Da noi Hide and Go Shriek uscì nel 1989, inspiegabilmente al cinema, a Maggio, con un divieto ai 14 anni. Inspiegabilmente perché a tanti horror/slasher del periodo spettava il solo passaggio in vhs, Venerdì 13 compreso, con i capitoli 6, 7 e 8 trattati come fondi di magazzino per videoteche coraggiose.
Invece il film di Skip Schoolnik, futuro produttore per Angel, lo spin off di Buffy l’ammazzavampiri, Sons of anarchy e The walking dead, fu editato persino dalla Columbia home video con un doppiaggio di tutto rispetto.
Certo il titolo italiano, Doppio delitto, non c’entrava una mazza con la vicenda, ti faceva confondere con una pellicola di Steno del 1977 interpretata da Marcello Mastroianni e Ursula Andress, e soprattutto non ti aiutava a capire che si trattava di uno slasher. Così in Italia il film passò inosservato su grande schermo, in vhs prese la polvere, non ne ricordo un passaggio, uno, in tv, e per 22 anni non ambì alla promozione in digitale. Fino all’arrivo della neonata Thunder video.
L’edizione dvd, con un video perfetto che manda in pensione la vecchia e scurissima videocassetta, restituisce dignità ad una pellicola che, di solito quando se ne parla, lo si fa denigrandola.
Rudy Salvagnini nel suo dizionario horror neanche lo cita e Pier Maria Bocchi, sulle pagine dello speciale slasher di Nocturno del 2003, lo liquida con veleno da viperetta “E pensare che questo cesso da noi possiede pure il nulla osta“. Sbaglia liquidando i personaggi come “di un’idiozia da enciclopedia” ma non sul fatto che il prologo, con l’assassino che sventra una prostituta allo stesso modo di Jack lo squartatore, non abbia molto senso col resto della storia.
Hide and Go Shriek arriva dopoSupermarket Horror (Chopping Mall) di Jim Wynorski, del 1986, e Giochi pericolosi (Dangerous Game) di Stephen Hopkins, del 1987, ma anticipa di un anno il capolavoro del sottogenere “chiusi in un grande magazzino in balia di un killer” ovvero Terrore senza volto (Intruder) di Scott Spiegel.
Il film di Skip Schoolnik, pur non calcando la mano sul sangue, è molto piacevole, scorrevole, con nudi gratuiti e deliziosi e una certa abilità nel gestire la suspense.
Certo a fare la parte del leone è soprattutto l’ambientazione, un negozio di mobili pieno di inquietanti manichini sorridenti, ma le scene di morte sono comunque ben girate, crudeli, e l’idea di un serial killer che si veste con i vestiti della precedente vittima per attirare la prossima è di quelle bizzarre ma interessanti.
Bunky Jones RIP
In più abbiamo gli effetti speciali di Screaming Mad George (Society), castrati è vero per non ottenere la X come rating, ma inventivi quanto basta: decapitazioni con ascensori, ventri perforati da braccia di manichini, corpi trafitti da spuntoni e tanto sangue vomitato dalle vittime.
Se si può accusare di qualcosa il film è che fa iniziare la sua danza di morte a più della metà della vicenda e si ferma a solo 3 omicidi su 8 possibili vittime. Per fortuna non ci annoia mai grazie a dialoghi abbastanza brillanti, a dei personaggi simpatici e soprattutto, come detto, alla generosità delle giovani protagoniste.
Il versante nudi e tette è gustoso soprattutto perché le quattro ragazze, Bunky Jones, Brittain Frye, Annette Sinclair e Donna Baltron, oltre a recitare più dignitosamente della media delle scream queen, sono di un bello inimmaginabile. A contrastare ci pensa un reparto maschile un po’ legnoso a livello recitativo e, nel caso del misterioso serial killer camaleonte, pure cagnesco e macchiettistico.
Donna Baltron, ad orecchio doppiata dalla Laura Lenghi di Neve Campbell, è la ciliegina erotica e inaspettata della torta: goffissima nei panni ingombranti della verginella con camicie di tre misure più grandi a coprirle le grazie, si lancia in uno scatenato spogliarello. “L’ho imparato guardando i porno” afferma e tutte le Demi Moore del mondo zitte.
Hide and Go Shriek, un po’ sulla scia di Nightmare 2 di Jack Sholder, è attraversato da una latente vena omosessuale con personaggi maschili che fanno allusioni sessuali mangiando languidamente banane o toccando il petto degli amici mentre discutono di ragazze. A difesa di questa tesi poi ci sono le motivazioni del killer, che non riveleremo ovviamente, e la sua tenuta da sadomaso alla Cruising nel finale. In più uno di questi ragazzi, Scott Fults, il più efebico, sembra ben poco interessato al sesso con la disponibile Ria Pavia.
Hide and Go Shriek, o Doppio delitto, con le sue luci alla Dario Argento, è un prodotto curioso, sconosciuto e sicuramente da recuperare ora che sta rivivendo una seconda, migliore vita in dvd.
Scopriamo purtroppo che la bellissima Bunky Jones, vista anche in Grotesque con Linda Blair, che all’epoca del film aveva appena 22 anni, morì, alle soglie dei 50, per cause ignote. Doppio delitto fu l’ultimo lavoro di una carriera di appena sei titoli. A noi piace ricordarla così, splendida ed eterna, in quella magia che solo il cinema possiede.
Andrea Lanza
Doppio delitto
Titolo originale: Hide and go shriek Aka “Close yor eyes and prey”
Anno: 1988
Genere: horror/slasher
Regia: Skip Schoolnik
Interpreti: Bunky Jones, Brittain Frye, Annette Sinclair, George Thomas, Donna Baltron, Scott Fults, Ria Pavia, Sean Kanan, Scott Kubay, Jeff Levine, Michael Kelly
Ah la Spagna! I loro film del terrore, soprattutto durante gli anni 70, avevano una marcia in più rispetto a qualsiasi altra produzione. Anche nel caso dello sgarruppato ma delizioso L’orgia notturna dei vampiri, capace di sublimare gli stessi ingredienti che per la Hammer, nello stesso periodo, erano invece segnali di decadenza: l’erotico gotico. Come un giornalaccio sadoporno, così i film spagnoli ci portavano in un universo attraversato da bellissime e nudissime donne, oggetto di desiderio di deformi creature. Era un cinema senza tempo, nel quale i mostri della Universal, privati del solito bianco e nero, vivevano passioni di sangue e libido, tutto così moderno anche nell’impostazione classica delle storie.
Jacinto Molina era un regista, uno sceneggiatore e attore, noto col nom de plume di Paul Naschy. Nella sua carriera interpretò 119 film, ne scrisse 53 e ne diresse 23, ma la sua fama la si deve soprattutto dal personaggio di Waldemar Daninsky, nobile polacco oppresso dalla maledizione del lupo mannaro, ispirato al Lon Chaney Jr. del classico The Wolf Man, 1941, di George Waggner. Per il primo film della serie, La marca del Hombre Lobo (da noi Le notti di Satana), 1968, di Enrique L. Eguiluz, si pensò proprio a Lon Chaney Jr., ma, al rifiuto di questi, Molina/Naschy ricoprì il ruolo principale dando il via ad una vera saga, disomogenea e senza molti collegamenti, durata ben 13 pellicole, e conclusasi nel 2004 con l’abominevole Tomb of the Werewolf di Fred Olen Ray.
Questo Dr. Jekyll y el hombre lobo è il sesto capitolo delle vicissitudini del povero Waldemar Daninsky, quasi sempre ucciso alla fine della pellicola precedente e resuscitato la volta dopo senza molte spiegazioni. Qui lo troviamo in mezzo ai Carpazi (in realtà la periferia di Madrid), temuto dagli abitanti del luogo, non solo in quanto licantropo ma anche perché amico di una vecchia strega dal nome altisonante di Uswika Bathory. Tutto procede per il verso giusto sennonché il cammino del lupo mannaro si incrocia con quello della bella e bionda Justine, assaltata da un gruppo di infoiatissimi briganti assassini. Tutta questa tranche copre la prima parte del film, il momento più classico dell’opera, e si conclude quando, decapitata Uswika Bathory, i paesani, armati come nel più classico cliché di torce e forconi, decideranno di assaltare il castello del licantropo. Solo che Waldemar Daninsky è su un aereo destinazione Londra con la bella Justine, innamorata pazza di lui pur avendo vissuto, giorni prima, l’omicidio brutale del marito. Le sorprese però non finiscono: ad aspettarli c’è qualcuno che può aiutare il nobile polacco a guarire dalla licantropia, il pronipote del Dr. Jekyll. Merda, aggiungo io.
La seconda parte, quella londinese, è la più assurda ma anche la più scatenata e divertente. Chiunque sia dotato di un po’ di sale in zucca sa che non è saggio fidarsi del Dr. Jeckyll o di un suo parente, al pari del soggiornare nel lussuoso castello del Conte Dracula, perché, amico mio, è una legge incisa dai tempi della Bibbia e Mosè, anche il mostro più buono sotto sotto è malvagio, ma non poco eh, da risata con la testa rovesciata all’indietro, muahahahah, e allora sono, scusa il francesismo, cazzi tuoi.
Il Dr. Jeckyll (interpretato dal franchiano Jack Taylor) però stavolta non è malvagio, è solo innamorato della bella Justine, non contraccambiato ovviamente, e, per amore, decide appunto di salvare il nuovo compagno di lei dalla licantropia. Come però? Beh la cosa non ha molto senso, ma possiamo riassumerla così: durante la luna piena, il siero del dottore trasformerà Waldemar Daninsky in Mr. Hyde (“Il male allo stato puro“), ma, essendo già un lupo mannaro, i due lati malvagi si annulleranno restituendo al mondo finalmente il nostro nobile polacco in forma umana. Facile eh? Quasi. Sfiga vuole che il Dr. Jeckyll si spipetti con le foto di Justine ignorando bellamente l’assistente Sandra che, innamorata a sua volta di lui, lo pugnalerà alle spalle liberando il perfido Hyde per far torturare la rivale in amore.
Diciamo che Sandra non è proprio il più cesso sulla faccia della terra, anzi è interpretata dalla bellissima Mirta Miller, attrice che noi malastrani conosciamo almeno per altri due Paul Naschy movie, I diabolici amori di Nosferatu e La vendetta dei morti viventi, ma anche per un giallo lenziano spagnolo, Gatti rossi in un labirinto di vetro. Solo che, in Dr. Jekyll y el hombre lobo, la ragazza non trasuda molta intelligenza: pensa che, come un genio della lampada, il perfido Mr. Hyde le ubbidirà e invece, come ogni buon cattivo che si rispetti, la impalerà su degli spuntoni ridendo gaglioffo. Altra regola: non fidarsi mai dei mostri.
Mirta Miller
Paul Naschy, in versione malvagio, sfoggia un look incredibile: bombetta in testa, cerone in faccia e una mantellina striminzito stile Conte Dracula, ma della misura di un bambino di 8 anni. In più la fisicità penalizzante dell’attore, tozza e sgraziata, non lo rendono mai affascinante come vorrebbe il copione ma ce lo fanno apparire tipo una versione horror di John Belushi o del suo molesto sosia John DiSanti. Una cosa che fa abbastanza ridere.
La parte del leone però in Dr. Jekyll y el hombre lobo non la fa di certo la trama, ma le invenzioni visive di uno scatenato León Klimovsky, un regista capace di passare con prorompente efficacia da un genere all’altro, sia un western cazzutissimo come Su le mani, cadavere! Sei in arresto che un horror vampirico, altrettanto affascinante, come Le messe nere della contessa Dracula. Soprattutto, durante la seconda parte della pellicola, possiamo assistere a scene ottimamente girate, e già pronte per essere cult assolute, come una trasformazione in ascensore di Waldemar Daninsky in licantropo o l’omicidio di una prostituta, con la telecamera che osa inquadrature azzardate e anomale, da parte di un Mr. Hyde sbavante.
C’è però un momento che Dr. Jekyll y el hombre lobo si frena e non riesce a regalare una sequenza che, sulla carta, è potentissima: l’arrivo improvviso del lupo mannaro in una discoteca, un momento che si prestava ad un’orgia di sangue e che invece ci mostra miseramente il mostro che ringhia da poser mentre la gente se la da’ a gambe. Zero morti. Che cazzo, Daninsky!
Per il resto la pellicola, anche con un finale assurdamente melò e tragico, è ottima e regala anche qualche risata, soprattutto davanti alle cattiverie gratuite di Mr. Hyde, il più delle volte semplici marachelle da bambino birbone. Basti assistere, non senza sgomento, al malvagio che spinge un ubriaco in un fiume e poi scappa ribaldo nella notte.
La versione spagnola con le attrici vestite è certamente meno divertente di quella internazionale: in quest’ultima il licantropo non morde solo il collo delle sue vittime ma prima le spoglia tutto libidinoso. In questa forma di horror scollacciato dove Hyde frusta Justine tutta nuda e poi la violenta, il film ha il suo perché da vero popcorn movie di mezzanotte, scorretto e adatto ai ragazzacci come noi.
A interpretare la bella coprotagonista è la svedese Shirley Corrigan, attrice tra Spagna e Italia in decameronici, thriller o bizzarri film di kung fu come la coproduzione con Hong Kong, San sha ben tan xiao fu xing ovvero Tre idioti maldestri incontrano Hsiao Fu-sheng, un delirio che unisce il rapimento di Paul Getty ai combattimenti di arti marziali. La carriera della giovane finì prima dell’inizio degli anni 80 quando un suo stalker la fece quasi morire in un incidente d’auto: da lì la decisione di ritirarsi dalle scene.
Shirley Corrigan
Purtroppo da noi Dr. Jekyll y el hombre lobo è inedito e nessuno si è mai preso la briga, in Italia, di editare queste perle del passato. Ne risulta, per citare il grande Paulie, cognato di Rocky Balboa, che “La vita fa più schifo della merda” visto che in dvd possiamo trovare comodamente unDecoteau brutto come la fame a caso, ma non un Klimovsky d’annata, a parte quei due o tre titoli, stuprati comunque in orribili versioni italiane.
Andrea Lanza
Dr. Jekyll y el hombre lobo
Anno: 1972
Regia: Leon Klimovsky
Interpreti: Paul Naschy, Shirley Corrigan, Jack Taylor, Mirta Miller, Josè Marco, Luis Induni, Barta Barri, Elsa Zabala, Lucy Tiller, Marisol Del Gado, Maria Luisa Tovar
Alla fine degli anni 90 le videoteche di tutta Italia furono bombardate da una serie di titoli horror e action (ma non solo), distribuiti dalla Cecchi Gori sotto l’etichetta Giglio verde. Molti di questi film oltretutto erano seguiti di successi cinematografici caduti purtroppo in disgrazia di soldi, idee e fama. Tra le varie vhs si poteva “ammirare” Classe 1999 parte 2: the substitute di Spiro Razatos, Scanner cop 2 di Pierre David e Scanner 3 di Christian Duguay, tutti titolacci di cattiva fattura ai quali facevano eccezione solo alcuni titoli, curiosamente non sequel, come il cupo vampirico Blood ties di Jim McBride o il discontinuo, ma interessante, Popcorn di Mark Herrier (e Alan Ormsby). Probabilmente erano pellicole restate sul groppone della Cecchi Gori, impossibili, visto la bassa qualità, da mandare al cinema, ma fruibili tranquillamente nel mare magnum degli inediti per l’home video.
Tra questi c’era anche Psycho cop 2, conosciuto anche col titolo di lavoro di Psycho Cop Returns, un seguito di uno slasher del 1989, da noi mai arrivato. Non stupisca perché l’Italia è sempre stata la patria delle distribuzioni strane e arbitrarie, come per Fear 2, uscito in vhs come L’urlo del male, o per Bloody Murder 2, entrambi con un primo capitolo inedito.
Psycho cop 2 fortunatamente non è collegato al precedente episodio, a parte il villain principale, lo sbirro satanista Joe Vickers. Siamo oltretutto davanti ad un horror sì scadente, tanto quanto il primo film, ma anche con un genuino ritmo scatenato, uno splatter abbastanza tosto, e una dose abbondante, tipo pecorino sui bucatini all’amatriciana, di tette, culi e belle donne. Un tipico film, per intenderci, da corona ghiacciata e patatine 2 kg del discount.
La vhs Giglio Verde/Cecchi Gori lancia la pellicola con questa frase “Agente di polizia Vickens, professione serial killer… Signori, la festa è finita” e prosegue sul retro “Sarà una lunga notte: alcool, marijuana e sesso facile… e un ospite inatteso che aggiungerà gli ultimi ingredienti: sangue e terrore“.
Per farla breve, la trama è semplicissima: due completi idioti vogliono organizzare un festino a base di cocaina e puttane nel palazzo dove lavorano, ma vengono ascoltati dallo Psycho cop che, senza ragione logica, decide di seguirli e massacrarli. Stop, niente di più o di meno.
Siamo davanti, come già detto, ad un film che prosegue a suon di tette e sangue, uno Z movie pieno di battute cretine recitate dall’atroce Robert R. Shafer, roba del tipo “Hai il diritto di stare in silenzio da morto” detto ad un cadavere. Però stavolta c’è il rischio di divertirsi perché il film è così folle e scemo, al pari di un amico molesto, nel suo non sense quasi hellzapoppiniano da festaiolo ignorante.
L’agente di polizia Joe Vickens è una variante degenere del Maniac cop di Lusting, una versione più da slasher puro, deviata però nella sciagurata formula degli splatter post Nightmare 2, costruiti soprattutto sulle tanti frasi ad effetto demenziali del cattivo. Figura che però stavolta non spicca, non è simpatica e non ha nulla di interessante. Forse per questo la serie, già narrativamente col fiato corto, si fermerà qui.
Se poi, come detto Robert R. Shafer è davvero inguardabile, c’è da dire che tutto il cast si affanna a dare pessime performance, nel pieno overacting di facce buffe alla Jim Carrey anche quando si tratta di morire, manco fossimo in Troll 2.
Tra gli interpreti spicca però la statuaria Julie Strain, corpo perfetto da valchiria, già vista sotto il pesante e castrante make up di The Unnamable II: The Statement of Randolph Carter e qui in tutta la sua fulgida bellezza, per fortuna, al naturale. Non recita meglio dei suoi colleghi, ma, come si dice, anche l’occhio vuole la sua parte.
Meno male che il regista, lo sconsiderato Adam Rifkin sotto lo pseudonimo di Rif Coogan, glorifica appunto l’aspetto cochon della vicenda con queste striptease sempre a culo nudo anche mentre scappano dal maniaco. Tra l’altro due comparse, Brittany Ashland, attricetta hard, e Sara Lee Froton, leggenda racconta, furono reclutate mentre facevano uno spogliarello ad un party di Charlie Sheen. L’attrice però che si mostra di più è la pornostar Carol Cummings nel ruolo dell’arrapata collega ninfomane che si scopa a sangue il collega fedifrago Tony nella stanza delle fotocopie, luogo adorato da Joe Vickens tra l’altro.
Psycho cop 2, girato in una sola settimana, abbastanza di fretta, ha però dalla sua un messaggio potente nel finale con la gente comune che si arma e massacra a sprangate il poliziotto satanico, quasi un ribaltamento del genere in chiave progressista, una chiusa pregna della rabbia mai placata per il pestaggio di Rodney King.
Psycho cop 2 non beneficiò mai dello sbarco su dvd, restando esclusiva del mondo magico e oscuro delle vhs, un bene forse ma anche un male, soprattutto se vi sentite cattivi ragazzi e avete voglia di un brutto film divertente.
Andrea Lanza
Psycho Cop 2
Titolo originale: Psycho Cop Returns
Anno: 1993
Regia: Rif Coogan (Adam Rifkin)
Interpreti: Robert R. Shafer, Barbara Niven, Rod Sweitzer, Miles Dougal, Nick Vallelonga, Dave Bean, John Paxton, Julie Strain, Melanie Good, Maureen Flaherty, Justin Carroll, Carol Cummings
In viaggio nello spazio, Wolfgang Shadduck scopre di avere a bordo un passeggero clandestino: una donna bellissima e sensuale, al fascino della quale l’uomo non riesce a resistere. Ma al termine dell’amplesso, davanti agli occhi di un inorridito Shadduck, la creatura si trasforma in un mostro repellente e poi scompare. Convinto di aver avuto un incubo – della donna non rimane alcuna traccia – Wolfgang prosegue il suo viaggio fino a quando un’avaria lo costringe ad un atterraggio forzato su un pianeta che ospita una colonia penale. Qui il pilota conosce Miranda e se innamora, ma viene sequestrato assieme a lei da un gruppo di detenuti evasi che vuole usare la sua nave per fuggire, ed è costretto a decollare dall’asteroide. Durante il volo, il mostro si materializza nuovamente e dà inizio alla strage.
Ah l‘Empire di Charles Band! Solo a nominarla mi ritornano alla memoria, come madeleine proustiane, vecchie vhs, film improponibili trasmessi nella notte più fonda da tv private, riflesso anarchico di un cinema potentissimo e miserabile che tutto poteva anche senza nulla avere!
Per tutti l’Empire è stata Re- Animator, Ghoulies, From Beyond, Dolls, low budget di un certo culto, ma in pochi si dimenticano, o non sanno, dell’esistenza dei figli minori dell’impero di Charles Band.
Scriveva De Andrè alla fine della meravigliosa La città vecchia:
“Se ti inoltrerai lungo le calate
dei vecchi moli
in quell’aria spessa
carica di sale gonfia di odori
lì ci troverai i ladri gli assassini
e il tipo strano
quello che ha venduto per tremila lire
sua madre a un nano“.
Mai strofe calzano più a pennello per un sottomondo, un po’ alla Underworld di Clive Barker/ George Pavlou, nauseabondo e poco invitante, nel quale, più che imbatterci in belle pellicole, ci troviamo davanti a veri mostri, sgraziati, arrabbiati e incattiviti. E, sempre come per De Andrè, la soluzione è, più o meno, la stessa: o liquidi questi film per quello che sono, merda, schifo, a morte il regista, o, amico mio, apri la tua bella birra, liberi la pancia dai pantaloni, via le scarpe, sciallato sulla tua poltrona, ti fai avvolgere da quei liquami, da quella trama improponibile, rischiando pure di divertirti.
L’Empire sfornò, nella sua folle corsa di appena 6 anni, un sacco di brutte pellicole fighissime come Breeders di Tim Kinkaid con alieni arrapati e ballerine nude, Creepozoids di David Decoteau con la Linnea Quigley del nostro cuore e dei topastri mossi a mano dagli attori, momenti teneri e irripetibili, Terror vision di Ted Nicolau con la recitazione dell’intero cast oltre l’overacting, e naturalmente questo Transformations … e la bestia sorgerà dagli abissi, con un titolo così brutto, poco accattivante che non poteva essere altro che un capolavoro dell’infimo.
Quindi l’Empire non era solo buone pellicole strane e folli, tipo Troll o Ork di John Carl Buechler,ma anche, e soprattutto, filmacci da cestone del supermercato, film dalle copertine orribili che sembravano urlare l’eutanasia piuttosto che una visione.
Questi film, americani nel cuore ma girati in italia nei capannoni di proprietà dello stesso Charles Band, erano successi sicuri, venduti in tutto il mondo e dal budget così misero che anche la vendita di una vhs poteva garantire un’entrata, anche perché la maggior parte di loro non avrebbe mai visto la luce della sala cinematografica.
Con Transformations … e la bestia sorgerà dagli abissi siamo in territorio scifi horror, in un’ambientazione quasi tutta in interni per sfruttare al massimo gli scenari riciclati da una produzione più ricca, Arena, uno dei costosi fallimenti, con Robojox di Stuart Gordon, del periodo finale Empire.
Loredana Romito in tette e ossa
Inutile dire che la trama scritta da Mitch Brian, più a suo agio come sceneggiatore per il magnifico Batman: The Animated Series, sia un guazzabuglio inenarrabile composto da dialoghi deliranti, scene che sembrano improvvisate, e tante tette e sesso a cazzum per intontire lo spettatore beota. Per esempio ad un certo punto una dottoressa, interpretata dalla Lisa Langlois di Classe 1984 e Occhi della notte, dice al nostro eroe, il pilota spaziale Wolf, “Devo fare una cosa importantissima. Aspettami qui” e poi la vediamo fermarsi per lunghi minuti con fare pensieroso in una stanza vuota, non facendo nulla, giuro nulla, per poi tornare indietro. Cioè cosa diavolo doveva fare di importante????
Alieni e sesso prima di Species
Non aiuta neppure la regia di Jay Kamen, tecnico del suono per produzioni di un certo livello come Robocop 3 o Caccia ad ottobre rosso, impacciatissimo al suo debutto (unico) dietro la macchina da presa. Transformations … e la bestia sorgerà dagli abissi stilisticamente è vicino al linguaggio del telefilm (sciatto) degli anni 80, un valore, per assurdo, aggiunto ad una visione ignorante da filmaccio uscito dalle vhs.
C’è da dire che la pellicola ha almeno due buoni attori, la già citata Langlois e il Patrick Macnee di Battlestar galactica, che però vengono mal sfruttati in una storia che li vede spauriti e visibilmente impacciati. Il resto del cast è miserabile, a partire da un protagonista legnosissimo, il cantante Rex Smith, lontano dai fasti del suo serial tv Il falco della notte. Per non contare poi le presenze inenarrabili delle nostre starlettes Pamela Prati e Loredana Romito, nudissime ovviamente. La prima, la Pamelona del tormentone trash tv Mark Caltagirone, interpreta l’aliena che contamina il protagonista all’inizio del film, la seconda è invece una prostituta rimorchiata da nostro Wolf in piena mutazione genetica che, prima di Species, spinge, gli extraterresti a ciulare il più possibile.
Pamela Prati prima della D’Urso e di Caltagirone
Transformations … e la bestia sorgerà dagli abissi tenta un discorso anche interessante sull’AIDS e sul contagio sessuale, ma ogni buona intenzione, si sa, se la deve vedere con le vie distorte del diavolo delle brutte sceneggiature. Quindi inutile vederci significati reconditi: la pellicola di Jay Kamen è exploitation al più basso livello che prosegue a forza di sgnacchera e sangue.
Sia dato atto però che la trama anticipa pericolosamente quella di Alien 3: un’astronave con l’infezione, il mostro, che precipita in una colonia penale. C’è pure un prete, Patrick Macnee, a sancire l’elemento fortemente religioso dell’opera. Ovviamente le due pellicole stanno agli antipodi, inconciliabili e con un’idea diversa di cinema: il film di Kamen divertimento rozzo senza pretese, quello di Fincher un’ambiziosa opera sci-fi molto stilosa. Però è bello sognare che, una notte insonne, facendo zapping sulla tv, uno degli artefici della travagliatissima stesura di Alien 3, magari il non accreditato David Twohy di Pitch Black, sia stato folgorato dalla visione di Transformations. Sua fu d’altronde l’idea di trasformare il pianeta, sul quale l’astronave di Ripley/Sigourney Weaver atterra, in una colonia penale.
Smorzacandela spaziale
Per il resto abbiamo davvero davanti un filmaccio di bassa lega, pregno di momenti involontariamente comici, a partire dai primi minuti di film quando il nostro Wolf non si chiede che diavolo ci fa su un’astronave, fino ad un secondo prima deserta, la nostra Pamelona arrapatissima. Il suo pensiero probabilmente è che sia stata nascosta, senza mangiare né bere per giorni, in attesa di fargli una sorpresona per il suo compleanno. “Quei mattacchioni dei miei amici” esordisce il non proprio intelligentissimo protagonista prendendosi una sifilide aliena che gli procurerà bolle su tutto il corpo abbastanza schifose che esploderanno in pus.
Transformations ci insegna che nel futuro le lauree non serviranno più: l’unica dottoressa della prigione, interpretata dalla bellissima e assente Langlois, non ha nessun titolo accademico come ci conferma lei stessa in uno dei tanti dialoghi surreali. Fa il medico e agisce da medico semplicemente perché la chiamano “Dottore” e indossa un camice. D’altronde tutto il suo apporto scientifico per debellare la mutazione del protagonista è limitato in intensi occhi da cerbiatto e frasi come “Ti amo dal primo momento che ti ho visto“. Va bene che l’amore può vincere tutto, ma insomma…
Cast di disperati
Aggiungiamo al pasticciaccio una sottotrama senza interesse, e subito liquidata, con tre detenuti che evadono dal carcere, girata così sciattamente nelle scene d’azione da suscitare tenerezza.
Gli effetti speciali sono abbastanza efficaci nella semplicità di uno spettacolo che richiede solo tre elementi: nudi, schifezze varie e un ritmo abbastanza concitato. Chi si accontenta si divertirà e il film si lascia guardare senza danno ferire, di certo meno ributtante di come le recensioni l’hanno sempre accolto.
Dispiace solo che un ottimo direttore della fotografia come Sergio Salvati sia stato coinvolto in uno dei suoi lavori meno efficaci, lontano non solo dai fasti fulciani ma anche dalle buone, precedenti prove Empire come Ghoulies 2, Puppet Master o Striscia ragazza striscia.
L’Empire, per motivi finanziari, fallirà da lì a poco, trasformandosi in quella che ad oggi è la Full Moon, ma film così belli nella forma miserabile come Transformations non si sono fatti più.
E in fondo ci dispiace.
Andrea Lanza
Transformations… e la bestia sorgerà dagli abissi
Titolo alternativo: Alien transformation
Titolo originale: Transformations
Anno: 1988
Regia: Jay Kamen
Interpreti: Rex Smith, Lisa Langlois, Patrick Macnee, Christopher Neame, Michael Hennessy, Donald Hodson, Ann Margaret Hughes, Pamela Prati, Loredana Romito, Benito Stefanelli, Cec Verrell
H. P. Lovecraft a metà anni 80 era tornato alla ribalta soprattutto grazie all’Empiredi Charles Band che aveva confezionato due capolavori splatter, Re-animator e From Beyond, tratti da due racconti brevi del solitario di Providence. Da lì una sorta di lovecraftspoitation era dilagata nei cinematografi e nelle vhs, una mania che aveva creato negli anni più mostri che perle preziose, filmacci come Lurkin Fear (1994) di C. Courtney Joyner, da un progetto abortito di Stuart Gordon sempre per l’Empire, o il delirante La casa di Cthulhu (1992), abominio spagnolo diretto dal sempre poco talentuoso Juan Piquer Simón, autore del(lo) (s)cult Pieces.
Già negli anni 60/70, grazie ad un pugno di pellicole, si era cercato di imporre al grosso pubblico il nome di Lovecraft, ma, malgrado opere eccellenti come La città dei mostri (The Haunted Palace, 1967, Roger Corman da Il caso di Charles Dexter Ward), La morte nell’occhio di cristallo (Die, Monster, Die!, 1965, Daniel Haller da Il colore dello spazio) e Le vergini di Dunwich (The Dunwich Horror, 1970, Daniel Haller da L’orrore di Dunwich), il tentativo era fallito. Era evidente che l’universo mostruoso ed onirico di H. P. non faceva presa sugli spettatori come invece quello di Edgar Allan Poe che aveva fatto la storia dell’horror cormaniano.
Ah le vhs!
La creatura arriva in piena lovecraftmania ed è uno dei primi tentativi, con La fattoria maledetta (The curse) di David Keith, di bissare il successo dei film di Stuart Gordon. Girato con l’esiguo budget di 350000 dollari, in sole tre settimane, tratto dalla novella L’innominabile, calcava la mano dello splatter sulla falsariga di Re- animator. Non dovette comunque essere un grandissimo successo al box office, visto che per il seguito passarono ben 5 anni, ma ricordo perfettamente che in vhs, nell’edizione stracazzutissima della VIVIVIDEO, faceva la sua porca figura con questo mostro urlante tipo banshee che ti faceva cagare sotto solo a guardarlo.
Il film fu diretto da Jean-Paul Ouellette in un’epoca dove la Francia non era ancora stata sdoganata dal cinema euroamericano di Luc Besson. Oltretutto il regista fece appena in tempo a girare negli States un action marziale pregevole, Chinatown Connection con lo sconosciuto Bruce Lyovvero Lung Tsu Chiao ovvero Yung Henry Yu al fianco del Lee Majors de L’uomo da sei milioni di dollari, e naturalmente The Unnamable II: The Statement of Randolph Carter, La creatura 2 se fosse uscito mai in Italia. Dal 1993 Jean-Paul Ouellette, che nella sua carriera può vantare la seconda unità di Terminator di Cameron, ha abbandonato quasi del tutto la regia, dirigendo in 26 anni solo due cortometraggi, l’ultimo This Thing About My Wife è del 2019, un dramma su un ménage à trois tra un corridore brasiliano, la moglie e la sua amante.
Tette
Ultimante ho letto cose molto negative su La creatura, critiche oltretutto ingiuste con aggettivi come trash (ecco una parola da abolire in campo cinematografico), noioso o stupido. Ho rivisto da poco il film di Ouellette e l’ho trovato di certo non un capolavoro, nessuno comunque lo pensava neppure nel 1988, ma comunque un prodotto ben fatto, divertente e con una creatura mostruosa dal make up fantastico. Fa sorridere è vero che questo gruppetto di persone si aggirino all’interno di una casa senza mai sentire le loro grida o incrociarsi (quanto diavolo era grande?), ma alla fine The unnamable è girato molto bene, con un sapiente uso delle luci per mascherare la povertà del budget, delle gustose scene splatter e le tette, fantastiche, della stuntgirl promossa ad attrice Laura Albert. In più il gruppetto di attori non sembra mai un saldo da brutto B movie e Mark Kinsey Stephenson è un perfetto Randolph Carter in versione teen.
Splatter
Su questo punto poi ci sarebbe da aggiungere che La creatura, più che un sotto Re-animator, sembra invece una risposta horror low budget a Piramide di paura (1985, Young Sherlock Holmes) di Barry Levinson, con la declinazione adolescenziale del mondo lovecraftiano e dei suoi personaggi. Una sorta di What if Marvel o Elsewords DC, per intenderci, con linee narrative alternative e ipotetiche. E se Randolph Carter avesse vissuto le sue avventure al college? E se Lovecraft fosse stato il suo compagno di stanza? Queste le domande che si pone il film.
9 ore di make up
Il racconto di Lovecraft era sì riadattato alle esigenze del copione ma manteneva inalterate alcuni suggestioni importanti come i vetri che possono catturare il volto delle persone o la presenza di un essere inquietante in una soffitta.
La creatura, Alyda, era interpreta da Katrin Alexandre al suo unico film. Trovare foto dell’attrice senza make up è quasi impossibile, ma il lavoro degli effettisti è stato eccezionale, un trucco che richiedeva 9 ore per rendere credibile il mostro, ogni pezzo era creato su misura per la sua interprete per agevolarle i movimenti. Un vero miracolo considerato il budget modesto. Si racconta oltretutto che per le scene di sbudellamenti vennero utilizzate vere interiora animali, tra cui un cuore di agnello.
Nel 2 forse non c’era tempo per il make up
La novella L’innominabile di Lovecraft non aveva un seguito perciò Jean-Paul Ouellette per girare La creatura 2 si ispirò ad un’altra avventura del ciclo di Randolph Carter, The Statement of Randolph Carter, che in linea temporale era però la prima. Non avendo nessun aggancio con la storia del precedente film, la sceneggiatura è appena ispirata al racconto. Quindi, per i primi dieci minuti, si affronta, come nella parte letteraria, il viaggio del nostro giovane studioso e di un professore, il Dottor Warren, nelle profondità della terra. Lì i due scopriranno che la creatura è imprigionata da una serie di radici magiche, ma anche, sorpresona, che nascosta in lei c’è una parte buona, l’Alyda umana.
Amico, non mi frega del film.
Stavolta il bugdet è più alto, ben un milione di dollari, e la lavorazione si allunga a cinque settimane con l’ausilio stavolta di stunt dove nel primo film non c’era possibilità di controfigure nelle scene più pericolose.
Amico, neanche a me frega del film.
Katrin Alexandre stavolta si rende disponibile solo per una giornata e perciò viene messa a contratto la modella di Penthouse Julie Strain, bellissima ma purtroppo nascosta dal pesante make up. La sua creatura stavolta è un gigante infatti la ragazza misura ben un metro e 85.
Julie Strain senza make up da mostra
Il personaggio di Tanya Heller, fidanzata di Howard, l’amico di Carter, viene liquidato in fretta senza neppure chiamare l’attrice Alexandra Durrell. Al suo posto riveste il ruolo di protagonista, nei panni di Alyda, la stupenda Maria Ford, una sosia di Alyssa Milano, così bella al naturale che la chirurgia plastica negli anni la devasterà peggio che la sua controparte mostruosa.
La bellissima Maria Ford ora distrutta dalla chirurgia estetica
Visto che il film è più ricco si riesce a chiamare per qualche posa il grande David Warner e, qualche giorno di più, il futuro Gimli de Il signore degli anelli, John Rhys-Davies, all’epoca Sallah de I predatori dell’arca perduta.
Il problema è che, budget a parte, The unnamable 2: The Statement of Randolph Carter è nettamente peggiore al primo film.
Partiamo subito dal fatto che il mix tette e sangue viene tradito da una versione PG13 de La creatura: gli squartamenti ci sono ma vengono mostrati solo ad atto compiuto con l’aggravante di alcune morti proprio fuori campo mentre i nudi non sono neanche pervenuti. Cioè Jean-Paul Ouellette ha tra le mani una modella di Penthouse e non la spoglia neppure in flashback, e scrive il personaggio di Alyda come una ragazza sempre svestita ma appiccica sul corpo di Maria Ford dei capelli copri seni? Qui rasentiamo la follia! Certo ogni tanto si vedono le chiappette strafantastiche della protagonista ma sembra la fiera della froceria nel mondo degli etero allupati!
Capelli copri pudende
Anche la regia in 5 anni è peggiorata e non l’aiuta la decisione della sceneggiatura di mostrare in azione il mostro all’aperto: così senza le suggestive luci, senza accorti tagli di montaggio, il più delle volte sembra di assistere ad una puntata più gore di Buffy l’ammazzampiri, con lo stesso gusto non gusto per i pupazzoni di lattice. Per di più la creatura ad un certo punto cerca di spiccare un volo col risultato di apparire come un mostro dei Power ranger trascinato dai cavi volanti.
Chiappe che presagiscono peccati mai portati in scena
In The unnamable 2: The Statement of Randolph Carter entriamo nel vivo dell’azione dopo quasi 45 minuti di chiacchiere e scene alla Maial college: in queste, Randolph e il suo amico Howard portano Alyda tutta nuda nel loro dormitorio mentre alcuni compagni battono il 5 malpensando in un’orgia. Inutile dire che sono i momenti più idioti di una pellicola che non spicca per una grande intelligenza dei suoi comprimari e li manda al massacro senza scervellarsi molto sul perché.
Zio, si ciula, vero?
Un peccato perché questo poteva essere un buon seguito, contando anche le buone interpretazioni degli storici protagonisti della serie, Kinsey Stephenson e Charles Klausmeyer. Invece il film perde il divertimento, l’atmosfera lovecratiana e la sfrontata exploitation che tanto ci avevano fatto amare l’originale. Non stupisca che questo numero 2 sia rimasto inedito in Italia e che abbia meno fama del suo primo capitolo.
Due fighe spaziali a confronto
Dimostrazione che il budget ricco non fa il buon film. Da recuperare solo a fini di completezza o con la scusa, giustissima, di rivedersi La creatura, un cult adolescenziale per tutti noi amanti del cinema horror ottantino.
NB Il dvd del primo film ad opera della Red Spot è scandalosamente un riversamento della vecchia vhs. In più i tizi non si sono neanche sbattuti a cercare informazioni sul film visto che sbagliano 1) a raccontare la trama 2) a dire che il film è inedito al cinema quando ha un visto censura del 26/08/1988. Per fare certi lavori a cazzo di cane sarebbe meglio non farli!
Andrea Lanza
NB Il flano cinematografico de La creatura è stato fornita gentilmente dall’amico Lucius Etruscus che ci ricorda l’uscita esatta del film in Italia: l’8 settembre 1988. Vi consiglio di guardare il suo blog dedicato alle locandine d’epoca, IPMP – ITALIAN PULP MOVIE POSTER, imperdibile e imprescindibile.
The unnamable II: The statement of Randolph Carter
Anno: 1992
Regia: Jean-Paul Ouellette
Interpreti: Mark Kinsey Stephenson, Maria Ford, John Rhys-Davies, Charles Klausmeyer, Peter Breck, David Warner, Julie Strain
Bizzarro destino quello di Massacro al Central College, almeno in Italia: insertato con scene pornografiche venne proiettato nei nostri cinema prima normalmente e poi come film hardcore in una versione chiamata Sexy Jeans. Certo quando uscì in vhs per la GVR e in tv, fu nella sua versione pura (o quasi) ma tutto questo non toglie che non si capisce il perché di questo vilipendio verso il tosto thriller di Rene Daalder.
Dicevo quasi perché sembra che la versione home video si rifacesse a quella hardcore tagliando (male) le scene pornografiche, ora quasi subliminali, con la dubbia nuova colonna sonora scritta tra l’altro (malamente) da Malgioglio.
Certo che negli anni 70/80 impazzava il boom del film porno, quindi la richiesta era davvero alta, e si usava prendere film che nulla avevano con il cinema a luci rosse per riempirli di cazzi, fighe e cum shot selvaggio.
Penso al capolavoro di Jean Rollin, Fascination, un delicatissimo horror erotico che diventa nei nostri cinema un altro hardcore con la solita politica degli inserti a cazzo di cane. Eh si perché non crediate che girassero scene sporcacciose apposta per metterle nei film normali, no no, le sequenze erano random, poteva capitare che due vampirette lesbiche si trovassero ad amoreggiare in salotto e vedevi un pene entrare in una vagina su sfondo bucolico, perché negli anni 70 i cazzi erano dotati di teletrasporto, roba da Capitano Kirk, almeno al cinema.
Anche qui in Massacro al Central college, un thriller drammatico che nulla ha di eccitante a livello sessuale, si ampliano allo stesso modo le scene: se c’è un principio di stupro si inserta una bella penetrazione, se due ragazzi amoreggiano via di inculata perché in Italia siamo poeti, marinai e un po’ pipparoli.
In più nella versione uscita al cinema, per non farci mancare nulla, come anticipato poco fa, si cambia pure la colonna sonora e al posto della struggente Crossroads, interpretata da Jill Williams, troviamo l’immonda Sexy Jeans, scritta da Renato Pareti e Cristiano Malgioglio e interpretata dalla cantante Roxy Robinson, con sospiri e mugugni da Serge Gainsbourg dei poracci.
Ma torniamo al film, porno e non porno, com’è?
Ottimo, una vera sorpresa che non conoscevo e, se non avessi visto per caso il trailer, di certo non mi sarei messo a sprecare probabilmente il mio tempo per un film dal titolo Sexy Jeans.
Una simil Gloria Guida nel manifesto
Siamo davanti, come molti altri colleghi di penna prima di me hanno scritto, ad una sorta di proto Heathers (Schegge di follia), il film anni 80 dove Christian Slater il versione teenager si mette ad ammazzare anarchicamente gli studenti del suo liceo perché si sa se il mondo adulto fa schifo, la scuola ne è l’anticamera con piccoli stronzi che diventeranno grandi stronzi. Allora perché non sistemarli prima? Schegge di follia è uno di quei film che quando lo vedevi da moccioso ti sentivi schierato dalla parte di questo pazzo schizzato perché, diciamocelo, a nessuno piacciono i bulli.
Massacro al Central college però compie un passo ancora più ardito: il nostro antieroe David uccide a metà film tutti i teppistelli che infestavano la scuola, ma, a quel punto, si accorge che il suo lavoro non è finito. Eh sì perché in un sistema dove la pace la si costruiva con angherie e regole ferree, ora vige la pura anarchia, e quindi le vittime si ergono a carnefici con nuove prese di potere ai danni degli studenti più deboli. Cane mangia cane. Quindi il nostro giustiziere del liceo affila le armi e riparte alla carica.
Come non dare torto però al povero David, promessa della corsa giovanile, che si trova zoppo perennemente per vendetta. D’altronde chi perché simpatizzerebbe con questi giovani mostri del domani che per divertirsi prendono due ragazze e vogliono stuprarle in gruppo?
Certo che il comportamento di queste vittime sacrificali non è dei più empatici: si fanno sottomettere, giustificano i comportamenti dei loro aguzzini e un atto vile come una violenza sessuale sembra pura routine scolastica al pari dell’ora di religione.
Siamo in puro territorio John Carpenter, lo stesso che vedremo in Fuga da Los Angeles con un fascistissimo villain dai tratti di Che Guevara, un’opera sottilmente politica, densa di umori anarchici che pone destra o sinistra sullo stesso piano, d’altronde tutti i politici sono uguali quando vanno al potere, è morto il re viva il re.
L’opera di Rene Daalder, ex cameraman per Russ Meyer, non è ascrivibile a nessun genere, è molto moderna pur essendo girata nel 1976, dall’ottimo ritmo e con scene di morti ingegnose senza mai sforare nell’horror però o nell’ancora limbico genere slasher. Si pensi alla dipartita del capo dei bulli, folgorato dalla corrente mentre vola sul deltaplano, o quella di un altro con le ossa spaccate dopo un tuffo in una piscina senz’acqua. Tutte morti a distanza dove il nostro David si sbizzarrisce ad usare le metodologie più disparate con una certa propensione per il tritolo come fossero esecuzioni mafiosi, non dissimili da quelle viste nel bellissimo The mechanic di Michael Winner.
In più la pellicola rappresenta una scuola non scuola, nella quale non si capisce se si faccia lezione; oltretutto non vediamo mai in azione né un professore né tantomeno un adulto, a parte come comparsa non parlante nel finale.
Gli attori sono abbastanza anonimi ad eccezione di un bravissimo Robert Carradine che fa qui le prove generali, rosso sangue, del suo La rivincita dei nerds.
Il film è generoso di nudi e risalta in questo una prorompente e strepitosa Kimberly Beck che ritroveremo qualche anno dopo come protagonista di Venerdì 13 capitolo finale, come dire che il buon Jason se ne intende di ragazze!
Altra pupattola che si fa notare è Cheryl “Rainbeaux” Smith, una delle due ragazze quasi stuprate, un’attrice molto familiare ai fan del cinema exploitation anni ’70. La Smith aveva recitato in Lemora La metamorfosi di Satana nel 1972 all’età di 17 anni ed era diventata un icona dello spettacolo da drive-in per tutto il decennio successivo in film come Caged heat (1974), Swinging Cheerleaders (1974), ed aveva rivestito il ruolo principale nella versione per adulti di Cinderella nel 1977. L’attrice avrebbe probabilmente avuto un futuro fiorente al cinema, ma la carriera forse non interessava tanto a Cheryl quanto l’eroina: morì all’età di 45 anni, povera e abbandonata da tutti.
Massacro al Central college, migliore regia di Daalder che si farà notare a fine anni 90 solo per un bizzarro horror, Habitat, è un film spietato, amaro e dal finale non proprio consolatorio. Leggenda vuole che gli attori considerassero lo script una vera immondizia, tanto che alcuni si rifiutarono di studiare le battute improvvisandole.
Nel girato doveva essere presente un flashback nel quale si spiegava l’origine del rapporto di amicizia tra David e Mark, ma questo fu tagliato in fase di montaggio. Infatti il futuro killer avrebbe dovuto salvare l’altro ragazzo da un pestaggio sotto un ponte. Daalder trovò però la sequenza superflua, forse giustamente, e la eliminò. Possiamo trovare alcuni fotogrammi della scena eliminata però nei titoli di testa.
Certo è che Massacro al Central college è un film che noi di Malastrana consigliamo, un’opera ingiustamente violentata da un’edizione italiana aguzzina e che meriterebbe lo status di cult che purtroppo non ha.
Andrea Lanza
Qui il film, in italiano, in versione pura senza gli inserti, neppure subliminali:
Massacro al Central College
Titolo originale: Massacre at Central High
Anno: 1976
Regia: Rene Daalder
Interpreti: Derrel Maury, Andrew Stevens, Robert Carradine, Kimberly Beck, Ray Underwood, Steve Bond, Rex Steven Sikes, Lani O’Grady, Damon Douglas, Dennis Kort, Cheryl Smith, Jeffrey Winner
Durata: 75 min o 83 min (a seconda delle versioni)
Animal house di John Landis fu un successo grandioso, 141.600.000 dollari di incasso su 3 milioni di budget, generando un culto assoluto sia per il film, folle ma non stupido, sia per il suo attore protagonista, il geniale John Belushi nei panni di John “Bluto” Blutarsky. Anche il tema delle confraternite risuonò a livello mondiale e generò una serie di figli degeneri che del capolavoro comico di Landis presero solo la parte più superficiale, gli scherzi goliardici e le varie flatulenze.
Giuro che non mi ricordavo di avere fatto questo film
Il clone più smaccato però di Animal House arrivò dal Canada, un anno dopo il film originale con Belushi, e si chiamava King Frat, da noi I paraculissimi.
A girarlo un autore che, solo due anni prima, si era fatto conoscere per uno zombi movie con Peter Cushing abbastanza anomalo, L’occhio nel triangolo, ovvero morti viventi in versione nazista. Come riuscirono i produttori Jack McGowan e Reuben Trane ad imbarcare nell’operazione Ken Wiederhorn non è dato saperlo, ma il regista, nella sua breve carriera (l’ultimo film è del 1993), aveva una predilezione smaccata per la commedia un po’ demenziale: suoi infatti sia il discontinuo Il ritorno dei morti viventi 2 sia il demenziale Meatballs 2: porcelloni in vacanza.
A me piace l’horror ma anche le scorregge!
L’idea di fondo di questo I paraculissimi era tra le più sincere e semplici del cinema di bassa imitazione: clonare Animal house senza avere neanche una vera sceneggiatura, tanto che l’autore dello script, Ron Kurtz, mente creativa dietro i Venerdì 13 più riusciti, si firmerà con lo pseudonimo di Mark Jackson (così come nel successivo thriller di Wiedhorn, Gli occhi dello sconosciuto).
Stocazzo!
Non si può dire che King Frat sia un brutto film come non si può dire che sia bello: è oltre, una pellicola aliena ipnotica, qualcosa di indecifrabile che forse possiede, dietro l’ostentazione di tette e scorregge, la prova dell’esistenza di Dio.
In un’ora e venti scarsa la trama si dipana in altre cento sottotrame (un ragazzo che scopre che la sua pudica ragazza si prostituisce, il furto di una statuetta dal pene abnorme, l’introduzione di una fidanzata per il John Belushi di turno, la salma di un preside morto e così via) e nessuna di queste tracce viene portata avanti, le scene muoiono il tempo di una barzelletta tra spaghetti stracotti buttati contro i muri, vomito indotto per bere più birra e fischietti infilati nel culo.
Essere John Belushi
Eppure King Frat incarna quell’anima goliardica che il genere confraternite richiede: è il mal di testa post sbornia, è la paura di un domani che si esorcizza nell’ennesima scopata o nella risata post canna. Per questo il film di Wiedhorn va preso per quello che è: un hellzapopping non sense che si deve guardare non con gli occhi dell’adulto ma del ragazzo che si affaccia alla vita, un mondo ancora semplice e a suo modo pulito pur nella trivialità di un universo di dita tirate per scorrare e giù di ghignate.
Nel suo essere una copia carbone di John Landis, I paraculissimi propone il suo John “Bluto” Blutarsky ovvero J.J. ‘Gross-Out’ Gumbroski, in Italia “Cicciobello“, interpretato da un John DiSanti truccato, abbigliato e clonato per essere un John Belushi della serie B. Oltretutto l’attore, bravo nel ruolo, all’epoca delle riprese aveva ben 41 anni e doveva far finta di averne 18, un’impresa comunque riuscita perché non fai tanta attenzione al suo volto ma soprattutto alle sue natiche flaccide che emettono l’ennesimo peto. E’ la mossa Kansas city predicata da Bruce Willis all’inizio di Slevin – patto criminale: “E’ quando loro guardano a destra e tu vai a sinistra“, un trucco paraculissimo, come appunto il film.
Non so se sia mai stato stilato un guiness dei primati delle scorregge nel cinema, ma credo che questa pellicola possa vincere senza problemi: solo nel primo tempo ne ho contate 79.
Difficile dire chi sia il migliore del cast perché, a parte John Di Santi che è perennemente in scena, il resto degli attori ha ben poco spazio e molti appaiono e scompaiono senza molto senso narrativo. Forse il capo indiano interpretato da Dan Chadler ha più di un punto d’interesse e il personaggio, quando è in action, risulta molto divertente.
Lo spirito del film è ben rappresentato dai primi 5 minuti dove le nostre matricole dei Deltas percorrono il campus mostrando le natiche a qualunque essere umano incontrino, causando la morte per infarto del preside mentre fa jogging. Crudele? Si come tutte le barzellette e come tutte le barzellette non ha bisogno di avere una chiave di lettura diversa dal “Ah ah ah che coglione che sei!” detto all’amico burlone.
Sul piano delle tette si segnala soprattutto le due incredibili bocce dell’attrice Teri Kelso impegnata in una scena che non ci credi possa esistere: sesso con un uomo vestito da gorilla (momento che anticipa una sequenza di Una poltrona per due di Landis) su un’ambulanza con la conseguenza dolorosa di restare incastrata nell’amplesso. Si quelle cose che leggi in Cronaca vera e che speri di non accadano mai a te!
La stessa Teri Kelso poco prima, vestita da Wonder Woman, era apparsa con un pene finto in mano davanti ad un prestigiatore: “Cos’è che ha due palle?” “Stocazzo!“. A suo modo una martire del film scorreggione di cui King Frat ne è il massimo esponente.
C’è da dire che questo film, almeno in una sequenza, le fiamme create dalle flatulenze, anticipa l’altrettanto folle e scorretto Scemo & più scemo (Dumb and Dumber)di Peter Farrelly con Jim Carrey.
I paraculissimi arrivò in Italia nel 1982, fu spacciato per un seguito finto di Porky’s – Questi pazzi pazzi porcelloni con il titolo Porki’s numero 2 su distribuzione DRAI e uscì in videocassetta per la Avo film col divieto ai 14. Il doppiaggio lo denaturalizza un po’ inventando intere battute in derive regionali che non esistevano (il presentatore della gara delle scoregge. la scena clou del film, che parla con accento campano).
Su imdb si racconta un aneddoto divertente: un utente aveva fatto un’apparizione nel film come membro della band che suonava alla festa della confraternita. Lui e i suoi compagni andarono a vedere I paraculissimi quando uscì nella loro zona, e la reazione del pubblico fu incredibile: popcorn gettato, soda rovesciata, pomodori contro lo schermo. Un usciere riconobbe i ragazzi e, temendo per la loro incolumità, li scortò fuori dal cinema con delle borse in faccia per paura fossero aggrediti.
Difficile dare un giudizio a questo film, ma, come scritto prima, non saranno certo gli 80 minuti peggiori della vostra vita, forse i più incredibili come cinefili più di un Kubrick o un Tarkovskij scassa palle. Viva la figa e chi la ama tiri una riga!
Andrea Lanza
Qui, grazie al sempre benedetto sito di streeaming cinemazoo, il film completo:
Regia: Ken Wiederhorn (in alcuni Paesi come Reginal Rheigold)
Interpreti: John DiSanti, Charles Pitt, Roy Sekoff, Robert Small, Dan Chandler, Mike Grabow, Ray Mann, Suzina Volpina, Dan Fitzgerald, Tom Tully, Glenn Scherer, Lee Krug, Taryn Hagey, Teri Kelso, Karen Gold, Sally Ricca, Rahnee Reiland, Lee Sandman, Jean Jarvis, Bette Shoor, Bruce McLaughlin, Wolfie Udikoff, Ted Richert, Michael Sandler, Joel Kolker, Joanne Marsic, Bobby Gale, Herb Goldstein, Sonia Zomina, Lee Willis, Tommie Grimstad, Reuben Trane, Ken Wiederhorn, Starr Dey, Tom Chatlos, Joseph Reed, Vincent Agostino, Pat Fendley, Bill Hendrickson, Neil Fleischer, Floyd Schneider, Kent Levack, Vinny Quaranta, Bob Norris
Un blog americano, nel parlare di Savage streets, fa presente che è un film che vive di tre B, almeno se si parla inglese perché in italiano la cosa ha meno senso: BEAR (orsi, anzi trappole per orsi, e capirete presto perché), BOOBS (tette) e BLOOD (sangue).
Niente di più vero ed è ironico che il critico parli costantemente, in maniera ossessiva, delle (incredibili) bocce di Linda Blair, aggiungendo alla fine: “And yes, I am gay. Very gay. But Linda Blair and her boobies make me VERY happy, as they should the whole world“. Cioè questo fa capire che Linda Blair e le sue tette sono strepitose, o almeno lo sono state negli anni 80, e solo a guardarle possono metterti di buonumore, l’Ovomaltina sparata in vena col latte, l’Orzobimbo o il Nesquik che da ragazzino fungeva da caffè, e sono universali che tu sia gay, etero o Korang, la terrificante bestia umana!
Savage Streets è un film che, spero qualcuno mi smentisca, non è mai uscito in Italia, come l’altro Linda Blair movie che abbiamo affrontato in questi giorni, Hell night, e come Hell night doveva essere un thriller violento diretto da Tom DeSimone.
Così non è stato e presto la produzione licenziò il primo regista assumendo Danny Steinmann che aveva nel curriculum un divertente porno, High Rise, girato sotto lo pseudonimo di Danny Stone, e un horror di buona fattura, Unseen con Barbara Bach, firmato anche questo con un nom de plume, Peter Foleg.
Strano il destino di Steinmann: discreto regista, ha firmato un ottimo Venerdì 13, uno dei meno amati dai fan, il 5, narrativamente sorprendente per come ribalta le premesse di una serie tutto sommato godibile ma prevedibile. La sua carriera sembrava essere pronta per decollare quando un terribile incidente in bicicletta l’ha costretto a ritirarsi dalle scene per dedicarsi alle cure, molte e dolorose, senza più poter tornare a girare un altro film.
Uno dei pochi ritratti, commoventi e sinceri del regista, lo potete trovare su dreadcentral, quello di un artista sfortunato ma talentuoso, sconosciuto ai più, ma che sembrava dovesse girare grandi cose come il mai concretizzato L’ultima casa a sinistra 2.
Su Savage Streets il defenestrato Tom DeSimone dichiarò:
“Sono stato effettivamente assunto per dirigere Savage Streets e mi sono portato dietro Linda Blair che era una mia amica dopo Hell night. Tuttavia, anche in produzione, la sceneggiatura continuava a essere rielaborata da uno degli investitori che si immaginava uno scrittore. Ben presto mi è stato chiaro che il progetto si stava muovendo in una direzione diversa da quella in cui avevamo iniziato e non ero contento di questo. Frustrato da tutti i cambiamenti che giudicavo orribili, sono uscito dal progetto ed è qui che entra in gioco Danny“.
Dal canto suo Steinmann invece racconta:
” Stavo lavorando ad una miniserie per Playboy Television con Britt Ekland, quando ho ricevuto una chiamata da un mio buon amico, Billy Fine. Era nei guai perché stava producendo un thriller con Linda Blair, le riprese dovevano iniziare letteralmente l’indomani, il problema era che aveva appena licenziato il regista. Verso mezzogiorno, sono andato nell’ufficio di Billy e mi è stata data la sceneggiatura di Savage Streets e, dopo averla letta, ho accettato. Playboy mi diede il permesso di occuparmi di questo lavoro. La notte prima di girare feci tagli seri alla storia e alcune aggiunte, ma non sapevo che lo script sarebbe cambiato più volte nel tempo. Mi sono sbarazzato di intere scene, dialoghi e personaggi. C’era una storia d’amore che coinvolgeva Linda, una sotto trama riguardante la polizia, un sacco di gag che pensavo non avrebbero funzionato, scene che avrebbero rallentato il film. Il mio obiettivo principale era quello di mantenere il pubblico coinvolto e interessato davanti ad un film tutto sommato sciocco e lo feci eliminando dialoghi cretini e molti cliché. A difesa del primo script, bisogna dire che Savage Streets è stato uno dei primi film con protagonista una giovane donna sulla falsariga di Charles Bronson. Il problema era che, se da una parte avevi una banda che violentava brutalmente un’innocente ragazza sordomuta e gettava un’altra ragazza da un ponte, non potevi mantenere un’approccio troppo superficiale e allegro“.
La produzione di Savage Streets, a sentire le persone coinvolte, doveva essere un film nel film: attori che se ne sono andati, registi licenziati e ad un certo punto i soldi finiti.
“Non appena ho iniziato le riprese, le cose stavano, sorprendentemente, andando molto bene. – racconta ancora Steinmann – Linda Blair stava dando una buona prestazione e le cose sembravano buone. Mi stavo divertendo! Poi, dopo due settimane e mezzo di riprese, nessuno pagava nessuno. Le riprese si sono interrotte. Non c’erano più soldi”.
Fatto sta che uno dei produttori, il già citato Billy Fine, entra in conflitto con gli altri soci, esce dal progetto non in maniera felice (qualcuno gli mette una testa di pesce davanti al suo appartamento) ed entra John Strong, un investitore con probabile affiliazione mafiosa. Tant’è però che il film viene terminato anche se il nuovo arrivato aveva non poche velleità artistiche.
“John Strong ha scritto due scene e le ha girate. – precisa Steinmann– La prima è quando i membri della gang vanno a casa di Johnny Venocur per prenderlo. Esce, cambia i vestiti e sale in macchina. La seconda scena è quando Linda va da Johnny Venocur e parla con il padre. Erano comunque entrambe scene fantastiche e sono uscite bene. Il problema è che, poco dopo l’inizio delle riprese, John ha iniziato a far sentire la sua presenza. Il suo ego è stato monumentale e ho faticato a finire il film. Voleva modificare il film con me al suo fianco. Penso che se John fosse stato in grado di scrivere, dirigere, produrre e recitare in un film tutto suo, tutti i suoi sogni si sarebbero avverati“.
Tom DeSimone comunque sembra abbia diretto qualcosa, anche se è difficile capire cosa, ma la sua dipartita dal progetto causa l’uscita dalle scene di almeno un’attrice che lo seguirà, la graziosa Debra Blee, qui una delle amiche della protagonista, Rachel, che da metà film scompare letteralmente.
C’è da dire che Savage Streets è un film costruito per Linda Blair e nessun altro personaggio femminile ha il suo carisma, la sua forza o la stessa importanza. Se i ragazzi, i pervertiti stupratori, gli Scars, sono delineati tutti con una certa importanza e un ruolo ben preponderante all’interno della loro gang, lo stesso non si può dire della banda delle teppiste, le Satans. Se provate ad isolare Linda Blair dal gruppo il film funziona comunque perché è Linda a fare le cose migliori, a pronunciare le battute più epiche, il resto, come in un horror, è carne da macello o comunque corollario.
Savage streets andò incontro a censure soprattutto per il brutale stupro ai danni di Linnea Quigley, futura scream queen di tanti horror a partire dal Ritorno dei morti viventi, l’idolo di tanti adolescenti in preda al testosterone più selvaggio.
Il momento dove gli Scars violentano l’attrice è uno dei più duri della pellicola perché si tratta di una minorenne muta, quindi la scena appare più insostenibile in quanto la poverina cerca di urlare ma le escono soltanto dei gridi strozzati. Certo la censura ammorbidisce la scena soprattutto quando il capo della gang, Robert Dryer, la finisce con un solo calcio sulla testa e non con tre, come nel girato non vulgato.
Linnea Quigley è molto brava nella parte della fragile vittima, un personaggio distante anni luce dalle donne forti e un po’ bitchies che sarà solito interpretare. La Blair, in un’intervista sul film, dichiarerà che sono stati tagliati in fase di montaggio tantissimi momenti che vedono le due sorelle condividere momenti banali di vita quotidiana come ridere appena sveglie o prepararsi per andare a scuola, situazioni che avrebbero ampliato, se è possibile, ancora di più la brutalità dello stupro.
Bisogna dire che Savage streets è un film exploitation nel senso più buono esistente: è intrattenimento popolare a base di sesso e violenza come ogni buon B movie richiede. Ci sono un sacco di momenti frivoli e gratuiti nella pellicola a cominciare da un’incredibile lotta tra ragazze in una doccia fino ad un momento alla Porky’s dove la Blair strappa la maglietta all’antipatica Rebecca Perle. Capisci oltretutto che stai guardando un ottimo film di basso profilo quando nel bagno non si picchiano solo le contendenti, ma pure le nudissime comparse, senza ragione, neanche fossimo in un WIP di Jesus Franco.
In più si cerca di sporcare il personaggio della Blair e portare sullo schermo un personaggio forte come andava di moda al cinema di quell’epoca, sulla falsariga dei vari Stallone o Charles Bronson, declinando lo stereotipo macho in una donna dalla parlata non proprio da cherubino. Sue frasi come “Non lo scoperei neanche se fosse l’ultimo cazzo sulla terra!” o “Fottiti cagna” o ancora il meraviglioso monologo con Robert Dryer “Ti chiedi mai come deve essere un maiale, prima che gli taglino la gola? O quando gli hanno tagliato le palle? Non potrebbe essere peggio di come mia sorella si sia sentita. O Francine. L’avete ammazzata che era incinta. Se pensi che sarà veloce, sappilo, non sarà veloce, Jake“.
Anche se la battuta più becera ed epica spetta al presideUnderwood, John Vernon, altro personaggio ridotto dopo l’arrivo di Danny Steinmann, che, rivolto agli Scars, li invita a “scoparsi un iceberg“. Questa battuta fu improvvisata dallo stesso attore e non faceva parte del copione.
In anticipo di un anno su Rambo 2 la vendetta, Linda Blair si prepara alla guerra vestendosi di latex scuro con una cura dei dettagli che riporta allo Stallone che indossa la famosa benda rossa e infila il coltello nella cintura. Entrambi d’altronde stanno partendo per il proprio inferno, un Vietnam violento nel quale si muovono come fosse la propria casa.
La scena più bella, quella più voyeuristica, precede questa sequenza: mentre la musica rock è al massimo volume, Linda è immersa in un bagno caldo con il suo magnifico corpo in pasto agli spettatori. Un momento forse gratuito, ma chi se ne frega: siamo in una pellicola a suo modo epica ed epocale.
La band di stupratori, come detto, è ben bilanciata in caratteri diversi e in ottime interpretazioni, ma vengono tutte offuscate dalla prova di Robert Dryer, un cattivo a tutto tondo, una sorta di trasfigurazione attoriale tra reale e finzione al pari dell’altrettanto grande prova di David Hess in L’ultima casa a sinistra.
Oltretutto, durante lo stupro di Linnea Quigley, un sottotesto omoerotico fa capolino quando, esaltati dai baccanali di sesso, due membri della gang (Dryer e Sal Landi) si baciano appassionatamente neanche fossimo in una scena di Cruising di William Friedkin.
A proposito di questa sequenza Danny Steinmann ha dichiarato: “La scena non era nella sceneggiatura o durante le prove. Era un momento totalmente inaspettato ed ero elettrizzato. Dava un certo qualcosa in più alla sequenza e ha funzionato perfettamente. Sono rimasto molto colpito“.
Linda Blair, novella Giustiziere della notte, non usa pistole, ma balestre, vernice infiammabile e… trappole per orsi. Bisogna dire che la violenza non ha mai quell’impennata che ci sia aspetta, stupro a parte, ma sia la performance dell’attrice nel finale, occhi spiritati e dialoghi deliranti, sia l’inventiva delle macchine di morte, da al film quella dimensione di assoluto cult ignorante che diventa nei ricordi un cult in senso lato.
In più Savage streeets è anche una versione alternativa e deviata di Grease dove i momenti musicali lasciano il passo alla grandissima colonna sonora, le coreografie alle lotte di femmine nude e incazzate, e la liaison amorosa tra Sandy e Danny è la lotta fino all’omicidio tra Brenda e Jake, la faccia violenta delle Pink Ladies e dei Tbirds.
Danny Steinmann morì a 70 anni nel 2012, come detto non fece più niente al cinema dopo il successivo Venerdì 13 parte V, un peccato perché il suo cinema scorretto, sporco e violento poteva lasciarci altre perle al pari di Savage streets, un film che malgrado i mille problemi, o forse anche per quelli, ci continua a piacere come un divertimento vietato che, fanculo tutto, vale più di cento pellicole meglio scritte o dirette.
Linda Blair e le sue tette sono invece leggenda, ma questa, come in Conan di Milius, è un’altra storia che rende meravigliosi anche i suoi (tanti) passi falsi successivi.
Andrea Lanza
Savage Streets
Anno: 1984
Regia: Danny Steinmann
Interpreti: Linda Blair, John Vernon, Robert Dryer, Johnny Venocur, Sal Landi, Scott Mayer, Debra Blee, Lisa Freeman, Marcia Karr, Linnea Quigley, Ina Romeo
L’estate riporta a Malastrana sempre la sua rubrica storica, Tette vintage, la stessa che l’Umberto Eco di Terra 2 aveva definito “La cosa migliore da leggere dopo Dylan Dog”. E noi a Dylan Dog vogliamo bene, che sia quello di Terra 2, 7 o 2000, perchè l’Old Boy è cresciuto con noi, lui già grande e noi bambini delle elementari/medie e ora lui ancora grande e noi ahimè più grandi di lui, Giuda Ballerino, mi sa che ci seppellirà! E poi Dylan Dog condivide un segreto con noi: ama le tette di Anna Falchi. Cioè non proprio lui ma il suo cugino italiano, Francesco Dellamorte, ma va bene lo stesso. Me li immagino quei due bischeri, con la stessa faccia da Rupert Everett, davanti al camino, mangiando delle ottime castagne di Boffalora che si raccontano le proprie conquiste, poi ad un certo punto Francesco imita il motoscafo, faccia tra le tette, come un cazzo di Boldi dei bei tempi, e Dylan, più pacato, ride e in un italiano sdentato dice “Sei tremendo, Fra. Ma davvero questa Anna Falchi aveva le tette così?”.
Motoscafo
Si, Dylan, Anna Falchi era negli anni 90 il must della stragnocca italiana, un’attrice mediocrissima che però si difendeva per l’innata simpatia e quelle due Bombastic, per tornare in campo Vanzina, che spaccavano lo schermo e ti rompevano i pantaloni neanche fossi diventato Hulk in incognito.
Anna Falchi ha fatto alcuni film notevoli, il migliore è senza dubbio il poetico Dellamorte Dellamore di Michele Soavi con la sua scena cult di mega scopatona tra tombe e fuochi fatui, lei fresca fresca di vedovanza che cavalca il nostro Rupert Everett che sembrava tutto meno che frocio mentre veniva rapito da quelle tette che mi muovevano ipnotiche sopra di lui, la certezza che Dio esiste nel silicone.
Piroscafo
Certo le tette di Anna erano cambiate da quel 1993 dove aveva interpretato il malinconico Nel continente nero di Marco Risi e aveva mostrato con orgoglio le sue belle tettine, ma pochi mesi dopo nel trucidissimo Anni 90 parte seconda, vestita con cuoio e armata di frustini, ecco che le tettine erano diventate monumenti ai caduti, una quinta abbondante, e fanculo Don Buro, wow.
Bella e senza tette
Noi, i tanti cinefili rapiti dal ben di Dio di Anna, l’abbiamo seguita dappertutto sia che si trattasse del trucidissimo S.P.Q.R. dove interpretava Poppea perchè come diceva il sommo Max Cipollino “Ci ha le poppe a pera” sia che fosse il clone di Fantaghirò, Desideria, vestitissima ma non a prova della nostra fantasia. E poi via di Festival di Sanremo tra gaffe e doppi sensi pecorecci tra il finlandese, sua lingua madre, e l’italiano, con battute tra lei e Baudo del tipo “Come si dice in finlandese Buona fortuna” “Cazzo”, la televisione che amiamo, Iside fammi una pompa, e cica cica cica tonda!
Anna è riuscita a a rapire pure Federico Fellini, uno che di donne formose ne aveva fatto una poetica, recitando per lui uno spot.
Della Falchi eravamo così innamorati che ci siamo subiti cazzate come il Dino Risi più rincoglionito di Giovani e Belli, ma lei i registi bravi li rincitrulliva, malafemmina, e così successe per Maurizio Nichetti e l’orribile Palla di Neve, il Lizzani che non avremmo mai voluto vedere con Celluloide fino alla disfatta di Sergio Rubini con il pallosissimo L’uomo nero, lui che aveva girato il capolavoro de La stazione.
Però quel Bava lì… secondo me…
Anna Falchi era una sirena e così ammaliava i marinai, i registi, gli attori, la sua magia era la bellezza che partiva dagli occhi, bellissimi non dimentichiamolo, e sublimava in un corpo da dea amazzone che ti tramortiva e ti faceva innamorare.
Poi però siamo cresciuti e l’abbiamo persa di vista, quello che non è mai successo con Dylan Dog perché non dimentichiamolo che le donne vengono e passano, ma gli amici quelli veri sono per sempre.
Però davvero Anna noi ti abbiamo voluto bene quando i nostri capelli erano selvaggi.
Saranno mille anni che non scrivo un Tette vintage ovvero la rubrica di Malastrana vhs dedicata alle star(lettes) che, nel passato, hanno usato le tette come sacra arma di battaglia per la loro carriera. Lo sanno anche i sassi che noi di Malastrana vhs siamo pro tette. Un film può essere scemo, brutto, ignobile, ma le tette possono essere quella polverina che trovi al supermercato che trasforma il tuo piatto malcucinato in un manicaretto che sembra fatto da mammà. Le tette sono l’ingannasapore, quello che anestetizza l’odore di merda facendoti credere che hai cagato violette e invece, amico mio, nonsei un minipony,è spray preso al Tigotà. Ecco perchè Tette vintage è una rubrica della quale siamo fieri perchè le tette hanno addolcito per anni le visioni più brutte delle nostre notti insonni di cinefili mannari.
Sembra violetta, ma ho fatto la cacca
E’ anche vero che, in questo sito, siamo pigri di natura, abbiamo nell’indole il DNA dei messicani, a noi piace la siesta e la pancia piena, quindi questa rubrica è stata più volte rimandata per via di una patologia, che noi abbiamo battezzato, “La sindrome di Rossella O’Hara”. ovvero del domani è un altro giorno. Peccato che il domani sia sempre il giorno dopo in un loop infinito. Sarà però che abbiamo finito le tortillas e la tv ha smessso di produrre il nostro telefilm preferito, Blue Montain State, quindi alle 4 del mattino, un po’ come Guccini ma senza vino, abbiamo deciso di resuscitare tette vintage.
Ci manchi, Blue Montain State
E con quale attrice possiamo ricominciare meglio di Phoebe Cates?
Il cinema più mainstream la conosce per Gremlims, il capolavoro natalizio di Joe Dante, dove aiutava il tontolone Zack Galligan a combattere la minaccia di un gruppo pestiferi mostricciattoli, ma la sua carriera per noi catecumeni delle tette, non ci voglia il buon Dante, è focalizzata su tre film: American college, Paradise e Fuori di testa.
Phoebe e la scimmia che si masturba
Paradise era un bieco rifacimento di Laguna Blu con più scene scollacciate, una scimmietta che si masturbava che avrebbe dovuto fare ridere e invece faceva solo senso, una canzone scema ma orecchiabile e la Brooke Shields della serie B ovvero la nostra Phoebe Cates.
Purtroppo, in Paradise, Phoebe fu configurata nelle scene più hot, ma volete spiegarlo ad un ragazzino che. in piena tempesta ormonale, ti trova questo filmaccio su Italia uno e può guardarlo impunito perchè tua mamma sta piangendo davanti alla storia d’amore?
Se le tette comunque non erano sue al cento per cento, la canzone scema ma orecchiabile, Paradise, era cantata al centodieci per cento dalla nostra Phoebe che, per farsi perdonare di aver distrutto i nostri timpani, mostrò le tette per davvero nei suoi lavori seguenti.
La scena di Fuori di Testa dove esce dalla piscina e si slaccia il reggiseno rosso al rallenti è a tutti gli effetti una delle sequenze più da mano d’oro che ricordi nella mia adolescenza. Tanto bastò per promuovere Phoebe Cates ad attrice che da grande avrei sposato.
Dopo American college (più culi che tette) però ci fu l’oblio delle grandi produzioni e l’incontro un po’ canaglia con il futuro marito Kevin Kline che la allontanò dale scene, almeno quelle che interessano a noi.
Come avete immaginato, Phoebe Cates non me la sono sposata io, ma nel 1996 successe che io e lei… Scusatemi però, questa è un’altra storia.
Questa è un’altra storia
Ma eccovi a voi Phoebe e le sue tette, mentre andiamo a fare la nanna, lettori di Malastrana, all’alba delle 5 e 30.
Ad una delle prossime domeniche per un altro Tette vintage.
