L’isola dei morti viventi

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Mi accorgo stasera che, malgrado la mia innata Sindrome di Peter Pan, sto invecchiando.

E’ una verità scomoda, forse anche più difficile dell’accettare di essere gay se lo fossi, perché la vecchiaia, purtroppo, è una sentenza di morte vicina.

Eh sì, amici miei, non serve parlare con lo slang giovane, fare selfie a manetta o raccontare che ti stai trombando la modella 22enne, perché, come dice il grande Max Pezzali, “il tempo passa per tutti lo sai nessuno indietro lo riporterà neppure noi”, qualunque cosa questo significhi.

Saggio Max

Vi dico questo perché ho capito di avere perso il senso sacrosanto del wow, del critico che ama i brutti film, quello che Pascoli chiamava “l’innocenza del fanciullino”.

Posso asserire questo con certezza perché stasera sto per affrontare il penultimo film di Bruno Mattei, “L’isola dei morti viventi”, uscito con dieci anni di ritardo in dvd nel nostro Bel Paese.

Un film che (forse) solo pochi anni fa avrei adorato, ma che ora invece mi appare troppo pieno di insuperabili difetti.

Amo e ho amato i ripoff truffaldini di Bruno Mattei del passato, anche i più spudorati, come Virus, Robowar o Terminator 2, ma, plagi o mano, quelle pellicole erano cinema in odore di atomica,  con la passione da tutti i pori.

Cosa che L’isola dei morti viventi non può sfoggiare.

Galeotto dev’essere stato l’incontro tra il produttore Giovanni Paolucci e Bruno Mattei, nel 1993 con Attrazione pericolosa, e proseguita, fino alla morte del regista, nel 2006, con Zombies the beginning.  Più di dieci anni di filmacci di tutti i generi, dall’erotico, al poliziesco mafioso fino a resuscitare filoni ormai morti e sepolti come il cannibal movie deodatiano o l’horror zombesco. Prodotti nati disgraziati, girati in digitale, paurosi e appassionanti come baracconi da luna park, purtroppo.

Mattei in questo periodo neanche ci provava più a girare decentemente, si limitava ad assemblare film su film di inenarrabile sciattezza. La poesia cinematografica da guappo era inesorabilmente sfumata.

Certo L’isola dei morti viventi se lo raccontate ad un amico è una cosa incredibile: vampiri, zombi e fantasmi su un’isola, poi arti che ricrescono e, cazzo, uno zombi che suona il liuto! Vi prego però di credermi: L’isola dei morti viventi è una palla di proporzioni colossali, qualcosa di così moscio, noioso e fastidioso da essere quasi masochismo.

In questa pellicola il grado di wow viene presto superato dal senso incredibile di presa per il culo: i nostri protagonisti vedranno più volte gli zombi cannibali, ma ogni volta, entrati in una stanza, come una sorta di puntatona di Scooby Doo, si dimenticheranno di essi, per spaventarsi, come la prima volta, ogni volta!

Scooby Doo

Poi quest’Isola dei morti viventi è davvero trafficata perché Mattei e il suo sceneggiatore Tentori, saggista di ben altra caratura, sono indecisi su che mostri mettere in scena e in un solo film, a random, vediamo zombi, vampiri e fantasmi, ma anche una cosa stranissima, dei zombavampiri ovvero dei morti viventi coi canini da Dracula!

In più sempre l’isola che fa da scenario, da copione, dovrebbe essere deserta, ma qua e là, se stiamo bene attenti, vediamo in ordine, sullo sfondo, una città, dei motoscafi che fanno ciao ciao e qualche barca. Il film poi non si cura di essere credibile neppure nella scelta delle comparse usando per la maggiore attori filippini, così abbiamo pirati e zombi dai tratti incredibilmente orientali. La pellicola, ambientata nei Caraibi, fu girata appunto nelle Filippine, un’ambientazione nota ai nostri film di genere degli anni 80, il Vietnam più appetibile in circolazione dai tempi di Apocalipse Now di Coppola. Non si capisce la scelta però di non ambientarlo direttamente in quelle località come per esempio l’affascinante Zombi 3. Certo i Caraibi sono mozzafiato, ma è come cercare di girare a New York quando dietro di te hai il bazar di Gigi lo scorreggione a due passi da Cologno Monzese.

Lei è la comparsa più usata in almeno 800 parti

I protagonisti sono una squadra di cacciatori di tesori che, capitati per caso su quest’isola degli orrori, si comporteranno né più né meno come in una parodia del genere horror con l’aggravante che non si tratta di una parodia. Si capisce che che il loro destino è scritto sulla faccia: “Carne da macello”.

Il film è una lunga e ininterrotta sequela di citazioni di altre più nobili opere, da Fog di John Carpenter (con la stessa idea di nave maledetta e di nebbia perenne) a House of the dead di Uwe Boll, con tanto di Capitano Kirk e morti viventi conquistadores chiacchieroni. Naturalmente nel percorso non manca né George Romero con la famosa frase “I morti ti prenderanno!” da La notte dei morti viventi né l’intuizione di usare il karatè per battere questi zombi cenciosi da After death di Claudio Fragasso, dal quale scippa pure la sequenza della lettura del libro maledetto ritrovato (e quindi di riflesso anche l’Evil dead raimiano). La parte del leone però nei furti/citazione la fa Lucio Fulci dove il suo Zombi 2 viene ripreso sia nell’incipit con i cadaveri chiusi nei sacchi ai quali viene fatta saltare la testa, ma soprattutto nella scena famosa della scheggia di legno infilza occhio.

Sono sposata col produttore e torno nel seguito

Mattei poi si cita e si ricita da solo riproponendo intere sequenze girate ex novo dal suo classico Virus con tanto di prete zombi o la battuta “Vuoi la coscia o il petto?” rivolta ad un gruppo di zombi affamati. In più è proprio da Virus una delle scene più sceme di tutta L’isola dei morti viventi quando, davanti ad un cadavere putrefatto e pieno di sangue, una delle protagoniste chiederà “Signore sta male? Signore parla la nostra lingua?”. In più in questo film scopriamo che le barche, udite udite siori e siore, sono fornite di un pulsante di autodistruzione!!!!

Zombavampiri!

Quello che lascia interdetto però non è il livello di coglioneria, che ci stava pure dentro il bellissimo Rats notte di terrore, ma la fattura sciatta che neanche si ricorda le regole più basilari del montaggio, una cosa imperdonabile per Mattei che era appunto anche un ottimo tecnico. Le scene, sempre con quell’aria insopportabile da fiction terzomondista, non si amalgamo mai, sono scollegate, dilettantesche nella loro consecutio e donano al film, già disgraziato per conto suo, una lentezza che solo un montaggio frenetico forse avrebbe salvato dal fallimento completo.

Gli attori poi, a parte Gaetano Russo nella parte del Capitano Kirk, sono incredibilmente cani, qualcosa che sublima anche l’idea di attori cani che uno si fa nell’approcciarsi ad un film di Bruno Mattei. Nel cast è bene citare poi la presenza di Lilia Cuntapay, caratterista storica del cinema filippino, vista anche in produzioni americane come Bagkok senza ritorno di Jonathan Kaplan, e qui nelle vesti di un fantasma zombi poco incline al cannibalismo. La Cuntapay tra l’altro ci ha lasciato quest’Estate a 81 anni. La palma però di peggiore recitazione va senza dubbio a Ydalia Suarez, attrice già nota per la sua pessima performance in  Nella terra dei cannibali sempre del nostro Bruno, e che scopriamo essere cantante (ancora più terribile) di un certo culto, anche in Italia, con l’album “Sei mio uomo, w le donne”.

Di lei possiamo leggere su internet questa raccapricciante biografia:

“Ydalia Suarez ritorna alla musica, suo originale amore sin da quando era bambina. Nella sua vita, infatti ha sperimentato diversi tipi di arte tra cui la danza e il cinema.

Candela 2k16 è il brano da cui parte il nuovo progetto discografico di Ydalia;  è in uscita su tutte le piattaforme digitali a partire dal 22 luglio. E’ solo l’inizio: il progetto proseguirà con la realizzazione di un album di brani inediti che prevede la collaborazione di grandi firme autorali.

Era il 1999 quando la portoricana Noelia lanciò Candela.

Il singolo, utilizzato come stacchetto nella trasmissione Striscia la notizia, ha conosciuto una straordinaria popolarità in Italia nel 2001 arrivando fino alla quarta posizione della classifica dei singoli più venduti e diventando un vero e proprio tormentone estivo entrando nella Top 5 dei singoli più venduti.

E’ il 2016: la cubana Ydalia affida a Nick Peloso la rivisitazione del singolo. Una re-edit con suoni attuali dopo i 18 anni dalla sua uscita originale. E’ un brano dalle sonorità avvolgenti, fresco, attuale e ballabile, Candela 2k16 si propone di diventare un successo e un tormentone dell’estate in versione completamente diversa grazie a Nick Peloso, che regala al singolo nuova vita, alla voce di Ydalia, e al ritmo che fa battere il cuore di chi lo ascolta anche ricordando la versione originale riportando quindi oltre ai “ricordi” anche forti emozioni.

Il buon lavoro svolto la premia, ed alcuni brani sono richiesti per fare parte della colonna sonora di “Stars Gate” un film di produzione italiana ma destinato solo al mercato internazionale. Uno di questi brani “Stars in love” diventa tema del film.

Nel 2015 è stata protagonista femminile del nuovo film di Claudio Fragasso “La grande rabbia”, film che è stato presentato al David Di Donatello“. Film che aggiungiamo è prodotto sempre da Paolucci.

Difficile davvero salvare in questo Isola dei morti viventi qualcosa e le uniche cose che ci possono venire in mente sono la sequenza, già citata, dove un morto vivente suona un liuto per un fantasma che danza o un delirante momento dove ad un morto vivente cresce spontaneamente un arto, ma sono poche cose e anche sviluppate e rese male in un contesto davvero cretino dove i fucili hanno colpi infiniti o, per risparmiare, si fa interpretare due statue a due attori!

Signore, parla la nostra lingua?

A firmare la fotografia il Luigi Ciccarese di Aenigma e Demonia di Fulci, non al suo massimo. Gli effetti speciali e di make up invece sono buoni grazie anche alla bravura della veterana Cecille Baun, nota per i suoi lavori in Platoon e Hamburger Hill. Nel film di Mattei tra l’altro non si eccede mai in sequenze sanguinose o di sventramento, a discapito del titolo, e quindi il grosso del lavoro si è concentrato sul rendere decenti questi zombi, a volte benissimo a volte no, ma in generale dando dignità ad un prodotto miserabile.

Dispiace davvero perché credo fortemente che negli anni 80 con un altro spirito, un’altra resa tecnica, questo L’isola dei morti viventi sarebbe stato ottimo per una visione tra amici, invece davvero si capisce perché non è mai stato distribuito nel nostro paese per così tanto tempo.

Bruno Mattei qui si firma come ai tempi d’oro con il nom de plume di Vincent Dawn, e, prima di congedarsi dalla vita e dal cinema, ci regalerà un seguito di questo film, Zombi la creazione, scippando, come ai tempi di Terminator 2, il plot di Aliens scontro finale.

Ci piacerebbe parlare bene almeno di quest’ultima opera, ma la verità è che il cinema di Mattei è un morto vivente, ha ciondolato per anni dopo la fine dei generi credendo di essere ancora vivo, non capendo invece di essere solo una carogna maleodorante.

Peccato perché noi, malgrado quello che stiamo scrivendo, amiamo Mattei e siamo cresciuti coi suoi classici, a volte amandoli più dei veri classici. RIP in pace Bruno.

Andrea Lanza

L’isola dei morti viventi

Titolo originale: Island of the living dead

Regia: Bruno Mattei (Vincent Dawn)

Interpreti: Yvette Yzon, Alvin Anson, Ronald Russo, Ydalia Suarez, Miguel Franco, Jim Gaines, Thomas Wallwort

Durata: 90 min.

 

 

 

 

 

 

 

House of Blood

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andrea lanza, house of blood, olaf ittenbach, recensione, recensioni

Vedere “House of blood” è un po’ tornare bambini con videocassette immonde, logore che sanno di un tempo purtroppo ormai passato. Ricordo le nottate a sedici anni da solo o con amici a vedere robe immonde come “I ragazzi del cimitero” o “Spookies” o, la spazzatura della spazzatura, filmacci sotto label come “Eureka”, “Antoniana”, cose che mai sotto tortura oggi guarderesti. Eppure allora ci si esaltava con poco, i parametri di bello e brutto erano azzerati, te ne fregavi se un regista girava un horror nel giardino di casa e lo chiamava Amazzonia, non ti sentivi preso per scemo, semplicemente accettavi anche l’inaccettabile.

Erano gli anni che magari rubavi la videocamera di tuo padre o di tuo zio e ti cimentavi tra zoom selvaggi e succo d’amarena a credere di essere Fulci o Romero, poi magari la tua pseudo troupe non si presentava e grazie a Dio non finivi il tuo insulto al Dio del cinema. “House of blood” è quel film che da ragazzino non hai terminato, è la videocassetta che avresti potuto vedere da adolescente assetato di film, è l’incubo più nero di ogni critico che si autodefinisce esteta. E proprio per questo suo essere oltre, oltre il buon gusto, oltre la più giusta delle logiche, posizionandosi fuori dal mondo, “House of blood” è un capolavoro come non se ne vedono da anni. Cioè tutto è sbagliato, dalla scelta della videocamera, una pessima dvd cam forse, agli attori ridicoli che sono comici quando fanno i duri, ai dialoghi tremendi che vogliono unire frasi cazzute ad altre di più aulico pensiero.

Poi voi penserete “il livello di fregna sarà almeno alto”, cioè deve esserlo per forza se tutto sulla carta fa schifo perchè è un legge cosmica che muove gli equilibri dei brutti film: ad ogni scena sciatta il regista, quasi come il miglior illusionista, ci infila due scene a tette nude, e tu, comese ci fosse l’ipnorospo,  dimentichi il resto. Invece no, poche ragazze, vestitissime, e quella che interagisce col resto del cast è pure un cesso mica male che si scopre essere nientepocodimeno che la moglie di Ittenbach, il genio autore di “House of blood”. Allora, mi direte voi dove, ti sei rincoglionito, dove diavolo è il capolavoro? Ci arrivo, ci arrivo, miei cari. Per cominciare tecnicamente il film è incredibile, girato con un budget tipo le mille lire delle Elementari per un succo di frutta e la focaccina, ha però la dignità di una grossa produzione.

Ittenbach fa cose folli con quei tre soldi, muove la telecamera sopra tetti, osa persino carrellate, nobilita combattimenti tra uomini e demoni con rallenti o soggettive di proiettili perforanti. Mica male dico io ora. Poi cazzarola lo splatter è estremo e ben fatto, gli attori mutano in un batter d’occhio in demoni e, come “Dal tramonto all’alba”, il poliziesco diventa horror e giù di facce ridotte in poltiglie, di teste aperte come un melone, di operazioni ai testicoli con dovizia di particolari, di arti amputati. Chi più ne ha più ne metta. Poi, fattore di cazzata non indifferentemente divertente, è che questi mostri saltano come acrobati da circo e picchiano come karatechi. Applauso a scena aperta senza dubbio. “House of blood” è una giostra malferma, un luna park scalcinato che risulta alla fine più divertente di Gardaland. Sarebbe interessante vedere Ittenbach girare un horror con qualche soldino in più, magari ne uscirebbe un nuovo Robert Rodriguez, visto che il vecchio ormai ha perso da tempo l’estro. L’importante, sia ben chiaro,  non fare scrivere al regista, mai, una sceneggiatura. Non è proprio capace!

Andrea Lanza

House of Blood
Regia: Olaf Ittenbach
Sceneggiatura: Olaf Ittenbach, Thomas Reitmair
Interpreti: Christopher Kriesa, Martina Ittenbach, Simon Newby, Luca Maric, Mehmet Yilmaz
GERMANIA 2006/90 min.

Videogames vintage: Rise of Nightmares

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house of dead, oculus rift, playstation vr, ps4, recensione, resident evil 7, rise of nightmares, survival horror, wizard of gore, xbox 360

Il 2016 è un anno importante per tutti gli appassionati di videogames: grazie a sistemi come la Playstation VR su Ps4 potremmo vivere in prima persona l’esperienza ludica, diventando padroni del mondo virtuale. Girarsi, abbassarsi,muoversi saranno percepiti dal nostro cervello come veri movimenti in una realtà arricchita e mai così fantasticamente vivida.

Anni fa questo sembrava una storia di fantascienza e il cinema ha attinto a piene mani da queste suggestioni con pellicole come Il tagliaerbe, Brainscan o l’Arcade di Albert Pyun. Di solito in questi film valeva la regola di Nightmare on elm street, trasportata però nel cyberspazio: se muori nel virtuale, muori davvero. Come dire che ci trovavamo in un mondo affascinante, ma anche pericoloso, forse perchè impossibile da raggiungere. D’altronde luoghi leggendari coe l’Edorado sono, nella fantasia, portatori di tragedie,e il segreto della vita eterna è relegato a scienziati pazzi che incontrano prima o poi la morte. E’l’hubrys che ci porta vicino al sole e scioglie le nostre ali insieme ai nostri sogni impossibili ma eccitanti.

Quei mondi fatti di pixel, cavalcati anche da serie tv come Automan o Max Hedrum, non erano senza dubbio alla portata dell’uomo, almeno quello degli anni 80. A creare caschi che arricchissero la realtà e ci facessero entrare nel vivo dell’azione, ci avevano provato case come la Nintendo, nel 1995, con il mitico Virtual boy, ma, più che farti calare nel videogioco di turno, con le uniche tonalità di rosso e nero, ti regalava solo un forte mal di testa. Non il massimo della libidine, per dirla alla Jerry Calà, e anche un grande flop.

SONY DSC

Tutti gli appassionati del survival horror hanno provato il recente Resident Evil 7 della Capcom, pensato proprio per la realtà virtule, un piatto goloso di terrore e ansia come non si percepiva da anni, angosciante ora senza Playstation VR e sicuramente ancora più terrorizzante dopo, indossando il casco del virtuale, faccia a faccia con l’orrore. Sempre se ne abbiamo il coraggio.

Nel 2011 però sbarcò sulle console della concorrenza, l’Xbox 360 e il suo Kinect, un gioco che aveva in se’ già i semi di questa virtualità in un modo mai percepito fino a quel momento.

Rise of nightmares era sviluppato dalla SEGA, e in particolar modo dagli stessi autori di House of dead, e riusciva come mai nessun gioco prima (e dopo) a capire e comprendere le potenzialità del Kinect.

D’altronde per questo sistema abbiamo avuto giochi su binari, allenamenti sportivi, battute di caccia in emulazione del fratello fortunato della Wii Nintendo, ma è proprio l’essenza da survival horror a cambiare le carte in tavole e a mostrare un gioco come Cristo comanda. Ripeto: un gioco, non uno scherzo.

In Rise of nightmares si spara e ci si spaventa, si vive una storia surreale e terrorizzante fatta di fantocci viventi, zombi cannibali e mostruosità edipiche. Rise of nightmares è una vera esperienza di terrore, con la grafica che fa il suo sporco lavoro anche a distanza di 5 anni, con la capacità di immergerti, quasi sporcandoti, nel terrore più gelido.

Esiste ancora la quarta parete, è vero, il televisore, ma la sensazione di muoversi senza pad e di girarsi in quel mondo virtuale con assoluta libertà,  è qualcosa di davvero irripetibile.

Ogni schema diventa un’esperienza da superare, i pugni che tiri al vuoto fanno male ai mostri, è puro cinema che ti succhia dentro il suo schermo e non ti accorgi che sei fuori perchè stai vivendo il tuo incubo dall’interno.

Il problema di Rise of nightmares è uno solo, quello più invalicabile, che lo rende un titolo ostico proprio nel suo pionierismo. Il Kinect non è infallibile, anzi, e capita più le volte che cammini contro i muri tipo ubriaco o che, nello stare in bilico su delle casse, precipiti inghiottito dal mare. Ecco che la frustrazione prende il sopravvento e la tentazione di spegnere tutto è grande. Peccato perchè proprio la sua anarchia, il volersi liberare delle catene del pad, dei binari imposti, è lì a cozzare con un sistema non infallibile, il Kinect.

Pensiamo a Rise of nightmares cosa sarebbe stato ora, benedetto da un Oculus rift, da una realtà virtuale che dovrebbe essere perfetta, quale dimensione di terrore potrebbe portarci tra prigioni maledette, zingare vendicative e quel finale, quasi alla Wizard of gore, che sconvolge nella sua geniale e paurosa assurdità.

Non lo sapremo mai, ma tanto di cappello ad un gioco dimenticato e che, armati di pazienza e coraggio,  possiamo riscoprire malgrado il maledetto Kinect.

Andrea Lanza

 

 

Cimitero vivente 2

Che belli gli anni dove il nome Stephen King eccitava il nostro Stand by me personale di giovani appassionati di horror.
Personalmente a 14 anni leggevo, anzi divoravo, i romanzi del Re, e, ancora di più, mi emozionavo quando andavo a riscoprire i lloro adattamenti cinematografici.
Erano gli anni di capolavori come Christine, Carrie, Fenomeni paranormali di origine incontrollata, La zona morta, Cujo, Le notti di Salem, e di registi come Tobe Hooper prima del rincoglionimento, di John Carpenter e di meno conosciuti autori come Lewis Teague che però cazzo con che energia trasportavano King su pellicola.

Il Re che benedice le sue opere

Di film tratti dalla penna dello scrittore del Maine ce n’erano a bizzeffe, alcuni ai limiti della truffa, come La creatura del cimitero, che di King aveva davvero poco, ma fa nulla perchè, sembra una frase messa così a cazzo di cane, ma era l’atmosfera kinghiana a contare anche quando di King apparentemente c’era solo il nome.
Prendiamo il già citato Christine, senza scomodare lo Shining di Kubrick, come caso eclatante di ottimo film nato da un ottimo romanzo, eppure l’horror di Carpenter è una specie di La cosa, con le fattezze superficiali dell’opera letteraria, ma diversa, sicuramente narrativamente più banale, ma comunque ottima, vuoi per Carpenter che gira come un Dio del cinema,vuoi appunto per l’anima di King che aleggia anche nei vuoti, nella struttura stuprata, negi sviluppi narrativi che sono alternative da dimensione parallela del suo romanzo.
D’altronde non è proprio novità del giorno che King apprezzasse le miniserie tratte dalle sue opere, perchè più propense a tagliare di meno e ad essere più fedeli.

A me comunque, ragazzino di 14 anni, piacevano pure quelle, anche quando, cresciuto, vedevo immondizie come i Tommyknockers o The Langoliers perchè era come ritrovarsi davanti alla tv con un vecchio amico che mai ti aveva tradito prima e che comunque perdonavi anche nei suoi scivoloni, non scindendo lo scrittore dai film tratti dalle sue opere.
Cimitero vivente era uno dei suoi adattamenti migliori: girato con estro da una regista che veniva dal mondo dei videoclip (quel capolavoro di Like a prayer di Madonna), recitato da attori convincenti (con King a ritagliarsi un cameo inutile ma simpatico nei panni di un prete) e soprattutto con idee e messa in scena da orgasmo sotto le coperte, pieno di scorrettezze che gli valsero il VM18, compreso un tenero bambino di tre anni, tutto Oh oh nella prima parte, che massacra gente come il peggior figlio di puttana sputato dall’inferno. Mary Lambert lascia da parte tutti quegli estetismi frivoli da videoclip anni 80 con luci sparate e musiche a palla, per concentrarsi, grazie a Dio, sull’orrore più grande per un genitore, quello del lutto di un figlio, perchè quando Gage Creed muore e il padre piange sulla strada, è qualcosa di così straziante che non puoi condannarlo quando scatenerà casini dopo casini per amore.

Come dicevamo Cimitero vivente, anzi Pet sematary, era un film perfetto, invecchiato anche benino a riguardarlo ora, ma all’epoca, soprattutto come impatto, una bomba, che venne premiata anche al botteghino: budget di 17 milioni, incasso di circa 57.
Quindi come non potere mettere in cantiere un Pet SEmatary 2, un cimitero vivente 2, e, visto che il cast precedente era stato quasi tutto massacrato, buttare giù una nuova storia dagli stessi argomenti? Naturalmente stessa regista stracazzuta al timone e,senza Stephen King alla sceneggiatura, un nuovo autore capace di creare un seguito all’altezza del precedente.
Almeno sulla carta.

Perchè Cimitero vivente 2 incarna ogni peggiore incubo, ogni più funesta previsione poteva essere ipotizzata pensando ad un seguiito di Pet Sematary.
In primis la sceneggiatura è qualcosa di imbarazzante, un guazzabugio di idee kinghiane che ne sono la parodoia più svilente: quello che di buono c’era in Cimitero vivente qui viene urlato, ripetuto con registro grottesco, con personaggi poco interessanti e che fanno cose stupide senza senso. Colpa di Richard Outten, uno che, prima di questo film, aveva nel curiculum un avventuroso con Eric Stoltz, Cuor di Leone, e un cartone animato abbastanza bruttino, Piccolo Nemo – Avventure nel mondo dei sogni, scritto con Chris Columbus, e che nel futuro sarà l’artefice di uno dei film più brutti con The rock, Viaggio nell’isola misteriosa.

La Lambert dal canto suo non salva visivamente quello che narrativamente è un disastro, anzi, se è possibile, peggiora il tutto buttando in caciara tutto il suo repertorio videoclipparo in un horror d’atmosfera.
Ecco che gli stacchi musicali con canzoni pop rock sparate ad alto voume regnano sovrani, ecco che le luci violente e i fog sono padroni incontrastati dei momenti horor più concitati, quasi fossimo in un eterno video dei Duran Duran.
La Lambert sembra incapace di girare qualcosa di buono, è distratta, sciatta, dando l’idea che il primo Cimitero vivente sia stato una questione di fortuna, forse grazie alla stessa atmosfera kinghiana che benediceva i prodotti più infami nati da King.

Certo è che nessun film firmato dalla Lambert, oltre a Pet Sematary, va oltre il mediocre, sia l’erotico Siesta che l’horror Urban legend 3 che l’asylumata Mega Python vs. Gatoroid. Per parafrasare il defunto Morando Morandini, Mary Lambert “non fa film, li commette”.
Anche il cast di attori è imbarazzante, dallo svogliato Edward Furlong, fresco fresco dal successone di Terminator 2 di Cameron, e destinato all’oblio delle stelle cadenti, al gigionesco e fastidioso Clancy Brown, tutto faccette e battuttacce da over acting, nei panni di uno dei peggiori zombi mai portati sullo schermo.

Salvare qualcosa in Cimitero vivente 2 vuol dire avere pelo sullo stomaco, forse, ma dico forse, le incursioni del cane demoniaco, ma sono pochissime cose. Il resto è un film senza capo nè coda, dove Furlong fa il pazzo nel finale senza un vero perchè, dove i risibili collegamenti col primo film si perdono in una storiella raccontata davanti ad un falò, dove lo splatter rallegra un poco l’azione, di una noia mortale, dove niente è davvero interessante o di un certo pathos, a comiciare dall’idea del lutto che dovrebbe essere il motore della vicenda.
Il film, costato 8 milioni ne incassò più o meno 17, segnando la fine della saga, qua e là ravvivata dalle notizie, taciute subito, di un possibile remake del primo film.
Di certo, peggio di Pet sematary 2 non si potrà fare.

Andrea Lanza

Cimitero vivente 2

Titolo originale: Pet Sematary 2

Anno: 1992

Regia: Mary Lambert

Interpreti: Anthony Edwards, Edward Furlong, Clancy Brown, Jared Rushton

Durata: 98 min.

Il diavolo abita nel Texas

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Marilyn Curtis (Tracy Baldwin) si ritrova sola di notte a dover cambiare la gomma della propria auto in una strada solitaria, e viene aggredita. Cinque settimane dopo, sua sorella Sandra (Tamara Hext), rimasta sconvolta dalla scomparsa di Marilyn e datasi al bere, viene aiutata da un poliziotto amichevole, Nick Berkley (Tom Campitelli). Rinfrancata, Sandra gli chiede di indagare sulla scomparsa della sorella e lui accetta, prendendosi una settimana di ferie per farlo. Dapprima i due cercano indizi a casa di Marilyn, dove un fattorino consegna loro un pacchetto contenente un amuleto. Scopriranno che ha poteri notevoli e scopriranno anche qualcosa di importante sul passato di Marilyn.

Lucio Fulci ha fatto tante belle cose nella sua carriera, certo anche tante brutture, ma ogni suo lavoro, capolavoro o mano, aveva sempre il lepre, quel guizzo che lo rendeva appunto “fulciano”.

Lo dico con tutto l’affetto del mondo perché Lucio Fulci è stata la mia nave scuola, il mio grande amore cinefilo, il primo e quindi il più meraviglioso.
Credo che senza Fulci non avrei mai scoperto i vari Jess Franco, Jean Rollin, non mi sarei mai addentrato nell’universo transgender di David Decoteau o amato alla follia le sparatorie sgarruppate di Albert Pyun, non avrei forse mai pianto per una sposa turca o maledetto Tom Cruise e Nicole Kidman come fossi dentro le Chungking Express.
Tutto iniziò appunto con Paura nella città dei morti viventi e quel ritmo assente, ma ipnotico, quelle musiche potentissime, quello splatter estremo e quel senso di terrore unico in un prodotto tutto sommato derivato.
Vidi Paura su una vecchia VHS Avo e da lì, indeciso se stessi assistendo ad una cazzata o no, prosegui con il più facile ma altrettanto splendido Quella villa al cimitero, il mio amore infimo Zombi 3 e via di film comprati, noleggiati, smerciati dagli spacciatori di registrazioni tv di tutta Italia, in quella formula un film 20000 lire, due 35000 sulla stessa videocassetta. Con la qualità già bassa a metà anni 90.

Perché vi parlo di Fulci in una recensione di un film americano di metà anni 80 diretto da un oriundo regista alla sua prima e unica prova dietro la macchina da presa?
Beh facilissimo perché Il diavolo abita in Texas è dedicato alla memoria di Lucio.
Memoria???? Si chiederà qualcuno più attento, aggiungendo, caro K. Lanza, ti sei rimbecillito, hai appena detto che è un film di metà anni 80, come fa ad essere dedicato alla memoria di un regista ben lontano dall’essere anche solo moribondo in quegli anni???
Io di risposta tiro fuori la mia frusta, rubata sul set di I cacciatori del Cobra d’oro, perché a Malastrana vhs fa più figo avere un oggetto di scena di un film di Anthony M. Dawson che di Steven Spielberg, e colpisco sulle chiappette tutti voi saputelli gne gne di stocazzo.

Il diavolo abita in Texas è stato sì filmato nel 1987 col titolo Through the Fire, ma è stato distribuito a fine anni 90 negli USA col più incisivo Gates of hell 2: the Awakening, diretto diretto in vhs.
E visto che noi in Italia non facevano uscire bellezze come Pumpinkhead o Basket Case, ma cosacce come Neon maniacs o Il ritorno degli zombi, ecco che Il diavolo abita in Texas, tanto per agganciarsi al Texas di Non aprite quella porta, ha fatto capolino tra i nostri scaffali da videoteca.
Ad editarlo, senza molti sforzi, la nostra storica Image video, un’etichetta famosa per i suoi titoli horror scarsi, la sua qualità video indegna e i doppiaggi da emorroidi letali.
Anche qui il livello qualitativo è basso, sia della resa su sopporto magnetico sia proprio del film proposto.

Gates of hell 2, inutile dirlo, non ha nulla da spartire con Lucio Fulci e il suo Paura nella città dei morti viventi, famoso in America appunto come Gates of hell.
La trama cerca di coniugare il tema del satanismo con il filone thriller poliziesco sfarfallando di tanto in tanto nell’irrazionale lovecraftiano, fallendo comunque miseramente ogni strada imboccata.
Colpa è dell’incapacità del suo regista, della pochezza della trama e di un ritmo che, se in Fulci era trasognato, qui è solo noia allo stato puro.
Il regista Marcum cerca di omaggiate Paura con delle luci molto violente, un po’ alla Suspiria o Inferno dei poveri, e nell’inserire a forza uno zombastro assassino nella trama.
Anche gli omicidi che potrebbero calcare nel sangue e nelle frattaglie, in onore del padre del gore italico, risultano castrati e mancanti della minima tensione, senza neppure l’elemento bizzarro che potevano avere gli assassinii all’interno di Paura nella città dei morti viventi.

Il finale è sicuramente la parte migliore, anche perché possiamo finalmente goderci un po’ di sano irrazionale, con musiche potenti alla Fabio Frizzi e un assedio di zombi putrefatti e cattivi, ma la goduria finisce presto davanti a un make up malfatto dei mostri e una virata action alla Stallone delle Filippine che lascia basiti.
Per non parlare poi dell’umorismo becero, dei non attori coinvolti e dei costumi da comparsa di Gardaland dei cattivi, i Satanisti meno carismatici della storia del cinema mondiale.
Trovare un punto di divertimento malastrano è arduo, forse impossibile.
Per i puristi c’è da sottolineare che la pellicola nella vhs italiana è più lunga rispetto alla copia USA e ha alcuni nudi non presenti, soprattutto all’inizio quando Tamara Hex chiama Tom Campitelli in dolce compagnia.
Poca roba, s’intende.

C’è poi da segnalare che col titolo Through the Fire fu distribuito in Inghilterra.
A noi non resta che sconsigliare la visione e consigliarvi una volta di più quella di Paura nella città dei morti viventi o al massimo di un altro Gates of hell, Le porte dell’inferno, di Umberto Lenzi, film brutto da morire, con templari assassini, ma divertente davvero se amate le peggio cose.
Qui da amare c’è ben poco nel lavoro di Gary Marcum o G.D. Marcum, come si è firmato qui.

Andrea K. Lanza

Il diavolo abita nel Texas

Titolo originale: Through the Fire

Anno: 1988

Regia: G.D. Marcum (Gary Marcum)

Interpreti: Tamara Hext, Tom Campitelli, Randy Strickland, Billie Carroll, Dan Shackleford, John S. Davies, Wendy Wade, Terry Wegner, Martin Smith, Lourdes Regala, Dan Robbins

Durata: 90 min.

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ash vs evil dead : ep 5 : The Host

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ash vs evil dead, bruce campbell, recensione, sam raimi, the host

Come era finita? Diciamo non benissimo per il povero Ash. Tanto ha detto e tanto ha fatto che è finito legato e imbavagliato, pronto per esser esorcizzato dal zio esorcista, o brujio come si suol dire -almeno penso- di Pablo. Un demone cazzuto, spavaldo, uno di quelli che è meglio lasciar stare, tipo il peggior ras del vostro quartiere, quanto pare si è impossessato di Ash.

Quanto pare…Perché come scopriremo poco dopo, questo demone parassita si è impossessata di Kelly.

Come fare a salvarla? Chi riuscirà a fermare il demone parassita e la sua boccaccia fucina di minacce, maledizioni, schiamazzi e ingiurie? Dio quanto parlano sti bulli delle superiori che Raimi e soci ci vogliono vendere come pericolosi demoni, che magari dovremmo pure temere.

Forse sarebbe possibile in altri lidi e con altre intenzioni, ma Ash è l’ Homer Simpson dello splatter, rivisto sotto le regole della slapstick. Quindi è la fracassonata, l’ironia greve, l’esagerazione pop a farla da padrone. Ad alcuni piace, ad altri no. Per alcuni codesta serie è un capolavoro, per altri no. Ma succede con qualsiasi serie o film. Qui vi è anche una deviazione verso il sentimento. Il mitico Pablo, dichiara il suo amore, in un certo senso, a Kelly. Un bel personaggio quello di Pablo, naif il giusto. Offre più possibilità rispetto al mr Doh con la motosega al posto della mano, ma è giusto così. Ash è un’icona dell’immaginario collettivo e così deve essere e rimanere. Per me un piccolo difetto, ma non conta un cazzo il giudizio di una persona che ha un’idea di horror lontanissima da quella di questa serie e forse anche di Raimi. Conta la leggenda che si riesce a costruire e devo dire che la saga di Evil Dead l’ha superato da tantissimo tempo. Quindi il divertimento non manca, vogliamo vedere come faranno a salvare Kelly, si vuol vedere dove e come agirà Pablo, aspettiamo la battutona di Ash. Un puro spettacolo di intrattenimento con una giusta dose di horror, un demone farabutto che dà filo da torcere ai nostri.

La quinta puntata non deluderà i fans della serie. Questo è fuori di ogni dubbio!

Davide Viganò

Ash vs Evil dead episodio 4: Brujo

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Psichedelica,
nostalgica,
delirante,
introspettiva,
rivelatrice.

Questi sono solo alcuni degli ingredienti che ribollono nel pentolone di sangue e frattaglie ben cucinate che è la puntata quattro di di ASH VS EVIL DEAD.

Al timone della regia troviamo un inedito David Frazee, che si occuperà di mettere in opera anche il prossimo episodio. Proprio la scelta di affidare ad ogni regista due puntate in seguito (fatta eccezione per la prima e l’ultima) ci può aiutare a capire meglio la natura di questa serie televisiva totalmente fuori dagli schemi. Il racconto all’interno di un telefilm può essere portato avanti in tre modi differenti:

1 – Puntate autoconclusive, come ad esempio i vecchi telefilm alla Supercar, A-Team.
2 – Puntate autoconclusive (detto “Il mostro della settimana”) accompagnate da una sottotrama che si snoda durante la stagione (detta Mitologia), come succede in X-Files (da cui nascono questi termini) e nella maggior parte delle serie che oggi vengono prodotte.
3 – Una unica storia divisa in più puntate che intrattiene lo spettatore come in un vero e proprio romanzo televisivo a puntate. Di questa ultima categoria possiamo elencare Il Trono di Spade e The Walking Dead.

ASH VS EVIL DEAD appartiene con fierezza alla terza famiglia, una serie completamente mitologica, ma con le dovute distinzioni. Perché diversamente da altri prodotti con la stessa vocazione narrativa, molto più attenti a modellare le sceneggiature all’interno dello spazio televisivo e delle regole della serialità, il cucciolo catodico della STARZ ha un approccio decisamente più naif. Pettinato nel dettaglio con la motosega, anarchico e insofferente ad una certa fighetteria. Semplice, sverminato di intellettualismi parassitari, ma non privo di ambizione. Quella di Raimi non è un facile adattamento televisivo di un Film, vedi Fargo, Bates Motel, che vanno a riscrivere da zero una storia, quella di Raimi è piuttosto un seguito della Casa 2. Certo, preso a martellate per farcelo entrare nello scaffale, mozzato qua e la per renderlo presentaile, ma avrebbero potuto benissimo intitolarlo Evil Dead 3, o Army of Darkness 2 (anche se non abbiamo ancora capito se L’armata delle Tenebre è inserito nella continuità oppure incatenato al palo di qualche diritto non ceduto).

Non la chiamerei serie, piuttosto film a puntate. Una lunga pellicola distribuita su dieci appuntamenti. Il pregio, o il difetto, della sua palingenesi è proprio questo: l’ambizione di portare sul piccolo schermo un seguito, una nuova avventura, forse un epilogo, a quasi trent’anni di distanza dalla Casa 2. Chi afferma che ASH VS EVIL DEAD non gli piace, non sta dicendo che non gli piace l’adattamento televisivo, piuttosto che non gradisce come è invecchiato ASH.
ASH sei invecchiato di merda
ASH sei il mio modello di pensionato
Data la natura particolare del film a puntate, altre possibili critiche non ne vedo. Sarebbe come proporre un taglio di capelli emo a Telly Savalas.

Ma come detto all’inizio, e senza rivelare troppo, questo quarto segmento è stato:

Psichedelico, perché attraverso uno sciamano ASH si immergerà in un lisergico viaggio iniziatico.

Nostalgico, perché se lo scontro con il Necronomicon è stato uno di quei momenti spartiacque in cui c’è un prima e c’è un dopo, il cuore di un uomo non dimentica, riuscendo anche senza l’ausilio di una DeLorean ad azzerare il tempo.

Delirante, dove in un trip sintonizzato sugli anni ’80 la lucertola di ASH diventa il suo spirito guida, il suo animale totem parlante, la voce ancestrale della salvezza.

Introspettivo, poiché le risposte sono dentro di noi, e certe volte ruggiscono come ruggisce la fame metallica della motosega.

Rivelatrice, perché cazzo, è tutta la vita che mi chiedo ma cosa diavolo è quella roba che lo insegue nei boschi? E per la prima volta ASH si volta a guardare IL MALE PURO e noi ci voltiamo con LUI!
Succedono anche altre cose, ma qualcosa succede sempre.
Ad ogni modo, ASH sei il mio modello di pensionato.

Luigi Pellini

Ash vs Evil dead episodio 3 (Books from Beyond)

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Ed eccoci alla terza puntata della serie tv che sta facendo impazzire nerd e nostalgici di bocca buona, ancora una volta con al timone il buon Michael J. Bassett e ancora un episodio perfettamente in linea con i precedenti. Ecco, lette queste prime righe già potete farvi un idea: se fino ad ora le gesta di Ash vecchio e delle sue anonime spalle vi ha fatto sganasciare accomodatevi tranquillamente e smettete anche di leggere, perchè non si fa alcun passo avanti (ne indietro) a quello che già si è visto. Se fino ad ora vi siete divertiti, continuerete a farlo con un altra mezz’ora di gore cartoonesco e la parlantina dell’imbolsito ma sempre tonto Ash e potete pure smettere di leggere perchè ogni altra osservazione che farò non potrà che trovarvi in disaccordo.

Se invece siete quelli che fino al momento stanno seguendo questo “grande ritorno” con un “mah” stampato sulla faccia allora, mettetevi l’anima in pace perchè anche in questo nuovo segmento il fiato dell’intera operazione dimostra essere ancora cortissimo e anzi, rischia di segnare proprio la decisione di lasciar perdere e magari rivedersi i tre capolavori che furono di Raimi. Il povero Bassett (sempre professionale e capace di  saper giostrarsi tra virtuosismi di riporto e qualche buon momento di puro horror) non ne ha alcuna colpa, è l’operazione alla base che si dimostra assolutamente inadatta. Bruce Campbell è indubbiamente un cazzone simpaticissimo ma ha il grosso problema di non aver tendenzialmente mai smesso di essere ash dall’armata delle tenebre. Chi si è imbattuto nei suoi camei, ma sopratutto sul suo (inutile) film-manifesto My name is Bruce è impossibile che provi sorprese a rivederlo fare per l’ennesima volta le stesse espressioni, le stesse gag e le stesse (auto) prese in giro. Rivederlo nei panni di un ash imbolsito di nuovo alle prese con i mostri e porlo al centro in modo così egocentrico e pornografico era roba che al massimo poteva andare bene per un film tv. Campbell divora tutto e tutti ponendo la serie come un lunghissimo e assolutamente sfiancante one-man-show che già dopo la prima puntata dimostrava di essere assolutamente inadatto per la serialità. Inoltre si accusa tantissimo ed è palpabile che tutto sia stato costruito ed appiccicato senza alcuna cura o un minimo di buon senso arrivando alla lunga anche a risultare fastidiosa.

Ash vs. Evil dead si conferma assolutamente priva di quel perfetto mix di comicità/cartoon e avventura/horror che distingueva Evil dead 2 e Army of darkness e sembra una parodia fanzinara arrabattata di corsa con la sufficienza di chi pensa che basta metterci due vagonate di sangue e un paio di occhiolini al passato che fu che portarsi a casa la pagnotta. Raimi non è un idiota e il motivo che ti tratti come tale fa ancora di più incazzare. E’ palese che non esiste alcuna motivazione per ritirare fuori sto brand se non il lucro più spudorato (con buona pace di chi si smutanda evocando “il ritorno a quello che ama fare”) fatto con la sufficienza di chi non ha più alcun amore verso quello che ha fatto ed è stato. Un precotto da microonde che tenta di dare il colpo alla botte (dopo il pietoso colpo al cerchio con l’ignobile remake di evil dead) a qualcosa che invece era giusto lasciare nel mito e che per fortuna uno scherzo al livello di una loffa in ascensore come questa, per fortuna non scalfirà mai.

Raffaele Picchio

I grandi saggi di Malastrana vhs: l’agenzia immobiliare Evil dead

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La casa da sempre è un posto accogliente, simbolo di distensione, appagamento, rifugio contro i pericoli del mondo. Non stupisce perciò che il cinema horror se ne sia appropriato, capovolgendo questo concetto in una dimensione di terrore e spaesamento. Casa quindi non come simbolo dell’istituzione familiare, ma come luogo luttuoso, violento, spaventoso. Casa come rifugio per demoni sotterranei, per le nostre paure più ataviche diventate realtà. Da sempre il cinema della paura elesse come suo scenario delle dimore maledette, fin dagli albori del cinema in bianco e nero, retaggio di una certa letteratura gotica inglese, ma forse solo con Evil dead ebbe la sua massima espressione.

Era il 1981 quando uno studente di letteratura, Samuel Raingivitz, appena 22enne, decise di ampliare un cortometraggio amatoriale, Within the Woods, dalla trama semplice, una gita nei boschi, una maledizione secolare e zombi violenti. Complici due suoi amici di vecchia data, Bruce Campbell, con velleità di attore, che aveva appena mollato il college per fare il tassista, e Robert Tapert, laureando in economia, tutti spaventati dall’idea di un futuro di calma piatta che col cinema aveva poco a che fare. La passione dei tre era la commedia, ma decisero che il genere più redditizio fosse l’horror: la chiave sarebbe stato di puntare su una pellicola da drive in calcando la mano sul gore, il sangue e un ritmo indiavolato.

I  tre si misero a studiare centinaia di film exploitation tra cui Massacre at Central High, prodotto da Russ Meyer, il regista delle tette a buon mercato, e Revenge of cheerleaders, concretizzando l’idea di uno spettacolo che avesse dentro di sè violenza e sesso. Perciò con solo 1600 dollari, pochi anni prima, i tre avevano realizzato Within the Woods, per capire se il progetto interessava a qualcuno. Il lavoro era rozzo, mal girato, ma pieno d’idee che sarebbero sublimate in seguito nell’anarchia visionaria dei futuri film del regista. In più, avanti nel tempo rispetto alla moda dei film su Lovecraft che sarebbe esplosa grazie a Charles Band, alla sua Empire e Re-animator, Within the Woods parlava del Necronomicon, testo maledetto dei racconti del folle di Providence. La corsa ai finanziamenti per Evil Dead fu piena di porte sbattute in faccia, ma con pazienza e fatica si arrivò alla modesta cifra di 350000 dollari. Tra gli investitori ci fu Andy Grainger, amico di Tapert e proprietario di una serie di sale cinematografiche, che stimolò i giovani consigliando loro: “Ragazzi, non importa cosa vogliate fare, basta che sullo schermo scorra sempre il sangue e conquisterete tutti“. Il resto è un caposaldo del cinema del terrore.

Evil dead

Il film fu girato in 16 mm e in seguito gonfiato a 35, grazie alla fama che comunque il film stava racimolando in giro per il mondo, diventando qualcosa di più che semplice spettacolo settorializzato in un drive in. La cosa che faceva impazzire gli americani era che questo modesto low budget, dalla trama vista centomila volte prima, faceva davvero paura e non assomigliava  a nessuna cosa già vista in precedenza. Era solo di pochi anni prima il successo interplanetario di Shining che sembrava avere detto l’ultima parola sul genere “dimore maledette”. Eppure Evil dead, pur fornendo uno spettacolo più rozzo e male interpretato, aveva riaperto la strada per altre pellicole, non solo, era, senza neppure accorgersene, il primo esponente di una nuova scuola horror, una vera new wave del genere, che avrebbe trasformato gli anni 80 nel periodo più fiorente e sanguinoso del cinema del terrore. Le varie copertine e manifesti del film ingannano lo spettatore: in una di queste un villone sullo stile del cult Ballata macabra di Dan Curtis appare minaccioso con la scritta “Sembra una casa  normale… da fuori”. In realtà il film ha come scenario uno sgarruppato cottage in legno, dalle poche stanze, circondato da un bosco minaccioso. E’ l’anima exploitation del progetto che promette come spettacolo qualcosa che non ha, urlando nelle copertine tutto quello che il budget poteva solo immaginarsi. Il film fu girato nei fine settimana nel corso di un anno e mezzo, e la maggior parte degli effetti speciali e delle tecniche di ripresa del film furono improvvisate sul set e realizzate con mezzi di fortuna. Raingivitz, che firmò l’opera con lo pseudonimo di Sam Raimi, si servì per alcune riprese della shakeycam, una sorta di steadycam di sua invenzione montata su un supporto mobile, che permetteva l’effetto tremolante della macchina da presa. Lo chalet in cui fu ambientato il film era un’abitazione abbandonata che venne distrutta da un incendio poco dopo le riprese. Inoltre esso non aveva alcuna botola, per cui le sequenze con l’ingresso del seminterrato furono girate nella casa di campagna del produttore Robert Tapert mentre scene nella cantina invece vennero realizzate dentro lo scantinato dell’abitazione del regista. Sempre a causa del ridotto budget, gli attori reclutati per il film erano per la gran parte amici di Raimi e Tapert, tanto che alcune scene vennero rigirate molte volte visto che il gruppo scoppiava spesso a ridere durante i ciak.

L’invenzione primaria di Evil dead fu l’uso selvaggio della macchina da presa, il non mostrare la creatura diabolica che si impossessa dei corpi dei giovani, ma la sua visuale, la corsa folle attraverso i boschi e dentro le stanze dello chalet, creando un effetto innovativo di terrore che attraverso la soggettiva generava un clima di paura unica che nessun miliardo avrebbe potuto ricreare con effetti speciali. Si amplifica la lezione voyeuristica del meraviglioso Peeping Tom di Michael Powell: l’occhio del regista, quindi la telecamera e la sua visione, diventano il nostro punto di vista, facendoci prima tifare per i poveri ragazzi per poi farci diventare noi stessi il cattivo, il mostro che li insegue. Le regole classiche di cinema vengono sovvertite in un uso anarchico e innovativo della macchina da presa che mai prima di Evil dead è stato mai portato tanto al parossismo: il cinema e il suo sguardo annientano le barriere di set e di storia, distruggono oggetti, passano attraverso la materia per ingoiare la carne, sfaldarla, renderla quasi materia pittorica di colori acrilici, ricreando, attraverso la miserabilità di un budget pauperistico, nuove forme di linguaggio filmico che non si accontentano di urla e tagli, ma arrivano a riflettere sull’essenza stessa del cinema.

Non a caso vediamo, in una scena, un vecchio proiettore riempirsi di sangue, omaggio sì al consiglio dato da Andy Grainger, ma anche idea precisa di creare non un film sanguinoso, ma un film che sanguina, un’esperienza di terrore che parte dal cinema stesso e dai suoi classici tanto che il commento musicale (meraviglioso di Joseph Lo Duca) è quasi da film muto in contrapposizione agli orrori mostrati. Evil dead è la nouvelle vague del cinema splatter, un’opera che anticipa gli umori del cinema horror, essenziale per tessere le basi per il futuro del genere, sia una nuova carne cronenberghiana che un Demoni baviano. Si può dire quindi che se Dawn of the dead era il punto di non ritorno del cinema splatter, con il suo impegno politico camuffato da bassa exploitation, Evil dead ne è la rinascita, un cinema splatter meno politico, simbolo di un decennio, gli anni 80, di fretta consumistica, ma altamente spettacolare, pieno di effetti, capace di giocare con la bassa materia in maniera visivamente potente in una concezione di horror più di occhi che di cervello, un cinema che attinge le sue basi dalla pittura e usa storie già viste per creare nuove forme di linguaggio, l’equivalente filmica della riciclarte, dove l’immondizia o l’usato diventano materia per altra arte.

Senza falsi giri di parole Evil dead è un capolavoro, imitato, stracitato anche a distanza di più di trent’anni, ma raramente raggiunto come grandezza filmica. Il bello del film di Raimi è la capacità di appassionare, non solo di spaventare: alla fine le scene più urlate come concezione, la fuga col ponte distrutto, le frasi d’amore tra Ash e Linda, la cena prima del ritrovamento del Necronomicon, servono a farci empatizzare con questi personaggi solo abbozzati, la cui morte diventa momento dolorissimo più del loro martirio di carne e spirito.

Evil dead è il film che ogni fan del cinema horror avrebbe voluto vedere, un’orgia violenta dalla velocità di un blu tornado di Gardaland, pieno di scene fantasiose e di mostri spaventosi. Evil dead attinge la sua forza anche da paure ataviche, i boschi da fiaba ne sono un esempio, Raimi non li ripopola soltanto di nuove creature, la variante del lupo di Cappuccetto rosso, ma rende il bosco stesso un mostro senziente, con la sua essenza impalpabile, con le sue mani che diventano piante, con il suo sesso di arbusti e rami che violenta ragazze vergini, con la frase apparentemente gratuita detta da Scott all’amico “Gli alberi lo sanno Ash!”, con l’impossibilità di attraversare il bosco come in una favola scura dei fratelli Grimm.

Lo splatter fa la sua grande parte è vero e stupisce come i trucchi dell’esordiente Tom Sullivan siano tra i più inventivi visti fino ad allora nell’horror. Certo il make up è a volte posticcio, ma è il simbolo stesso di un film dal budget irrisorio, che si fa beffe dei miliardi, e riesce lo stesso con accorgimenti, invenzioni ad essere concorrenziale: come d’altronde prendere sottogamba un horror che riesce a rendere romantico uno smembramento o un finale che trasmuta la carne in una sorta di pongo malleabile? Certo molti si lamentavano delle influenze, l’Esorcista e i suoi vocioni da trans in primis, ma sfido a trovare in questo film un solo momento che sia scopiazzatura e non citazione epidermica, un po’ come il nostro Dylan Dog degli anni 80.

Tra Evil Dead e Evil dead 2 in Italia

Evil dead uscì nel 1983 in Italia come La casa per via dell’inventiva del distributore Roberto Cimpanelli che creò anche la famosa C a forma di mezzaluna della locandina nostrana. D’altronde tradurre letteralmente Evil dead come Morte malvagia sarebbe stato un bagno di sangue al botteghino, onore quindi all’inventiva italiana che nella semplicità permise al film di Raimi di incassare nel Belpaese ben tre miliardi. Certo che aspettare quasi quattro anni per La Casa 2 doveva sembrare un’eternità e perciò lo stessoCimpanelli acquistò i diritti per un’altra casa del terrore, The house, diretta da Steve Miner e da noi uscita come Chi è sepolto in quella casa? con naturalmente la stessa C del capolavoro raimiano. Era l’inizio di un’invasione di case del cinema del terrore che avrebbe visto l’inquietante Superstition diventare La casa di Mary e una serie di immobili pieni di fantasmi prodotti in Italia. Chi è sepolto in quella casa? è un ottimo fantasy dalle venature horror, fantasioso e ben diverso, sia come registro che come resa, dal capolavoro raimiano. Innanzitutto il sangue è ridotto a poco o niente, più interesse è mostrato verso una sceneggiatura densa di umorismo senza sfociare nella cretineria, che parla di porte infradimensionali e di zombi dalla consistenza di un rimpianto passato.

Modello è senza dubbio il misconosciuto The Jar di Bruce Toscano, confuso horror che anticipava tutte queste idee, ma non sapeva sfruttarle in pieno per colpa di una regia non all’altezza e un plot troppo confusionario. Al timone però qui c’è lo Steve Miner del secondo e terzo capitolo di Venerdì 13 che presto avrebbe abbracciato la commedia pura con il bel Soul man, ma che qui ancora flirtava con l’horror, in un mix sapientemente gestito, e non senza un paio di spaventi ben assestati. A interpretare l’eroe della storia il divo televisivo William Katt, fresco fresco dal successo di Ralph supermaxieroe, e qui ottimo nel ruolo del protagonista Roger Cobb, in un cast comunque eccellente e ben assortito.

Ottimi gli effetti speciali con creature mostruose variegate, e orecchiabile i commento musicale di Harry Manfredini, veterano dei Venerdì 13. Ma se il film di Miner era ottimo, lo stesso non si può dire del seguito, La casa di Helen, diretto da uno dei due sceneggiatori del primo capitolo Ethan Wiley (l’altro era Fred Dekker), dove tutte le cose buone del film precedente vengono buttate sul demenziale in un intreccio che mischia sciaguratamente passaggi infradimensionali con trovate che si vogliono buffe, ma che risultano solo patetiche. Peccato perchè i trucchi soni sempre di alto livello, ma il film resta una delusione cocente, senza quasi nessun contatto con il prototipo. Cosa curiosa è che The house 2 venne presentato sui listini dei film in uscita nella stagione 87/88  come La casa 2, per poi essere reintitolato La casa di Helen, favore personale di Cimpanelli a De Laurentis che aveva prodotto il vero Evil dead 2 in uscita imminente.

Evil dead 2

Evil dead 2 arriva dopo l’insuccesso di Sam Raimi con la commedia I criminali più pazzi del mondo (Crimwaves), scritta dagli amici registi Ethan e Joel Coen. L’amore del regista per il demenziale, ma anche per i cartoni animati alla Tex Avery, viene percepito più che nel film d’esordio. Gli elementi sono gli stessi, tanto che il film a tratti sembra un remake camuffato, ma è l’approccio cartoonesco ad essere diverso: esemplare la scena dove Ash (Bruce Campbell) si amputa una mano e questa torna a sfotterlo in un’apoteosi di muri rotti come sagome di Willy il coyote, e sangue a geyser tanto irreale da non fare paura. De Laurentis, come detto, produce il tutto e lascia estrema libertà al regista, ma gli chiede soltanto il favore di non calcare la mano sulla violenza. La risposta di Raimi è un ni, ovvero il film è sempre estremo, ma il sangue è innaturalmente verde e il tutto è così grottesco e surreale da non generare il disgusto dello spettatore, tanto che la pellicola non otterrà neppure il vietato ai minori di 14 anni al cinema. L’impossibilità di riutilizzare le sequenze del primo film (proprietà di un altro produttore) fanno rigirare al regista una condensazione di Evil dead nei primi 15 minuti prima di dare il via alle danze di questo strano splatter comico, apripista per una serie di produzioni umoristiche che avranno la massima espressione nei lavori neozelandesi di Peter Jackson. La sceneggiatura originale pare prevedesse uno sviluppo dell’opera di quasi 3 ore con l’intro di quasi 90 minuti (!!!), ma alla fine si optò per un’ora e trenta scarsa di girato. Evil dead 2 all’epoca stupì un po’ tutti perché, pur essendo un sequel, non assomiglia per nulla al precedente. Tutto ne La casa 2 è folle, dalla violenza iperrealistica alle scene incredibili, Ash che ride insieme a delle lampade o a un cervo, la danza di Linda risorta con la testa mozzata a mo’ una bombetta, il finale medioevale, l’occhio che vola in bocca a una scream queen, creando quasi un impossibile musical all’Apprendista stregone Disney dove sono le immagini a dare il ritmo indiavolato al tutto. Non per niente Evil dead diventerà con l’andare del tempo anche uno spettacolo musicale di un certo successo, rappresentato in tutto il mondo, non indegno della tradizione del Rocky horror picture show.

Case in affitto

Per un Evil dead 3, ovvero L’armata delle tenebre, bisognerà aspettare il 1992, quindi ben sei anni, ovvio che il buon Cimpanelli, si fosse affrettato in fretta e furia a depositare il titolo in SIAE di La casa 3, ma inutilmente. Infatti il distributore Achille Manzotti era arrivato prima di lui, ma non solo, si era accaparrato anche l’esclusiva di la Casa 4, 5 e 6. Iniziò una battaglia legale che inaspettatamente vide perdere Cimpanelli, il quale con la coda tra le gambe prese il restante La casa 7 per un futuro film. La casa 3 (Ghosthouse), prodotta da Aristide Massacesi (il grandissimo Joe D’Amato) e la sua Filmirage, e diretta dal veterano Umberto Lenzi, uscì nei cinema italiani nel 1988, forte di una copertina che echeggiava il precedente La casa di Mary. Si pensò bene di girare l’opera nel Massachusetts e, grazie a un cast e dei credits completamente anglofoni (il regista si chiamò per l’occasione Humphrey Humbert), il film fu furbescamente venduto come horror americano, ottenendo anche un discreto successo. La casa 3, a parte il nome del fantasma Henrietta (come la moglie dell’archeologo di Evil dead 2), non ha spunti in comune con i due capitoli di Sam Raimi, anzi sembra più che altro rifarsi agli Amityville, soprattutto per l’idea di una casa grande e piena di orribili segreti,  ben lontana dalla catapecchia dove Bruce Campbell lottava contro i demoni kandariani.

Lenzi, maestro di polizieschi anni 70, gira distrattamente, il suo horror è interpretato malissimo da attori allo sbando, gli effetti speciali sono poco speciali, e il film è di noia abissale. Si salva solo la nenia del pupazzo malvagio e una certa originalità negli omicidi, più da thriller argentiano, ma è poca cosa davvero. Meglio si va con La casa 4 (Witchcraft) diretta da un bravo Fabrizio Laurenti agli esordi con lo pseudonimo di Martin Newlin, alle prese con una storia che echeggia Hellraiser non senza una certa inventiva sia di messa in scena (le morti sono da antologia) che di originalità nell’approcciarsi ad un horror tutto sommato usa e getta. Il cast, ricco e pieno di nomi famosi all’epoca, tra i quali spicca il David Hassellhoffdi Supercar e la Linda Blair de L’esorcista, riesce a conferire una certa internazionalità che il precedente diLenzi non aveva, malgrado la location americana (anche qui si è comunque in Massachussetts). La strega, interpretata dalla diva del cinema anni 50, Hildegard Knef, ha la potenza inquietante della Bette Davis di Ballata macabra, accresciuta dalla recitazione sopra le righe dell’invecchiata attrice, a sua volta fantasma di una giovinezza ormai sfiorita. Il film è sanguinoso e di buonissima fattura (a parte alcune effetti ottici risibili), tanto da essere La casa apocrifa più di successo. Questo ringalluzzì Massaccesi che l’anno dopo buttò nei cinema La casa 5 (Beyond darkness), questa volta diretto dallo specialista Claudio Fragasso dietro lo pseudonimo abituale di Clyde Anderson.

Il risultato purtroppo è insoddisfacente, non tanto per la regia elegante, ma per una storia che inizia anche bene, ma che sfocia presto nel deja vu esorcistico a buon mercato. Alcuni momenti sono inquietanti, si veda il cigno nero o l’arrivo delle megere accompagnate dalla nebbia, ma nè le interpretazioni degli attori (a parte un gigionesco David Brandon) nè il plot (in origine pensato come sequel del precedente) sono oltre il miserabile, con un budget inadeguato anche per una produzione d’imitazione americana. Questa fu il capitolo apocrifico che incassò di meno e fece fallire il progetto de La casa 6 per la regia di Edoardo Margheriti. Come detto però uscì comunque, anche senza la sei, La casa 7, terzo segmento dei The House, con la stessa cover del primo Evil dead di Sam Raimi. Questa produzione, mediocre anch’essa, vedeva alla regia lo shooter David Blyth sostituito dopo poco dal compianto James Isaac, futuro autore di Jason X e effettista per David Cronenberg, in una produzione troppo sbilanciata per appassionare. House 3: the horror show scopiazza senza pudore il plot del contemporaneo Sotto shock di Wes Craven, senza avere la sua stessa creatività nel mettere in  scena uno slasher futuristico. Dispiace vedere coinvolti in questo pasticcio il bravo Lance Heriksen e l’ottimo caratterista Brion James, ma il film vale poco o niente: mai spaventoso, spesso confuso, fa rimpiangere le case italiche più scalcagnate. Ed è tutto dire.

La saga di The house continuò con un quarto (orribile) capitolo che vedeva in scena ancora William Katt, ma stavolta si abbandonò il marchio La casa con la c a forma di falce, per un più anonimo House 4 presenze impalpabili (anche se fu annunciato col  titolo Disney Chi ha ucciso Roger? intendendo il Cobb del film di Miner non il Rabbit di Zemeckis. Infatti ormai con troppe produzioni, per lo più  scadenti, l’attenzione del pubblico era scemata e, soprattutto con l’uscita di almeno una decina di titoli truffa uno di seguito all’altro, si era fatta di ogni erba un fascio. Sia d’esempio il bel Dream Demon che uscì in Italia come La casa al numero 13 di Horror street e le uniche parole non scritte in lillipuzziano era La casa e il 13, creando l’illusione di avere perso almeno 6 capitoli e di assistere a La casa 13!

Tra le imitazioni più spudorate del ciclo si può segnalare il delirante Il bosco 1 di Andrea Marfori, oggetto di un culto scellerato postumo che sublima l’effettiva brutta qualità del prodotto.

La vera Casa 3: L’armata delle tenebre

Nel 1992 viene finalmente girato da Sam Raimi il terzo capitolo del suo The evil dead intitolato semplicemente Army of darkness, e il risultato è ancora diverso dai precedenti capitoli. Se la prima parte era un horror gore, la seconda un horror umoristico con sterzate violente, il terzo è un fantasy comico con sporadici elementi horror. Bruce Campbell diviene l’anima del progetto, il suo alter ego è protagonista assoluto di una vicenda cartonesca, simbolo di un americano medio che nei film scifi anni 50 dimostrava una stupidità superiore a quello dei pazzi cattivi. Arrogante, ignorante, pusillanime, vigliacco, truffatore, Ash è l’antieroe per eccellenza, parodia di un certo cinema muscolare che voleva battute ad effetto e tanta azione. L’armata delle tenebre è una specie di Mr smith va a Washinghton di Frank Capra in chiave fantastica dove il Candido voltairiano è stavolta un gran figlio di puttana che uccide demoni con fucili a canna mozza, seduce ragazze e quasi diventa imperatore di un regno senza nessun merito che non sia la codardaggine. La messa in scena è potente grazie anche al budget di 11 milioni di dollari (contro i 3, 5 del 2 e i 350000 del primo) così da permettere una grandiosa scena di battaglia tra uomini e scheletri che echeggia quella di Ray Harryhausen per Gli argonauti. Ma non solo, il ritmo, già spinto all’eccesso nel capitolo precedente, viene ancora velocizzato in un continuo di trovate riuscite, di combattimenti parossistici e  omaggi al cinema passato che rendono Army of darkness un divertissement che può tranquillamente mettere insieme i gusti dello spettatore medio e del cinefilo snob.

Ash vs Evil dead.

Arriva come un fulmine a ciel sereno Ash vs Evil dead, il seguito della saga Evil dead (Army of darkness è fuori per beghe di diritti), 10 episodi da 30 minuti (il pilot di 45) con Bruce Campbell come protagonista e Sam Raimi a supervisionare il tutto. A produrre invece ci pensa la Starz di Spartacus e Black Sails, una piccola realtà televisiva capace di farsi conoscere e apprezzare dal pubblico grazie alla propensione per il sangue e i nudi. Un terreno fertile per Evil dead, lontano da censure, pagando, forse, l’unico scotto del basso budget, ma è dalla miseria d’altronde che Evil dead è nato. Ash vs Evil dead mentre scriviamo è arrivato al secondo episodio, uno girato da Sam Raimi in persona e l’altro da Michael J. Basset, due frammenti buonissimi in entrambi in casi, vero cinema wow che vive d’emozione, cazzate e applausi a bocca piena. Nella settimane a seguire altri registi si affiancheranno ai due, tra i quali lo shooter Starz Michael Hurst, sperando che alla lunga, unica paura nel guardare la serie, il gioco non si spezzi e non tendi ad annoiare. Noi comunque restiamo fiduciosi anche perché stiamo parlando di  Evil dead, un film che con due lire e tanta fame era riuscito non solo ad essere un capolavoro, ma a sovvertire le regole del cinema horror, creando dal niente milioni di altre case manco fosse un’agenzia immobiliare. Tutto può essere possibile allora no?

Andrea Lanza

Interruzione delle trasmissioni: Ash vs Evil dead episodio 2 (Bait)

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ash, bait, evil dead, la casa, michael j basset, recensione episodio 2 ash vs evil dead, sam raimi

Di Ash vs Evil dead ne ha parlato ampiamente il nostro Ash Manuel Leale qualche giorno fa, ma ci tenevo a farvi sapere settimanalmente come prosegue la serie più ganza dell’universo, quella che, dopo anni e anni di attesa, ha riportato sul (piccolo) schermo l’amato Ash(ley) della serie Evil dead.

Sabato in America è andata in onda la seconda puntata, con la durata purtroppo ridotta a 30 minuti, rispetto ai 45 del pilot girato con inaspettata grazia dal suo creatore Sam Raimi.

Ritroviamo più o meno gli stessi elementi che ci hanno appassionato nel precedente episodio: senilità vestita da figacionaggine, esagerazione e battute ad effetto, low budget camuffato da luna park adrenalinico e, naturalmente, loro, i demoni kandariani.

A girare stavolta è Michael J. Basset, un buon regista purtroppo mai esploso con un film degno del suo talento. Eppure di occasioni, più della via lastricata del diavolo, Michael ne ha avute, ma ha saputo sprecarle con l’abilità di uno studente dotato ma svogliato.

Prendiamo per esempio il suo Salomon Kane: racconto stracazzuto di Robert E. Howard, colui che ha dato le origini a Conan il Barbaro e ad un universo immaginifico dai pochi paragoni. Si può fallire? Se non ti chiami Marcus Nispel no, ma ecco che arriva Michael nostro e gira un film che preso a spizzichi e bocconi ti fa dire wow, d’altronde Basset sa girare e bene. C’è tutto quello che potrebbe colpire l’immaginario di un adolescente, tette a parte: demoni, specchi riflettenti altre realtà, combattimenti all’arma bianca, un eroe senza macchia dal passato tenebroso e horror come un fumetto di quelli strafighi, alla Lanciostory. Che abbiamo invece? Un fantasy che non è né carne né pesce, che non appassiona mai e a tratti risulta noioso, il corrispondente di una commedia di Oscar Wilde garbata e intelligente quando invece senti il cazzo duro e vuoi solo una troia da scopare. D’altronde si parla di barbari, di epoche scure, non di pranzi eleganti alla ristorante Michelin. Il Van Helsing della serie B è bocciato.

Sembra figo eh? Non avete visto il film allora

Va beh dici, Deathwatch era caruccio, noioso ma caruccio, e Wilderness, pur se scritto da una scimmia ubriaca, aveva grandi momenti splatter, quindi con il secondo film di Silent Hill deve per forza andare bene. No? No.

Il primo Silent Hill era girato da un Christopher Gans in forma smagliante, uno dei migliori film tratti dai videogames di sempre, capace di catturare sia l’appassionato della serie originale Konami che lo spettatore di horror non proprio incline alla playstation. Ma ecco che arriva Basset e gira un disastro a tratti invendibile, volgare e ridondante nel giostrare le atmosfere della città silente, incapace di creare una storia appassionante pur se echeggiante l’ottimo terzo capitolo del videogioco, una cosa incredibile, capace di affossare in un attimo anche il ricordo del film di Gans.

Preso a sequenze Silent hill revelations sembra gagliardo… Sembra…

Quindi con Bait, la seconda puntata di Ash vs Evil dead, ci siamo aspettati il peggio, soprattutto dopo l’antipasto succoso servito da Sam Raimi nel pilot della settimana scorsa. Invece, cazzo, fortunatamente abbiamo sbagliato.

Si inizia con uno scontro tra Ash, il compare Pablo e un demone kandariano nascosto in auto, il suo ex capo del reparto ferramenta, una lotta a folle velocità su una strada, girata molto bene e adrenalinica. Il sangue scorre copioso e iperrealista, una cosa che ti lascia basito e ringrazi la Starz di non avere soldi ma lasciare comunque una libertà cinematografica incredibile ai suoi autori, sia si tratti di Spartacus che di Black Sails. Fanculo le fighette, vero Ash?

Ma la cosa più bella avviene dopo, quando i nostri eroi sono invitati a cena a casa della bella Kelly, dove si festeggia il ritorno della mamma di lei, forse un altro demone. Ecco che qui si celebra il più commovente e sentito omaggio al primo Evil dead, quello serio, dove si ripete in chiave farsesca, lo stesso spirito sadico del precursore. Via quindi di armi da taglio conficcate, di voci gutturali, di demoni truffaldini, con il make up diverso e minimale che non può non ricordare quello analogo di Teresa Tilly che urla “la mia bella pelle!“. In pochi minuti i mostri di Kandar si riappropriano delle loro origini, contaminandole certo con echi di Evil dead 2, ma mantenendo un certo rigore nello spirito.

Peccato che Ash vs Evil dead generi assuefazione e che trenta minuti siano un nonnulla. Però diamo dato atto ad una serie capace di attuare un miracolo: concedere l’occasione di una vita Michael J. Basset, quella di non sembrare il deficiente della new have horror, il cretinetto dai calzoni corti che Lucky Mckee e Neil Marshall prendono a scappellotti e smutandano nell’ipotetica High School dei registi di genere.

Ash vs Evil dead al suo secondo episodio comunque è già mito. Speriamo solo che il gioco tenga fino alla fine. Ma, tra parentesi, Army of darkness che fine ha fatto nella continuity?

Andrea Lanza

Grazie al Necronomicon riuscirò a girare un film decente!

Alla Prossima settimana!