dell’esistenza. Dove sicuramente stanno trasmettendo un film migliore di questo.
Persino Cary-Hiroyuki Tagawa è schifato da quello che sta facendo, aggirandosi sulla scena, fortunatamente per pochissimi minuti, con la professionalità data dalla disperazione e dal desiderio di essere da un’altra parte più velocemente possibile.

Tutto è spento, senza fascino, vivacità, forza narrativa, senza uno straccio di coerenza, anche minima, con la saga ispiratrice. Una saga che risulta stuprata selvaggiamente e senza ritegno persino nella scelta del protagonista, un Kane Kosugi certamente formidabile a livello marziale, ma totalmente inadeguato in ogni altra cosa. Sembra che Steven Paul abbia ricercato con il lanternino la dovizia di scempiaggini inserite e aver affidato la direzione al regista del mostruoso Ballistic affossa definitivamente il lavoro. Kaosayananda è la prova che non hanno realmente tentato di fare alcunché di buono, limitandosi a produrre qualunque cosa venisse in mente prima di perdere i diritti. La sua regia non è elementare, ma dilettantesca, fastidiosa nell’incapacità di valorizzare tanto un combattimento quanto una scena di sesso. Definirla imbarazzante è usare eufemismo.

Inutile e disastroso, Tekken 2 – Kazuya’s Revenge si piazza tra l’insulto all’intelligenza e la voglia di morire, novanta minuti di povertà e tristezza condensati in una sceneggiatura criminale. Più che Tekken questa è la sagra del becero e a meno che non siate alla ricerca di un modo doloroso per porre fine alla vostra infanzia, dimenticatevene e andate avanti. La vita vi ringrazierà.

Manuel “Ash” Leale

Tekken 2 – Kazuya’s Revenge

Anno: 2014

Regia: Wych “Kaos” Kaosayananda

Interpreti: Kane Kosugi, Rade Serbedzija, Kelly Wenham, Gary Daniels, Cary-Hiroyuki Tagawa

Durata: 90 minuti

Tekken

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corey yuen, Dwight H. Little, programmato per uccidere, recensioni, tekken, videogame

Eccoci con un bel film spensierato (leggasi orribile per il mondo snob da festival) fatto di pugni, trame risibili e belle donne con vestiti striminziti. Siamo in quel sotto genere che plasma carne ai pixel, manco fossimo in un delirio cronenberghiano, quel mondo sublime di inenarrabili pasticci tratti dai videogame, gli Streetfighter con Van Damme in pilota automatico di edonismo, i Super Mario bros che distruggono carriere onorevoli, sia si parli di Bob Hopkins che di Dennis Hooper, i Mortal Kombat pre rincoglionimento Milla Jovovich per il bravo Paul W. S. Anderson.
Di pellicole che salveresti davvero in un ipotetico giudizio universale monda peccati passati ce ne sono davvero poche, forse il Silent Hill di Christopher Gans, di certo non i deliri di follia bolliana tra zombi al rallenti e alieni alle porte di questo mondo. Il problema è sempre quello: l’aspettativa. Lo ignorano (purtroppo) i più, ma il mondo dei videogiochi non è più roba per adolescenti brufolosi, si è evoluto dai vari bip bip boing boing, il tempo dei pacman ha lasciato il posto a trame complesse, a inquadrature così virtuosistiche da sfidare l’estetica di ogni buon regista. Prendiamo per esempio il  bellissimo Heavy rain, uscito anni fa su PS3: la storia, la struttura del gioco è quanto di meno fanciullesco possa esistere, si spezza il velo di Maia tra spettatori e visione, l’idea dei fratelli Lumiere di cinema come intrattenimento ludico si estremizza, ora il lieto fine o quello più nero è dato dalle nostre scelte.

In parole povere: diventiamo il Deus ex machina assoluto, il Dio sceneggiatore che sceglie chi fare morire o meno. E’ questo il mondo che abbiamo richiesto a gran voce quando Carlito è morto ad un passo dalla luce? Quando Mickey Rourke apre gli occhi senza Kim Basinger? In questa strana dimensione tutto (o quasi) può essere possibile e le forme assottigliandosi si assomigliano, cinema come videogame e di conseguenza videogame come cinema.

Per questo, in un ipotetico mondo perfetto, un film tratto da un videogioco dovrebbe essere strepitoso.
Ma, lo sappiamo, cacca al diavolo fiori a Gesù, che non è un mondo perfetto.

Tutti mi hanno odiato ne Il corvo 2, ma mi ameranno nel videogioco.

Lo sappiamo da sempre, noi che giochiamo, che niente è peggio dell’ultimo blockbuster, Iron man 2, Indipendence day, Van Helsing, buttati in pasto alle varie console casalinghe. Tasti incerti, grafica scadente, divertimento pari a zero. Idem i film tratti dai videogiochi, pretesti per trame stupide che sfociano nella vera incazzatura profana segno di una cultura che non capisce un’altra, mondi diversi che non possono incontrarsi mai davvero.

Il problema come dicevo è l’aspettativa, il pretendere un’inutile aderenza totale alla materia, un po’ come illudersi possa esistere una donna che ragioni completamente come un uomo. A questo punto l’iniziale gioia di ripercorrere paesaggi intravisti in un film o di assistere, con attori in carne ed ossa, alle stesse avventure giocate su console, non può che sfociare nella delusione più assoluta, perchè niente è così perfetto come l’abbiamo immaginato noi, dagli attori alla trama. Non solo: l’interattività a livello cinematografico deve per forza annullarsi e creare quindi l’effetto di una noiosa partita giocata da altri. Alone in the dark di Uwe Boll ne è la prova più lampante: ottima tecnica al servizio di una trama sterile e lacunosa.

Meno male che Tekken è un picchiaduro senza molta trama, importa alla fine solo l’aderenza ai costumi dei personaggi poi uno si può anche sbizzarrire. Oddio magari non troppo visto i disastri con Street fighter, altro caposaldo del genere mazzate potenti, svilito due volte in due decadi diverse da orribili film in pilota automatico di imbellità cinematografica. La lezione di come si dovrebbe trattare un picchiaduro, in maniera spensierata, è data dal delizioso Dead or alive, una passerella per fighe maestose e combattimenti che sfidano la forza della gravità. Non per niente il regista è il grandissimo Corey Yuen, uno che ha fatto grandi coreografie per film di arti marziali e ha saputo farsi perdonare delitti come No retreat no surrender. Ecco quindi che la chiave per un piccaduro trasposto su grande schermo è senza dubbio la spensieratezza.

Questo Tekken non sarà mai un bel film, ma è deliziosamente spensierato. Botte da orbi, budget poverello senza che lo noti con fastidio, ma soprattutto culi e tette come se non ci fosse un domani. A girare una sceneggiatura tendente alla scemeggiatura un veterano del genere action, Dwight H. Little, uno che ha dato ai posteri grandi tamarrate al pari di Drago d’acciaio con Brandon “diol’abbiaingoria” Lee e Programmato per uccidere con uno Steven Seagal pre pancione da cicciobello.

Qui tutto diventa un pretesto, a cominciare dalla trama fantascientifica dal vago sapore politico, per essere gustata con ingordigia coatta, le mosse, le battute cretine, il prurito dei vestiti sempre più aderenti mentre ragazze combattono con molossi incazzati, le psicologie tagliate con l’accetta dopo aver letto un bignami su Freud. Ma chissene. Tutto è fatto con i controcoglioni, le luci, le coreografie, i rallenti d’imitazione, persino i costumi dei combattenti.

Pretendere di più sarebbe non comprendere le diverse esigenze di ogni film, una maggiore maturità narrativa sarebbe come il Thor di Branagh, un pretestuoso cinecomix camuffato da vecchio filmaccio Cannon. Mica vogliamo fare la figura di quello che vedendo al cinema un film con Boldi e De Sica esclamò “Beh le commedie di Germi erano migliori”. Grazie al cazzo.

Andrea Lanza

Tekken

Anno: 2010

Regia: Dwight H. Little

Interpreti: Jon Foo, Kelly Overton, Cary-Hiroyuki Tagawa, Darrin Dewitt Henson, Luke Goss, Candice Hillebrand, Ian Anthony Dale, Marian Zapico

Durata: 90 min.

Tepepa

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giulio petroni, orson welles, tepepa, tomas milian, tortillas western

Nel vastissimo e variegato panorama del western italiano esiste un noto sotto-filone, spesso chiamato sbrigativamente “tortilla-western”, dedicato alla Rivoluzione Messicana. Non solo il celeberrimo Giù la testa di Sergio Leone, ma anche altre pellicole di egual valore – seppure meno conosciute: Tepepa di Petroni, Quien sabe? di Damiani, Vamos a matar compañeros e Il mercenario di Corbucci, Corri uomo corri di Sollima, Requiescant di Lizzani (un po’ sui generis, a dire il vero) sono gli esempi più illustri. Si tratta di western molto particolari, spesso ambientati nei primi anni del Novecento con un piacevole effetto straniante: armi insolite e qualche automobile spuntano di tanto in tanto nel deserto oppure nei piccoli villaggi, i classici pistoleri sono sostituiti da peones e banditi col sombrero, le giacche blu lasciano il posto alle divise grigie dei rurales. È un modo rivoluzionario di interpretare il western, che pure ha sempre saccheggiato nell’affascinante territorio messicano: qui il Messico diventa però il vero protagonista delle vicende, lui e soprattutto i suoi abitanti, con il loro desiderio di libertà contro gli oppressori, configurandosi spesso come opere dal forte messaggio politico di sinistra (in Requiescant recita anche Pasolini, per esempio).

Con Tepepa (1969), il genere si incontra con un grande cineasta italiano, Giulio Petroni. Autore a 360 gradi (non solo regista, ma anche giornalista e documentarista), affronta vari generi e tocca il western in cinque film completamente diversi l’uno dall’altro: oltre al suddetto sulla Revolucion, il classico Da uomo a uomo (solida storia di vendetta e formazione), …E per tetto un cielo di stelle (nostalgico e crepuscolare, con una punta di ironia), La notte dei serpenti (curiosa contaminazione col thriller) e La vita a volte è molto dura, vero Provvidenza? (western comico). Petroni, intellettuale dalla grande sensibilità politica (girò, per esempio, il documentario L’arte della Resistenza), frutto anche della sua esperienza di partigiano, realizza con Tepepa uno dei più grandi western italiani, un vero e proprio kolossal ad alto budget, imponente già a partire dal cast. Co-protagonista insieme a Tomas Milian è infatti uno dei giganti per eccellenza della cinematografia mondiale, Orson Welles: un’impresa che fa onore non solo al regista, ma anche a tutto il cinema italiano. Welles ha una presenza mastodontica nel film, definisce il sadico personaggio con la consueta maestria e si impone nelle scene: non solo fisicamente, con la sua mole corpulenta, ma soprattutto con la recitazione e con l’aura di monumento del cinema che porta giustamente con sé. Una presenza di questo spessore rischierebbe di offuscare il resto del cast, ma sia Milian che John Steiner hanno la personalità giusta per tenergli testa e offrono tutti una superba recitazione collettiva.

Scritto e sceneggiato da Franco Solinas (un altro nome storico del cinema italiano), Tepepa è un western corale di ampio respiro, una vera e propria epopea – a cominciare dalla durata notevole di 126 minuti, che scorrono però piacevolmente grazie alla maestria del regista, che orchestra nel modo migliore una vicenda complessa, ma anche ai dialoghi appassionanti, alle sequenze avventurose e alle coinvolgenti interpretazioni. Protagonista è appunto Tepepa (Milian), un peone che negli anni attorno al 1910 combatte per la Rivoluzione Messicana. Suo acerrimo nemico è il crudele colonnello Cascorro (Welles), che lo sta per fucilare dopo aver ucciso tutti i suoi compagni: Tepepa viene salvato dal medico inglese Henry Price (Steiner), che in realtà lo sequestra per poterlo uccidere a sua volta, ritenendolo responsabile di aver violentato e spinto al suicidio la fidanzata durante un’azione rivoluzionaria. Dopo una serie di avventure in cui Tepepa e Price si separano e si re-incontrano, il peone si riunisce ad altri rivoluzionari per continuare a combattere contro la dittatura e anche contro il presidente Madero, che aveva promesso libertà per il popolo per poi vendersi ai governativi. Le vicende di Tepepa, Cascorro e Price si incrociano nel lungo e amaro finale, dove ognuno avrà la sua vendetta e la rivoluzione continuerà.

Grande merito di Tepepa è innanzitutto quello di mescolare abilmente le innovative vicende rivoluzionarie con uno dei temi più classici del western, la vendetta. Con un andamento epico e quasi leoniano in certi momenti, Petroni focalizza l’attenzione di volta in volta sulle azioni corali oppure sulle storie dei singoli personaggi – ciascuno dei quali è delineato in maniera certosina e mai banale. La Revolucion è sviscerata nei suoi meccanismi interni – per quanto è possibile fare con un evento storico così complesso – ed è qui che emerge tutta la sensibilità e cultura politica del regista. Da un lato il popolo, sfruttato e voglioso di lottare per la libertà, dall’altro il governo tiranno rappresentato dall’esercito; ma anche personaggi di confine, come il presidente Madero che si riempie la bocca di promesse per poi fare il gioco della dittatura, oppure la figura del Piojo (José Torres, celebre caratterista del western italiano) che per denaro tradisce i suoi compagni di lotta. Un’idea della rivoluzione che va oltre i singoli individui, come simboleggiato dalla poetica e commovente sequenza finale in cui i guerriglieri cavalcano e in trasparenza appare l’immagine dell’ormai defunto Tepepa, diventato un simbolo della lotta per la libertà. Significativo anche il personaggio del piccolo Paquito (Luciano Casamonica), che contiene già in nuce i caratteri del futuro uomo rivoluzionario. Un discorso politico che può essere interpretato anche come metafora di tutte le guerre contro le dittature.

Naturalmente, in Tepepa c’è ampio spazio per l’avventura, in cui si incastra la vicenda politica: possiamo dire che Petroni fa con il western un po’ quello che Damiani fa con il poliziesco, cioè coniuga nel migliore dei modi impegno e spettacolo – riuscendo in tal modo ad appassionare lo spettatore trasmettendo al contempo precisi messaggi. Avventura, azione e violenza abbondando nel film. Ricordiamo alcune scene particolarmente crude, come l’eccidio dei peones ad opera di Cascorro, Tepepa frustato a sangue, le numerose uccisioni a sangue freddo, senza dimenticare la crudele e beffarda morte del protagonista. La scena d’azione più lunga e spettacolare è quella che porta verso la resa dei conti finale, cioè l’agguato dei rivoluzionari nel canyon dove passa l’esercito al comando di Cascorro, che si conclude con un massacro a base di proiettili e dinamite. Ma anche quando non si spara, Tepepa è un film all’insegna dell’avventura: in certi momenti richiama un po’ il carattere picaresco di altri “tortilla-western” come Vamos a matar compañeros e Corri uomo corri, eliminando però il carattere volutamente grottesco e umoristico di tali film. A questo contribuiscono in maniera determinante anche le ricche location: deserti, villaggi arsi dal sole e luride prigioni, il tutto valorizzato dalla fotografia di Francisco Marin e dall’utilizzo del Technicolor e Techniscope, che rendono al meglio i colori forti e le inquadrature di ampio respiro (Tepepa è giocato infatti su molti campi lunghi, contrapposti di frequente ai primi piani). Completano il quadro estetico le sempre ottime musiche di Ennio Morricone, che realizza una colonna sonora lirica e poderosa e dall’andamento tipico delle ballate messicane.

Strepitose infine le recitazioni sanguigne di Milian, Welles e Steiner, ciascuno con le sue peculiarità fisiche e psicologiche: Milian (che si doppia da solo) interpreta uno dei suoi personaggi più classici, il peone rivoluzionario vestito di stracci oppure con sombrero e cartuccere a tracolla; il corpulento Welles, sempre in divisa da colonnello, dà vita magistralmente al sadico e laido generale Cascorro; Steiner, che entra in scena vestito elegante e a bordo di un auto, è un personaggio complesso e subdolo, animato da una continua voglia di vendetta e che risulta fondamentale nello sviluppo della vicenda.

Davide Comotti

Tepepa

Regia: Giulio Petroni

Sceneggiatura: Giulio Petroni , Franco Solinas , Ivan Della Mea

Fotografia: Francisco Marin

Musica: Ennio Morricone

Interpreti: Tomas Milian , Orson Welles , Jhon Steiner , Luciano Casamonica , Jose Torres

Durata: 136 min.

Titoli esteri: Blood and Guns / Long Live the Revolution

Il tunnel dell’orrore

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dean koontz, luna park, mostri, recensione, slasher, the funhouse, tobe hooper, tunnel dell'orrore

Amy, malgrado il divieto dei genitori, si reca con il suo ragazzo e con altri due amici nel luna park itinerante in cui l’anno prima erano scomparsi alcuni ragazzi. Di nascosto, anche Joey, il fratellino di Amy, si reca nello stesso luna park. Durante la visita al tunnel dell’orrore, i quattro amici decidono di allontanarsi dal percorso obbligato della giostra e di nascondersi fino alla chiusura per passare la nottata all’interno del tunnel. Lì assistono accidentalmente all’omicidio di Madame Zena, la maga del luna park, ad opera di un essere mostrusoso, figlio del proprietario del tunnel. Quando l’assassino e suo padre scopriranno che ci sono testimoni faranno di tutto per eliminarli…

Il tunnel dell’orrore (The Funhouse, 1981) si colloca in un momento particolare della carriera di Tobe Hooper: negli anni Settanta aveva già diretto quella pietra miliare dell’horror che è Non aprite quella porta e altri titoli importanti come Le notti di Salem, e si apprestava ad “affrontare” gli eighties; prima del celebre Poltergeist e di cult come Space Vampires e Non aprite quella porta 2, troviamo proprio questo curioso The Funhouse. Sicuramente è un capitolo minore della cinematografia di Hooper, non è all’altezza dei suoi film più celebri, ma rimane comunque un horror godibile e più che dignitoso, stranamente serio per essere nato negli anni Ottanta.

La storia è semplice: due giovani coppie di fidanzati passano una serata al luna-park, e decidono di trascorrere la notte all’interno del tunnel degli orrori. Non sanno però che nei sotterranei vive il figlio deforme dell’imbonitore, e assistono all’omicidio della cartomante per mano del “mostro”: rinchiusi nel tunnel, dovranno fronteggiare la furia assassina della creatura e del padre, che vogliono eliminare i quattro testimoni.

Una vicenda seria, dunque, e anche abbastanza crudele (nonostante non ci siano molte scene di sangue). L’inizio del film è infatti squisitamente in stile anni Ottanta, divertente e “citazionista”: ambientato in casa della protagonista, vediamo infatti una lunga soggettiva – prima “al naturale” e poi filtrata dai buchi di una maschera – che si avvicina minacciosamente ad una ragazza sotto la doccia, per poi scoprire che il coltello è finto ed è tutto uno scherzo del fratellino. Come citare in un colpo solo Halloween e Psycho (con tanto di archi che stridono), girando una scena seria e ricca di suspense che si rivela però un gioco: un topos del cinema horror, che qui funziona bene grazie al solido mestiere di Hooper.

I personaggi, come spesso accade negli horror anni Ottanta, sono abbastanza stereotipati: una ragazza timida e una disinibita, fidanzate rispettivamente con un belloccio e un nerd occhialuto. Decisamente più interessanti sono i “cattivi”, che occupano la parte migliore del film: nel Tunnel dell’orrore troviamo infatti più Hooper di quanto potrebbe sembrare in apparenza, in particolare nella messa in scena di una famiglia disfunzionale (il figlio deforme e lo squallido padre, con l’aggiunta dei vari fenomeni da baraccone del luna-park). Ottimo il make-up del mostro, perturbante in quanto umano e al contempo non-umano (quasi belluino), che è il vertice di una serie di situazioni e personaggi alquanto inquietanti: dalla vecchietta che periodicamente compare sogghignando nel luna-park, alla chiromante profeta di sventure (che sarà uccisa dal freak) fino a un’incredibile “parco mostri” di animali deformi. Suggestiva e originale anche l’ambientazione, in un luogo di gioco e paura per eccellenza che si trasforma in un luogo di morte: gli interni del tunnel e i labirintici sotterranei, con i contrasti fra luci colorate e buio, sono un posto ideale per ambientare uno slasher. Per essere una vicenda di questo tipo, c’è però troppo poco sangue (l’unica scena notevole in tal senso è il nerd con l’ascia piantata in testa), e a volte la suspense si stempera in sequenze troppo lunghe e confuse. Del resto, la sceneggiatura non è solidissima: da notare anche la presenza di una sotto-vicenda quasi inutile – il fratellino della protagonista che li raggiunge nel parco – che si conclude in maniera inutile e sembra messa lì tanto per allungare il metraggio. Dunque, se si cerca un vero slasher o un bell’horror di Hooper, conviene cercare altrove; se invece si vuole guardare un discreto horror senza troppe pretese, Il tunnel dell’orrore svolge dignitosamente la sua funzione.

Davide Comotti

NOTA: De Il tunnel dell’orrore esiste pure un romanzo, scritto da uno dei maestri americani della narrativa horror contemporanea, Dean R. Koontz. Il The funhouse letterario si discosta notevolmente dalle novelitation dell’epoca (libri tratti da film) perchè racconta una storia parallela a quella che vediamo nel film di Tobe Hooper, diventandone a tutti gli effetti un prequel letterario.  Anche se il libro è fuori catalogo da anni lo si può trovare facilmente in aste online come ebay a prezzi tutto sommato modici. Noi di Malastrana vhs vi consigliamo la lettura.

(A.L.)

Il tunnel dell’orrore

Titolo originale: The funhouse

Anno: 1981

Regia: Tobe Hooper

Interpreti: Elizabeth Berridge, Wayne Doba, Kevin Conway, Sylvia Miles

Titolo alternativo: Carnival of terror

Durata: 100 min.

La tomba

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cinema, essere in copertina e fare due secondi nel film, evil toons, film che scimmiottano indiana jones, fred olen ray, la tomba, michelle bauer, patto a tre, recensione, recensioni, the tomb

Probabilmente ci sarà oggi un fuggi fuggi generale nel leggere questo titolo. La tomba. Ai più, soprattutto i lettori dai capelli ancora scuri, tornerà (forse) alla memoria un terribile film italiano di inizio millennio, girato da un Bruno Mattei in fase creativa terminale, un baraccone di luci laser e cartapesta da fare invidia all’attrazione egizia di Gardaland. Ecco lì si poteva trovare tutto il peggio del cinema horror italico condensato in una sola pellicola tra il miserabile e il commovente, il tentare di fare un film anche con un digitale da porno casalingo, l’aggrapparsi ad un passato glorioso di luci e cottillon quando il presente è povertà e gas staccato. Bruno Mattei resterà nei nostri cuori per Virus o altre riuscite follie horror, ma non di certo per La Tomba. State comodi comunque, tirate un sospiro di sollievo e riprendete i pop corn da terra. Oggi si parlerà di un’altra La tomba.

Non è questo film, state tranquilli!

Dobbiamo fare un passo indietro e torniamo ad inizio anni 80, il meraviglioso periodo che ha visto la nascita di tanti capolavori del cinema horror americano, i vari Maniac, Ammazzavampiri e Texas chainsaw massacre 2. Ecco, come in ogni Paese, Italia compresa, per ogni bel film ce n’erano almeno 10 così così e 200 orribili. E’ una legge universale di compensazione, un po’ come quella che sancisce che per ogni Madonna bestemmiata un pezzo di Paradiso crolla. Ecco io devo averlo demolito il Paradiso! Comunque in quella mecca dorata che era la Hollywood degli anni 80 (o i suoi infimi sobborghi) c’era un regista che muoveva i suoi primi passi, Fred Olen Ray. Di lui abbiamo parlato già per almeno due follie, Evil toons ovvero il Roger Rabbit dei maniaci sessuali e Patto a tre, un bieco e noiosissimo thriller. Ecco Olen Ray è l’incarnazione del regista tipo da B movie, capace anche di girare cose decenti (il pulp Notte di terrore) ma in cambio di almeno 800 altri film tra il brutto e l’osceno. A lui non importano le belle inquadrature, l’occhio della madre, il montaggio analogico, il particolare degli stivali dei soldati, a lui interessa divertirsi girando sempre e comunque.

Il nostro Roger Corman delle chiappe sode e delle Playmates assassine se ne sbatte i cosidetti di ogni bonton cinematografico, non c’è nei suoi film una sola sola sequenza che riporti a Dio, una storia che ti faccia interessare e tenere il culone flaccido sulla poltrona, no a lui interessano i party, le musiche e brigitte brigitte bardot a trenino con il pisello sempre bello barzotto! Questo La tomba è uno dei suoi primi film, arrivato in Italia direttamente in vhs in un’edizione abbastanza indecente a livello di doppiaggio e qualità video. Eppure per La tomba la giusta dimensione è questa: lo scalcagnato mondo dell’home video o delle tv regionali. Prima, nella filmografia di Olen Ray, si poteva solo ricordare Scalps, horror pauperistico sulla vendetta di uno spirito indiano ai danni di un gruppo di ragazzi, un horroraccio fatto di fretta ma non disprezzabile, un passo avanti come intenzioni a quasi tutti i lavori futuri di questo regista. La tomba non è ancora un film sciaguratamente brutto, ma  è comunque un horror sbagliato e sbilanciato, ricco di assurdità a livello narrativo e sciatterie tecniche.

Sybil Danning presente in due fotogrammi

In alcuni poster (compresa la copertina italiana) poi viene dato risalto alla partecipazione della bella e popputa Sybil Danning, fresca fresca del terribile lesbo seguito de L’ululato, anche se la sua presenza nel film di Olen Ray è di una manciata di secondi all’inizio. Facile sparare su un film come La tomba, ma sarebbe ingiusto non evidenziarne i pregi che lo rendono opera da recuperare e piacevole comunque da vedere. In primis il ritmo è veloce e il referente più vicino è L’Indiana Jones di Spielberg con le sue atmosfere a metà tra l’orrorifico e l’avventuroso, facendo i dovuti paragoni naturalmente tra le ambizioni di Olen Ray e la grandezza di un I predatori dell’arca perduta. A questo punto bisognerebbe dire che La tomba ricorda nei momenti migliori uno dei Fulci minori del periodo aureo, quel Manhattan Baby che sapeva, non senza una grande atmosfera, trasportare nei territori del nostro cinema di genere il tema poco sfruttato delle mummie e delle maledizioni egizie, pane più per l’inglese Hammer.

Peccato che La tomba non sia solo un film di grandi momenti, anzi, ma ha dalla sua comunque degli ottimi effetti speciali: come non apprezzare l’arrivo di Nephratis, divinità crudele e sanguinaria, sotto le spoglie di uno spaventoso vampiro o l’idea di uno scorpione sotto pelle? Merito del lavoro svolto dai fratelli Mixon, Bart e Bret, all’opera in seguito anche per lavori più celebrati come il Dracula di Coppola, nomi tutelari nella tecnica ormai desueta della rotoscopia, una specie di proto green screen. Si vocifera leggendo in rete che agli effetti speciali collaborò anche un giovane Robert Kurtzman, il fondatore con Nicotero e Berger della KNB, la maggiore casa di effettistica per horror degli anni 80/90, ma non ho trovato riscontro ufficiale da nessuna parte. Pure il cast è di alto livello: troviamo attori di un certo culto, anche se solo in brevissime sequenze, come Cameron Mitchell, John Carradine e la tettona per eccellenza di Russ Meyer, Kitten Natividad. La protagonista, Susan Stokey, fece poco o niente nel cinema, soprattutto produzioni Olen Ray compreso il poliziesco pre tarantiniano Risposta armata con David Carradine e Lee Van Cleef, mentre la cattivissima Nephratis era interpretata dalla Penthouse girl del 1981, Michelle Bauer, bellissima donna dalla carriera scandida da brutti film (anche di Jess Franco) e porno bondage. Per risparmiare sui trucchi oltretutto si scritturò un’altra altra attrice più anziana, Katina Garner, per interpretare l’egiziana vampira in versione vecchia! Olen Ray gira con gusto le scene più d’azione e ha un buon gusto nell’abbinare la musica (il bellissimo score di Drew Neumann) con le sequenze più concitate. Ci sono echi di Ammazzavampiri (la scena della discoteca) e un gusto gratuito, da B movie driviniano, nel pensare alle sequenze di morte (l’omicidio della lesbica avventrice a base di serpenti) soprattutto nella commovente  ricerca del nudo a tutti i costi. Atroci invece i dialoghi con una polizia che spara deliranti affermazioni (“Mi dispiace per tuo padre ma siamo ad Hollywood”) ed un grado di stupidaggine non proprio comune nel tratteggiare i vari personaggi, anonimi e incolore come pochi altri.

Dispiace perchè il personaggio dell’archelogo spielberghiano, un po’ eroe un po’ figlio di mignotta, interpretato da David O’Hara non era male ma il suo ruolo è nettamente inferiore alle premesse iniziali pur apparendo persino in copertina alla vhs! Certo è che l’iniziale sceneggiatura di un  Kenneth J. Hall alla sua opera prima (suo per esempio Puppet master) doveva essere diversa dal film girato visto che fu stravolta dal collaboratore di fiducia di Olen Ray, T.L. Lankford, che sembra aggiunse intere sequenze e ne eliminò altre: a lui va la gloria dei già miticizzati dialoghi recitati dagli attori. Altra nota negativa è il finale di agghiacciante velocità e stupidità, con Nephratis che muore arsa viva senza un vero perchè e David O’Hara che accende un sigaro sul suo cadavere dicendo “Non volevo bruciasse da sola”. La tomba è un film che non consigliereste mai a nessuno, ma che magari potreste trovare persino divertente. E’ certo un’opera mediocre ma che possiede la follia d tutti quegli scalcinati B movie che uscivano da noi soltanto in vhs. La tomba di Bruno Mattei, per tornare all’inizio, era altrettanto brutta ma mancava di tutto il divertimento scellerato che uno scult deve avere e che a suo modo lo rende immortale.

NOTA:

Una cosa mi ha sorpreso e qualcuno forse mi potrà aiutare a svelare l’arcano: perchè all’inizio gli avventurieri entrano nella tomba sotterranea con delle torce

se poi nella sequenza dopo si notano chiaramente delle finestre?

Che Tomba sotterranea è????

Fred Olen Ray che sussurra “A me piace la figa”

Eh già…

Andrea Lanza

La tomba

Titolo originale: The Tomb

Anno: 1986

Regia: Fred Olen Ray

Interpreti: Cameron Mitchell, John Carradine, Sybil Danning, Susan Stokey, Richard Hench, Michelle Bauer, David O’Hara, George Hoth, Stu Weltman, Frank McDonald, Victor von Wright, Jack Frankel, Peter Conway, Brad Arrington, Emmanuel Shipov

VHS: Eureka Video

Police station (Turno di notte)

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cinema, gary sherman, morti e sepolti, police station, pretty woman, recensione, recensioni, turno di notte, vice squad

Agli inizi degli anni 80 Gary Sherman si era costruito una certa fama di bravo artigiano nel cinema del terrore grazie al claustrofobico Non entrate in quel metro (1972) e il cultone Morti e Sepolti (1981) su una strana razza di zombi dalle dita lunghissime. Al suo terzo lungometraggio, a sopresa, decide di prendersi una pausa dall’horrore e gira un poliziesco dalle tinte molto violente, Police station (Turno di notte).

Quello per il film d’azione sarà un amore che Sherman abbraccerà altre volte nella sua carriera, come nel caso del concitato Wanted vivo o morto con un trucissimo Rutger Hauer, anche se le cose più interessanti saranno sempre fatte per il cinema di paura (basti pensare allo sfortunato ma inquietante Poltergeist 3). Police station, ma il titolo originale è Vice squad, parla della caccia di un gruppo di poliziotti della boncostume ad un magnaccia colpevole di avere torturato a morte una sua protetta. Siamo nel 1982 e la serie Miami vice è lì a venire, ma possiamo trovare all’interno di questa pellicola elementi comuni a cominciare dalla coppia sbirro bianco/sbirro nero che farà tanta fortuna a fine anni 80 con la serie Arma letale, ma che poteva avere fino ad allora, senza scomodare fantasticamente i Di Leo movie, corrispondenza principalmente nel quasi contemporaneo 48 ore (anche se Eddie Murphy lì era un ladro).

Anche il taglio violento e disincantato nel descrivere la citta di Los Angeles riporta ai grandi polizieschi urbani di William Friedkin e al bellissimo (e spesso dimenticato) Strade violente di Michael Mann. Purtroppo Police station non riesce a convincere come vorrebbe e risulta troppo superficiale per sdoganarsi dalla serie B di cassetta che lo trova confinato:  non ha la potenza visiva, se lo si vuole intendere come un film di vendetta giustiziarista, del Vigilante di William Lusting nè il plumbeo nichilismo di un Philadelphia security (diretto tra l’atro da un altro regista horror, Lewis Teague). Il film di Sherman ha momenti bellissimi di crudeltà estrema (la tortura con gli appendini degli abiti alla prostituta Ginger o l’evirazione di un pappone grasso ed effeminato) ma purtroppo vengono intervallati da momenti di stanchezza registica incredibili che sfociano nel nonsense inutilmente grottesco (la lotta tra due poliziotti e un orientale a colpi di arti marziali).

Anche gli attori non convincono per colpa di una recitazione troppo caricata, e di conseguenza ridicola, soprattutto quando è in scena il villain della pellicola, il massiccio Wings Hauser . Questo è un peccato perchè il personaggio del pappone, tamarissimo e volgare, vestito come un deviato Elvis Presley, avrebbe meritato una più convincente sensibilità attoriale. Non si eccede in nudi, si calca soprattutto la mano sulla violenza e il bizzarro come per esempio nella sequenza dove la prostituta Principessa si veste da sposa per un cliente col pallino dei funerali. Purtroppo è quest’anima ibrida e agrodolce che non permette allo spettatore di appassionarsi completamente alla vicenda anche se ci si trova davanti ad un film baciato da una fotografia notturna che raggiunge livelli d’eccellenza raramente toccati da un B movie. Interessante però la caratterizzazione dei personaggi, a cominciare dal poliziotto Gary Swanson non dissimile per corogneria dagli stessi criminali che caccia,  un eroe che non esita ad usare un lutto a suo favore e che tratta le donne con l’identica rabbia del suo nemico.  Siamo d’altronde in un mondo sporco e cattivo dove il più pulito ha la rogna, una Los Angeles che di notte si colora della luce dei neon per simulare il sole. In questa terra senza Dio ecco che l’utopia di un sentimento puro (tra Principessa e il poliziotto, ma anche tra una madre e una figlia) viene annullato dal rumore assordante del traffico, dal denaro facile in una Sunset Boulevard che solo 7 anni dopo sarebbe stata la cornice per una favola rosa, quel Pretty Woman che di violenze e sevizie, di marchette e droga non ne avrebbe parlato. Gli anni 80 ormai erano finiti.

Andrea Lanza

Police Station – Turno di notte

Titolo originale:    Vice Squad

Anno: 1982

Regia: Gary Sherman

Interpreti: Wings Hauser, Gary Swanson, Season Hubley, Beverly Todd

Durata: 104 min.

Il tempo degli avvoltoi

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frank wolff, nando cicero, tempo degli avvoltoi, western

Nando Cicero, ricordato soprattutto per le becere commedie sexy degli anni Settanta, iniziò la carriera come aiuto di Rosi e Visconti, e nei primi anni da regista diresse tre ottimi western: Il tempo degli avvoltoi (1967), Professionisti per un massacro (1967) e Due volte Giuda (1968). Curiosamente, prima di dedicarsi al comico nella sua versione più squallida, Cicero dimostrò una propensione verso la messa in scena della crudeltà: i suoi western sono infatti accomunati da violenza (fisica e psicologica), personaggi psicopatici e uno spiccato gusto per il sadismo.

Il tempo degli avvoltoi, scritto da Fulvio Gicca Palli e forse il migliore della “trilogia”, vede come protagonista il cowboy Kitosch (George Hilton), che lavora alle dipendenze del potente ranchero Don Jaime. Come punizione per aver tentato di sedurne la moglie, viene marchiato a fuoco e picchiato selvaggiamente. Fuggito dal ranch, è salvato dal linciaggio grazie all’intervento di Tracy il Nero (Frank Wolff), pistolero ricercato dalla legge e temuto da tutti per la sua crudeltà. Il giovane Kitosch ne subisce il fascino e decide di proseguire il viaggio con lui, accompagnandolo in una sanguinaria vendetta e in alcune rapine. L’ultimo colpo è il rapimento della moglie di Don Jaime in cambio di un riscatto: ma nella resa dei conti emergerà il vero animo di ciascuno.

Il tempo degli avvoltoi è una sorta di “percorso formativo” al contrario, con il giovane Hilton, latin lover amante della vita tranquilla, che inizia con lo scafato e crudele Wolff un viaggio nell’inferno della violenza, in un west(ern) crudele, cinico e crepuscolare. Come scrive Federico De Zigno su Nocturno, “si può leggere come una sorta di viaggio al cuore di tenebra dell’eurowestern (almeno al pari di Se sei vivo spara e I quattro dell’Apocalisse)”. Buona parte del fascino del film è giocata proprio sul continuo confronto-scontro fra questi due personaggi così diversi fra loro, che intrattengono un rapporto di morbosa dipendenza al limite dell’omosessualità latente. I due giganti dello spaghetti western, al meglio della loro forma, danno vita a personaggi dalla psicologia complessa: l’uno succube e debole, che pratica la violenza dopo averla subita (Hilton), l’altro crudele e psicopatico, un uomo che ha fatto della violenza la sua ragione di vita (Wolff). Il fascino di Tracy finisce inevitabilmente per corrompere il giovane cowboy, che pur vedendo il suo piacere provato nell’uccidere non riesce a staccarsi (ma al momento giusto saprà rivalersi). Viene in mente un po’ quello che, secondo chi scrive, è il miglior western di sempre, I giorni dell’ira (1967) di Tonino Valerii: Giuliano Gemma, un ragazzo disprezzato e maltrattato da tutti, trova in Lee Van Cleef un maestro di vita che gli insegna a sparare e soprattutto a farsi rispettare; quando però l’anziano pistolero rivela la sua natura malvagia, il giovane diventato adulto lo ucciderà in duello seguendo i suoi stessi insegnamenti, nonostante sia consapevole che è l’uomo a cui deve tutto. Il tempo degli avvoltoi presenta una situazione in parte simile, ma virata in maniera più cupa e meno “pedagogica”: il film di Cicero, nonostante sia diretto nell’epoca d’oro del genere, può essere considerato infatti un western crepuscolare, dove non ci sono eroi, non esistono né vincitori né vinti, né colpevoli né innocenti, ma solo un mondo cinicamente dominato dalla violenza, senza speranza di redenzione. Cicero non lesina sulle scene di violenza, pur non raggiungendo i picchi di altri western come Django, Se sei vivo spara, Tempo di massacro: ricordiamo Hilton marchiato a fuoco e poi picchiato a sangue (un minuto di calci e pugni selvaggi), la donna cieca bruciata viva dal Nero nella sua casa, Franco Balducci a cui Tracy inchioda la mano a una porta. Senza contare le numerose uccisioni a sangue freddo e il clima di sadismo psicopatologico che si respira di frequente.

Da notare la certosina caratterizzazione dei personaggi. Wolff giganteggia e risalta maggiormente rispetto al più “classico” ma comunque efficacissimo Hilton: vestito tutto di nero (da qui il soprannome), entra in scena su un carro funebre con cui trasporta il corpo della madre verso una degna sepoltura. Sguardo torvo e animo spietato, utilizza una colt, una derringer e un fucile (utilizzabile anche come lanciagranate, conservate in una valigetta), ed è in realtà meno forte di quanto sembri essendo affetto da epilessia, i cui attacchi lo colpiscono periodicamente lasciandolo senza forze. Curiosamente, troveremo un pistolero epilettico (Tomas Milian) anche nel bellissimo e curioso western Sentenza di morte (1968) di Mario Lanfranchi. Ottimi anche il veterano Eduardo Fajardo, il cui volto severo ben si adatta al potente Don Jaime, e la splendida Pamela Tudor (moglie del ranchero), nel ruolo di una femme fatale che lei stessa riproporrà in maniera simile in Sartana nella valle degli avvoltoi (1970) di Roberto Mauri.

Ottime e numerose le scene d’azione: l’assalto al convoglio dell’oro, il massacro dei banditi ad opera di Tracy, la sparatoria nella taverna e nel villaggio messicano, fino all’assedio nel monastero abbandonato. Gli splendidi paesaggi (le montagne e i deserti dell’Almeria, ben fotografati da Fausto Rossi), gli interni accurati e le buone musiche dello specialista Piero Umiliani contribuiscono a rendere Il tempo degli avvoltoi un western memorabile.

Davide Comotti

Il tempo degli avvoltoi

Anno: 1967

Regia: Nando Cicero

Interpreti: George Hilton, Frank Wolff, Eduardo Fajardo, Pamela Tudor

Durata: 92 min.

Il Transatlantico della paura (The French Atlantic Affair)

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miniserie, transatlatico della paura

In occasione della scomparsa del noto caratterista americano Lance Le Gault, universalmente noto al pubblico televisivo soprattutto per il suo ricorrente ruolo del Col. in “A-Team”vi parlero in suo omaggio di un titolo fra i più invisibili in Italia della sua lunga e nutrita carriera, svoltasi però quasi eslusivamente in tv.Si tratta de “Il Transatlantico della paura” secondo il titolo della lontanissima messa in onda italiana, “The French Atlantic Affair” nel titolo originale della sua prima tv, avvenuta durante tre serate del novembre 1979Una bella, buona mini-serie (anche prima che qualcuno soltanto avesse saputo che cosa fosse una mini-serie), con un sacco di colpi di scena. Piuttosto coinvolgente per una fitta trama basata sul romanzo omonimo di Ernest Lehman, l’autore anche di “North by Northwest” da cui Alfred Hitchcock  avrebbe tratto il celebre “Intrigo internazionale” . Dopo essere stato per lunghissimo tempo disponibile soltanto in una vecchia vhs NTSC, e per qualche passaggio sul canale americano TBS, è recentissimamente uscito in dvd R1 della sempre benemerita Warner Archive, su due dischi per le sue tre puntate di complessivi 294′.Uno degli aspetti meno riusciti della storia e’ l’improbabilità totale dei due intelligentissimi radioamatori i quali con le loro conoscenze superiori rispetto alla loro classe d’età, e in più le sole attrezzature radio, sono abbastanza scaltri da fare sudare chiunque dei fanatici terroristi religiosi del film.

Un breve cenno alla trama:

Nel 1978 ai Caraibi, sulla nave francese Festivale,  nave da crociera nella realtà della Carnival,  una lancia di salvataggio è in procinto  di essere ammainata con a bordo dei feroci terroristi seguaci di un santone miliardario della setta “The Cosmic Path/Il Patto cosmico” interpretato al solito mirabilmente da Telly Savalas/”Padre” Craig Dunleavy(e ispirato alla figura di Jim Jones, era difatti freschissimo l’enorme clamore mediatico dei fatti accaduti nel celebre “Massacro della Guyana) i quali erano riusciti in una maniera triangolata ad ottenere poco prima della scadenza dell’ultimatum un ingente riscatto in lingotti d’oro stipati su di un boeing per poi poter abbandonare al loro tragico destino (seppur decisione del santone e tenuta nascosta al resto dei componenti della setta) sia il transatlantico disseminato di mine pronte ad esplodere tramite dei timer all’ora prestabilita, e sia coloro delle migliaia di passeggeri più l’equipaggio comandato dal Cap.Charles Girodt/ Louis Jourdan, che erano rimasti a bordo.Sembra una storia poco conosciuta ed infatti…non appartiene ad una vicenda terroristica svoltasi nella realtà, ma bensì ne è la trama cinematografica.”Il Transatlantico della paura”, il quale fu in parte girato con gli stessi celebri attori su navi altrettanto celebri, tra cui la Queen Mary ancorata come albergo galleggiante, nel porto di Los Angeles.

Vi riporto qui sopra l’avvenimento perchè una scena del film, girata su quella famosissima nave, ci mostra – come già detto – una scialuppa piena zeppa di attori famosi come Savalas, Carolyn Jones, Shelley Winters, e decine di comparse che dal ponte d’imbarco alto circa venti metri sul mare, stanno per essere ammainati nelle trasparenti e tiepide acque di St. Thomas alle Isole Vergini.L’intera troupe della MGM, attori, comparse e tecnici si imbarcò a Miami per una settimana nei Caraibi insieme al resto dei passeggeri e dell’equipaggio nella sua normale crociera, il quale dovette dare la massima assistenza per girare la pellicola.Vi fu una riunione alla partenza, dopo di che, con grande sorpresa del personale di bordo, nessuno della troupe chiese più niente, cioè fu dimostrata un’eccezionale professionalità: sembrava che sapessero bene dove fossero le prese elettriche o gli angoli più nascosti della nave, erano tutti  preparatissimi. L’equipaggio, oltre che assistere la troupe, soprattutto per controllare che “non rompessero niente”, prese parte anche a qualche ripresa come comparsa e questo perchè serviva  personale tecnico che fosse mischiato agli attori, così da ottenere fluide e sicure tutte le scene.fest400Il Festivale ormeggiato alla Sub-Base a St. Thomas (1978)La produzione della MGM aveva con sè – tra gli altri – delle sarte che adattavano con gli spilli  delle divise enormi anche al più mingherlino delle comparse di bordo. A parte la scena dell’ammainata della scialuppa, agli ufficiali di coperta venne chiesta un’altra supervisione: simulare la navigazione notturna sul ponte di comando, nonostante fossero le due di pomeriggio. Detto, fatto. Vennero stesi dei drappi neri sulle vetrate del ponte di comando e il luminoso pomeriggio di St. Thomas si tramutò in un momento di navigazione notturna.Quella crociera andò benissimo e la parte di passeggeri che era regolarmente in viaggio, non si sentì assolutamente disturbata dalla troupe del film, anzi, oltre a deliziarsi per lo splendido itinerario, oltre ai tantissimi e famosi attori della parte francese si divertì a vedere attori del calibro di Telly Savalas (il capo dei fanatici terroristi del quale il nostro Lance Le Gault è un fidato killer Lester Foyles, tanto da mitragliare decine di passeggeri ostaggi e gettandoli da uno dei ponti), affiancato dalla Shelley Winters/Helen Wabash (sua complice). Senza contare poi il “comandante” del Festivale,  nientemeno che il citato Louis Jourdan, poi la commissaria di bordo, Michelle Phillips/Jennie Barber, cantante e attrice, oggi l’unica sopravvissuta dei mitici “Mamas & Papas” degli anni ’60 ed infine Chad Everett/Harold Columbine, attore notissimo negli USA che impersona l’eroe positivo. Il regista è Douglas Heyes, famoso ad Hollywood per aver diretto episodi di serie TV come “Rin Tin Tin” (!), “Twilight Zone (Ai confini della realtà)”, “Magnum P.I.” e “McCloud -Uno Sceriffo a New York”, oltre a tante altre. Aveva anche scritto il libro e poi il memorabile film di John Sturges “Base Artica Zebra”(Ice Station Zebra) del 1968.

Napoleone Wilson

Il transatlantico della paura

Regia: Douglas Heyes

Interpreti: Telly Savalas, Shelley Winters, Richard Jordan, Lance Le Gault

Miniserie

Titolo originale The French Atlantic Affair

USA 1981.

Tragica notte al Bowling

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cinema, david decoteau, essere omosessuale e fingere di piacerti le donne, genio, linnea quigley, recensione, recensioni, registi gay, tragica notte al bowling, wishmaster

Tre collegiali, nel tentativo di spiare il rito d’iniziazione di una confraternita femminile vengono scoperti ed obbligati a diventare parte integrante del rito stesso. Così i baldi giovani, assieme alle fanciulle, per superare la prova devono entrare nottetempo in un sala da bowling per rubare un trofeo. Sfortunatamente all’interno dell’oggetto in questione è imprigionato un demonietto che, inavvertitamente liberato, si presenterà cordialmente ai giovani invitandoli ad esprimere un desiderio ciascuno, che lui esaudirà magicamente. Purtroppo però i desideri finiranno per rivoltarsi in modo orribile, contro chi li ha espressi.

Ringraziando gli amici di Horror Splatter Zone (che hanno messo online questo film)  ci accingiamo alla sua recensione. Difficile, ostica, a tratti simile, per senso di inerzia e impotenza, alla più sottile tortura cinese. Eh si, perchè se è vero che esistono poche cose letali come un film di David Decoteau nuovo, ci dimentichiamo i film di Decoteau degli esordi! Difficilmente ricordo di una cosa talmente brutta come il suo Dreamaniac, forse solo Vicious Lips di Albert Pyun, qualcosa di così inutile, noioso, ridondante da far sembrare l’Armageddon di Lars Von Trier un film di Michael Bay.

Ecco Tragica notte al Bowling non raggiunge livelli così profondi di dabbenaggine narrativa, ma altrettanti (disastrosi) risultati finali. Quello che poteva essere sulla carta divertente per ogni amante del disastro cinematografico (geni burloni, belle figliole e zombi) diviene puzzolente sterco nelle mani impacciate del buon David. Eh si perchè lui ci prova ad essere il nuovo Fred Olen Ray o il novello Jim Wynorski, ma gli mancano le basi perchè ci puoi provare quanto vuoi ma se ti piace il pistacchione è inutile ricerchi la figa. D’altronde Decoteau è, non per niente, il regista più importante nel panorama gay horror di fine anni 90. I suoi film recenti sono pieni di maschioni che si spalmano il sapone addosso ma nel contempo fanno finta di essere etero, qualcosa di così sottilmente freudiano che se sei un’anima semplice potresti avere dubbi sulla tua sessualità.

Quindi vedere Decoteau all’opera in Tragica notte al Bowling fa quasi tenerezza, sbaglia i tempi delle scene erotiche, tutte girate distrattamente e non più arrapanti di una doccia della Fenech. Ad un certo punto poi succede l’inenarrabile: David nostro non ce la più e i suoi personaggi recitano frasi come “Mi piace più prenderlo che darlo”…  L’erotismo di Decoteau è asessuato, più arrapante sarebbe un documentario sulla macellazione delle mucche, il suo è un j’accuse di stizza e di non condivisione della materia, girato con la freddezza chirurgica di un reportage di guerra. Basti pensare al personaggio di John Stuart Wildman: che fa quando si trova in intimità con la bellissima Michelle Bauer?

Se la fa? Sciocchini. Tutto stizzito urla frasi come “Conosciamoci meglio” fuggendo via spaventato da lei. Per fortuna gli friggono la faccia subito dopo, ma si capisce che David si sarebbe comportato esattamente così, d’altronde cavoli suoi, peccato diventino anche i nostri da quando si è messo in testa di essere un regista. Raramente un film è stato girato in un tale evidente stato d’incapacità, scene di lotta mal coreografate, campi lunghi senza idea di cosa sia il ritmo, make up di simil zombi da prima media (e pensare c’era dietro Craig Caton, uno che ha lavorato in Grosso guaio a Chinatown) e soprattutto un’aria di amatorialità così pesante che ti soprendi il film sia girato in pellicola e non in vhs.

Certo poi David Decoteau è il Tony Scott della serie Z, ricordiamocelo, e quando gira deve inserire una scena di controluci, colori violenti e nebbia come nel peggior video dei Duran Duran. Per lui è stile, ma solo per lui. Siamo sinceri però non tutto è così abborracciato: il demonietto ha belle espressioni facciali, da sotto Ghoulies, e una scena di incidente stradale è girata con perizia. Peccato ci sia il resto. Produzione Empire minore che avvalora la passione del buon Charles Band per i mostriciattoli, arriva un anno dopo il discreto The Lamp ma è nettamente inferiore. Manca di originalità e trabocca di scene cretine, non è capace neanche di far spogliare la regina del nudo anni 80, Linnea Quigley, ma la relega nel peggior ruolo della carriera. Tra scene di paura alla Scooby Doo, ciccioni vogliosi di aprire un centro estetico, una recitazione raccapricciante e horror tanto come in una puntata di Una mamma per amica, gli amanti del masochismo cinematografico, quelli che amano in intimità farsi frustare le palle da un gatto a nove code, troveranno pane per i loro denti. Per tutti gli altri di peggio c’è solo la morte.

Andrea Lanza

Tragica notte al bowling

Titolo originale: Sorority Babes in the Slimeball Bowl-O-Rama

Anno: 1988

Regia: David DeCoteau

Cast: Andras Jones, Linnea Quigley, Robin Stille, Hal Havins, John Stuart Wildman, Brinke Stevens, Michelle Bauer, Kathi O’Brechtm, Carla Baron, Michael Sonye, George ‘Buck’ Flower

Durata: 70 min.

VHS: Skorpion Home video