Silenzio là in fondo! Qui si parla della Monaca di Monza, anzi, della “vera” storia della Monaca di Monza, come ci tiene a sottolineare il titolo matteiano. Sull’onda d’urto del successo di Boro“Interno di un Convento” (1978), ecco un bel conventuale fuori tempo massimo che segna l’incontro artistico/produttivo tra Bruno Mattei, qui come Stefan Oblowsky (tanto per non farsi mancare riferimenti a Borowczyc) e Claudio Fragasso (in sceneggiatura), sodalizio che durerà fino al 1989.
Appaltato dalla Stefano Film di Nicolò Pomilia e prodotto per conto della Cinemec di Arcangelo Picchi, “La Vera Storia della Monaca di Monza” offre allo spettatore quello che promette: suore in fregola, punizioni corporali, preti arrapati e congiure di palazzo con annessa atmosfera torbida e cimiteriale a imputridire il tutto. Non si può proprio parlare di erotismo gioioso e solare da queste parti. Niente a che vedere con “La Monaca di Monza” del “nostro”Prandino Visconti, per non parlare dell’epopea manzoniana, il parto di Mattei (che girò in concomitanza con “L’Altro Inferno”) va dritto per la sua strada, fregandosene alla grande di ogni tipo di attendibilità storica, piazzando al centro del plot (o delle copule, mejo) la bellezza algida di Ulla ZoraKeslerovaalias Zora Kerowa nel ruolo di Virginia De Leyva, anche in nudo integrale, irretita dal piacione Gianpaolo Osio, un Mario Cutini da canile, però gran puttaniere e manipolatore che fa un po’ quello che gli pare all’interno del convento di Santa Margherita (in realtà si girò a Roma, tra le locations anche Artena, nelle cantine del palazzo Borghese).
Grande squadra di attori che i catecumeni del Bis apprezzeranno senza meno, da Paolina Montenero, Paola Corazzi (“LeBeate Paole” diceva Mattei), Annie (K)Carol Edel (che ne ha fatte di cose in ambito bis de/genere, per fortuna nostra), TomFelleghy, la bella e nudissima Leda Simonetti, nel ruolo della novizia Margherita, Giovanni Attanasio (prelevato di peso dagli EroSSvastica di Bruno), per non parlare della grande Franca Stoppi di “Buio Omega”, presente pure ne “L’Altro Inferno” e di Franco Garofalo, nei panni di Don Paolo Arrigone, che è colui che riesce sempre a dare qualcosa in più alla platea, che sia un gesto, un’espressione, non c’è nulla da fare, Franco buca lo schermo e ruba la scena a tutti, sia in vestale sacra, sia in calzamaglia rossa da diavolo tentatore, sia in mezzo ai morti viventi caracollanti di “Virus”. Per il resto, quando un film comincia con la scena della bella Virginia che prende i voti, alternata con immagini di cavalli che scopano (con tanto di membro equino sventolato sullo schermo) si capisce subito dove si andrà a parare, anche se non mancano inquadrature e sequenze riuscite che aggiungono quel qualcosa in più degno di essere ricordato, vedi la suorina che frusta con sommo piacere la compagna, la scena dello stupro di Virginia in chiesa o il ritrovamento del cadavere della madre superiora, divorata dai topi, che rimanda irresistibilmente a quello che si vedrà in “Rats – Notte di Terrore”.
Ci manca eccome Bruno Mattei, siamo qui a fare (quasi) sempre gli stessi discorsi, che probabilmente hanno già rotto parecchio le palle, lo so, ma è solo per ribadire che un Colonnello del Bis come Bruno è difficile ristamparlo, ed è giusto ricordarlo sempre, non perchè abbia girato solo capolavori, il che non corrisponde a verità, ma perchè non si è mai fermato di fronte a niente, girando comunque e dovunque (anche cannibalici, W.I.P e pure “Zombie – The Beginning” e “Island of the Zombies” poco prima di morire). Però, dai, cosa si può dire ad uno che senza soldi si inventa una cosa come “Robowar” (1988), un mix atroce tra Robocop e Predator, con Reb Brown e Catherine Hickland? Solo il meglio possibile. Vostro Onore, non aggiungo altro. Consigliato.
Per il ruolo di Virginia, si pensò in un primo momento a Leonora Fani, che per problemi con l’agente dell’epoca non accettò. La scelta cadde così su Zora Kerow(v)a, già ne “Le Evase – Storia di Sesso e di Violenze” (1978) con la Carati, Marina Daunia e Ines Pellegrini.“Lei ce la portarono…“, disse Bruno ai nocturniani. Prodotto da Arcangelo Picchi. Fotografia di GiuseppeBernardini. Montaggio di Liliana Serra. Musiche di Gianni Marchetti. Con Zora Kerowa, Mario Cutini, Franco Garofalo, Franca Stoppi, Paola Montenero, Paola Corazzi, Leda Simonetti, Giovanni Attanasio, Annie Karol Edel, Mario Novelli, Tom Felleghy,Ornella Picozzi.
Buona visione.
A proposito delle produzioni italiane d’epoca:
“La Monaca era stato appaltato dalla Stefano Film. Praticamente noi eravamo i produttori esecutivi. Ci doveva essere un utile sul budget e io proposi di investire quest’utile su un secondo film, che diventava tutto nostro al 100%. E quindi reinvestimmo l’utile su “L’Altro Inferno”. Li abbiamo girati parallelamente. Quando si girano due film in uno, il risparmio è notevole” Bruno Mattei.
Gomarasca e Pulici, Nocturno Dossier N.45, “Il Sopravvissuto”, aprile 2006.
Renè Cardona è stato un prolifico regista messicano, capace di confezionare ottime pellicole sia che si trattasse di raccontare la storia di uno scimmione arrapato che una favola per bambini su Babbo Natale. Nella sua carriera diresse parecchi B movie interpretati da lottatori di catch, quello che ora chiameremmo wrestling, tra i quali il più curioso è senza dubbio il poppissimo Batwoman, risposta sexy femminile al classico Batman di Adam West. Fu anche il regista principale dei film de Il Santo, il lottatore dalla maschera argentata amato da grandi e piccini del Messico.
Tra i film di Cardona e de Il santo spicca senza dubbio Il tesoro di Dracula, soprattutto per il ritrovamento, in epoca recente, di una versione alternativa spinta sul versante cochon. Oddio, niente materiale davvero osèe ma sembra che gli eredi del lottatore, morto nel 1984, non l’abbiano presa proprio bene impedendo la proiezione di questo cut inedito in una rassegna messicana dedicata ai vampiri patrocinata dal grandissimo Guillermo Del Toro. Ad essere poi sinceri questa versione non è proprio una cosa nuova per l’Europa visto che il suddetto film, per esempio, uscì in Italia sia come Il tesoro di Dracula (e quindi in versione soft) sia come Vita sessuale di un vampiro (in versione più hot).
Non erano d’altronde nuove le versioni meno castigate per paesi più permissivi, succedeva anche con i nostri thriller, molto più arditi per il mercato francese. Ma cos’ha questa versione, intitolata in originale El vampiro y el sexo, in più? Poche cose, ma abbastanza succose. In primis è bene dire che ogni scena sexy ha come solo protagonista il conte Dracula, interpretato dal romano Aldo Monti, e non Il Santo. Il vampiro in questa versione palpeggia con insistenza le tettone delle sue vittime (e, come nel caso della rossa Noelia Noel, le bacia, le lecca e tenta persino un cunnilingus fuori campo). Ecco tutto. Anche perchè, a calcolatrice in mano, si tratterebbe di si e no 10 minuti in totale. Il tesoro di Dracula è comunque ottimo, anche senza queste scene, per metà film, poi diventa una cosa pesante e francamente invedibile.
Le assurdità di trama, come l’incipit con Il Santo che, tutto mascherato, vuole far credere di essere uno scienziato, vengono fatte dimenticare da una storia classica di vampiri non indegna per atmosfere dell’inglese Hammer. Certo fa sorridere il cotè fantascientifico alla anni 60 con un’improbabile macchina del tempo che ricorda il tunnel di Cronos, ma tutto sommato divertente anche nella sua cialtroneria. Il disastro arriva quando l’azione si sposta nel presente ed inizia una serie di assurdità, stavolta davvero poco coinvolgenti. Tutto quello che di buono c’era nella prima parte viene buttato alle ortiche e , come se non bastasse, i pochi momenti di tensione sono mortificati da una macchietta comica patetica e mai divertente. Però noi vogliamo comunque bene a Il tesoro di Dracula e, mannaggia, se potessimo tornare bambini ci divertiremmo come pazzi davanti a mazzate non stop e cattivi mai così scemi. Purtroppo però non siamo bambini, anche se Cardona (e il figlio) sono tra quei meravigliosi registi che ci hanno insegnato ad amare il cinema.
Andrea Lanza
Versione 1:
Il tesoro di Dracula
Titolo originale: Santo y el tesoro de Dracula
Regia: René Cardona
Interpreti: Rodolfo Guzman Huerta, Noelia Noel, Roberto G. Rivera, Carlos Agosti, Hector Lechuga
Durata: 80 min. – Messico 1967
Trasmesso in tv
Versione 2 (con credits spacciati per inglesi):
Vita sessuale di un vampiro
Regia: Terence Mervin
Interpreti: Charly Harris, Al Monthen, Jane Noel, Robert River
Eccoci, i disperati, i derelitti, i bastardi che puzzano di polvere da sparo e morte, alla ricerca del film più raro, della produzione che nessuno conosce e che potrebbe nascondere una perla di meravigliosa poesia. Eccoci con la bocca che sa di pessimo sigaro mentre le nostre mani sono indecise se sparare con la colt a dei maledetti tizzoni d’inferno, neanche fossimo in Tex, o perderci tra le scollature generose di una femmina da casino.
Renè Cardona Jr è stato uno dei registi messicani più interessanti che possiamo ricordare, non tanto per i capolavori prodotti, ma per la fattura invidiabile, da esportazione estera sicura, delle sue opere.
Figlio del regista del cult movie Korang la belva umana (esperimenti su un ragazzo fino a trasformarlo in un gorillone affamato di sesso e sangue!!!), Cardona ha girato ripoff de Lo squalo (Tintorera), disaster movie (Cyclone), pellicole anticipatrici di blockbuster americani (I sopravvissuti delle ande prima di Alive di Frank Mashall), spaccati di horror reale (Il massacro della Guyana ispirato alla setta suicida di Jim Jones) e seguiti di capolavori hitchcockiani (Uccelli 2 la paura).
Non proprio un regista senza perle di infimo o delizioso (a secondo di com’è l’approccio) bis da sfoggiare nel proprio curriculum artistico, con in più fior di attori a lavorare per lui (John Huston, Joseph Cotten, Donald Pleasence, Arthur Kennedy, Carroll Baker, Lionel Stander, Yvonne De Carlo). Ecco allora che, alla scoperta di uno spaghetti western messicano dal titolo Las viboras cambian de piel (Guns and guts) girato nel 1974 da questo auteur, le nostre fantasie e speranze si erano accese.
Salvo fraintendimenti chiariamo subito che il film è di ottima fattura tecnica, ralenti, sparatorie, regia come il Dio del cinema western insegna, ma aggiungiamo subito che è tremendamente prolisso e noioso. Pur se girato nel 1974, quando il western italico stava morendo tra le braccia di Trinità e di una serie di spaghetti comici, il film di Cardona Jr risulta subito antitetico: sceglie la strada della serietà, calcando solo la mano in iperreali scazzottate dal sapore di assurdo, ma restando fedele ad una storia ascutta che non ammette sterzate nel pecoreccio parodistico.
Le sparatorie sono il piatto forte, molto oniriche, dilatate in un tempo quasi infinito con sangue che scorre copioso da ferite appena aperte, la lezione di Peckinpah è compresa, digerita e sviluppata in modo originale, mai emulativo, dalla forte componente di gore spettacolare. Di nudi il film abbonda, più che in altri veri spaghetti western, dei quali Guns and guts ne è il riflesso estorofilo più vicino, facilmente confondibile nel marasma di milioni di titoli prodotti nel genere, ma differente per un’anima più caliente che esaspera l’exploitation recondita nel filone. Peccato che Guns and guts si perda nella storia da Mucchio selvaggiovista e rivista centinaia di volte in diverse alternative, non ha dalla sua un gran ritmo e purtroppo, per questo soprattutto, non riesce ad imporsi nel genere pur vantando un finale nichilista e disperato.
Sorprende che il film non sia mai stato esportato in Italia ai tempi del nostro storico spaghetti western perchè avrebbe comunque fatto, difetti a parte, la sua sporca figura tra operine come quelle di Fidani che neanche avevano il sottile genio di un Cardona jr, qui in versione terrorista dei generi.
Andrea Lanza
Las viboras cambian de piel
Titolo estero: Guns and Guts
Anno: 1974
Regia: René Cardona Jr.
Interpreti: Jorge Rivero, Pedro Armendáriz Jr., Rogelio Guerra, Zulma Faiad
Appena l’uomo ha avuto possibilità di fare cinema, ha desiderato mettere per immagini le sue paure,i suoi desideri, le sue malinconie e gioie. Un interessante legame unisce cinema e psicanalisi,una sorta di mettere in scena l’essenza umana nel meglio e nel peggio. Quindi la gente ha smesso di fare la fila dai dottori, ha preso una macchina da presa e via a fare film.
Pornografia e horror sono in sostanza i generi per masse più efficaci. Giocano entrambi sull’esasperazione del vedere, del “godere”, attraverso le gesta dei personaggi sullo schermo. Infatti sono anche i generi più stroncati e meno capiti, perchè mettono in evidenza limiti e debolezze dello spettatore che non sempre vorrebbe lasciar trapelare. Eppure sente il bisogno di visionare quei prodotti. Perchè ci dicono cose che sappiamo su noi stessi,ma non vogliamo sentire,perchè ci mostra quale siano le nostre perversioni che teniamo ben nascoste.
Trattare di horror da un punto di vista moralistico non ha senso. O meglio,ce l’ha perchè ci pone interrogativi sulla sua fragilità, ( della morale), e di come la razza umana non sia tanto diversa nel suo es di quella delle “creature della notte”.
Horror e pornografia meriterebbero quindi studi seri, profondi, senza quella verguenza , quella vergogna, quel shame, che ci viene imposto per motivi altri rispetto al cinema.
Ne parleremo in altra sede,ora dobbiamo dire due parole e non oltre perchè la memoria non ce lo consente, (avere il computer rotto e uno senza casse non è il massimo per un recensore razionalista e stalinista come il sottoscritto), quindi parlerò di suggestioni,percezioni,d’altronde il Cinema è fatto di questo: l’impalpabile materia dei ricordi e dei sogni. Giusto per agganciarci al discorso fatto prima sul legame cinema e psicanalisi. Freud Lumiere eh! ^_^
Dracula di Tod Browing è considerato un classico,anzi il primo horror della storia del cinema. Cosa non vera perchè il mito del vampiro era stato portato sullo schermo dal regista Murnau, nello splendido e inquietante Nosferatu. Film poi bloccato dalla vedova di Stoker, perchè era DRACULA, ma portato nei cinema senza aver pagato i diritti d’autore.
E a ben vedere nell’espressionismo tedesco l’horror era già ben evidenziato attraverso scenografie e interpretazioni assolutamente allucinate e allucinanti. Semplicemente il Dracula di Browing ebbe tutto sto peso per un motivo: incassò tantissimo. Per questo i produttori videro la gallina dalle uova d’oro tanto da produrre una serie di pellicole sublimi, strepitose e poi per ingordigia finire con immense puttanate. Tanto che il film di lancio del povero Bela Lugosi, venne spacciato per una inquietante storia d’amore.
Credo che in confronto con gli altri film horror questa pellicola sia quella che ha subito maggiormente il passare degli anni, intendiamoci: è pur sempre un capolavoro, ma è fin troppo statica. Una teatralità esasperata che non sempre funziona,ma ripeto…Parliamo di un film epocale e leggendario.
Cosa successe? Che l’arrivo del sonoro rivoluzionò totalmente il modo di fare il cinema. Per cui una pellicola parlata doveva trovare uno sbocco commerciale anche sul mercato estero. Come fare se la lingua dovesse cambiare? Il doppiaggio non esisteva ancora, come risolvere il problema? Girando una pellicola in lingua spagnola per il “cortile di casa”, cioè il Sud America.
Per questo affidarono a George Malford l’operazione di girare una versione per l’estero del film.
Come tutti sapete la location era la stessa, stesse scenografie, set… Cambia chiaramente regia e attori. E la lingua che diventa quella spagnola.
Il timbro caldo, la pronuncia sospirosa, la fisicità mediterranea gettano senza volerlo uno sguardo oltre e altro alla materia gelida e teatrale rispetto all’originale. Sottile, beffarda, acquattata, c’è il tema della sensualità, del possesso fisico, che nel suo piccolo anticipa invece la carnalità technicolor e cinemascope della Hammer.
Bela Lugosi è rarefatto, un immobilismo caotico e ipnotico…Toh, tipo Zeman, (infatti io lo scritturerei per un film horror “vampiresco ” ), quello spagnolo di Carlos Villar è più sanguigno, diabolico, e anche l’attrice protagonista Lupita Tovar è una proposta di femminilità meno rigidamente dabbene, come ipocritamente piaceva metter in scena agli yankee.
Melford spiazza lo spettatore con una regia dinamica, dove non mancano carrellate e panoramiche, il racconto seppure di durata maggiore è decisamente più fluido e potente rispetto all’originale
Il fatto stesso di girarlo di notte attribuisce alla pellicola un’atmosfera macabra e orrorifica di maggior peso.
La storia è la stessa, cambia il modo di girarla e proporla. E nel cambiamento non si è perso nulla. Certo non voglio svilire il lavoro di Browing, assolutamente sarei come quei critici borghesi e trockjisti che esaltano ogni lavoro di serie b alla cazzo di cane.
Guardatelo,è disponibile nel dvd Dracula ‘s Legacy. Con altri film di serie b usciti intorno a quel periodo. Io ve lo consiglio, poi sappiatemi dire.
Davide Viganò
Dracula
Anno: 1931
Regia: George Melford
Cast: Carlos Villar, Lupita Tovar, Barry Norton, Pablo Alvarez Rubio, Eduardo Arozamena, Carmen Guerrero
Eccoci a parlare di uno dei capolavori massimi del cinema di Jesus Franco, Vampyros Lesbos, e, per riflesso, pure della sua versione castigata, Las vampiras. E’ cinema free jazz, anarchico, selvaggio, che si fa fregio dei topoi del genere per raccontare una storia già vista mille volte sotto un’occhio diverso.
Si parla ancora di Bram Stoker e de Il conte Dracula, ma in maniera molto più originale dell’adattamento anonimo che lo stesso Franco fece qualche tempo prima con i grandi Christopher Lee, Klaus Kinski e Helbert Lom. Vampyros Lesbos è principalmente Soledad Miranda, nella sua reincarnazione da vamp Susanne Korda, con la sua sensualità esibita, mostrata, innocentemente sbattuta in faccia al pubblico voyeuristico. Che sia uno streaptease dai tratti di ferino erotismo sanguinoso o un semplice bagno al mare sotto la luce, negata ai dannati, del sole, Soledad appare di una bellezza disarmante. Opera pervasa da sottile umorismo, che si fa sberleffo della psicologia come scienza, a cominciare dalla seduta di una smarrita protagonista sotto gli occhi distratti di un medico, che preferisce disegnare su un foglio che ascoltarla, apostrafandola poi con frasi come “Si cerchi un amante”. E lei l’amante lo cerca, ma lo trova nella contessa Nadia di Uskadar (o Nadine Carody) che a seconda della versione, che sia Las Vampiras o Vampyros lesbos, cambia nella sua storia personale. Perchè alla fine, un po’ come tutto il cinema di Jesus Franco, esistono mille riflessi per uno stesso volto: di uno stesso film di questo regista, a seconda del mercato, si trovano 800 versioni, chi più erotica, chi più gore, chi persino, come nel caso di Oasis of the zombies (e del suo gemello La Tumba de los muertos vivientes), con un’intero cast che differisce. Las vampiras non è solo la versione educorata, con attrici che indossano mutandine e reggiseni al posto di essere nude o scene erotiche cancellate, ma quasi un altro film, con nomi che differiscono, con scene spostate e quindi una diversa comprensione della storia, con inutili dialoghi fuoricampo o lunghissime riprese di aquiloni o insetti intrappolati in ragnatele che però diventano, per caso, per fortuna, per una strana malia che possiede solo il cinema di Jess Franco, poetiche donando alla storia una dimensione più intimista che Vampyros lesbos non ha.
Basti riportare, per comprendere la differenza sostanziale dei due film, le differenti versioni sull’origine vampirica della contessa Nadia di Uskadar – Soledad Miranda:
Las vampiras: “Non lontano da Istanbul, nella minuscola e disabitata isola di Uskudar, esistono ancora le rovine di un vecchio palazzo. Antiche leggende non ancora soffocate… dalle sirene delle navi, narrano che in quella casa viveva una principessa straniera condannata all’inedia da suo marito, un gran sultano. Rinchiusa nella sua cella d’oro, la bella prigioniera, circondata da schiave, sarebbe dovuta morire lentamente. Invece erano le schiave che impallidivano, si ammalavano e morivano in uno strano modo, mentre la principessa conservava il suo colorito roseo e la lucentezza dello sguardo. I dottori asserivano che i corpi delle schiave morte erano avvizziti e che tutto il loro sangue si era consumato. Un giorno la principessa Nadia di Uskudar scomparve senza lasciare traccia. Nella sua alcova, scritta con il sangue, fu trovata una strana iscrizione:”Koveh nihe trekash”. I vecchi della regione dicono che la principessa è ancora viva e che continua a nutrirsi del sangue delle sue vittime”.
Vampyros Lesbos: “Sono passati 100 o 200 anni. Ero molto giovane e sola.Dalla finestra vidi i saccheggi dei soldati e i loro abusi sulle donne. lrruppero anche in questa casa e si gettarono su di me. Mi difesi disperatamente e urlai di dolore quando, improvvisamente, comparve il conte. Era il conte Dracula. Trafisse con il pugnale il soldato che giaceva sopra di me. L’uomo urlò. Sentii il suo sangue colare lungo il mio corpo. Fu il mio primo uomo: fu orribile. Credetti di impazzire. Poi il conte si avvicinò e mi sussurrò all’orecchio: ”Ti libererò da tutte le tue pene”. La notte, quando mi destavo, il conte giaceva accanto a me. ll suo corpo era freddo ma le labbra erano ardenti. Notte dopo notte, traeva nuova vita dal mio sangue. Quando si accorse che lentamente le forze mi venivano meno… mi iniziò ai misteri del vampirismo. Dipendeva dal mio corpo, non poteva più liberarsi. E’ per merito suo se appartengo agli iniziati. Gli uomini mi disgustano. Li odio ! Molte donne si sono legate indissolubilmente a me. Le ho ammaliate. Hanno perduto la propria identità. Si sono fuse con me”.
Due donne, due diversi tipi di bellezza, la algida bionda Ewa Stromberg e l’andalusa e caliente Soledad Miranda, che nella versione scatenata de Il conte dracula di Jess Franco diventano il vampiro e la sua vittima, il Jonathan Harker che, in versione femminile, accende gli appetiti sessuali del suo ospite. Il mondo maschile è relegato a mere pedine, uomini soggiogati dall’amore, ma ritratti in stato bestiale, lo stesso Franco in versione attore nei panni di un marito abbandonato che fa a pezzi donne per vendicarsi della moglie, ma anche uomini che girano a vuoto, la farfalla intrappolata nella ragnatela, senza arrivare ad una vera soluzione. Il regista gira il suo film, musicato da una strepitosa colonna sonora di jazz acido, in piena luce solare, scansando in un solo colpo tutti i clichè sul film vampirico, mostrando una rilassata Soledad Miranda prendere il sole e poi invitare la protagonista a fare un bagno nel mare (l’acqua altro elemento deterrente per i figli della notte). La contessa nera è una creatura estremamente passionale, si nutre di sangue, cerca il calore della vita attraverso l’amplesso (con le sue amanti, ma anche con l’aiutante Morpho, altra figura di uomo manichino), non ha le connotazioni tramandate dei vampiri della letteraturatura e del cinema nè la loro ferocia, basti pensare all’addio affettuoso che porta alla sua ex amante in manicomio. Alla fine come lo scorpione, velenoso e minaccioso, ripreso più volte in maniera subliminale, diventa una vittima, vittima delle passioni terrene, ma soprattutto dell’amore. Umanissima, nuda e sdraiata su un letto, supplicante, Soledad, col suo volto da eterna bambina sensuale, chiede all’amante di darle la vita, ma il bacio viene confuso, attraverso la telecamera del regista, ma anche dai nostri sensi, con l’omicidio. Ecco che i manichini possono prendere la carne, ecco che l’amore sfocia nel sangue, quello di Soledad, quello di Morpho, quello di Ewa Stromberg con la bocca sporca di sangue, quasi fosse lei diventata una vampira. Il cerchio si chiude con la frase “Dimenticherò quest’avventura”, ma intanto il film è già leggenda del sottobosco bizzarro, imitato dallo stesso Franco mille volte nella necrofilia di una Lina Romay – Suzanne Korda, mai eguagliato, metro futuro per tutti i film erotici sui vampiri a venire e punto di non ritorno di una filmografia, quella franchiana, puntata sempre più verso il suicidio artistico, in una visione di cinema per masse talmente fuori dagli schemi comuni da essere dilettantesca, trasandata, libera, in altre parole genio jazz.
Andrea Lanza
Vampyros lesbos
Anno: 1971
Regia: Jesus Franco
Cast: Soledad Miranda, Ewa Strömberg, Dennis Price, Paul Muller, Jesus Franco, Beni Cardoso, Michael Berling
Il successo di Mery per sempre e Ragazzi fuori generò almeno un mostro di indicibile bruttezza, Vite perdute di Giorgio Castellani. Vedere questo film è un’esperienza unica, incredibile, difficilmente raccontabile. L’idea dello sceneggiatore della commediaccia Crema, cioccolata e pa…prika era di girare una storia alla Marco Risi con ragazzi sbandati in una Palermo violenta. In Vite perdute c’era una buona parte del cast di Mery e Ragazzi, almeno i nomi che nessuno voleva, visto che, per esempio, Benigno e la Di Sanzo erano già stati arruolati in produzioni più alte. La cosa più curiosa di questo scombinato film è un’altra però e riguarda il suo autore: all’anagrafe non esiste nessun Giorgio Castellani, ma un certo Giuseppe Greco, figlio di Don Michele detto il Papa, boss di Cosa nostra.
Purtroppo Castellani o Greco che sia è morto 2 anni fa di tumore nella sua villa a Palermo, sarebbe stato interessante sentirlo sui retroscena di questo film. Però la sua carriera cinematografica non si fermò con questo Vite perdute, flop all’epoca al botteghino, ma continuò con due pellicole sempre di mafia non mafia, I grimaldi e La mafia dei nuovi padrini, uno più brutto dell’altro, tutti usciti malamente e tutti insuccessi sia di critica che di pubblico. Però se La mafia dei nuovi padrini lo si trova pure nei famigerati cestoni da ipermercato a meno di cinque euro (uscì per la Avo film in digitale), I grimaldi è quasi un film fantasma, quello che per Nocturno cinema sarebbe un mistero d’Italia. Di questo crime movie, ambientato in un cascinale, sorta di tributo al padre Don Michele, si conoscono solo alcuni spezzettoni (agghiaccianti) in un documentario di Ciprì e Maresco, dove si vede una strage di pecore poco morte con tanto di sugo sulla lana e testa che si alza incurante del ciak. E come nella sua opera prima, le stesse dichiarazioni del suo autore e della sua crew “Non si parla di mafia”. Infatti in Vite perdute si rapina, si stupra, si portano teste mozzate in giro con i motorini, ci sono boss di quartiere, ma guai a parlare di mafia perchè si sa “La mafia non esiste”. Sarebbe stato bello sentire allora la stessa cosa per La mafia dei nuovi padrini. “Mafia? Io nun saccio niente. Mafia? Ah no è il nome di un attore!”. Certo come no, guarda c’è nel cielo Mazinga Zeta!
Ma torniamo al nostro criptico film e parliamo un po’ della storia che definire confusa è poco. Non si capisce mai chi sia o meno il protagonista, se si intendeva fare un film corale si è fallito visto che la maggior parte dei ragazzi di vita portati in scena sono semplici macchiette che urlano o fanno caciara al pari delle scimmiette. Vite perdute inizia da sceneggiata neomelodica, un po’ alla Nino D’Angelo, con questo mariuolo che si aggira per Palermo, spinto dalla fame ruba un pollo con una mossa che neanche Diabolik poteva immaginarsi e chiama da una cabina la donna che ama. Lui è povero, non canta, ma potrebbe farlo, e lei invece è ricca, con mammà e papà che le dicono “Stu disgraziato dovrebbe lasciarti in pace”. Potrebbe essere la variante nel melodramma partenopeo musicarello trasportato in Sicilia, ma ecco che scatta il neo neorealismo alla Marco Risi. Il nostro eroe camminando per strada vede il suo amore infrattato con un altro uomo a pomiciare, e, ferito nell’orgoglio, pianifica, con l’aiuto di amici, il ratto della palermitana. Naturalmente ci accorgiamo che il ragazzo è uno psicolabile: la ragazza che ama non lo caga neppure di striscio, anzi ha detto ai genitori, pure un po’ spaventata: “Mi perseguita, poi è povero e puzza”. Mannaggia lui, pazzo, squattrinato e pure senza doccia! Che tragedia! Ecco però che parte, un po’ alla cazzo di cane, un inseguimento tra i malamente e la polizia che fa sembrare i polizieschi di Lenzi quelli di William Friedkin, girata senza il minimo piglio spettacolare con questi sbirri idioti che sparano in mezzo alla gente contro l’auto dei rapitori. Va beh, ma ora siamo riusciti almeno a capire chi è il protagonista, il puzzolente innamorato senza soldi! No aspetta, la macchina sbanda e il presunto eroe esplode con la bella e un paio di amici. Boom. Diabolico Castellani, ci hai ingannato! Ma gli sbirri sono degli infami ed ecco che spunta all’improvviso in mezzo alla strada Gianni Celeste, cantante neomelodico palermitano (lui sì per davvero), che, come un fottuto Charlie Bronson, spara contro l’auto dei poliziotti assassini. Pam pam due colpi e sono morti, sti fetusi. Ma Gianni, che nella finzione ha forse 16 anni, malgrado la pelata da quarantenne e lo sguardo da australopiteco sotto elettroshock, torna a casa, vomita per lo schifo e si mette a letto. Il non giovane però vive ancora con mammà che è disperata e gli dice “Figlio mio, trovati un lavoro, hai tutta la vita davanti”, ma lui nulla, lui vuole diventare importante. E che fa quindi? Con gli amici, ovvero Filippo Genzardi, Salvatore Termini e Alfredo Li Bassi di Mery per sempre e Ragazzi fuori, decide che bisogna picchiare a sangue il padre della ragazza che avevano rapito, senza nessun motivo logico che non sia “Diamo una lezione ad un padre padrone”. Immaginate questo poveraccio che oltre ad essergli morta la figlia da poco si trova pure ad essere pestato! Naturalmente ci scappa il morto e i quattro, in tipo cinque secondi, con pala e picchetto già in auto, fanno una buca di 4 metri e ci buttano dentro il disgraziato. Se pensate che questo porterà a degli sviluppi siete degli ingenui: Vite perdute vive di micro sequenze scollegate e morte lì senza perchè. Ecco che manca all’appello nel cast però Maurizio Prollo, il ragazzino molestato nel film di Marco Risi, che vediamo uscire dal gabbio, senza soldi e con in tasca solo l’indirizzo dalla sorella che purtroppo fa la vita. Ottiene, suonando alla porta della ragazza, di essere pestato da un protettore romanaccio che lo apostroferà con frasi quali “Va a lavarti” perchè è chiaro che se uno a Palermo è povero deve anche puzzare! Vendetta chiama vendetta però ed ecco che il ragazzo va a bussare alla porta di Gianni Celeste che non lo conosce, ma gli offre lo stesso il suo aiuto. Il clan di amiconi quindi va a parlare con il pappone che intanto tutto tranquillo sta bevendo una damigiana di vino ruttando come un porco e lo intimano con una pinza nei coglioni di lasciare stare il lavoro di magnaccia. Lui sembra aver capito, ma i giovani per spiegargli meglio il concetto lo investono, fuori dal locale, con l’auto a tutta velocità. Maurizio Prollo per una buona ora scomparirà da Vite perdute riapparendo in versione figlio di puttana, ma ci arriveremo. Intanto Filippo Genzardi che in Mery per sempre faceva il maritino carcerato qui ha sempre il ruolo di Romeo sfortunato: vorrebbe stare con la sua fidanzata, si allontana dagli amici per farle un po’ di coccole e quelli credono invece sia un informatore della polizia! Non si può avere un minimo di intimità in Sicilia che potresti murire acciso! Comunque la sua fidanzata è una sciroccata che, su consiglio di una cartomante, gli fa bere un caffè pieno di peli pubici e ciclo mestruale perchè così lui sarà sempre legato a lei. Intanto, dopo una rapina, Gianni Celeste viene catturato da un poliziotto che è il sosia di Bud Spencer. “Fermo lì” e, si legge sulla vhs, Fine primo tempo.
Sticazzi. Avete capito qualcosa? Un legame che tiene insieme le sequenze? Io vi giuro di no. In più Giuseppe Castellani (il nom de plume viene dal cognome della madre, Castellana, trasformato in omaggio al grande regista Renato Castellani) non è che giri malissimo, ma neanche bene, ha dalla sua una bella fotografia piena di colori caldi e uno score musicale anonimo, ma orecchiabile di Claudio Simonetti, il leader dei Goblin. Quello che distrugge il film, che potrebbe essere solo un brutto film, sono le velleità registiche, il continuo inquadrare Madonne (Vite perdute si apre con i Carmina burana e la statua della vergine Maria), mettere sulla bocca dei suoi protagonisti frasi cristologiche grottescamente aggiornate a Cosa nostra (“Gesù, una tua parola vale più di quella dell’onorevole Andreotti. Meglio morire crocifisso che sparato! Ti stimo tu eri un re!”), ma soprattutto avere il coraggio (sciagurato) di girare un’ultima cena michelangeolesca a base di pane e salame (“Prendetene a mangiatene tutti questo è il salame della rapina al supermercato”). Di Mery per sempre e Ragazzi fuori alla fine resta la cornice di Palermo e i suoi protagonisti, il resto è indecoroso, la storia sembra improvvisata sul set, gli attori sono a ruota libera, tutto è buttato alla carlona soprattutto l’introspezione psicologica e sociale su questi giovani che non hanno altra scelta di vita che delinquere (“Alla fine è la vita che mi ha costretto, io non volevo” dice il protagonista ad un crocefisso). Sembra il regista non sappia che strada prendere: mostra prima nefadezze indicibili commesse da questi malavitosi poi li vuole quasi assolvere. Tutto davvero nauseante a livello ideologico, profondo quanto un tema svolto da uno studente svogliato.
Secondo tempo. Shht, silenzio, inizia lo spettacolo. Un nuovo personaggio si sveglia ed è tutto arrabbiato perchè la cameriera non gli ha portato il caffè. E’ un vecchio onorevole che parla con accento campano e boffonchia cose senza senso (“O’ caffè, a cocaina, a stricnina”) e corre a lamentarsi con la sua domestica. Sorpresa: la donna è la mamma di Gianni Celeste che si dispera per la cattura del figliuolo. Il politico prima cerca di rincuorarla (“Meglio la prigione che la morte!”), poi allunga le mani, le tira fuori un seno cadente e le promette che, se lei sarà cara con lui, il figlio uscirà di galera. Lei tentenna un po’, dice che non è una brava amante, che da tempo non fa sesso, ma il vecchietto arrapatissimo le urla sfilandole le mutandine: “Ti tolgo io la ragnatela da in mezzo alle cosce”. Castellani inquadra pudicamente un vaso tra i gemiti dei due e si passa ad altro con la solita leggerezza. Gianni Celeste esce dalla galera, un avvocato corrotto ha fatto in modo l’arresto non fosse regolare e l’uomo che l’aveva denunciato, spinto dalle minacce, ha ritrattato (“Commissario, devo farmi operare di catarrata”). A questo punto il nostro eroe viene contattato da alcuni tipi loschi per portare un pacco misterioso ad un ignoto committente. Abbiamo omesso che:
1 la strada ha posti di blocco dappertutto e lui è in sella ad un motorino
2 quello che deve consegnare, chiuso in una borsa, è probabilmente una testa mozzata che perde anche copioso sangue!
Eppure riesce a passare lo stesso perchè, alle insistenti domande delle forze dell’ordine, lui risponde con convincente “E’ un cane morto” e loro senza controllare, come fosse la cosa più normale del mondo portare una carcassa di animale in giro, lo lasciano andare. Da questo episodio lui diventerà una specie di boss locale specializzato in furti e rapine, ma senza che il regista ci mostri il suo percorso di inserimento nella famiglia malavitosa, forse perchè, come detto in precedenza, “La mafia non esiste”. Intanto arriva il momento della già miticizzata Ultima cena a base di pane e salame con tanto di bacio di Giuda a Gianni Celeste novello Gesù, solo che nessuno in realtà tradisce nessuno e la sequenza risulta gratuita e messa lì, come molte cose nel film, tanto per fare. Vite perdute prosegue con il politico che tratta male il protagonista che vorrebbe ringraziarlo invece per averlo fatto uscire dal gabbio: questo scatena un delirante monologo che sulla carta probabilmente era shakespeariano ma che sembra ideato da un ritardato. Per sfregio il nostro eroe picchierà a sangue il figlio dell’onorevole, un bamboccione con un bel rolex d’oro che, piuttosto che spendere due lire per un albergo ad ore, si infratta tra i boschi in Ferrari con la fidanzata. Ci dovrebbe essere anche lo stupro della ragazza, ma ci viene risparmiato e raccontato chissà perchè solo alla radio. Intanto Filippo Genzardi decide che non ce la fa più ad essere additato come infame dal gruppo e rivela a Gianni Celeste che nel magazzino dove lavora il padre c’è un bel giro di soldi da rubare. Come copione vuole qualcosa va male, il genitore riconosce il figlio e gli amici di rapina sparano a tutti e due. La scena successiva vede la sorella del ragazzo defunto buttarsi giù da un ponte, il corpo verrà ritrovato da un passante che però scapperà veloce urlando “Minchia minchia non ho visto niente” in un’apologia dell’omertà di grana grossissima e tendente al grottesco. Ecco che rispunta pure Maurizio Prollo che da tisico poveraccio è diventato il pappone della sorella, la picchia e le spende tutto l’incasso in caffè (ne beve due alla volta), ma questo a Gianni Celeste non va. Cioè lui può ammazzare, stuprare, rapinare, ma, cascasse il mondo, a random lui diventa una specie di moralista, perciò ordina “Ammazziamo quel porco, non esiste che un fratello non rispetti la sorella”. Fortunatamente Prollo capisce l’andazzo, vedendo l’auto degli ex amici si nasconde e, sorpresa, diventa il protagonista della vicenda. Ma come? Non era Gianni Celeste? No perchè a sto punto, dopo un interrogatorio in polizia con il Bud Spencer finto, il nostro sedicenne quarantenne scompare senza perchè. Maurizio Prollo ora progetta rapine, è rispettato da tutti e ha studiato un modo infallibile per derubare l’avvocato corrotto di Gianni Celeste. Ad aiutarlo non c’è nessuno della vecchia banda, ma due ragazzi mai visti prima. Con il favore delle tenebre i tre entrano nel villone, ucccidono il proprietario e attirano l’attenzione delle forze dell’ordine. Forse tanto perfetto il piano non era. Comunque i suoi complici vengono arrestati, ma Prollo fugge e va a casa della sorella, l’ultimo posto dove sicuro non è atteso. Ad aspettarlo come volevasi dimostrare c’è Bud Spencer finto che gli spara due proiettili sulla schiena appena questi urla “Non ci torno in galera”. In una scena girata malissimo, con persone che appaiono e scompaiono da un’inquadratura all’altra, il nostro Maurizio, dopo averla chiamata “bottana”, spira tra le braccia della sorella che piangendo grida “Ti volevo bene!!!”. Il poliziotto barbuto sale triste sulla macchina, musica melò, “Portami a casa” e citazione di Jung sui titoli di testa che fa restare a metà tra il sorpreso e l’infuriato.
Ma vaff…
Vite perdute è oltre il bene e il male: lunghissimo (quasi due ore), non riesce mai ad appassionare, soltanto ad irritare. Era probabilmente pensato come finta pellicola di denuncia sociale e invece è un brutto crime movie che sembra un aggiornamento di cosacce anni 70 come I ragazzi della Roma violenta. Non è mai eccessivamente truce per attirare gli amanti dell’exploitation, è solo materiale curioso per farsi due risate. Nessuno degli attori comunque farà carriera al cinema, anche se Gianni Celeste, pessimo come tutti, ha tutt’ora un buon seguito come cantante neo melodico. Il doppiaggio è buono anche se ammazza le intenzioni neo neorealiste alla Aurelio Grimaldi o Marco Risi che l’opera ambiva ad avere. Sono comunque questi i film che ti permettono di sognare che anche tu con una macchina da presa potresti essere Steven Spielberg o almeno, Dio voglia, non Giuseppe Castellani.
Andrea Lanza
VOTO 1/5
Vite perdute
Anno: 1992
Regia: Giorgio Castellani (Giuseppe Greco)
Cast: Gianni Celeste, Carlo Berretta, Filippo Genzardi, Alfredo Li Bassi, Maria Amato, Salvatore Termini
“Arriva un momento in cui dobbiamo rimanere in piedi e contarci. Questa è la storia di un uomo che l’ha fatto.”
Frase di lancio originale del film
Un marinaio in attesa di un nuovo ingaggio, bloccato perciò in una stanza di New York da solo doma una potente gang metropolitana di chicanos (“The Souls/Le Anime”) che ha terrorizzato il suo quartiere nel Lower East Side.
Non potevo non incontrarmi di nuovo prima o poi con Defiance, che già avevo ri-citato in una mia precedente recensione di Rolling Thunder (1977) altro vero supercult realizzato dal regista John Flynn due anni prima di questo, sul tema cardine della sua intera carriera, la vendetta.
Quando il marinaio Tom Campbell(impersonato benissimo da Jan Michael Vincent, uno dei numi tutelari degli anni ’70 per questo genere di ruoli e di B-movie dei vari filoni) è temporaneamente sospeso dal servizio, prendendo quindi la residenza in un appartamento nel Lower East Side di New York. Il quartiere non sembra un granché per chi proviene da fuori, ma per il prezzo, è un buon affare. Quasi immediatamente dopo il suo arrivo, Tom è integrato e messo al corrente che il piccolo quartiere di New York, è anche una comunità molto unita. Tutti sembrano prendere subito Campbell in simpatia, e sembra che la vita per lui sarà piacevole. Cioè fino a quando Tom riceve la sua prima occhiata addosso da parte di una potente gang di strada conosciuta come “The Souls”, le Anime, che viene guidata dal loro minaccioso capo Angel Cruz (con autorità e inquietante magnetismo reso da Rudy Ramos, già presente tre anni prima in Driver, l’imprendibile [The Driver][’77] di Walter Hill, non a caso), i quali fanno quel che vogliono per le strade, come terrorizzano chiunque capiti loro a tiro. Per anni, i “The Soul” hanno terrorizzato il Lower East Side, usando la forza bruta e l’intimidazione per cavarsela sempre e prendersi tutto ciò che vogliono e gli piaccia, come di far fare a tutti quel che sempre vogliono loro, e non c’è stato nessuno che abbia avuto il coraggio di fermarli. Inizialmente, Tom tentenna, notando che non è il suo posto per fare o dire qualcosa, dato anche che egli è solo temporaneamente a vivere nella zona, e questo accade ancora dopo che lui stesso è stato attaccato dai “The Souls”. Ma presto, le “Anime” diventano sempre più implacabili all’interno della comunità, e dopo che due uomini sono trovati morti dopo i brutali attacchi, Tom decide poco “saggiamente” di prendere posizione contro i “The Souls”. Tom, insieme ad alcuni amici del quartiere, tra cui Carmine, che una volta era un membro di una banda chiamata “The Casuals”, formano insieme un gruppo per una prova di forza, che sperano possa porre fine alle Anime, una volta per tutte.
I Violenti di Borrow Street, questo il titolo italiano, ebbe una limitatissima uscita nei cinema del nostro paese a luglio del 1980, ma non riuscii a vederlo se non nella videocassetta da nolo della Skorpion del 1987 e dalla pessima copertina, ancora oggi l’unico supporto con il quale il film sopravvive nella nostra lingua. Da quando uscì, trentadue anni fa, questo film ha raccolto un bel po’ di seguito da thriller-culto, basta andare a cercare a riguardo delle informazioni on-line, e come ha ben confermato l’uscita del dvd per la MgM Limited Edition in R1, nel 2011, dopo che fino ad allora era stato comunque presente soltanto in una vecchia (1984) vhs NTSC della Orion. Soltanto leggendo su di esso, l’elemento della terrorizzante gang presente in Defiance” avrebbe fatto pensare quasi immediatamente a molti film simili. Titoli come Savage Streets (1984) di Danny Steinmann, I Guerrieri della notte (The Warriors) (1979) di Walter Hill, e Un Duro per la legge (Walking Tall) (1973) di Phil Karlson, parrebbero tutti un poco simili a quello che ci si possa aspettare da I Violenti di Borrow Street ( più similarmente di tutti i citati con Un Duro per la legge). Lo sfidato dai teppisti e dalla criminalità delle strade è qui il personaggio di Tom Campbell, ovvero un Blue Collar, tanto per citare anche il grande film di Paul Schrader, ovvero un lavoratore nel settore del personale marittimo dei mercantili, che ritrovandosi per u periodo senza lavoro, si deve quindi essenzialmente muovere in questo per lui nuovo quartiere della città di New York, ed egli lì diventando il proverbiale “cervo illuminato dai fari”. Stando soltanto cercando un posto per dormire, non avrebbe mai immaginato di aver fatto un primo passo in una sorta di zona di guerra. Il film si muove lungo questa direttrice ad un buon ritmo, mentre al suo interno utilizza lo stesso stile fiammeggiante ma al contempo anche di raggelata introspezione dei personaggi tipico di John Flynn, e dei suoi precedenti splendidi Rolling Thunder (1977), già supercitato, e Organizzazione crimini (The Outfit) (1973), trasportato nei già divenuti anni ’80. E’ una storia familiare a dir poco, un quartiere che è stato preso in possesso da una da una viziosa gang di strada, di viziosi, drogati teppisti e taglieggiatori, alla quale le persone innocenti che abitano nella comunità non hanno alcuna possibilità di opporvisi, quindi qualcuno deve venire a salvarli. In questo film, nel quale l’eroe ben presto “obbligato”e “costretto” è Tom, egli in puro stile anni ’80 verrà addirittura nominato come l’eroe del quartiere, prima che lui nemmeno se ne possa accorgere. Non vi è alcuna reale investitura di Tom Campbell, quando egli è a diventare l’eroe, soltanto che egli è giusto, l’unica cosa nuova e di buono che c’è nel quartiere, ben voluto, e come ha avuto modo di dimostrare di alta statura morale, ragion per cui e per qualche altra ragione ancora, tutti si attaccano a lui. Tuttavia, non importa quanto Defiance possa essere dozzinale o prevedibile e non lo è, pur nel suo conformismo al proprio filone è davvero troppo ben realizzato, denso di tensione drammatica e di pathos emotivo, molto coinvolgente da guardare e da ammirare. Defiance è quanto mai proprio uno di quei film che sono definibili come delle specie di “gemme perdute”, è puramente e stilizzatamente anni ’80. è ricco di violenza, di tensione emotiva, di gusto per l’atmosfera e l’ambientazione, per non parlare che possiede la cara, vecchia e familiare, ben sentita distinzione fra buoni e cattivi e un finale estremamente trascinante.
Il film è, come scritto in apertura, compiuto ancora più piacevolmente, a causa di prestazioni attoriali di buon livello. Nel ruolo del protagonista Tom, abbiamo Jan Michael Vincent. Vincent come accennato prima nella stessa rece, era un attore che ha lavorato molto nei generi degli ’70 e fino ai primi anni ’80, e aveva interpretato altri due ruoli simili in almeno altri due eccellenti “revenge movie” precedenti: Violenza sull’autostrada (White Line Fever) (1975) di Jonathan Kaplan, e Squadra d’assalto antirapina (Vigilante Force) (1976) di George Armitage. Certo, quando si vede Jan Michael Vincent, non si può anche non pensare sempre a lui come al bastardo di ghiaccio, giovane allievo-killer di Charles Bronson in Professione: assassino (The Mechanic) (1972) di Michael Winner. Qui in Defiance, si trova però in un ruolo diverso, lui è il bravo ragazzo, l’eroe se volete. Devo ammettere, che in un primo momento, può essere un po’ difficile prendere proprio lui per l’eroe, dati certi suoi ruoli come il suddetto, ma non ci vuole poi molto tempo per abituarsi ad esso, e ben presto ti ritrovi a immedesimarti e parteggiare per lui come tutta la strada del film. Sul lato opposto, l’antagonista di Vincent, vi è il citato e ultra-cool Rudy Ramos come “Angel”, il leader dei “The Souls”, dal carattere di ghiaccio e sempre apparentemente calmo e controllato, ma ancora con qualcosa che ti dice di non avere assolutamente a che fare con lui. Proprio l’amico Domenico Burzi potrà ricordare Ramos nella bella miniserie originale Helter Skelter (’76) di Tom Gries. In quella miniserie, egli ha un piccolo ruolo come uno dei membri della famiglia Manson, che deciderà di aiutare la polizia. Il suo ruolo fu breve, ma da quando l’ho rivisto nel bel dvd della Warner R1 ho sempre pensato che fosse così freddo in quel film, che è poi il modo in cui trasmette questa aria così apparentemente rilassata e di grande freddezza, qualsiasi cosa gli accada, come che egli commetta, la quale è propria anche del personaggio di “Angel” in questo film, che a dir poco è cazzuto. In un ruolo di supporto abbiamo anche il grande Danny Aiello quasi agli esordi, come “Carmine”. Carmine è il personaggio di “alleggerimento”, poiché frequentatore del locale pub, e a cui piacerebbe soprattutto di avere un po’ di tranquillità e di media serenità, data l’aria che tira nel quartiere. Carmine si da il caso che sarà anche il primo uomo ad avere le palle e la determinazione di mettersi a fianco di Tom nella sua lotta contro i “The Souls”, ma Carmine è e rimane come detto, colui che essenzialmente dà al film un po’ di umorismo, come egli si dimostrerà però anche molto meno leggero e superficiale di quel che potevano pensare di lui i suoi amici e gli altri vicini del quartiere. In altri ruoli, vi sono Theresa Saldana, come la ragazza che prova un’interesse amoroso per Tom, di nome Marsha, e la vera leggenda del cinema settanteso Art Carney, appena reduce come protagonista dagli splendidi L’Occhio privato (The Late Show) (1977) di Robert Benton, Vivere alla grande (Going’ in Style) (1979) di Martin Brest, e grande Premio Oscar come Miglior Attore Protagonista per Harry & Tonto (Harry and Tonto) (1974) di Paul Mazursky, che interpreta il saggio titolare del negozio di alimentari del quartiere, “Abe”.
Anche se quindi in una forma certo un poco stereotipata e prevedibile, Defiance è in realtà un film molto buono, e oggi è una grande capsula del tempo e del periodo in cui è stato fatto, capace di restituire allo spettatore appassionato che abbia l’età giusta per avere vissuto davvero quegli anni, insostituibili sensazioni ed emozioni. E’ a mio parere sicuramente un film che ha un alto “valore di risposta”. Come livello di violenza ci sono un paio di colpi di pistola e un paio di vittime che vengono picchiate fino a sanguinare. La colonna sonora come per quasi ogni film di questo tipo e di quel periodo, questa di Defiance offre un paio di belle e orecchiabili canzoni. Il resto originale della colonna sonora composto dall’attivissimo professionista Dominic Frontiere è soprattutto eseguito con i sintetizzatori.
In definitiva. pur non avendolo potuto vedere all’epoca della sua prima uscita cinematografica a causa della sua troppo limitata distribuzione nostrana, grazie proprio alla vhs della Skorpion Home Video intitolata I Violenti di Borrow Street potei successivamente apprezzare davvero questo gioiello degli anni ’80. Il quale è la classica ma realizzata intrigantemente, storia di violenza urbana e vendetta che senza timore di scarse probabilità, non avrei potuto che adorare. Gli appassionati come me dunque di film come Un Duro per la legge, o qualsiasi altro titolo in quel filone sono sicuri di poter ampiamente godere della visione di Defiance. Defiance è stato anche programmato negli ultimi anni dal canale satellitare di Sky, MgM Channel, in widescreen anamorfico e con il doppiaggio originale italiano, dal medesimo master della Limited Collector’s Edition su menzionata in dvd, ed è la migliore fonte disponibile a tutt’ora. Detto questo l’immagine delle vhs, Skorpion come della Orion NTSC, non era certo perfetta, in quanto vi è una certa “sdoppiatura” d’immagine, soprattutto evidente nei totali e nelle scene in esterni. La qualità della versione trasmessa da MgM e quindi del dvd, anche se in widescreen, si presenta anch’essa come una seppur ottima VHS, ma non offre niente di più, comunque rimanga la migliore in circolazione.
Napoleone Wilson
I violenti di Borrow Street
Titolo originale: Defiance
Anno: 1980
Regia: John Flynn
Cast: Jan-Michael Vincent, Theresa Saldana, Danny Aiello, Rudy Ramos, Lenny Montana, Art Carney, Santos Morales, Frank Pesce, Don Blakely, James Victor, Randy Hermann, Lee Fraser, Joseph Campanella, Fernando López, Alberto Vazquez, Church Ortiz, Ismael ‘East’ Carlo, Tom Reese, Ernie F. Orsatti, Tony Sirico, E. Brian Dean, Margarita García, Philip Levy
Fabrizio De Angelis è stato una figura cardine per il nostro cinema di genere alternando la carriera di produttore con quella di regista. Grazie a lui abbiamo avuto grandi classici horror diretti da Lucio Fulci, L’aldilà – E tu vivrai nel terrore, Quella villa accanto al cimitero e Zombi 2, la trilogia di Castellari sui guerrieri del Bronx, e, persino, il Napoli Violenta di Umberto Lenzi. Come regista si è firmato il più delle volte con uno pseudonimo, quando gli pseudonimi anglofoni erano necessari negli anni 80 per portare al cinema il pubblico, girando per la maggior parte buonissimi prodotti d’imitazione americana. Sotto il nom de plume di Larry Ludman diresse la trilogia di Thunder con il femmineo culturista Mark Gregory, ripoff non senza fantasia di Rambo, il western moderno Cane arrabbiato con il figlio del Duca John, Ethan Wayne, l’action testosteronico Impatto mortale e la serie infinita de Il ragazzo dal kimono d’oro, suo titolo più di successo. Erano tutti quanti filmettini girati nel lusso di un’America così lontana dalle nostre tasche, anche quando la vera America faceva da sfondo ad improbabili trame rubacchiate dai veri blockbuster. Eppure ogni tanto a Fabrizio gli capitava di girare qualcosa di buono come l’inaspettato Cobra mission dal finale disperato o il politico Colpo di stato, ma erano e restavano casi: De Angelis era soprattutto un produttore e di quelli bravi, di quelli che purtroppo non esistono più restando fedele alla causa dei generi fino all’ultimo come testimonia questo Breakfast with Dracula – Vampiro a Miami, girato come Ted Russel nel 1993 quando ormai il cinema popolare italiano stava facendo i primi vermi.
A scanso di ogni dubbio diciamolo subito: il film è terribile, qualcosa di così sgangherato da mettere tristezza durante la visione. I generi si mischiano sconsideratamente: Breakfast with Dracula parte come il più classico degli horror con una ragazza in vestaglia inseguita da un vampiro da manuale, mantello nero e dentoni lunghissimi, per poi diventare una commedia abbastanza stupidella con morale annessa sui pericoli del successo. L’inizio con le luci vivaci sparate alla Mario Bava, con questo cimitero a due passi da una villa, con lo splatter timido che irrompe nella sequenza, fa ben sperare, ma poi il gotico cede il passo al sole caldo di Miami che è un anticlimax per un horror. Ma d’altronde siamo in una commedia macabra sulla scia di Una Brillante carriera di un giovane vampiro, con il sapore ancora fresco degli yuppismo di Cocktail e della Milano 2 paninara, quindi lo spazio per il cinema del terrore è solo sussurrato.
Il film è musicato atrocemente da Donald Brent, già nella scuderia De Angelis per il mediocre Karate rock con Antonio Sabato Jr., e qui al minimo storico con uno score inappropriato e fastidosamente onnipresente. La fotografia però dello sconosciuto George Berman è ottima, da grande produzione, e avrebbe meritato un film migliore. Invece Breakfast with Dracula è mal diretto, con un montaggio aborracciato e dilettantesco, e questo dispiace visto che neppure nelle sue peggiori prove (Iron girl per esempio) De Angelis è stato tanto sciatto. Oltretutto niente è peggio di un film spiritoso che non fa mai ridere, talmente prolisso da risultare alla fine noioso, senza un vero target di pubblico su cui puntare.
Il cast è uno dei punti maggiormenti dolenti di una commedia horror, come già detto, senza guizzi e invezioni, e questo fa riflettere anche perchè un genere come questo dovrebbe vivere di attori in gamba, brillanti e soprattutto simpatici, cosa che gli interpreti di Dracula a Miami non sono mai. Dietro lo pseudonimo di Anthony Forster si cela l’attore ed ex calciatore Daniele Liotti in una performance imbarazzante da belloccio cruisiano, dimenticata (giustamente) in ogni suo curriculum artistico. Ma la palma di peggiore attrice spetta senza dubbio alla ragazza affittacamere presente ad inizio film (decodificare il nome dell’interprete è impossibile), capace di riscrivere il concetto di dilettantismo con una performance atrocemente grottesca, non seconda a quella di Deborah Reed in Troll 2 già famosa per la sua indecenza.
Anthony Forster molti anni dopo
Tutto sommato invece abbastanza efficace Scotty Daffron, il grasso e mellifluo servo del vampiro Vlady Drake (?!?), già caratterista feticcio di De Angelis per alcuni episodi de Il ragazzo dal Kimono d’oro dove faceva la spalla comica, il ragazzo grasso e petulante. Il resto del cast è formato da attori tremendi e per di più anonimi, che avranno, giustamente, per lo più solo questa chance nel mondo del cinema. Dispiace trovare però coinvolto in questo pasticcio senza capo nè coda il grandissimo David Warbeck, l’eroe dei film avventurosi di Antonio Margheriti e degli zombeschi fulciani, qui in pilota automatico di anonimo caratterista nella sua solita maschera (altrove geniale) di Jack Nicholson della serie B. Oltretutto senza rispetto la copertina della vhs lo chiamerà David Warbenck, cannando il nome dell’unico vero attore presente.
Un mistero invece resta la presenza o meno nel cast di una tra le più famose ragazze di Non è la Rai, la mora Antonella Mosetti: non è segnata tra gli attori, ma sembrerebbe essere lei la comparsa che aiuta Daniele Liotti/Anthony Foster a riprendersi durante la sequenza dello spot fotografico. Senza dubbio la somiglianza è impressionante.
L’unica copia esistente di Dracula a Miami è la vhs italiana edita dalla Avo Film a metà anni 90, ormai introvabile pezzo da collezione. La qualità della suddetta è molto buona, ma il film, qualitativamente, merita l’oblio. La carriera di De Angelis come regista e produttore si sarebbe spenta indecorosamente, da lì a poco, con l’indecente Favola interpretato da un’imberbe Ambra Angiolini, ben lontana dall’intensa attrice di Saturno contro.
Andrea Lanza
UN VAMPIRO A MIAMI(Breakfast with Dracula)
Anno: 1993
Regia: Fabrizio De Angelis (come Ted Russel)
Produzione: Fulvia Film, Victoria Film
Soggetto: John Perry – Sceneggiatura: Tod Barrell
Fotografia: George Berman
Musiche: Donald Brent
Durata: 90 min.
Cast: Anthony Foster (Daniele Liotti), Christine Garrison, Deborah Murphy, David Warbeck, Scotty Daffron, Sophia Sed, Marie Keller, Irina Sidorovskaia, David Warbeck, Roman Devine, Tiffany Bull, Ian Bartlett, Richard Bolt, Angie Hines, Jimmy Schreiber, Barbara Baer, Gary Wolfe, Fred Scott, Martha Kelly, Frank Mignon, William Barnes, Nancy Seigel, Andrew Young, Paul Jensen.
Sciagurato fu Ammazzavampiri (Fright night), opera cult degli anni 80, per i mostri che generò. Vada per il gustoso Vamp con una Grace Jones demoniaca dal make up strepitoso, vada pure per Ammazzavampiri 2, pur se debole e meno efficace del prototipo, ma tutte quelle commediole a sfondo vampirico come La brillante carriera di un giovane vampiro o Se ti mordo… sei mio con un giovanissimo Jim Carrey, francamente, se non penose, lasciavano il tempo che trovavano. Ma nessuna di queste oper(acc)e è mai riuscita ad eguagliare la leggendaria approssimazione tecnica, lo squallore recitativo e il nonsense ironico di Vampire Knight – gli acchiappavampiri (o, nei titoli di testa, conosciuto come Le amazzoni della notte). Difficile girare, anche mettendoci tutta la buona voglia del mondo, un prodotto talmente scadente e nel contempo tanto miracolato da uscire fuori dallo scherzone amatoriale e fare il giro del mondo, Italia compresa, se non al cinema, almeno in vhs. Benedette quindi le videocassette che, più dei fratelli tecnologici futuri, avevano un posto di riguardo per tutti, sia il blockbuster miliardario che l’opera più raffazzona della filmografia filippina. Era un bene certo perchè, se non tutto, si potevano vedere comunque tanti film, affossati da doppiaggi magari fatti in cantina, ma, per Dio, si aveva una bella scelta senza dover sbavare invidia all’Estero. Certo capolavori, come il primo Pumpinhead, non uscivano e tutt’ora sono inediti, ma si era sicuri che noi italiani “tenevamo” un cuore grande da mamma per le schifezze invereconde. Ecco allora che arriva questo Vampire Knight – gli acchappavampiri, uscito per la gloriosa Multivision, in una copertina truffaldina che faceva sperare in una specie di postatomico alla Mad Max con sottofondo vampirico, una cosa che solo John Carpenter sulla carta poteva girare, quando, amara verità, il film è ambientato nelle quattro mura di una casa.
La fattura dell’opera è in bilico pericolosamente verso l’amatoriale, con un budget che i siti internet non ci svelano, ma siamo sicuri sarà stato non superiore ad un pranzo a Macdonalds. La vhs ha una qualità scadente, slabbrata, il doppiaggio non presenta rumori di fondo, ma abbiamo scoperto, confrontandola con altre uscite estere, sempre in videocassetta, che l’andazzo non migliora. Oltretutto il film è fuori catalogo ormai in ogni parte del globo, mai baciato da un’uscita in dvd, stroncato un po’ da tutti, un nadir che vi auguriamo non possiate mai vedere e che noi, kamikazen del film introvabile, abbiamo subito per voi.
Vampire Knight – gli acchiappavampiri ha una trama scombinata, confusa, un vero delirio narrativo mischiato di tanto in tanto con battute che non fanno, purtroppo, ridere. Tutto ruota intorno ad un ragazzo, di primo impatto ritardato mentalmente, con una folle passione per i vampiri e fan di un Peter Vincent (il comprimario di Ammazzavampiri) della serie B, un certo Sir Peterson (Pierre Turson), divo di un programma horror. Proprio questo figuro rivelerà ai suoi telespettatori di essere in pericolo di morte a causa di un incontro con Dio (?!?). Eh sì perchè il Sommo creatore lo porterà con sè nel Paradiso se i suoi fan non compreranno subito un kit per acchiappavampiri dal prezzo di quasi 30 dollari. Al ragazzo dovrebbe suonare il campanellino di “Attento all’imbroglio” visto che il genio del cinema horror non riconosce il film che sta presentando, ovvero il Nosferatu di Murnau, non proprio la più sconosciuta delle pellicole, chiamandolo con un titolo tipo “L’orgia dei vampiri”, ma tantè abbiamo detto che non è proprio un personaggio sveglio. Sarà la voglia di salvare Sir Peterson che spingerà il giovane a prestare, dietro la promessa di un acquisto del kit, ad un suo coinquilino la famigerata spilla dell’acchiappavampiri, e quindi a scatenare la trama principale del film. Ad accrescere la nostra convizione che il ragazzo sia un demente sono le scene dove lo vediamo aggirarsi di notte a giocare alla caccia al demone alato armato di balestra nel giardinetto di casa o quando parla da solo, in una stanza da dodicenne, lui attore sui venticinque anni, con il suo unico amico, una testa di morto di plastica. I suoi coinquilini invece hanno una gran voglia di cuccare e, dopo un delirante discorso dove il ragazzone dimostrerà tutta la sua intelligenza (“non ci vengo, le ragazze sono tutte stupide!”), se ne andranno da soli ad un party. Strada facendo i due, provetti Gianni e Pinotto, daranno un passaggio ad un’autostoppista che, senza nessun motivo logico all’interno del film, si tramuterà, con un brutto make up, in un licantropo. Al party arrivano tre vampire che riveleranno presto il loro potere principale: se le palpi il culo sparano, come difesa, un peto incendiario. Un malcapitato lo proverà a sue spese, bruciando vivo, senza generare alcun panico nei festaioli, amici probabilmente del briccone George Clooney che, fatti di cronaca alla mano, rise come un matto quando, in un party a casa sua a Como, la sua amica Ellen Barkin corse verso il lago urlando con la testa in fiamme. Le vampire cercano, sempre senza nessun motivo logico, un acchiappavampiri e rimorchiano i nostri Gianni e Pinotto che, ricordiamo, hanno la spilla del ragazzo scemo. Da notare che alla festa le amazzoni della notte hanno strappato il cuore ad un poveretto e che ogni tanto diventano pipistrelli disegnati su una luna di cartone con le nuvole dietro. Non solo, ad un certo punto, inaspettato, scatta il metacinema alla faccia di Wes Craven e Scream, sciagurato e geniale: un regista alla festa rivela ad un interlocutore che mai metterà in un suo film horror dei nudi gratuiti perchè non artistici, e, scena dopo, vediamo una ragazza con i seni prosperosi completamente svestita! Manifesto cinematografico di uno stile? A casa dei nuovi amici le tre, una ragazza carina ma vergine, e due trapperoni da strada, fanno conoscenza anche col ragazzo demente che sarà folgorato a poco a poco dalla vampira più decente. Ecco che a questo punto scatta il delirio, tra letti da comicità anni 30 che rientrano negli armadi, una gestione dello spazio totalmente nulla, preservativi gonfiati come palloncini, vibratori morsicati per sbaglio, e la verginella che chiede consiglio alle più esperte su come succhiare il sangue sentendosi rispondere come se dovesse fare un pompino (“Devi ingoiare, vedrai ti piacerà”), il film diventa un guazzabuglio che arranca senza trama, noioso, mal congeniato, in pratica una tortura. Unica nota caruccia, ma folle, l’idea che per non farsi succhiare il sangue basti un collare contro la cervicale (?!?). Finale happy end sconsiderato con tanto di concerto con la tromba tra i due fidanzatini a letto. E non intendo tromba per trombata, ma proprio tromba, lo strumento musicale.
Gli attori, patetici per di più, non hanno un gran passato o futuro nel cinema. Ken Abraham, il protagonista, fece qualche horrorino trashoso di culto blasfemo come Hobgoblins – una stirpe da estirpare o Creepzoids, molta tv (Angel per esempio), per poi diventare editor di programmi di successo come Disaster date. Pierre Turson, Sir Peterson, fece questo e un’altra commedia horror di basso profilo, Un diavolo di ragazza (insieme a, casualità, Ken Abraham) sempre per la regia di Dan Peterson. Robin Stille, la vampira mora Tasar, interpretò poche cose, tra le quali American ninja 4, e, nel 1996, a causa di forti problemi di alcool, si suicidò all’età di 34 anni. I due Gianni e Pinotto, Thomas Kingsley e Billy Frank, recitarono poco o nulla, il secondo, insieme al solito Abraham in Hobgoblins – una stirpe da estirpare, il ripoff senza effetti speciali di Gremlins, l’altro lasciò al mondo solo questa perla recitativa. Lo stesso per Ann Michaels, la vampira bionda, che fermò qui la sua carriera da attrice. Mary Logan, la bella vergine succhiasangue, smise anche lei di recitare dopo Vampire Knight, ma inaspettatamente nel 1998 scrisse un film, sconosciuto, per di più francese, dal titolo Folle d’elle. Su imdb il voto è 3, 8, sappiamo che non è il sito più valido per sapere se una pellicola vale o meno, ma, se tanto ci da tanto, sembra che la poveretta fosse altrettanto brillante come sceneggiatrice… E dopo sparì dalla circolazione, naturalmente. Il regista Dan Peterson (ogni omonimia è casuale), purtroppo, gira ancora, e sono film uno più brutto dell’altro, per fortuna arrivati pochissimo in Italia.
Vampire Knight, come accennato, è una videocassetta rara, ma è anche un film da evitare a tutti i costi, che ringraziamo Dio non abbia avuto una seconda vita in dvd. Orribile tanto quanto la ragazza figa che ti fai da ubriaco e poi scopri la mattina essere un gioioso culanda. E pensare che da ragazzo mi piaceva pure. Vampire night, ovvio, non il culanda.
Andrea Lanza
VAMPIRE KNIGHTS – GLI ACCHIAPPAVAMPIRI
Titolo originale: Vampire Knights
Dati: Anno: 1987
Genere: commedia (colore)
Regia: Dan Peterson
Cast: Ken Abraham, Billy Frank, Robin Stille, Thomas Kingsley, Ann Michaels, Lee Martin, Mary Logan, Gail Slade, Kim North, Steve Parks
Note: Aka: “Le amazzoni della notte”.
Disponibile in VHS (label Multivision numero 100 17 318).
