Dellamorte Dellamore

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Avevo 17 anni quando uscì Dellamorte Dellamore ed ero eccitatissimo e incazzato. Eccitato perché leggevo Dylan Dog da ormai 8 anni, da quando, per casi strani del destino, mio padre mi regalò, al mio decimo compleanno, il numero 1, L’alba dei morti viventi. Incazzato perché a Varese il film di Soavi non era uscito e io non mi ero mai spinto, un po’ come Francesco Dellamorte, fuori dal mio acquario, dalla mia palla di vetro che comprendeva la mia personale Buffalora, Marchirolo, e appunto Varese dove frequentavo il Liceo Classico. A Milano non ci avevo mai messo piede, ero un provincialotto, ma Dellamorte Dellamore lo proiettavano all’Odeon, vicino vicino a Duomo.

Avrei potuto, è vero, aspettare l’uscita in vhs, ma no, non ci stavo, io volevo vedere subito il film di Soavi: ero mosso dallo stesso furor di popolo che spingeva gli studenti in piazza Tienanmen… forse. Peccato che in tasca avessi si e no 15 mila lire, e, per treno, metropolitana e biglietto del cinema, me ne servissero altre 5000. Decisi di tentare quindi la strada della pietas dell’accattone e cominciai, nei pressi della stazione di Varese, a chiedere soldi per raggiungere l’agognata cifra. Naturalmente nessuno mi aiutò, non avevo d’altronde al mio fianco scimmiette col piattino, non sapevo cantare e i miei capelli lunghi potevano far credere che avessi bisogno solo di una dose di eroina. Eppure, quando le speranze erano perdute, arrivò lui, il mio mecenate, il mio Silvio Berlusconi come neanche fossi un’olgettina bramosa di successo, il Paperon De Paperoni di Cavaria con Premezzo, Luca, un mio amico che, mosso a pietà, mi prestò i soldi. Ovviamente, a distanza di quasi 25 anni, mi ricorda ancora le 5000 lire che non vide mai più e io, con un sorriso, a metà tra il guascone e la supercazzola, mi fingo morto, lingua fuori e zampe all’aria, perché alla fine non voglio spezzare la magia di un miracolo con la bassezza di un debito saldato.

Comunque arrivai a Milano, cercando di non perdermi, cappotto lungo alla Nathan Never, ed entrai a film iniziato, ma entrai, questo è importante perché per me Dellamorte Dellamore era un evento, una pellicola che aspettavo da anni, anche senza Dylan Dog.

Avevo comprato anni prima il romanzo di Tiziano Sclavi e l’avevo consumato: letto e riletto, affascinato, innamorato come davanti ad una bella donna. 100 pagine o poco più che avevo finito in un giorno per poi ributtarmici ancora con quella fame compulsiva che hanno gli adolescenti davanti alle cose che amano. Così come l’Evil dead di Sam Raimi era il film perfetto, il libro di Sclavi lo era, per me, nella letteratura con un personaggio frastagliato, ironico, psicolabile e sempre fuori luogo come mi sentivo io, ragazzino balbuziente, in balia del mondo e dei miei amori disperati, bellissimi e mai corrisposti, un po’ come la Lei che fa battere il cuore di Francesco, becchino di un cimitero alle prese con un’invasione di ritornanti/zombi. Ostcia.

Dellamorte in un fumetto mai uscito disegnato da Claudio Villa

Quindi l’idea di vedere quella storia al cinema, oltretutto diretta da un regista come Michele Soavi, un talento visionario che aveva saputo rendere poesia quello che sulla carta era solo un banale slasher, uno che aveva diretto quel gioiello sottovalutato de La setta, beh era un sogno che diventava realtà.

Quello che non sapevo era che tutto il cinema di genere che amavo, quello dei Fulci, dei Lenzi e dei Massaccessi, dei polizieschi alla Peckinpah di Sergio Martino e delle Case 4, degli alien 2 sulla terra e dei ripoff di Bruno Mattei, brutti ma bellissimi, sarebbe finito proprio con Dellamorte Dellamore. Dopo nulla sarebbe stato lo stesso: i film popolari sarebbero spariti su grande schermo per affacciarsi timidamente nella versione for dummies in tv, i grandi autori avrebbero spirato gli ultimi o si sarebbero, come per Dario Argento, depersonalizzati in una orrida versione da ultracorpo, i registi horror erano sempre meno horror, ci sarebbe stata l’ecatombe degli indipendenti/amatoriali, ma anche, nella resurrezione alla Shadow, quel cinema nostalgico era diventato delle amabili spoglie, si poteva solo piangere e rimpiangere mentre i nostri capelli diventavano selvaggi e poi bianchi. Con Dellamorte Dellamore si chiudeva un’epoca.

Non mi piacque quanto il libro il film di Soavi, era inevitabile, ma lo trovai comunque meraviglioso, soprattutto visto su uno schermo gigante e la pellicola 35 mm. Col tempo l’ho ancora più apprezzato come si fa davanti ad un vinello invecchiato o ad una donna che, con gli anni, trovi affascinante anche con le rughe e la bellezza imperfetta dell’età.

Forse non mi era andata giù, all’epoca, che tutta la seconda parte del romanzo era stata eliminata ma, col senno di poi, era una scelta inevitabile per un film che era chiaro comunque sarebbe stato un kamikaze suicida nel cinema di massa.

Dellamorte Dellamorte era quello che il pubblico, trascinato dalla scritta imponente sui cartelloni, “dall’autore di Dylan Dog” con i caratteri del fumetto ben riconoscibili, non voleva vedere: troppo grottesco, troppo intellettuale nei rimandi a Magritte e ai suoi amanti, all’isola dei morti di Böcklin, troppo strano, scorretto e disperato, horror ma senza sangue, ironico ad un passo dalla parodia, un alieno che non rispettava i canoni del cinema di paura ma enfatizzava gli elementi sotterranei del personaggio dell’investigatore dell’incubo, non più castrato dal formato Bonelli ma puro Tiziano Sclavi senza censure preventive.

Per questo Dellamorte Dellamore non fu un successo, forse crebbe come cult movie sotterraneo negli anni, sicuramente si pensò ad un assurdo numero 2 ma finì lì in quell’apparizione unica e irripetibile su grande schermo.

Eppure, a distanza di 25 anni dal 1994, resta un film splendido con i difetti che ora non sembrano più tali e una messa in scena potente e meravigliosa, la cosa più elegante vista in un horror che probabilmente non sapeva di essere d’autore ma lo era, chiaramente lo era, ma senza la spocchia del cinema alto, anzi con i liquami e gli umori delle pellicole basse “degenere” più che di genere.

Funziona la sceneggiatura di Gianni Romoli con l’intuizione fantastica del finale surreale e della strada che non conduce a nulla, dell’assurdo cambio di ruolo tra il protagonista e il suo assistente mentre la neve che copre la palla di cristallo ti lascia muto, imbecille e incredulo, anche a te, spettatore, che chissà quante Buffalora hai cercato di lasciare alle spalle senza mai riuscirci.

Forse le battute, d’effetto, a volte esageratamente fumettistiche, sono di troppo, ma, che cazzo, 25 anni fa le ripetevi davanti ai tuoi amici che al cinema non c’erano andati (“Ex sindaco” Baaaam!) generando invidia e risate, e, nel 2019, restano comunque deliziose, impossibili da togliere senza snaturare il prodotto.

Sclavi non era stato chiamato per scrivere la sceneggiatura, questo forse il peccato maggiore, ma c’era comunque tanto Sclavi dentro Dellamorte Dellamore, un film nato da un libro che si presentava già perfetto per il cinema con la scrittura vicina alla sceneggiatura, con i suoi movimenti di macchina come se da lì a poco dovesse essere diretto.

Michele Soavi è all’apice della forma e gira sequenze che ricordano meravigliosi quadri, non solo quando, come nel caso del bacio col sudario, cita i maestri pittori. Restano impresse nella memoria i fuochi fatui che spiano gli amanti, gli zombi di putrefazione e mandragola, la luna gigantesca sul corpo nudo della Falchi, la morte stracciona, le puttane che illudono gli innamorati, e la camera spietata che gira intorno a Dellamorte mentre, sorridendo, la donna che ama gli rivela che sposerà un altro.

Poi c’è lui, Rupert Everett, il Dylan Dog perfetto fatto carne, che attraversa la pellicola come Alain Delon ne La prima notte di quiete, sigaretta sul labbro e sguardo da cane bastonato come quelle vecchie star di Hollywood che, arrivavano in Italia, a Cinecittà, per vivere l’ultima fase della carriera, quella dei non kolossal sul viale del tramonto. Il suo Francesco Dellamorte è perfetto, la sua interpretazione tocca corde di emotività incredibili, è forse l’esempio più eclatante di un ruolo minore nella filmografia di un attore impegnato, tra James Ivory e Paul Schrader, che diventa una, se non LA prova migliore della sua intera carriera.

Anna Falchi è sì una bella statuina, ma è anche lei eccellente nel ruolo anzi nei ruoli della donna idealizzata dal protagonista: bellissima, con due seni che sono un inno a Dio anche nel silicone, e un corpo burroso che ti facevano innamorare a 17 anni e che, a 43, scopri di non avere mai smesso di sognarla. Lei, l’amore, la donna, viene resa perfettamente dalla recitazione grintosa dell’attrice, quasi una sorta di rivalsa verso il pubblico che non l’ha mai considerata, forse a torto, una brava attrice, ma che qui vive, muore e inganna come le grandi dive, le divine vampire del cinema muto, le femme fatale dei noir, le bionde di Hitchcock e del doppio ruolo alla Vertigo.

Gli effetti speciali di Sergio Stivaletti sono molto buoni, ma pagano un budget forse non così elevato, soprattutto nella sequenza della testa di una ragazzina che, come ne Il pifferaio di Hamlin, segue, grazie a fili purtroppo ben visibili, con poca presa scenica il bravissimo François Hadji-Lazaro nei panni del povero Gnaghi, assistente ritardato del protagonista. Per il resto però quando si tratta di mettere in scena gli zombi, anche nella variante fantasiosa di un morto vivente fuso ad una moto, sulla falsariga di Cronenberg o del Nightmare 5 di Stephen Hopkins, l’artista romano compie un eccellente lavoro, competitivo, come ai tempi del Demoni di Lamberto Bava, con le produzioni a stelle e strisce.

La parte del leone però lo fanno soprattutto le splendide musiche di Manuel De Sica: struggenti e immersive, una delle prove migliori del musicista scomparso nel 2014. Basti vedere la sequenza dove i boyscout si risvegliano commentata dallo score elettronico dell’autore: la scena già concitata da sola, acquista toni epici inespressi dalle immagini.

Dellamorte Dellamore resta un’opera, a distanza di un quarto di secolo dalla sua uscita, eccezionale, ancora migliore di come è stata percepita all’epoca, un film ricco di spunti, scritto in stato di grazia e diretto bene come mai prima (o dopo) da un inventivo Soavi. Alla fine, più che Negan o Dylan Dog, se ci pensiamo bene, siamo tutti stati, o siamo ancora, Francesco Dellamorte, confusi e innamorati, spauriti e non capiti tra morti viventi e vivi morenti, incerti cosa sia davvero il nostro destino, a 17 anni come a 43.

Andrea Lanza

Dellamorte Dellamore

Anno: 1994

Regia: Michele Soavi

Interpreti: Rupert Everett, Anna Falchi, François Hadji-Lazaro, Barbara Cupisti, Stefano Masciarelli, Mickey Knox, Fabio Alberici, Anthony Alexander, Katja Anton, Elio Cesari, Pietro Genuardi, Flavio Marti, Fiorenzo Marsili, Claudia Lawrence, Micha Kopman, Maddalena Ischiale, Fabiana Formica, Mariaelena Fresu, Rinaldo Zamperla, Alessandro Zamattio, Maurizio Romoli, Patrizia Punzo, Clive Riche, Vito Passeri, Sandro Prati, Tiziano Nardoni, Daniele Mezzoprete, Gianluca Gennaro, Francesca Gamba, Stefano De Tomassi, Renato Donis, Simone Ervini, Marco Fiorentini

Durata: 105 min.

Il voodoo dei morti viventi (I Eat Your Skin)

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Nel 1971, negli States, uscirono, nel circuito dei drive-in, il truce La rabbia dei morti viventi (I Drink Your Blood) e I Eat Your Skin. Era prassi per le pellicole più infime di usare la formula un biglietto/due spettacoli; così successe sia per i bevitori di sangue che per i mangiatori di pelle, lanciati dall’accattivante strillo sulla locandina, “Two Great Blood-Horrors to Rip Out Your Guts!”, quindi lo spettatore era avvertito, si trattava un doppio show che prometteva di strappare le budella allo spettatore.

Nessuno arrapato teenager da drive-in venne ovviamente eviscerato, ma la cosa più buffa era che, se La rabbia dei morti viventi soddisfaceva la voglia di zombi e budello, così non faceva I Eat Your Skin, una pellicola spensierata in bianco e nero, poco violenta e senza neppure la sequenza tanto attesa dal pubblico: il pasto orribile a base di pelle umana.

C’erano voluti ben 7 anni prima che questo film potesse trovare la via della sala cinematografica, snobbato un po’ da tutti, non troppo estremo per essere venduto, e troppo sciocco per diventare un cult tra il pubblico. In più non lo aiutava il bianco e nero, una follia nel 1971.

lntervistato dal critico cinematografico Bryan Senn, il regista Del Tenney ammise candidamente che I Eat Your Skin non era un buon film (” Non mi piaceva molto, ho sempre pensato che fosse una cazzata“). Non fu comunque un horror facile da girare: i problemi incominciarono quando la  Twentieth Century-Fox, interessata a distribuire l’opera, impose categoricamente alla produzione di assoldare persone iscritte al sindacato, pena l’abbandono del film. Del Tenney, infiammato dal sacro fuoco dell’arte pura, non accettò e il film andò incontro, da vero kamikazen, al suo olocausto personale (“Tutta quella gente era lenta e poco collaborativa perciò mi sono impuntato“). Si sforarono le due settimane di rito per le riprese a causa di un terribile uragano, un presagio da vero film maledetto. A questo si aggiunsero altri problemini, malattie contratte e vari serpenti che avvelenarono diversi membri del cast. Forse era un segnale dal cielo: Dio non amava i mangiatori di pelle.

Quando le riprese terminarono, senza più nessuno interessato a distribuire I Eat Your Skin, Del Tenney aveva buttato via circa 120000 dollari. A nulla era servito ingannare alcuni investitori, poco propensi al cinema horror, vendendo il film come Caribbean adventures, quasi fosse un avventuroso esotico, e non col vero titolo di lavorazione, Voodoo Blood Bath. In qualsiasi caso la troupe non si spostò mai ai Caraibi ma girò il tutto a Miami Beach e Key Biscayne in Florida. Alla fine, quando visse la sua prima nei drive-in, Del Tenney lo vendette al distributore Jerry Gross ad appena 40000 dollari perdendoci moltissimo. Per tornare alla regia poi il nostro, da quel lontano 1964, dovette attendere quasi 40 anni quando nel 2003 firmò assieme allo sceneggiatore Kermit Christman il brutto Descendant con William Katt.

C’è da dire che il film, nel 1971, era non solo vecchio, ma praticamente un reperto storico: grazie, o in questo caso per colpa, di George Romero e del suo The night of living dead, la figura dello zombi era stata completamente ripensata. Il pubblico aveva dimenticato, o comunque non li ricercava in sala, i morti viventi classici, quelli della tradizione haitiana, schiavi lobotomizzati usati per lavorare senza sosta nei campi o diventare lo strumento di vendetta di uno stregone. A questi guardava I Eat Your Skin, ai cult anni 30/40 di Victor Halperin e Jacques Torneau, capolavori datati come Ho camminato con uno zombi e White Zombi. Il pubblico invece chiedeva ad alta voce cadaveri affamati di carne umana, film shockanti e color sangue anche nel bianco e nero più freddo di La notte dei morti viventi.

I Eat Your Skin partiva poi come il classico clone di James Bond con persino lo stesso albergo, il Fountainbleu Hotel di Miami di Agente 007: missione Goldfinger, per poi ovviamente trasformarsi in altro, un’avventura horror con voodoo e zombi.

Il protagonista Tom Harris, interpretato da William Joyce al suo unico ruolo da protagonista in una carriera iniziata nel 1954, uno scrittore donnaiolo dalla camicia perennemente sbottonata (quando non è a petto nudo), incarna lo spirito di un’opera un po’ frivola, veloce, a suo modo divertente.

D’altronde, non dimentichiamo, che il nostro eroe dalla patta sbarazzina sull’isola voodoo non vuole andarci. Come dargli torto? Storie sanguinarie, morti viventi, pericoli, poi il suo agente letterario gli confida “Un tornado ha ucciso quasi tutti gli uomini. Le donne sono tantissime e aspettano solo te”. Il nostro alla parola donne è già con la valigia in mano. “Si parte allora?”. Diavolo di un Tom Harris!

C’è da dire che il film ha un paio di sequenze di un certo pregio, non ultima la scena di apertura con un’ipnotica danza tribale e una mora ballerina, in azzardata lingerie, pronta ad essere sacrificata insieme ad una capra.

Certo I Eat the Skin ha un certo nonsense di fondo che lo rende oltre il cretinismo, ma non sfocia mai fortunatamente nel demenziale sciocco e molesto come per esempio capitava in un altra pellicola non dissimile, Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla, con però uno scimmione canterino al posto degli zombi.

Cobra atomici

Il territorio è quello dei classici low budget del terrore: un luogo esotico, un dottore artefice di terribili esperimenti, una bella in pericolo e l’eroe pronto a salvare la situazione. Potremmo imbatterci, nella peggiore dell’ipotesi in Bride of the Monster di Ed Wood, un B movie, anzi uno Z movie inconsapevolmente sublime, ma per fortuna siamo davanti ad un’opera modesta ma divertente, non un cult movie certo ma che merita un’occhiata.

Il punto forte poi sono gli zombi: armati di machete, implacabili, altissimi colossi di colore, anticipano, ben 26 anni prima, nel make up, il delirante Il cacciatore di  uomini di  Jesús Franco del 1980. Del Tenney azzarda persino una scena di decapitazione senza stacchi, nulla di che secondo gli standard moderni ma si apprezza, per l’epoca, lo sforzo di osare in campo shock.

Il trucco dei non morti è semplicissimo: farina d’avena spalmata e due uova al posto degli occhi. Molti hanno storto il naso, ma quando I Eat The Skin ci mostra una trasformazione live di un povero sventurato, creata ovviamente con modeste dissolvenze, l’effetto non è dei più disprezzabili, anzi.

Jess Franco e gli zombi di I Eat The Skin

A creare questi cadaveri viventi, come prassi vuole, è un dottore, Robert Stanton al suo unico ruolo, che, nel tentativo di curare il cancro grazie a degli esperimenti su dei cobra atomici, ottiene come effetto secondario la creazione degli zombi. Se pensiate che sia abbastanza cretina l’idea dei serpentoni radiottivi, in perfetto clima di paranoia americana da atomica, dovete sapere che sulla Voodoo island si balla, ci si diverte, si tromba, a patto che non ci siano bionde sennò voodoo, macheti assassini e sacrifici umani. Indovinate di che colore ha i capelli la figlia del dottore interpreta da Heather Hewitt?

Miss Vermont 1957

Il vero cattivo del film però è un aristocratico che, come tutti i B movie un po’ cretini, vuole conquistare il mondo grazie agli zombi del Dottor Biladeau, un piano che prevede la marcia dei non morti con casse di esplosivo in mano verso non si sa dove, Washington, la casa bianca, boh. Non chiedetelo al malvagio Duncan Fairchild, interpretato da Dan Stapleton nelle duplici vesti di produttore e attore per la prima e unica volta nella vita, perché sicuro vi risponderà con una risata malvagia. Questi cattivi sono così geniali e criptici nelle loro bieche intenzioni.

L’idea della cassa di esplosivo è la scusa per forse l’unica scena davvero memorabile della pellicola, quella che potrebbe far smascellare lo spettatore sonnacchioso: con un baule in mano con scritto a lettere cubitali, come nei cartoni Warner di Bugs Bunny, Explosive, uno zombi marcia alla cieca sulla spiaggia, trova davanti  a lui un elicottero, ma sapendo andare solo in linea retta, come un brutto gioco per cellulare, viene fatto a pezzi. Vi immaginate questo piano così perfetto ed elaborato nella testa del cattivissimo Duncan Fairchild che viene sputtanato da un gruppo di zombi un po’ pasticcioni che deflagrano davanti a qualsiasi ostacolo sulla loro strada? La via per Washington è lunga, my friend, e io la vedo dura.

Gli attori sono quello che sono, ma spicca per bellezza Heather Hewitt, Miss Vermont 1957 ad un passo da essere Miss America. Dopo questo film passeranno ben 15 anni prima che la ragazza ormai donna torni a calcare le scene, stavolta del piccolo schermo, con il primo episodio di Un uomo chiamato Sloane, spy story di scarso successo dalla vita breve.

I Eat Your Skin non è certo una visione imprescindibile, ma è un film che sa intrattenere e non annoiare.

Da noi è arrivato grazie alla Freak video col titolo Il voodoo dei morti viventi in un’edizione ottima, sottotitoli e video sfavillante, forse un po’ troppo per un film scacciapensieri, ma, che diavolo, non di solo buon cinema può vivere il cinefilo!

Andrea Lanza

Il voodoo dei morti viventi (I Eat The Skin)

Titolo originale: Zombie Aka “Zombies”, “Zombie Bloodbath”, “Caribbean Adventure”, “Voodoo Blood Bath”

Anno: 1964 (uscito però nel 1971)

Regia: Del Tenney

Interpreti: William Joyce, Heather Hewitt, Walter Coy, Dan Stapleton, Betty Hyatt Linton, Robert Stanton, Vanoye Aikens, Rebecca Oliver, Matt King, George-Ann Williamson, Don Strawn 

Durata: 92 min. 

 

 

 

 

Demoni 3

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argento, bava, black demons, brasile, cruzeiros, demoni 3, Fulci, kkk, ku klux klan, Lenzi, macumba, schiavi, voodoo, zombi

Umberto Lenzi era molto entusiasta di questo suo Demoni 3. Almeno a parole.

Sulle pagine del fondamentale Spaghetti nightmares di Luca M. Palmerini e Gaetano Mistretta dichiarava:

“Ho lavorato intensamente per tre mesi su Black Demons, un horror che ritengo senza dubbio il mio capolavoro (…) girato in presa diretta americana. Parla di alcuni schiavi negri uccisi un secolo fa in una fazenda i quali, riportati in vita per mezzo di una macumba girata “dal vero”, si vendicano di chi ne causò la morte“.

Quindi un horror con un rito voodoo autentico, una pellicola maledetta, stando sempre a sentire i racconti del suo autore.

“Le riprese sono state abbastanza pericolose (sul set successero anche delle stranezze…) e l’effetto che la macumba provoca sulle nostre coscienze e sulle nostre credenze religiose, pur senza mostrare dettagli “gore”,  è molto impressionante“.

Tutte belle parole, senza dubbio, in un periodo, quello d’inizio anni 90, privo di internet, dove molti nostri horror stentavano ad uscire e tutto era lasciato nella leggenda, nelle tv private e nei deliri, un po’ supercazzoloni, dei nostri autori caduti in disgrazia.

Stento a credere, a film visionato, che Lenzi, da giusto rompipalle old school come era, credesse davvero che Demoni 3, o Black demons come recitava il titolo originale, fosse non tanto “il suo capolavoro“, ma anche solo un’opera decente. Erano però quelli gli anni, miserabili e accattoni, che vedevano il cinema del nostro Umberto migrare nel Terzo mondo per una serie di orribili pellicole, soprattutto action avventurose. Alcune di queste, come nel caso del nostro Demoni 3 o di Caccia allo scorpione d’oro, entrambe del 1991, Lenzi le aveva prodotte, a zero budget, con una sua società, quindi parlarne male sarebbe stato sicuramente controproducente.

Inutile poi dirlo, lo sanno anche i sassi ormai, ma ribadiamo l’ovvio: Demoni 3 non è il secondo seguito del meraviglioso Demoni di Bava e Argento, ma un’opera che solo in Italia, nella sua uscita quasi subliminale in vhs per la Center video, si appropriava, alla cazzum, di un titolo che non sarebbe mai stato girato per davvero. Mentre Demoni 3, il vero, aveva preso la forma, diversissima e autorialmente soaviana, de La chiesa, il furbesco mercato home video cercava, grazie ai Black Demons di Lenzi, di accaparrare qualche gonzo per un noleggio. Erano gli stessi che affittavano tutti esaltati il Terminator 2 di Mattei per poi tornare incazzati in videoteca con la rabbia del truffato che non sapeva di esserlo stato.

Ormai era da tempo che il cinema di Lenzi aveva perso non solo la dignità, ma anche la capacità di essere un grandioso, rozzo e spettacolare divertimento popolare come ai tempi, non lontanissimi, di Incubo sulla città contaminata, di Cannibal Ferox o de La casa 3 (Ghosthouse). Il canto del cigno per il regista era stato il meraviglioso (e sfortunato) Hitcher in the dark (Hitcher 2- Paura nel buio) del 1989, ma, prima e dopo, c’erano state solo pellicole misere, miserabili e di rara brutta fattura come il Cop target con Robert Ginty e Charles Napier, o Le porte dell’inferno, sorta di brutto epigono dei resuscitati ciechi spagnoli. Lenzi e il suo cinema erano diventati all’improvviso sciatti e senza nerbo, uno spettacolo umiliante sia per il regista che, soprattutto, per gli incauti spettatori.

Demoni 3 è scritto male, girato peggio e interpretato da cagnacci che si agitano tutto il tempo, un vero incubo su pellicola.

Difficile davvero salvare qualcosa, non i dialoghi che fanno pronunciare ai protagonisti almeno 100 volte la parola “negro”, non la tensione che non esiste e neppure gli effetti speciali, ai limiti dell’amatoriale.

Anche la tanto declamata “macumba ripresa dal vero”, se davvero originale, ma dubitiamo, manca di pathos e di palpabile orrore esotico come invece si percepiva, per assurdo, nei porno horror caraibici di Joe D’Amato.

Lenzi sembra sperduto in un film che non sa come andare avanti e che plagia fin troppo Zombi 2 anche nella riproposta di un finale risolto a colpi di molotov. Il modello Fulci poi è palese negli omicidi con gli occhi che schizzano dalle orbite come succedeva, in meglio ovviamente, con la meravigliosa Olga Karlatos nella pellicola del 1979.

Per il resto Demoni 3 è anche noiosissimo, con un body count di appena 3 persone e l’idea, sciagurata, di una tensione che ricorda tanto i cartoni animati Hanna e Barbera di Scooby Doo con gli zombi che stanno per accoltellare qualcuno alle spalle, silenziosi come ninja, poi al minimo rumore si nascondono, dove ovviamente non si sa. Una sequenza questa, ripetuta più volte, e che, più che accendere la paura, fa nascere un sorrisino spontaneo, la morte per ogni horror.

In più, come tutti i film scemi, i protagonisti, in pieno assedio dei morti viventi incazzati, perdono il tempo a battibeccare tranquilli con dialoghi dementi, a dividersi in una casa che da tre stanze ora sembra un castello, e ad urlare senza motivo al nulla mentre, probabilissimo, gli zombi saranno andati a giocare a briscola.

Lenzi, in complicità con la moglie Olga Pehar, però ci insegna che il Brasile è un posto orribile, nel quale i camerieri vengono pagati per un mese di lavoro 500 cruzeiros, sulle 300000 lire vecchie, tanto quanto una bottiglia di vino pregiato, e, oltre ad essere chiamati “negri”, vengono sfottuti, presi a calci in culo e umiliati anche da quelli che dovrebbero essere, sulla carta, i protagonisti, i buoni. Il livello di razzismo in un film non toccava probabilmente punte così alte dai tempi del Ku Klux Klan.

Si salva il make up degli zombi, minimale ma efficace, e alcune sequenze che, prese a parte, sono potenti come l’evocazione dei morti viventi in un cimitero che prende fuoco. Anche la fotografia di Maurizio Dell’Orco con i colori saturi di un Brasile caldo e umidiccio non è male, mentre le musiche di Franco Micalizzi sono un plagio vergognoso di quelle composte per le case apocrife da Carlo Maria Cordio. In quest’aria di cialtroneria dilagante ci si mette anche la copertina, bellissima comunque,  che presenta 7 zombi quando in scena ce ne sono solo sei.

Gli attori, come già detto, sono uno peggio dell’altro, antipatici per di più. Peccato perché altrove, almeno Joe Balogh, in Paura nel buio sempre di Lenzi e nel bellissimo (s)cult Monstruosity di Andy Milligan, si era rivelato un attore tutto sommato capace ed efficace, ma qui, come tutti, sembra sotto l’effetto devastante del valium in una recitazione sempre sottotono e apatica.

Scooby Doo

Non ci sono neanche le tette di rito che avrebbero alzato l’asticella almeno della serie B più cafona. C’è da dire che i 6 “negri” viventi, per dirla alla Lenzi, fanno una certa impressione quando entrano in scena, con le catene ancora ai piedi, armati con oggetti comuni che diventano nelle loro mani strumenti di morte violenta. Peccato che poi, alla fine, anche quest’idea di zombi, un po’ diversificata dai mostri cannibali alla Romero e Fulci, non viene mai sviluppata con convinzione.

Demoni 3 è uno di quei film che nascono e, per fortuna, muoiono in vhs senza possibilità di lasciare un ricordo alle future generazioni. Il (bel) cinema italiano del terrore non è di certo qui di casa.

Andrea Lanza

Demoni 3 (Black Demons)

Anno: 1991

Regia: Umberto Lenzi

Interpreti: Keith Van Hoven, Joe Balogh, Sonia Curtis, Philip Murray, Juliana Teixeira, Maria Alves, Cléa Simões, Justo Silva, Rita Monteiro

Durata: 88 min.

 

Ritorno dalla morte (Frankenstein 2000)

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aristide massaccesi, david hills, frankenstein, frankenstein 2000, joe d'amato, return from death

Gli anni 80 sono stati un periodo di estrema creatività per il cinema fantastico italiano, una decade che ha visto in poco tempo l’ascesa e la caduta di maestri del genere, dai Fulci e Argento migliori e quelli più sbirulini, poi i grandi Mattei che coincidevano nel miserabile, i Lamberto Bava pre Melevisione, senza dimenticare i Lenzi e le tette di Zora Kerowa, e quei nomi che nessuno cita mai come Marcello Avallone e l’immenso Maya.

Il mitico Aristide

Aristide Massaccesi ha girato nella sua carriera milioni di film, stando a imdb ben 197, ma contando le regie non accreditate, quelle incerte come il dubbioso Jailbird Rock del 1988, la lista sicuramente lievita. Il più delle volte dalla critica più nobile viene ricordato solo come un prolifico artigiano, a volte un eccellente direttore della fotografia, di certo non un bravo regista e questo è sbagliato. Non che i suoi film, la maggior parte, non fossero tirati via, con errori, più che di inefficienza, di mancanza di tempo, di frettolosità, una cosa giustificabile quando, come nel 1980, devi portare a casa 8 film. Quello che però differenziava il cinema di Massaccesi era soprattutto la potenza delle immagini, l’anarchia preponderante di un cinema più di pancia che di cervello. Quando mettevi la vhs di un suo film sapevi che sarebbe stato come andare alla trattoria sotto casa, soddisfatto e panciuto alla faccia di Sadler 5 stelle michelin.

Chi lo sa se questo dance movie sporcaccione è di Massaccesi

Massaccesi non era Bruno Mattei che di capolavori ne faceva per i motivi sbagliati, non era certo neanche Lucio Fulci che aveva invece l’aria snob di un cinema popolare alto, ma era senza dubbio bravo. Forse col tempo si era rotto, forse alla fine prevale solo lo stile quando un giorno giri uno sbudellamento e lo stesso giorno un pompino in un altro set, ma nella sua carriera c’era almeno un grande film, elegante, sinuoso, complesso, La morte ha sorriso all’assassino, una ghost story che anticipava Storie di fantasmi di  Irving assomigliandogli più del libro omonimo di Straub. Coincidenze sicuramente, allo stesso modo de I guerrieri dell’anno 2072 con L’implacabile di  Paul Michael Glaser, certo, ma sono quelle coincidenze che ci fanno sognare che Dan O’ Bannon vedendo Terrore nello spazio abbiano pensato ad Alien. Plausibile ma anche no.

Il suo capolavoro, La morte ha sorriso all’assassino

La morte ha sorriso all’assassino, un insuccesso commerciale purtroppo, è stato l’unico film firmato Aristide Massaccesi. Dopo, il suo nome si è annullato in tanti pseudonimi diversificati per genere: dalla morte di Aristide Massaccesi regista sono nati, come nello Split di M. Night Shyamalan, molti altri Massaccesi registi. Così abbiamo avuto Joe D’amato per l’horror e il porno, David Hills soprattutto per i film fantastici, poi i vari Peter Newton, Michael Wotruba, Alexandre Borsky e persino dell’orientale Robert Yip per le zozzerie cinoromane. Ognuno di questi nome de plume però portava solo e sempre a lui, Aristide Massaccesi, l’uomo che pirandellianamente indossava così tante maschere da poter vantare di non girare nessun film facendone però anche 10 alla volta.

Conan dei poracci

Ho conosciuto Massaccesi attraverso le pagine di Nocturno quando ero ancora un ragazzo e mai avrei pensato che un giorno avrei scritto anch’io per quella rivista che, con la defunta Amarcord, aveva plasmato il cinefilo che sono. Su Nocturno scoprivo un sottomondo incredibile, film così folli da non essere per forza mai girati, come Sbirulino, che però, lovecraftianamente, invece erano esistiti, anche se rari e introvabili. E se qualcosa di Joe D’amatob porno e, nella mia versione AVO FILM, non lo era, ora invece riscoprivo non un singolo film, ma una vera poetica cinematografica, eccessiva e affascinante, anche nei tanti capitomboli.

Oltre Kim Basinger

Massaccesi più di un Fabrizio De Angelis con Il ragazzo dal kimono d’oro faceva un cinema, soprattutto negli anni 80, di contrabbando: per esempio i suoi Eleven night eleven days erano il 9 settimane e mezzo meno patinato e più carnale, con una Jessica Moore/Luciana Ottaviani non bella come Kim Basinger ma di certo più accessibile nell’idea, già qui decantata, di cinema trattoria.

Se La morte ha sorriso all’assassino, come detto, era stato un flop, lo stesso non fu però con Buio Omega, remake di un vecchio thriller con Franco Nero, che lanciò il nome di Joe D’Amato nell’olimpo dei miti horror. Echi a Psycho, un erotismo con toni di necrofilia esasperata, scene trucidissime come le unghie strappate a forza ad una sventurata e le musiche potentissime dei Goblin contribuivano al successo di un film disturbante come pochi nel cinema italiano, terribile e necessario per il nostro orgoglio patriottico di ragazzacci ghiotti di budello e carnazza.

Dio benedica Genova

Non male neanche Antropophagus con la scena cult del feto divorato dal cannibale o Rosso Sangue, firmato però come Peter Newton, che decodificava l’Halloween di Carpenter in una chiave di violenza hardcore. Poi però Aristide si focalizzò in altri generi, i Conan dei poveri, la fantascienza dei Mad Max straccioni, gli erotici e soprattutto i porno che a fine anni 90 lo impegnarono per la maggiore, con film girati questa volta male e distrattamente, divertenti solo per la varietà delle parodie sexy, da Robin Hood a il poco pasolianiano Le 120 giornate di Sodoma. Si percepisce come al regista non fregasse più nulla di quello che stava facendo, perciò, quando girò nel 1991 questo horror, dovette essere per lui la boccata di aria fresca, l’occasione per tornare a fare qualcosa che amava.

Freddy Krueger, un mostro generico,Dracula e la creatura di Frankenstein

Frankenstein 2000, poi reintitolato Ritorno dalla morte, fu presentato in un Fantafestival di inizio anni 90 ma non fu accolto molto positivamente dal pubblico, anzi sembra che gli spettatori accompagnarono la proiezione proprio con fischi e risate. Eppure Massaccesi aveva ambizioni, a cominciare dal titolo originale che echeggiava il capolavoro letterario di Mary Shelley, ma come spesso accade, per milioni di motivi, le aspirazioni non corrispondono alla resa finale.

In un’intervista a Nocturno il nostro dichiarava “Quello doveva essere un Frankenstein (infatti al Mifed lo pubblicizzammo come Frankenstein 2000), poi abbiamo avuto delle remore a chiamarlo così. Però c’erano moltissime citazioni dal romanzo di Mary Shelley che nessuno ha capito. E poi il protagonista, Donald O’ Brien, aveva dato una prova magistrale, anche se io l’avevo scelto un po’ egoisticamente. Mi spiego: lui è caduto in bagno, anni fa, battendo la testa e rimanendo paralizzato nella parte destra del corpo e quindi  aveva questo modo innaturale di procedere claudicante e una mano rattrappita. Quando girammo in una discoteca, un ragazzo disse “Ammazza quanto è bravo ‘sto qui! Cammina proprio come Frankenstein!”. Invece poveraccio era proprio così”.

Ritorno dalla morte purtroppo, (mostro di) Frankenstein umano o no, è un brutto film, girato male e noioso. Non si riesce davvero a salvare nulla, a parte una splendida fotografia dai colori saturi (sempre il regista con lo pseudonimo di Frederico Slonisko) e le musiche suggestive di Piero Montanari.

Del Massaccesi elegante de La morte ha sorriso all’assassino non c’è traccia, ma neanche del Joe D’Amato gagliardissimo e trucido dei Buio Omega e Antropophagus: gli effetti speciali cruenti ci sono ma così fatti male  da generare solo imbarazzo o risate. Questo è sicuramente tragico per un horror che ricerca l’atmosfera ed è invece solo lento, che si vorrebbe feroce e mette in scena teste di bambolotti poco somiglianti alla controparte umana, un po’ come i film miserabili di Andrea e Mario Bianchi presentati da Lucio Fulci. C’è da dire però che almeno una volta, nell’omicidio del medico legale, Massaccesi alza la testa girando una scena montata discretamente e dalla buona tensione, ma è un istante in un film di un’ora e 33, lento come il valzer delle palle di Fra Giulio.

La sceneggiatura, da un’idea di Michele Soavi, poi è il punto più basso di tutta l’opera, aggiustata malamente da un Antonio Tentori mai a suo agio nei panni di sceneggiatore, che prosegue per accumuli stupidi e insensati (i sogni di Georgia/Cinzia Monreale che non portano a nulla), fino al look del moderno mostro di Frankenstein, di un certo impatto visivo, suture alla testa come il classico Karloff, ma poi ci pensi e ti chiedi perché? Non ha senso che il medico legale  gli abbia aperto il cranio e non il ventre nel fargli un’autopsia. Così abbiamo un Frankenstein poser, bello da vedere, inquietante nell’interpretazione non interpretazione di O’ Brien (che si muove uguale anche quando il suo personaggio è vivo però), ma che è forzatamente shelliniano ( o whaliniano) solo per un’idea originale probabilmente tradita da una riscrittura inetta.

Costumi di Laura Gemser

In più Massaccesi si autocastra quando dovrebbe magari calcare la mano come nella sequenza dello stupro della Monreale, casto e senza neanche il nudo di rito, che si vorrebbe rifare ad  Arancia Meccanica, come le inquadrature di un poster vorrebbero fare intendere, ma poi il massimo della cattiveria è pestare un bambino con l’effetto audio di una sberla di Bud Spencer in Bomber senza gli Oliver Onions.

La Monreale poi è bellissima ovviamente come moltissime genovesi benedette dal mare e da Dio, ma recita da addormentata anche prima di cadere in un vero coma e citare il suo ruolo regio in Buio Omega che però diviene, in questo caso, una rilettura molesta e fastidiosamente autocelebrativa.

Il resto del cast, ad esclusione di un convincente Riccardo Acerbi, già visto come professore porcone di Aenigma di Fulci, è tra il dilettantesco e l’inappropriato con manzi da monta hardcore che si aggirano imbarazzati sul set. Anche un veterano come Maurice Poli, in quegli anni perso in produzioni italiane miserabili, si limita a strabuzzare gli occhi e pregare di uscire fuori scena il prima possibile.

Nazisti e Rio De Janeiro

Il film poi, pur avendo le “citazioni non capite di Mary Shelley” a detta di Massaccesi, ricorda più che altro il Patrick di Richard Franklin o il già citato Aenigma di Fulci con la vendetta di una persona in coma.

Qui oltretutto la nostra Cinzia Monreale si vendica di tutti, anche di chi non sapeva fosse coinvolto nella sua aggressione.

Il dvd Raro video poi è qualcosa che deprime ancor di più la visione con la scelta di inserire come pista la traccia inglese, recitata sembra da filippini che leggono male il copione, pieno di fuori sincroni col labiale e un accento improbabile e devastante. Così abbiamo frasi come “Help, iu a mosta!” o “Ai loviù” che ti lasciano addosso un senso di disagio e inadeguatezza incredibile.

effetti brutti

Da imdb si legge che i costumi sono curati dall’ex Emanuelle nera, Laura Gemser, ma gli attori sembrano tutti vestiti con il primo capo preso dall’armadio.

Frankenstein 2000, girato non come Joe D’Amato ma come David Hills, è il simbolo di un cinema morente che cercava a tutti i costi di resistere, ma rantolava, agonizzava, fino a cadere cadavere, puzzolente e maleodorante. Da lì a poco i giochi sarebbero finiti per tutti con il bellissimo Dellamorte Dellamore, spartiacque tra il cinema horror italico in pellicola e le produzioni digitali amatoriali. Neanche Massaccesi sarebbe stato più lo stesso: La Iena, girato nel 1997, è altrettanto orribile come lo sarà il Top Girl dello stesso anno o l’ultima opera del 1999, il semi porno I predatori delle antille. Il cinema hardcore, del quale Aristide era stato un pioniere, gli aveva tolto la scintilla artistica, un po’ come quei voyeur che, ossessionati da troppe visioni segaiole, si scoprono impotenti.

Andrea Lanza

Ritorno dalla morte – Frankenstein

Anno: 1991

Regia: David Hills (Aristide Massaccesi)

Interprete: Cinzia Monreale, Donald O’Brien, Robin Tazusky, Riccardo Acerbi, Dun Dustman, Mark Frank, Mark Quail, Maurice Poli, Valter Travor, Massimo Pittarello, Max Tazusky, John Wood, Robert Milton, Susan Baker, Emy Valentino

Durata: 93 min.

La maledizione del cannibale

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                      A Lash La Rue (1917–1996)

“In realtà volevo solo fare un film. Un giorno ero fuori casa e ho notato alcuni punti nel cortile dove non cresceva l’erba e mi sono chiesto il perché, poi qualcuno mi ha detto “Ehi, sai, forse succede perché è sepolto qualcosa sotto”. C’era questo mio amico che era un assistente di macchina e conosceva molto il mito e il misticismo indiani, mi ha parlato dei Toltechi che sono vissuti in America Centrale e nel Sud America, ed erano una tribù messicana che esisteva prima degli Aztechi. Mi raccontò di alcuni misticismi e di come [i Toltechi] si seppellivano, da soli, nei quattro angoli del mondo. Pensavo fosse bello, è un buon mito. Così sono andato a cercare un po’ di roba e ho scritto la sceneggiatura in quattro giorni“

(Phil Smoot, intervistato su La Maledizione del cannibale nel 1998)

Noi di Malastrana abbiamo un debole per i perdenti, le persone che sono arrivate per tutti alla fine di una vita, ma ancora lottano e non mollano, malgrado i pugni presi, malgrado nel round dopo ci sarà un pugile ancora più grosso e forte. I nostri perdenti hanno il viso di Mickey Rourke che urla al mondo di fottersi mentre confonde passione e carriera come i romantici di Jean Luc Godard, sono i barboni che guardano il mondo dal basso verso l’alto e tu non li vedi o non vuoi vederli forse per paura che un giorno capiterà anche a te quel giro di ruota sfortunato, sono i gay, le lesbiche, i negri che se non dici negro non ti senti abbastanza bianco, sono gli zombi che invadono Piazza Diaz in Acab per rendere giustizia ad una Genova rosso sangue, è l’urlo di Franco Nero in Vamos a matar companeros perché davvero una rivoluzione non la si vince con bastoni e rastrelli ma insieme forse sì. I nostri perdenti hanno la faccia delle vhs che si impolveravano nelle videoteche, quelle etichette come l’Antoniana che sapevi che producevano solo merda e nessuno noleggiava, forse neppure tu che leggi e che ora avresti voluto farlo, ma, amico mio, il mondo è fatto di scelte, tette o culo, carbonara ignorante o cinque stelle Michelin, Evil dead o Evil in the wood? Ovvio che in questo caso Sam Raimi vince facile, almeno qualitativamente, e tu ti dicevi che avresti noleggiato quel film puzzone dopo, la volta dopo, ma poi sei diventato grande, la ps1 ha fatto spazio alla ps2, i giornaletti porno si sono digitalizzati, poi da Yuppi Du sei diventato altro, i tramonti al mare, le sere d’estate, guardi ora Netflix e pensi alle bollette più che agli occhi di una ragazza, quella che un tempo, sui calci in culo, alle giostre, ti aveva fatto battere forte il cuore. Il tempo è impietoso e molti film si sono persi dal passaggio in alta definizione, ma alcune case come la Storm video o la Quadrifoglio, che poi magari sono la stessa azienda, hanno deciso di prendere quei brutti film e dare a questi perdenti una nuova possibilità di vita buttandoli nel mercato dei dvd con la stessa qualità miserabile dell’epoca. Più grindhouse  di così credo non ci sia nulla.

La maledizione del cannibale è uno di questi soldati suicidi, uscito ai tempi per la Roxy video con una copertina indecifrabile che buttava splatter a cazzum e per la Paradise 90 con un’altra ancora più brutta, verde con un volto non meglio classificabile, una di quelle vhs che sembrava dirti “non comprarmi tanto faccio schifo fin dalla locandina“. E così, come detto, è stato, ma, come tutte le cose non viste, probabilmente ha generato un sottobosco di appassionati, coprofili golosi di nefandezze, che negli anni hanno venerato ciecamente questo oggetto del desiderio mai toccato, al pari delle tettone di Jenna Jameson che mai saranno sbattute sulla tua faccia da stallone di quartiere, purtroppo, ma è un mondo difficile, si sa.

Ora il dvd Quadrifoglio di La maledizione del cannibale ha distrutto probabilmente intere esistenze perché qualcuno in più l’ha sicuramente visto, recuperato in autogrill ad un euro, massì tanto che cazzo mai sarà, ma è, è, ripeto è, Cristo.

Ora, caro il mio esteta della merda in vhs, puoi deporre il tuo saio con scritto Dark Power,  il titolo originale dell’opera, puoi smettere di pensare che hai perso un capolavoro, puoi spegnere l’audiocassetta che simula la connessione 56k nei rumori, bzzz bzzz, e collegarti al tuo fan club e dirlo, deglutisci prima però perché è la tua vita che dopo il dvd de La maledizione del cannibale è messa in discussione. Scrivilo, ti aiuto io: “Il film fa cagare“. Bravo e ora, come diceva Sharon Stone in Sliver, “Comincia a vivere“.

Mai una visione filmica è stata più sofferente che vedere questo horror di Phil Smoot, un’opera incredibile che rasenta il masochismo, un’esperienza pari al sovradosaggio di Valium mentre dei nani ti infilano spille nelle palle, dormi e ti svegli urlando, così per un’ora e 20 scarsa, sperando di stare sognando ma è il reale, cazzarola.

Da dove cominciare?

Beh il film si apre con una troupe televisiva che riprende un vecchio capo indiano che sta morendo e che, prima di spirare, urla “Toltech!“. Eh sì perché all’inizio una scritta ci ha avvertito che “molto prima che l’uomo bianco venisse in America, anche prima degli Aztechi, esistevano i Toltechi. Si diceva che molti di loro fossero stregoni e che si seppellissero nel terreno vivi! Hanno praticato questo demoniaco rituale su un’altura chiamata “Power spot”. E si nutrivano dei loro simili per sostenere la loro malvagità“. Oddio non sembra una cosa molto intelligente seppellirsi vivi, poi a che pro?, forse solo per ricordare a tutti, nel club dei cattivi, che si è non solo cattivi, ma proprio super cattivi, tipo il Superman dei gaglioffi. Già mi immagino la loggia massonica dei malvagi che si riunisce e vediamo Dracula, lo scienziato pazzo, l’uomo lupo, Jack lo squartatore che se la raccontano, “Oggi ho morsicato una vergine e, ih ih ih, le ho anche palpeggiato il culo” afferma il re dei vampiri, “Io ho rubato la pensione ad una vecchia” declama fiero Mr Licantropus, ma, una voce si fa spazio tra la folla, quello del Gran Maestro dei Toltechi “Io mi sono seppellito vivo” e ride da tenebroso furfante.

Suzie Martin bellissima

Anche la storia del cannibalismo, che viene sfoggiata con vanto fin dal titolo italico, non ha molto senso visto che vediamo una sola volta, nel finale, un tolteco sfilare una freccia dal cranio di una vittima e mangiarlo. Stop. Un po’ poco per essere la maledizione del cannibale quando oltretutto i mostri poi sono quattro  non uno!

Aggiungo poi tra i miei dubbi anche il nome “Power spot” che non mi sembra proprio tolteco, ma io ho la mamma greca e che ne voglio sapere di dialetti atavici? Ma non solo perché fa riderissimo l’idea di un posto infestato da morti viventi indiani incazzati che si chiama Totem hill come, che so, comprare una casa in un paese che si chiama Witchville e poi lamentarsi che ci sono delle streghe pronte ad ucciderti.

Comunque i primi 45 minuti del film, dopo la morte del vecchio capo indiano, sono tra i più sconnessi dell’intera storia del cinema: scenette che mai si amalgamano tra di loro con sottofondo di musiche estranianti, più da western che da vero horror, senza dimenticare i dialoghi deliranti e non sense dei vari personaggi (“Fai palestra per rimorchiare Tom Selleck?“). Abbiamo poi un sacco di personaggi inutili, dalla giornalista (una che trova interessante filmare un vecchio che muore per un programma tv) ad un nipote avido del defunto, che appaiono e scompaiono senza nessun motivo apparente. Senza contare molte scenette a vuoto come quella di un operaio con problemi di flatulenza che si fa fregare il camioncino da un bambino. Non preoccupatevi se nel vedere il film vi sembrerà di avere perso un passaggio importante nella storia perché non è così: Dark power è montato e ideato alla cazzo di cane e in questo ha un coraggio sfrontato e invidiabile.

Lui ha il potere di scoreggiare

Prima però che La maledizione del cannibale ci presenti i veri protagonisti, una confraternita di studenti male assortiti che vanno dalla maniaca del fitness a due fratelli razzistissimi che dicono “negro” ogni tre per due e bullizzano una ragazza di colore, facciamo la conoscenza del Ranger Girard, interpretato dall’arzillo (quasi) settantenne Lash La Rue, attore famoso negli anni 40/50 per dei western di serie B di un certo culto. Si pensi che quattro di questi, Billy il mancino (Son of Billy the Kid, 1949), La frusta nera (Outlaw Country, 1949), Le pistole di Zorro (King of the Bullwhip, 1950) e Lo sceriffo dalla frusta d’acciaio (The Vanishing Outpost, 1951), uscirono pure in Italia.

Uno nato con la frusta

Prerogativa dei western di Lash La Rue era di sparare poco e usare molto la frusta, capacità che lo aveva portato ad esibirsi anche in parchi a tema western. L’attore, a fine anni 50, con quaranta e passa anni sul groppone, cominciava ad essere troppo vecchio per i ruoli da protagonista e la sua fama di eroe bizzarro ne risentiva così come gli ingaggi, per lo più in serial tv.  Perciò nel 1972, dopo quasi dieci anni di inattività, accettò con entusiasmo il ruolo principale, o almeno così credeva lui, in un nuovo film che avrebbe dovuto rilanciare la sua carriera, Hard on the Trail diretto da Greg Corarito. Non fu così perché il film si rivelò una trappola per l’attore: il regista gli fece credere che si trattasse di un “western con alcuni nudi soft“, ma invece era un  vero pornazzo con due set di attori differenti, quelli vestiti intenti a recitare la parte seria e quelli nudi a darci dentro con orge e amplessi poco velati. L’attore, noto sembra per la sua morigeratezza, si vergognò come un ladro e abbandonò le scene chiedendo più volte scusa nelle rare interviste. Questo finché, dopo una piccola parte in Chain Gang del 1984, non incontrò Phil Smooth che lo ingaggiò per due film, questo Dark Power e il folle e altrettanto scalcagnato Alien Outlaw, nei quali avrebbe semplicemente fatto Lash La Rue in un cortocircuito tra reale e fiction.

porno western

Qui, come detto, il suo personaggio si chiama Ranger Girard ma poco importa perché, fin dalla sua entrata, con la musica da western a glorificare le sue gesta, si capisce subito che è solo è semplicemente il vecchio Lash che sta prendendo qualcuno a scudisciate. Lo vediamo arrivare e punire un gruppo di cagnacci, poco feroci, che nella finzione dovrebbero essere invece un branco che vuole sbranare un bambino cicciotto e che invece sono semplici cucciolotti che ovviamente non sono mai in scena con l’attore. Poco importa perché è proprio lui a fare la differenza bizzarra in un film che non ha mai nulla da dire.

Al vecchio Lash poi spettano i dialoghi più bizzarri come le terribili allusioni sessuali sulla lunghezza della sua arma o le frasi ad effetto verso i toltechi assassini, “Ti faccio saltare il naso” o “Assaggia la mia frusta, figlio di puttana” che se non fossimo davanti ad un film miserabile sicuramente applaudiremmo. Non dimentichiamo poi che l’arma del ranger Girard è forgiata “con gli elementi presi dai 4 angoli del mondo“, qualsiasi cosa possa significare questo.

Arriviamo però ora ai mostri, questi stregoni che si sono seppelliti vivi: arrivano durante la seconda metà del film e non si capisce  mai  perché debbano uccidere questi sventurati ragazzi. Infatti non abbiamo un libro dei morti che li ha riportati in vita, una maledizione, nulla, sembra che escano fuori dal terreno, incazzati a morte, solo perché volevano dormire e sti giovinastri facevano casino. Il corrispettivo del vecchietto vicino di casa un po’ rompicoglioni.

Se la prima parte del film poi è, anche nella sua sciatteria, seria, la seconda invece tende alla parodia insistita con questi toltechi che si ubriacano, sbagliano a colpire le vittime e si feriscono tra di loro, fanno buffe mosse di karatè, una cosa che non può non ricordare il primo Peter Jackson, quello che nel 1987 girerà Bad Taste, soprattutto alla luce di una scena splatterosissima inserita improvvisamente. Ad un certo punto un ragazzo verrà atterrato e uno dei mostri gli dilaterà la pelle della faccia, strappandola, in un tripudio di sangue che culminerà nel cranio fracassato del giovane.

C’è da dire che il film, poverissimo (120000 dollari di budget), è molto buio, ma la scena, almeno questa, sembra realizzata bene, a differenza del make up dei toltechi, quattro scappati di casa con indosso una maschera da Halloween, presa probabilmente dal Moreno dove tutto costa meno degli anni 80. Nel caso di uno di loro poi il reparto costumi gli fa indossare una comune t-shirt bianca ben poco antica. Niente a che vedere, in fatto di cialtronaggine, con il tema musicale che accompagna le loro gesta di morte, il suono di uno xilofono, una cosa più buffa che spaventosa.

Il dvd di Dark Power è oltretutto uscito in America, in una bella edizione dal video pulito, che contiene un divertente commento audio del regista con il montatore Sherwood Jones, durante il quale  si racconta che i mostri erano interpretati da attori non professionisti che nella vita facevano altro tipo gli elettricisti. Non stento a crederci.

Lash La Rue arriva, dopo essere scomparso senza motivo, alla fine del film, quando quasi tutti i ragazzi sono stati massacrati, per iniziare un duello con la frusta con uno dei toltechi. Una scena che non puoi credere che esista se non la vedi: il nostro dice al resuscitato “Vieni fuori ad affrontarmi” e quello, che fino a poco prima era un sanguinario morto vivente, fa sì con la testa mogio mogio e lo segue nel cortiletto della casa.

Alla ragazza di colore (una delle due final girl) però spetta l’uccisione definitiva dei morti: proprio lei scopre che l’unico modo per sconfiggere i toltechi è usare, come dei pugnali, delle aquilacce di metallo appese al muro. Ecco che Dark power diventa Evil dead con la faccia dei cannibali poco cannibali che si scioglie peggio del low budget di Sam Raimi.

La maledizione almeno non è parco in nudi e belle ragazze, a cominciare da un bagno generoso di una studentessa per culminare con i vestitini succinti della bellissima Suzie Martin, quasi una versione anni 80 di Denise Richards.

sempre la divina al suo unico film

Per il resto il film, come già detto, è atroce, noioso, montato col culo, con il giorno e la notte che si alternano senza logica, recitato nella media del genere ma che ha una grande forza, il mitico Lash La Rue, in quegli anni oltretutto maestro di frusta per Indiana Jones di Spielberg.

In Italia l’attore non ebbe mai un culto vero e proprio ma ci piace averlo scoperto così, a fine carriera, come un nonno un po’ rintronato di Bruce Campbell, capace di corteggiare belle donne e farsi rispettare sia dagli indiani cattivi degli anni 50 che dai toltechi di 3 decenni dopo.

Non possiamo fare a meno di credere comunque che, come ai tempi di Hard on the Trail, il cinema l’abbia ancora fregato. “Phil sei sicuro sia un western?” “Massì, vecchio mio, sono cheyenne, solo un po’ più brutti”. E intanto dietro, tettine attillate alla camicetta passava, Suzie Martin. Non ti sei voltato, vecchio e morigerato Lash, sei stato forse ingannato, ma alla fine hai fatto la tua porca figura. Sei il nonno che tutti noi amanti dell’horror desidereremmo avere, uno che ci salva la vita, che non scappa davanti al pericolo ma lo affronta, a vent’anni come a cento. “Fatti avanti, figlio di puttana d’un tolteco“.

Vaya Con Dios, Lash.

Andrea Lanza

La maledizione del cannibale

Titolo originale: The dark power

Anno: 1985

Regia e sceneggiatura: Phil Smoot

Interpreti: Lash La Rue, Anna Lane Tatum, Cynthia Bailey, Mary M. Dalton, Paul Holman, Cynthia Farbman, Marc Matney, Tony Shaw, Robert Bushyhead, Suzie Martin, Dean Jones, Steve Templeton, Page Elizabeth Ray, Eric Mikesall, Tony Elwood

Durata: 87 min.

La notte di Halloween

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Cindy Morgan, Dedee Pfeiffer, Dennis Redfield, Dick Van Patten, Hank Garrett, Jack Bender, Jennifer Shockey, Jonelle Allen, Jonna Lee, Kevin McCarthy, Kurtwood Smith, La notte di Halloween, Lee Montgomery, LeVar Burton, Mark Blankfield, Peter DeLuise, Shari Belafonte, Sheila Larken, The midnight hour

Jack Bender è famoso soprattutto per essere stato uno degli artefici, con J. J. Abrahams, del cult televisivo Lost. Eppure il nostro nella sua carriera ha fatto molto altro: gli appassionati del genere horror ricorderanno principalmente il grazioso La bambola assassina 3, ma Bender ha spaziato in ogni filone, prediligendo come mezzo il piccolo schermo, firmando ben 73 prodotti tra tv movie dei generi più disparati ed episodi di telefilm famosi come Falcon Crest, Alias o La famiglia Bradford. Stando a sentire gli appassionati le sue regie sono tra le migliori e più cinematografiche della televisione.

Nel 1985, anno di questo La notte di Halloween (Midnight hour), Bender aveva alle spalle come lungometraggi una commedia romantica, In Love with an Older Woman, interpretata da John Ritter e Karen Carlson, l’adolescenziale Two Kinds of Love con il Ricky Schroeder di Il mio amico Rick affiancato da un Peter Weller non ancora Robocop e dalla Lindsay Wagner di La donna bionica, poi lo scandaloso Shattered Vows con David Morse nei panni di un prete innamorato di una suora sedicenne. Tutti prodotti televisivi di buona fattura, ma nessun horror o thriller prima del 1985 che lo vede firmare il tesissimo La prossima vittima (Deadly Messages), storia di una serie di omicidi anticipati da una tavoletta ouija, e La notte di Halloween, appunto un thriller e un horror destinati al mercato tv.

Midnight hour, girato negli Universal studios, esordisce in America per la ABC venerdì 1 novembre 1985, un giorno esatto dopo Halloween ed divenne, a leggere i vari commenti su internet ,un cult movie televisivo. Titoli come “Un grande film per Halloween“, “Un film meraviglioso. Mi piace rivederlo più e più volte” o “Questo è il miglior film di tutti i tempi!!!” sono in bella vista su imdb come recensioni degli utenti per un horror anni 80 che ha il voto ragguardevole di 6,8 su 10.

Diverso il trattamento dei critici dell’epoca, tra i quali uno dei più severi fu Leonard Maltin che bollò il film come “al di sotto della media … un blando miscuglio di commedie adolescenti, video musicali, parodia dell’orrore e mostri“. In generale il film ottenne sonore stroncature segnando un netto divario tra i recensori e gli spettatori, come spesso accade.

In Italia il film arriva su TMC nel 1988, durante l’autunno, come La notte di Halloween senza spada ferire o generare molti fan. E’ indubbio però che il film aveva un certo fascino e quando lo vidi per la prima volta, da bambino, tendevo a confonderlo con Demoni o Il ritorno dei morti viventi , dei quali avevo letto su Sorrisi e canzoni. Naturalmente non potevo sapere cosa fosse un tv movie, ma anche ora, col senno di poi, c’è da dire che il lavoro di Bender era ben scatenato sia sul versante orrorifico che in quello comedy, un po’ una risposta in piccolo di Dan O’ Bannon e anticipando i due Fred Dekker a venire, Dimensione terrore e Scuola di mostri. Certo è vero che il papà degli zombi divertenti è L’assedio dei morti viventi (Children Shouldn’t Play with Dead Things) di Bob Clark ma è indubbio che l’opera di Bender, nella sua stretta dimensione di film del terrore televisivo, ha comunque una certa originalità.

Naturalmente il sangue non scorre mai, ma il regista riesce abilmente ad aggirare la censura con fantasia: una delle scene più suggestive mostra l’assalto di una vampira ai danni della sua discendente in una cantina, tanto vino rosso che esplode come fossimo all’interno di un mattatoio.

A fare però la parte del leone è il magnifico make up dei mostri a firma di nomi come Jeff Dawn, Steve LaPorte e Rick Stratton che firmeranno autonomamente negli anni a seguire opere come Terminator 2 di Cameron, Beetlejuice di Tim Burton o Watchmen di Zack Snyder. Incredibili i mostri presenti nel film, tutti suggestivi, dagli zombi ai licantropi, con un particolare plauso per il simpaticissimo morto vivente nano che indossa gli occhiali da sole.

La notte di Halloween è terribilmente sconclusionato è vero, ma anche molto divertente, un horror edulcorato per famiglie, castrato nella messa in scena ma capace comunque di regalare genuini momenti di terrore come la resurrezione di una guardia giurata come feroce licantropo. In più per essere un prodotto tv mette in scena dei ragazzi perennemente arrapati e fa pomiciare non proprio pudicamente una coppia in un’auto.

Quello però che distingue il lavoro di Bender dai prodotti tv dell’epoca è la sua follia, il suo essere un oggetto difficilmente catalogabile davvero in un genere: orrore e commedia sono mischiati in egual dosi e, vi prego di credermi se non  avete visto il film, ad un certo punto La notte di Halloween diventa pure un musical. Eh sì perché verso il finale i mostri cominceranno a ballare al ritmo dell’inedita Get Dead con una coreografia sulla falsariga del quasi contemporaneo Thriller di John Landis. Questo è uno di quei momenti MACCHECCAZZO (WTF) che ti fanno amare o odiare per tutta la vita un film. Io per esempio l’ho subito amato.

Ad ispirarsi per certe idee a queste film sarà un’altra zombi comedy a venire, Il ritorno dei morti viventi 2 di Ken Wiederhorn che più che al modello bannoniano sembra in alcuni momenti guardare proprio all’opera tv di Jack Bender, a cominciare dalla resurrezione buffa dei suoi cadaveri.

Oltre al numero musicale il film presenta un personaggio che si chiama Sandy come la protagonista di Grease e la ritrae, nell’incarnazione attoriale della dolce Jonna Lee (la Gina Sterling di Dimensione Alpha), come un clone di Olivia Newton John.

Tra gli altri interpreti spiccano Shari Belafonte, stupenda figlia del cantante Harry, il Dick Van Patten de La famiglia Bradford nei panni di un dentista vampiro, il Kevin McCarthy de L’invasione degli ultracorpi, e la mai celebre ma bellissima Dedee Pfeiffer, sorella di Michelle e futura interprete di un altro cult horror, Vamp di Richard Wenk.

Il film purtroppo a livello narrativo non mantiene tutte le promesse e si perde in un plot confuso e senza molto senso logico. C’è da dire però che La notte di Halloween ha un finale plumbeo che decima quasi tutto il cast e termina in maniera struggente sulle note della romantica Devil or angel dei The Clovers. Coraggioso a suo modo. In più dove ma avete visto un film che fa risorgere i suoi morti con un effetto cannonata?

The Midnight hour in Italia è uscito recentemente in dvd per la Jubal Classic Video nella collana “I migliori film della nostalgia“. La qualità del prodotto è mediocre, ma un cartello prima del film ci avverte comunque che, essendo un prodotto per la televisione, questo è il master migliore disponibile.

L’amico Denis, nei commenti a questa recensione, però sbugiarda queste affermazioni postandoci una recensione del dvd da amazon

“La Jubal Video dichiara all’inizio del film che la scarsa qualità e i difetti “di pellicola” sono dovuti al passare del tempo. Balle. La versione DVD USA R1 (ormai fuori catalogo) è riversata da pellicola e si vede benissimo, mentre questa è una VHS NTSC convertita a PAL in analogico e mixata con l’audio italiano preso da qualche registrazione televisiva. E’ un film minore, ma molto raro, e so di dirlo solo per i pochissimi collezionisti là fuori: questa versione fa schifo, non sprecate soldi“.

Ricordiamoci però che, fino a pochi anni fa, questo era un film introvabile e le uniche registrazioni tv erano tra il pessimo e l’inguardabile. Dobbiamo purtroppo accontentarci, ma che peccato però che in Italia, tra Sinister che spacciano mux amatoriali per riversamenti 4k e Golem che si vedono peggio di vhs, molte volte accontentarsi è mangiare merda. Fortuna che esistono realtà come la Freak video o i grandiosi recuperi Cecchi Gori.

Se non lo conoscete vi invito a recuperarlo comunque anche perché il (pessimo ma unico) dvd a volte viene venduto sotto i 5 euro. Il rischio è solo che possa diventare un vostro cult di Halloween.

Andrea Lanza

NB Ringraziamo il lettore Paolo D’Alessandro per il prezioso aiuto archeologico!

La notte di Halloween

Titolo originale: The midnight hour

Anno: 1985

Regia: Jack Bender

Interpreti: Lee Montgomery, Shari Belafonte, LeVar Burton, Peter DeLuise, Dedee Pfeiffer, Jonna Lee, Jonelle Allen, Kevin McCarthy, Cindy Morgan, Dick Van Patten, Mark Blankfield, Hank Garrett, Sheila Larken, Dennis Redfield, Kurtwood Smith, Jennifer Shockey

Durata: 94 min.

Qui il film completo se intanto volete farvi un’idea della pellicola:

Allarme rosso

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La trama

Con Allarme rosso non stiamo parlando del bel thriller sottomarino di Tony Scott, ma di un misconosciuto (e interessante) horror (quasi) zombesco del 1985.

Devo dire che, pur avendo affittato milioni di vhs negli anni 80/90, di questo film, uscito all’epoca per la CBS FOX, non ne ho nessun ricordo, probabilmente non mi capitò mai tra le mani.

Quindi, su invito dell’amico Andrea Bianchi, ho deciso di recuperarlo grazie ad un ottimo dvd della Koch Media dalla copertina non proprio invitante.

Diciamo pure che la copertina dvd fa schifo

Non sapevo che aspettarmi ed è stata una sorpresa trovarmi davanti ad una pellicola a suo modo anticipatrice di umori che saranno alla base di cult futuri come il 28 giorni dopo di Danny Boyle.

Nulla mi toglie dalla testa che più che più che al The crazy (La città verrà distrutta all’alba) di George A. Romero,  con la stessa idea di un virus che rende folli le persone, il regista Hal Barwood con lo sceneggiatore Matthew Robbins, abbiano guardato al lenziano Incubo sulla città contaminata. Idea non sballatissima, forse, visto che il serrato horror nostrano del 1980 sbarcò, stando a credere a IMDB, negli USA il 18 Novembre 1983 come Nightmare city. In più questi pazzi assassini e sadici che usano come armi le asce antincendio per far fuori le persone sono proprio, casualità o meno, figli proprio di quegli infetti assetati di sangue, comandati in entrambi i film  da uno scienziato ancora più fuori di testa.

Quello però che differenzia Allarme rosso da un clone di Lenzi o Romero è l’idea brillante di creare uno strano mix tra elementi eterogenei: uno figlio di questa corrente zombi non zombi, l’altra invece parto, o aborto, di pellicole più realiste come Silkwood di Mike Nichols e Andromeda di Robert Wise. Per farvi capire meglio: mentre fuori c’è un dispiegamento di militari che cercano di arginare la minaccia batteriologica con un approccio serio alla Virus letale di Wolfgang Petersen, dentro, nel laboratorio, dove l’epidemia si è moltiplicata, c’è una vera Notte dei morti viventi con questi infetti che a volte sono veloci e a volte camminano più lentamente di un resuscitato del 1943 di Jacques Tourneur.

Il mescolone però è stranamente saporito: non annoia nelle parti seriose, ed è abbastanza emozionante in quelle horror con personaggi non proprio tagliati con l’accetta e dialoghi per lo meno scritti con un certo gusto. Ad un certo punto, per esempio, lo sceriffo protagonista, interpretato tra l’altro da un Sam Waterston (Urla del silenzio di Joffè) spaesato (e fuori parte) come pochi, mostrerà tutta la sua umana codardia, lui che dovrebbe essere l’eroe, quando, nel calarsi attraverso un impianto d’aerazione verso, forse, morte certa, tentennerà non poco con frasi come “Non ce la faccio“o “Ho paura“. Contando oltretutto che la missione è quella di recuperare la fidanzata prima che dei pazzoidi la facciano a pezzi, non è che questo gli renda particolare onore. Però il suo comportamento certo dona al personaggio un’inaspettata (e simpatica) umanità. In quanti ci saremmo d’altronde cagati addosso all’idea di addentrarci in un luogo pieno di assassini, amore o non amore? Per dirla alla Gialappa’s: “Chi non alza le mani è un  sacripante”, io per primo.

La regia di Hal Barwood è molto buona e tanto deve però, come resa finale, alla straordinaria fotografia color pastello di Dean Cundey, uno che qualche anno prima aveva lavorato per cult horror incredibili come Halloween, La cosa e Fog di John Carpenter.

Gli attori sono, a parte il già citato Waterston, tutti abbastanza in parte. Fa sorridere però, soprattutto per chi è fan di Scuola di polizia, la presenza di G.W. Bailey, il sergente Harris del cult di Hugh Wilson, in un ruolo serio. Siamo sempre in attesa che urli sguaiatamente “Proctor, razza di imbecille, dove ti sei cacciato!“. Cosa che per fortuna non accade, ma si sa, come nel caso di Leslie Nielsen, alcuni ruoli sono per sempre, anche quando sei portato per essere un bravo attore drammatico.

Proctor!!!!

Sul versante sangue siamo scarsini, ma la produzione sembra più alta, sia come ambizioni che come budget, di un qualsiasi horror splatter di cassetta dell’epoca. Peccato perché si fosse più calcato la mano sulla violenza, un po’ sulla scia del modello di Lenzi, il film ne avrebbe sicuramente guadagnato.

Leggenda vuole che nella sceneggiatura la ditta di fertilizzanti, scenario della vicenda si chiamasse Biotech, ma per evitare casini con aziende omonime, la si ribattezzò Biotek.

Noi di Malastrana vi consigliamo il recupero di questo film. Un probabile cult purtroppo mai diventato cult che meriterebbe maggiore fama. Fateci sapere poi se vi è piaciuto.

Andrea Lanza

Allarme rosso

Titolo originale: 

Anno: 1985

Regia: Hal Barwood

Interpreti: Sam Waterston, Kathleen Quinlan, Yaphet Kotto, Jeffrey DeMunn, Richard Dysart, G.W. Bailey, Jerry Hardin, Rick Rossovich, Cynthia Carle, Scott Paulin, Kavi Raz, Keith Szarabajka, Jack Thibeau, J. Patrick McNamara, Tom McFadden

Durata: 99 min.

 

 

 

Prison of the dead

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decoteau, prison of the dead, the game

Prison of the dead è un film sicuramente da evitare anche se non è proprio uno dei peggiori film del suo autore. Ora nel leggere i credits il popolo insorgerà verso il povero recensore reo di una possibile gaffe: la regista è l’oriunda Victoria Sloan, una signora nessuno all’apparenza. Ma se il nome vi intriga e già favoleggiate una playmate in bikini dalla labbra calde e le tettone generose vi devo deludere: Victoria Sloan è un uomo e mica un uomo qualsiasi: il regista più gay del secolo, David Decoteau.

La donna sexy per Decoteau

Se sapete di chi sto parlando i brividi di raccapriccio vi inonderanno la schiena: Decoteau è il regista più sciatto del panorama horror, uno che delle inquadrature se ne frega, che posiziona la macchina da presa come cazzo gli pare, l’importante per lui è filmare bei ragazzoni il più svestiti possibili. Ma Prison of the dead arriva in un periodo ancora non sospetto quando la fama (immeritata) non aveva ancora baciato il brioso David per il suo stile glamour da Top girl del cinema queer.

L’eterosessualità per Decoteau

Quindi, sebbene si piazzi una battuta sui gusti sessuali di un personaggio, si cerca di mettere in scena persino un tête-á-tête amoroso tra un solo uomo e una sola donna senza amici maschi in giro in boxer attillati pronti a partecipare. Inutile dire come la scena sia girata in maniera davvero sciatta e assolutamente poco appetibile per qualunque voyeur in attesa di pelo femminile (lei lo fa con reggiseno e mutandine mentre è in una specie di catalessi).

Il film non spicca tra l’altro neppure per il forte spreco di emoglobina con tanto di omicidi fuoricampo o per un ritmo incalzante: dura poco più di 70 minuti, ma sembrano 700.

Il diavolo minnoso, nemico giurato di Decoteau

Oltretutto arrivati a un’ora di girato il povero David si deve essere accorto che il film era quasi finito quindi per salvare capra e cavoli ha pensato bene di girare i restanti minuti in un lunghissimo e immotivato rallenti.

La storia certo non si distingue per essere da premio Oscar: cinque cretini, esperti di occulto (ma a parole soltanto), si trovano chiusi in un vecchio caseggiato, un tempo teatro di torture ai danni di streghe, per cercare una chiave magica mentre tre zombi (ovvero uomini con una maschera da carnevale e occhi di rosso luminoso) danno loro la caccia.

Luci blu a cazzum

Se pensiamo poi che le vittime dei mostri cadono prima di essere uccise in uno stato di immobile trance si capisce quanto il livello di suspense dev’essere altissimo.

Da antologia però alcune scene, su tutte quella finale, assolutamente incomprensibile, dove l’azione si interrompe su una frase banalissima.

Un agile e pericoloso zombi non inebetito

Vedere per credere: come se David si fosse stancato di girare e avesse pensato di troncare di punto in bianco il film. Esiste anche un sotto plot dove i protagonisti cretini sono seguiti da tre figuri ancora più deficienti, ma parlarne sarebbe come colpire con facilità un uomo che sta cagando. Non male davvero invece l’ambientazione teatrale che all’inizio fa sperare in un miracolo meta cinematografico che invece non ci sarà. Il film pur essendo brutto e sciatto non è, come detto nelle prime righe, il peggior lavoro del regista. Pensate quindi come potrebbero essere quelli brutti.

Nota a margine: il film è conosciuto anche come The game e Prigione di sangue. Quanti titoli per un film di così poco conto.

Andrea Lanza

Prison of the dead – Prigione di sangue

Titolo originale: Prison of the Dead

Anno: 2000

Regia: David DeCoteau

Interpreti: Patrick Flood, Jeff Peterson, Sam Page, Kim Ryan, Alicia Arden, Michael Guerin, Debra Mayer

Durata: 75 min.

Aka “The game”

 

 

Jason va all’inferno

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adam marcus, cinema, horror, jason vorhees, sean s. cunningham, venerdì 13

“L’ultimo Venerdì” per modo di dire.

Nei primi anni novanta Sean S. Cunningham tentò di instillare nuova linfa in una serie che non se la passava bene dopo l’insuccesso dell’ottava capitolo di Rob Hedden.

Si può dire di tutto sul parto di Marcus, che sia brutto, inutile, cialtrone, assurdo, ma non si può negare che abbia tentato di percorrere strade alternative. Certo, non si tratta di una rivoluzione sistematica, tipo levare di mezzo Jason come si levò di mezzo Michael Myers in Halloween III-The Season of The Witch, tuttavia il buon Adam Marcus, qualche piccolo cambiamento l’ha pure accennato.

E’ un film molto, molto fumettistico Jason va all’inferno, non a caso conobbe una vita extra-cinematografica con le graphic novels Friday the 13th: Hate-Kill-Repeat e Friday The13: Church of The Divine Psychopath edite dalla Topps Comic e scritte da Andy Angels, che comincia in modo classico, propinandoci uno strip-tease da manuale, con fanciulla sola in quel di Crystal Lake (e dove sennò?) che improvvisamente ma non troppo viene insidiata da Mr. Voorhees con machete alla mano; già tutto visto e rivisto, si, se non per l’irruzione subitanea di una Task Force dell’FBI decisa a fare definitivamente il culo all’assassino mascherato. Un fuoco incrociato proveniente da millanta mitragliatori distrugge il serial killer/morto vivente, anzi, lo riduce quasi in poltiglia. Rimangono pochi pezzi di quella che fu una straordinaria macchina omicida. Ma, attenzione, il Male alberga nel cuore nero e pulsante di Jason. E il Male trova sempre un nuovo corpo/involucro con il quale seminare il Verbo.

Detto così, potrebbe non significare niente. Espedienti di questo tipo sono già stati usati in tempi non sospetti, per rimanere in ambito eighties, basti pensare a L’Alieno di Jack Sholder o a Sotto Shock di Wes Craven, tuttavia, in un franchise fortemente legato alla figura iconica di Jason, il tentativo di “mascherare” il personaggio principale, non di cancellarlo dallo schermo si badi bene, risulta se non altro un tentativo apprezzabile di reinventare una serie costruita su sceneggiature sempre uguali. Uguali perché il successo della serie si costruisce su uno schema collaudatissimo che prevede giovani in fregola uccisi senza pietà da un feroce “censore” di comportamenti osceni. I ragazzi da massacrare diventano, quindi, in Jason Goes To Hell-The Final Friday un contorno e non la prima portata del banchetto, visto che il plot è incentrato sulla ricerca di altri corpi da abitare e , in particolare, di un corpo, quello del legittimo nipote, in cui rinascere.

Un film ibrido, slegato, che frulla slasher e action e ritrova la suo dimensione prettamente horror nel finale, con Jason (il solito, grandissimo Kane Hodder) che rinasce dalla ceneri e si trasforma in personaggio/demonio da fumetto con fuoco infernale a fare da scenografia. La dimensione è quella fumettara, che spiana definitivamente la strada al cross-over con Freddy Krueger non disdegnando riferimenti diretti alla saga Evil Dead con il Necronomicon in bella vista. C’è chi lo odia, chi lo ignora, chi lo apprezza, questione di gusti, tuttavia Jason Va all’Inferno possiede il fascino di quelle produzioni scalcinate fuori tempo massimo che trasudano di passione per la saga. Non tutto funzione nella regia di Marcus, ma un giro su questo tunnel dell’orrore jasoniano è sempre consigliato. O no? E poi un film in cui Steven Williams fa il cacciatore di killer seriali come si fa a non amare. Recuperate la versione uncut, che dura tre minuti in più rispetto a quella uscita nelle sale.

Domenico Burzi

Jason va all’inferno

Titolo originale: Jason goes to hell – The final Friday Anno: 1993

Regia: Adam Marcus

Interpreti: John D. LeMay, Kari Keegan, Allison Smith, Steven Culp, Billy Green Bush, Kane Hodder, Steven Williams, Rusty Schwimmer, Richard Gant, Leslie Jordan, Kipp Marcus, Andrew Bloch, Adam Cranner, Julie Michaels

Durata: 87 min.

 

Day of dead 2: contagium

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Ana Clavell, Andrew Allen, Christopher Stanley Burton, Day of the Dead 2: Contagium, Derrick Carr, Jackeline Olivier, James Glenn Dudelson, John Freedom Henry, Joseph Marino, Laurie Baranyay, Samantha Clarke, seguiti folli, Simon Burzynski

1968, Pennsylvania: Un ospedale precipita nel caos quando un agente tossico infetta i pazienti che cominciano a mutare e a divorarsi l’un l’altro. Il virus sembra essere scatenato da delle misteriose provette di proprietà militare. L’arrivo dell’esercito contiene il disastro: gli zombie vengono uccisi e le provette sequestrate. Ma una di esse sfugge al loro controllo: uno dei dottori nasconde una provetta all’intero di un thermos che finisce disperso nel parco adiacente la struttura.
Quarant’anni dopo un gruppo di pazienti psichiatrici durante una gita all’aria aperta ritrova proprio il thermos del dottore che viene portato alla clinica dove ovviamente sarà aperto generando il caos.

Ribadiamo il concetto, man: in questo film io non c’entro un cazzo

Tutti quelli che, incuriositi dal titolo, hanno acquistato questo DVD sperando di trovarvi atmosfere romeriane hanno probabilmente valutato l’idea del suicidio finita la visione.

Day of the Dead 2, sequel non ufficiale di Il giorno degli zombi, è un horror low budget ma questo giustifica solo in parte la bruttezza generale della pellicola. Stando ad alcune fonti il budget ammontava a 8 milioni (!), notizia che spero sinceramente fosse falsa, secondo altri soltanto a 2, che sono comunque un mucchio di soldi se si pensa a quando sia brutto e mal girato questo film. Pensiamo ad horror come Dead Snow o Wyrmwood, realizzati con meno di un milione di dollari, o a Bruce McDonald che con un milione e mezzo ha girato quella chicca di Pontypool. Day of the Dead 2 è lontano anni luce dagli horror citati. È il perfetto esempio di prodotto straight-to-cestone squallido e raffazzonato, con una fotografia sciattissima, una telecamera che traballa in continuazione ed attori talmente cani che strappano risate involontarie.

– Che hai?  – Ho visto Day of dead 2!

I registi Ana Clavell e James Glenn Dudelson sono principalmente noti al pubblico horror per Creepshow 3 ed è evidente che il povero Romero lo odino profondamente.

Si parte in bruttezza con l’outbreak degli zombie nell’ospedale in Pennsylvania nel 1968. Nonostante anno e zona coincidano con quelli de La notte dei morti viventi il riferimento è puramente casuale. Tanto per cominciare, gli zombie corrono. È già solo per questo è difficile guardare il film nell’ottica romeriana. Parlando degli zombi che si vedono nei primi minuti, troviamo make-up praticamente inesistenti, in pratica sono persone normali spruzzate di sangue finto. Ad aggiungere un ulteriore tocco di poraccitudine all’intro, l’arrivo dei militari che giungono a bordo di jeep realizzate per metà in CGI (non se ne accorge nessuno, tranquilli), fra sparatorie ed esplosioni orrendamente realizzate in computer grafica.

– Gennaro, non fare il pirla con la pummarola in faccia!

Dopo i titoli di testa torniamo ad i giorni nostri e facciamo la conoscenza dei protagonisti che ci accolgono immediatamente con un pipppone di carattere esistenziale. Sbattiamo così il muso su quello che è il problema numero uno: il film si prende maledettamente sul serio ed è infarcito di dialoghi orrendi sul senso della vita, della morte, l’immortalità e cose di questo tipo.

Contagion infatti ha pure la pretesa di mettere in scene dramma e romanticismo, buttando nel mezzo del contagio persino una storia d’amore, credibile come una moneta da 3 euro. È inutile cercare di girare un film “profondo” e “serio” se non si hanno i mezzi e soprattutto le capacità per farlo. Quindi Day of the Dead non solo è brutto, cosa su cui potrei passare sopra, ma è pure noioso come pochi, difetto imperdonabile per un b-movie.

E così se ne andò l’aretino Pietro con una mano davanti e con l’altra dietro

Il momento del contagio, che dovrebbe essere ricco di pathos, si svolge all’intero di un cesso: scoprono che il thermos conteneva una fiala che, cadendo a terra, si apre lasciando fuoriuscire questi strani globi luminosi realizzati in una CGI che grida vendetta. I globi sul momento si disperdono per poi tornare la sera raggiungendo gli sfigati che erano al cesso qualche ora prima, posandosi sulle loro fronti. La scena è completamente insensata e lascia quasi pensare che la cosa abbia natura aliena, ma non lo spiegheranno mai con esattezza, come tanti altri elementi dalla trama buttati lì senza una motivazione precisa.

Il giorno dopo gli sfigati infetti si svegliano e si rendono conto di stare perdendo la pelle. Avete presente quando in seconda elementare ci si divertiva a spalmarsi la colla vinavil sul palmo della mano per poi togliere la pellicina che si formava? Ecco, l’effetto della muta è realizzato nella stessa maniera. Vinavil spalmata in faccia, niente più, niente meno.

Cioè questa è una pancia da birra?

I protagonisti cominciano a mutare, ed il make-up si fa un po’ più elaborato della colla ma sempre poraccio: in una scena uno dei neo-zombi si stringe una pustola e il lattice si stacca, lasciando vedere il bianco sotto.

Dopo un’ora di scene inutili e noia, fra personaggi insopportabili, litigi, lesbiche isteriche, risse, gente che si vomita addosso e roba di cui non ci frega niente, arrivano finalmente gli zombie. Ammetto che ci siano delle scene gore niente male e gli ultimi 20 minuti quanto meno intrattengono. Se avessero mantenuto uno stile del genere per l’intero film invece che relegare lo splatter e la mattanza agli ultimi minuti sarebbe stato quanto meno un film divertente, invece che fracassarci le palle con riflessioni filosofiche e storie d’amore al limite del patetico.

Nel mentre i protagonisti hanno scoperto di avere un legame mentale sovrannaturale e che quando uno si ferisce sentono male anche gli altri. Per quale motivo? Non ci è dato saperlo. Uno zombie bizzarramente mutato si aggira per i corridoi facendo un gran casino, ma pure il motivo della sua presenza e mutazione rimane ignoto. Emma, una dei protagonisti, si trova incinta senza aver mai fatto sesso, e la pancia le cresce in maniera esponenziale di minuto in minuto. Attribuiscono la colpa al virus che l’ha infettata ma il senso qual è? Cosa le starebbe crescendo in grembo? Altre domande che rimangono insolute. Ci sono un sacco elementi della trama inseriti senza alcuna ragione e l’intera storia non va da nessuna parte.

Da Moreno dove tutto costa meno il make up più efficace

Il tocco trash definivo è gentilmente offerto dagli zombie “cattivi” che acquistano l’uso della parola. Lo sceneggiatore, ubriaco, era evidentemente indeciso se scrivere qualcosa di serio o una commedia demenziale e si è detto “Perché no, faccio entrambe le cose”. Ed eccoci quindi a sorbirci gli sproloqui e le battute al limite dello squallore di questi infetti orridamente truccati.

A questo punto vi starete giustamente domandando cosa c’entri tutto ciò con Il giorno degli zombi: un emerito cazzo. Non è certamente un sequel ma viste le incoerenze con la saga di Romero non può nemmeno essere considerato un prequel. Il titolo è una presa per il culo plateale e gratuita. I registi provano a dare un contentino agli spettatori chiamando il reparto psichiatrico “Romero Ward” ma non è sufficiente per sedare la frustrazione dei fan. Infatti, se da un lato sfruttare il nome di Romero per incuriosire i fan poteva essere una mossa inizialmente vincente per la vendita, hanno poi dovuto fare i conti con l’ira funesta della gente che si è sentita presa per in giro nonché offesa dal fatto che il nome “Day of the dead” sia associato ad una tale vaccata.

Tre stronzi che fingono di essere mille zombi

Pure sorvolando su questa vomitevole mossa di marketing rimane uno zombie-movie infimo e palloso che mi ha fatto rimpiangere il remake del 2008, visto qualche giorno fa.

Se qualche amante del b-movie ci tenesse a vederlo posso suggerire di skippare direttamente agli ultimi 20 minuti e fare finta che il titolo sia diverso.

Silvia Kinney Riccò

Day of the Dead 2: Contagium

Anno: 2005

Regia: Ana Clavell, James Glenn Dudelson

Interpreti: John Freedom Henry, Joseph Marino, Jackeline Olivier, Andrew Allen, Laurie Baranyay, Christopher Stanley Burton, Simon Burzynski, Derrick Carr, Samantha Clarke

Durata: 90 min.